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Première actualité diffusée au théâtre - Histoire

Première actualité diffusée au théâtre - Histoire

Le premier film d'actualités a été projeté dans un théâtre parisien par Charles Pathé. L'année suivante, les films d'actualités ont été introduits dans les cinémas américains, où ils sont devenus très populaires

Premier film d'actualité diffusé au théâtre - Histoire

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L'histoire des drag queens est une évolution d'une pratique théâtrale commune à une forme de divertissement primée qui a acquis une légitimité à la fois sur la scène nationale et internationale.

Le drag en tant que forme d'art a explosé en grande partie grâce à la vie et à la carrière de RuPaul Andre Charles – sans doute la drag queen la plus célèbre au monde aujourd'hui. La revendication actuelle de RuPaul est son mandat en tant qu'hôte et visage de l'émission de télé-réalité Course de dragsters de RuPaul qui a changé l'histoire de la drague.

L'émission de téléréalité de compétition pour les drag queens a été diffusée pour la première fois sur le réseau Logo TV en 2009. Près de 10 ans plus tard, l'émission a une audience massive qui s'étend au-delà de la communauté LGBTQ + et de ses alliés, un certain nombre de retombées, notamment Course de dragsters de RuPaul en Thaïlande et Course de dragsters de RuPaul au Royaume-Uni, ainsi qu'un Emmy Award 2018 pour le programme de compétition de réalité exceptionnelle. RuPaul a même remporté l'Emmy du meilleur hôte en 2018.

Avec son succès grand public, certains peuvent être surpris d'apprendre que l'histoire du drag en tant que forme de divertissement remonte à l'époque shakespearienne et à des fins plus utilitaires. En effet, l'histoire du drag semble être inextricablement liée au théâtre, et avant le théâtre de l'époque de Shakespeare, la scène était utilisée à des fins religieuses.

Drag a donc un peu d'histoire dans le monde religieux.

Mais au XVIIe siècle, lorsque les pièces de Shakespeare ont été jouées pour la première fois au Globe Theatre de Londres, seuls les hommes étaient autorisés à participer aux productions, comme ils l'étaient aux rites religieux. Ainsi, lorsque les pièces incluaient des rôles féminins, les acteurs masculins s'habillaient en femmes pour combler le vide.

Wikimedia Commons Une représentation d'une scène du roi Lear, mettant en vedette des artistes habillés en drag.

C'est dans le théâtre que le terme « drag » serait né. Lorsque les hommes jouaient des rôles féminins, ils discutaient soi-disant de la façon dont leurs robes de costume « traîneraient » sur le sol.

Le drag a commencé à devenir une forme de divertissement plus individuelle (au lieu d'être utilisé dans le cadre d'une performance d'ensemble) lorsque l'usurpation d'identité féminine a été introduite dans la culture américaine via le genre connu sous le nom de « vaudeville ».

Les performances de vaudeville ont gagné du terrain au début du 20e siècle aux États-Unis et combinent comédie, musique, danse et burlesque pour créer un type de divertissement en direct décalé.

L'usurpation d'identité féminine est rapidement devenue une facette de l'expérience de divertissement vaudevillian. C'est à travers le vaudeville que la première drag queen officielle bien connue a vu le jour, du nom de Julian Eltinge. Sa popularité a dépassé le vaudeville et son succès lui a valu le titre d'acteur le mieux payé au monde, dépassant même Charlie Chaplain à l'époque.

L'usurpation d'identité féminine et l'histoire du drag se seraient mêlées à la culture gay vers les années 1930. Lorsque les États-Unis sont entrés dans l'ère de la prohibition, qui a aboli la production et la consommation d'alcool de 1920 à 1933, les hommes homosexuels ont utilisé les clubs underground et les bars clandestins comme une occasion de s'exprimer et de s'amuser.

Public Romain Review Rae Bourbon, un artiste de drag populaire de l'ère "Pansy Craze".

Hors de vue de la loi, les hommes homosexuels se sentaient libres d'être eux-mêmes dans la scène underground de la prohibition et se sentaient également libres de s'habiller en drag queens.

La popularité croissante des bars clandestins où la traînée était bien accueillie pendant la prohibition est devenue connue sous le nom de « la folie des pensées ». Mais même longtemps après la fin de la Prohibition, les bars gays qui présentaient du drag pendant cette période ont continué à fonctionner jusque dans les années 50 et 60.

Pendant ce temps, une culture plus large a continué à criminaliser la culture gay et la police a réprimé ces bars gays. En réponse, la scène du drag s'est déplacée dans un sens underground. La communauté gay a continué à prospérer malgré le fait qu'il était illégal pour eux de se faire servir de l'alcool dans les bars, ou même de danser ensemble. La State Liquor Authority et le New York Police Department ont régulièrement fait des descentes dans les bars qui accueillaient des clients homosexuels.

Curieusement, ce serait la mafia new-yorkaise, et la famille génoise en particulier, qui donneraient secrètement un débouché aux drag queens et à la communauté gay. En 1966, un membre de la famille criminelle Genovese a acheté le Stonewall dans le Greenwich Village de Manhattan, qui deviendrait alors un centre de la culture gay et l'épicentre d'une série d'émeutes en 1969 qui ont eu pour effet de galvaniser la communauté gay contre leurs oppresseurs.

À la pointe de ce mouvement, la drag queen Flawless Sabrina a organisé plusieurs concours à travers les États-Unis qui ont présenté des drag queens un peu comme un concours de beauté traditionnel.

Grove Press/Photofest La drag queen Crystal Labeija en compétition dans un concours de beauté drag à la fin des années 1960.

Elle a été arrêtée à plusieurs reprises et est apparue en travesti en public, y compris en étant invitée dans des talk-shows, ce qui était du jamais vu à l'époque.

Les membres LGBTQ de couleur ont simultanément créé leurs propres refuges dans les quartiers chics de Manhattan, dans des quartiers comme Harlem et Washington Heights. C'est ici que l'on pense que la culture du drag « ball » est née au début des années 1970.

C'est alors que la culture du drag a semblé s'intégrer lentement dans la société dominante avec de telles performances de drag et de genre de l'acteur Tim Curry dans le Rocky Horror Picture Show de 1975. et les styles esthétiques du musicien David Bowie.

François LE DIASCORN/Gamma-Rapho via Getty Images Drag queen Divine se produisant à New York dans les années 1970.

Les années 1980 ont vu une expérimentation encore plus grande de la drague et de la flexion des sexes dans la musique et le cinéma à travers des artistes tels que Boy George et Pete Burns.

Dans les années 1990, le monde était prêt à rendre la drag queen plus mainstream que jamais. En effet, la drag queen à la tête de cette acceptation n'était autre que RuPaul Charles qui allait changer l'histoire du drag à l'ère moderne.

RuPaul s'est fait un nom à la fin des années 80 et au début des années 90 sur la scène des clubs de New York. Il est devenu une célébrité locale qui lui a jeté les bases d'un succès à l'échelle nationale.

Ce succès est venu sous la forme de son single à succès de 1993 "Supermodel (You Better Work)". La chanson a catapulté RuPaul, qui est devenu peu de temps après la première drag queen à devenir le porte-parole d'une grande entreprise de cosmétiques avec MAC Cosmetics, a eu son propre talk-show sur VH1, et une émission de radio matinale sur WKTU.

Catherine McGann/Getty Images RuPaul Charles pose pour un portrait de groupe en novembre 1992 à Times Square, New York.

En 2009, RuPaul a créé sa série de compétitions de téléréalité Course de dragsters de RuPaul. Le spectacle est depuis devenu un phénomène populaire.

À l'ère moderne, où Internet peut mettre en lumière les communautés marginalisées, le drag a trouvé une base de fans devenue plus grande que nature. La drag queen est de nouveau entrée dans le grand public – et cette fois, il semble qu'elle soit là pour rester.

Après ce regard sur l'histoire des drag queens, jetez un œil aux drag queens les plus célèbres du 20ème siècle. Ensuite, apprenez-en plus sur les émeutes de Stonewall et sur l'impact de ces événements sur le paysage des droits des homosexuels en Amérique.


Les frères Lumière, pionniers du cinéma

Après que son père Antoine, un célèbre portraitiste devenu photographe, ait ouvert une petite entreprise de plaques photographiques basée à Lyon, Louis Lumi&# xE8re a commencé à expérimenter avec l'équipement que son père fabriquait. En 1881, Louis, 17 ans, a inventé un nouveau processus de développement de film &# x201Cdry&# x201D, qui a suffisamment stimulé l'entreprise de son père&# x2019 pour alimenter l'ouverture d'une nouvelle usine dans la banlieue lyonnaise. En 1894, les Lumières produisaient quelque 15 millions de plaques par an.

Cette année-là, Antoine Lumi&# xE8re a assisté à une exposition d'Edison&# x2019s Kinetoscope à Paris. À son retour à Lyon, il a montré à ses fils une longueur de film qu'il avait reçu de l'un des concessionnaires d'Edison&# x2019s, il leur a également dit qu'ils devraient essayer de développer une alternative moins chère à l'appareil de visionnage de films judas et son homologue encombrant de l'appareil photo, le Kinétographe. Alors que le Kinetoscope ne pouvait montrer un film qu'à un seul spectateur, Antoine a exhorté Auguste et Louis à travailler sur un moyen de projeter le film sur un écran, où de nombreuses personnes pourraient le voir en même temps.

Cinématographe Lumi&# xE8re, 1895 (Crédit : SSPL/Getty Images)

Auguste a commencé les premières expériences à l'hiver 1894, et au début de l'année suivante, les frères avaient mis au point leur propre appareil, qu'ils ont appelé le Cin&# xE9matographe. Beaucoup plus petit et plus léger que le Kinetograph, il pesait environ cinq kilogrammes (11 livres) et fonctionnait à l'aide d'une manivelle à main. Le Cin&# xE9matographe a photographié et projeté des films à une vitesse de 16 images par seconde, beaucoup plus lente que l'appareil Edison&# x2019s (48 images par seconde), ce qui signifiait qu'il était moins bruyant à utiliser et a utilisé moins de film.

L'innovation clé au cœur du cinématographe était le mécanisme par lequel le film était transporté à travers la caméra. Deux broches ou griffes ont été insérées dans les trous d'entraînement perforés dans la bande de film celluloïd, les broches ont déplacé le film puis se sont rétractées, laissant le film immobile pendant l'exposition. Louis Lumière a conçu ce processus de mouvement intermittent basé sur le fonctionnement d'une machine à coudre, une tactique qu'Edison avait envisagée mais rejetée en faveur du mouvement continu.

Appareil trois-en-un capable d'enregistrer, de développer et de projeter des films, le cinématographe restera dans l'histoire comme le premier appareil photo argentique viable. En l'utilisant, les frères Lumière ont filmé des images de travailleurs de leur usine qui partaient à la fin de la journée. Ils ont montré le film résultant, &# x201CLa Sortie des ouvriers de l&# x2019usine Lumi&# xE8re&# x201D (&# x201CWorkers quittant l'usine Lumi&# xE8re&# x201D) lors d'une réunion industrielle à Paris en mars 1895, il est considéré comme le très premier film.

Affiche pour les premiers films projetés par les frères Lumi&# xE8re (Crédit : Universal History Archives/Getty Images)

Après plusieurs autres projections privées, les frères Lumi&# xE8re ont dévoilé le Cin&# xE9matographe lors de leur première projection publique le 28 décembre 1895, au Grand Café de Paris&# x2019 Boulevard de Capucines. Au début de 1896, ils ouvriront des cinémas Cinématographe à Londres, Bruxelles, Belgique et New York. Après avoir réalisé plus de 40 films cette année-là, pour la plupart des scènes de la vie quotidienne des Français, mais aussi le premier film d'actualité (séquence du colloque de la Société Française de Photographie) et les premiers documentaires (sur les pompiers de Lyon), ils commencent à envoyer d'autres cameramen-projectionnistes. dans le monde pour enregistrer des scènes de vie et présenter leur invention.


CHRONOLOGIE DU THÉÂTRE

Filtrer la chronologie pour afficher :

La fermeture prématurée d'une pièce désastreuse du dictateur italien, Benito Mussolini, a quitté le New Theatre - maintenant le Noel Coward - dans le besoin désespéré d'une production. Robert Atkins et Sydney Carroll présenter une production « en noir et blanc » de Douzième Nuit, qu'ils transfèrent ensuite dans un théâtre de fortune à Regent's Park.

La première saison complète comprend une reprise de l'année précédente Douzième Nuit et la première d'une cinquantaine de productions différentes de Le Songe d'une nuit d'été jouer au théâtre au cours des quatre-vingts prochaines années.

gGeorges Bernard Shaw écrit Le Six de Calais pour le théâtre

Jack Hawkins et Anna Neagle étoile comme Orsino et Olivier dans Douzième Nuit. Robert Helpmann danse dans un ballet « al fresco ».

Vivien Leigh pièces Anne Boleyn dans Henri VIII.

Le pays est en guerre et le théâtre ne produit que des saisons en matinée en raison des pannes d'électricité. Théâtre en plein air de Regent's Park et le Théâtre du moulin à vent sont les deux seuls théâtres de Londres à rester ouverts pendant toute la guerre.

ulcie gris et Michel Bentine rejoindre l'entreprise pour Le Songe d'une nuit d'été, Douzième Nuit et La Mégère apprivoisée.

Les comédies d'après-guerre dominent le programme mais s'équilibrent avec le roi Jean (1948), Faust (1949), Le conte d'hiver (1950) et Cymbeline (1952).

Des loges en briques sont construites derrière la scène, remplaçant les tentes qui servaient auparavant.

Eileen atkins apparaît comme un accompagnateur dans Le travail de l'amour est perdu.

La compagnie est invitée à se produire Douzième Nuit et Hamlet au Fête de Baalbek au Liban. Il s'agit du premier des nombreux engagements à l'étranger du théâtre en plein air au cours des années suivantes, en collaboration avec le British Council, la compagnie se produirait dans plus de vingt pays différents, dont Dubaï, la Russie, Israël et l'Égypte.

passionné de Conville et David Guillaume établir La nouvelle compagnie de Shakespeare en tant qu'entreprise caritative de distribution à but non lucratif. Laurence Olivier est l'un des principaux investisseurs.

La production théâtrale de Douzième Nuit joue au Middle Temple Hall dans le cadre du City of London Festival en présence de SM la reine mère.

Bernard Bresslaw pièces Lancer dans Les deux gentilshommes de Vérone. Bresslaw une longue association avec le théâtre le voit jouer Bas plusieurs fois et Dogberry deux fois, ainsi que Malvolio, Petkoff et Ferrovius, jusqu'à sa mort prématurée en 1993 juste avant de monter sur scène pour jouer Grumio.

Félicité Kendal pièces héros dans Beaucoup de bruit pour rien.

Dans une production de Le Songe d'une nuit d'été Anthony Andrews pièces Graine de moutarde.

L'auditorium actuel de style amphithéâtre fixe est construit au coût de 150 000 £, suivi d'un atelier, d'une nouvelle billetterie, d'une cuisine et d'une pelouse de pique-nique. Les retards dans le projet de construction causent la saison suivante, qui comprend La Mégère apprivoisée avec Jérémy Irons et Zoé Wannamaker, qui sera mis en scène au Roundhouse.

RRobert Stephens, qui était apparu l'année précédente dans une production de L'histoire du zoo avec Michel Gambon, étoiles aux côtés Edouard Renard dans Othello.

Judi Dench apparaît à côté Pénélope Keith et Dame Flora Robson dans Doux monsieur Shakespeare. Dench sa longue association avec le théâtre la voit à la fois jouer et mettre en scène à de nombreuses reprises. Elle s'est jointe au conseil d'administration en 1993 et ​​y siège encore aujourd'hui.

UNE Programme d'ateliers scolaires est lancé et devient un élément permanent du lieu.

Kmangé O'Mara apparaît dans Beaucoup de bruit pour rien. O'Mara apparaîtrait à nouveau dans Les Joyeuses Commères de Windsor, trois ans plus tard.

Pour célébrer le jubilé d'or du théâtre, une soirée spéciale est présentée avec SM la reine et SAR le duc d'Édimbourg en attendant.

LEsley Garrett apparaît dans une double liste d'opéras anglais du XVIIIe siècle Thomas & Sally et Rosine.

Regent's Park Open Air Theatre produit sa première comédie musicale, Bashville écrit par le directeur artistique de l'époque David Guillaume.

RIchard E. Grant apparaît dans Le Songe d'une nuit d'été avec Natasha Richardson.

RAlp Fiennes fait ses débuts professionnels en tant que Curio dans Douzième Nuit. Un an plus tard, il reviendrait jouer Roméo à celle de Sarah Woodward Juliette dans une production dirigée par Declan Donellan.

jeun Talbot, fait ses débuts en tant que directeur artistique avec une production de Foire de Barthélemy, qui utilise des sangliers empruntés au zoo de Londres.

Caroline Smith nouvelle fabrication de Le Songe d'une nuit d'été mérite au théâtre sa première nomination au Laurence Olivier Award pour la meilleure comédie de l'année.

La saison musicale voit Roy Hudd et Anthony O'Donnell étoile dans Les Fantastiques.

Judi Dench dirige Les garçons de Syracuse, qui est nominé pour quatre Laurence Oliver Awards, remportant le prix de la meilleure reprise musicale et de la meilleure actrice dans un second rôle pour Jenny Galloway.

Imprésario de théâtre Cameron Mackintosh finances La carte qui est nominé pour deux Laurence Olivier Awards.

Tje suis Piggott-Smith dirige Damien Lewis dans Hamlet.

Toyah Wilcox pièces Palet dans Le Songe d'une nuit d'été, réalisé par John Doyle.

Kiss moi Kate est nominé pour trois Laurence Olivier Awards, dont Best Revival.

UNEc'est bien qui finit bien fait sa première apparition au théâtre avec Raboteuse Nigel comme Parolles.

La dernière saison du siècle voit Rachel Kavanaugh direct Les Joyeuses Commères de Windsor et Alain Strachan direct Douzième Nuit. Pour clôturer la saison, Une chose amusante s'est produite sur le chemin du forum marque la première apparition d'une comédie musicale de Sondheim au théâtre.

Au coût de deux millions de livres, d'importants travaux de construction commencent pour rénover l'auditorium et les espaces publics du théâtre et pour construire le studio Robert Atkins.

Gilbert et Sullivan Les pirates de Penzance joue pendant deux saisons avant de partir en tournée au Royaume-Uni avec Gary Wilmot et Su Pollard.

Un concert étoilé du 70e anniversaire est organisé par Judi Dench et Ian Talbot.

Hhaute société est nominée aux Laurence Olivier Awards pour la meilleure reprise d'une comédie musicale et la meilleure actrice dans un second rôle pour Tracie Bennett. Après une tournée au Royaume-Uni, la production est transférée au Shaftsbury Theatre du West End à la fin de 2005.

RUss Abbott pièces Bas dans une nouvelle production de Le Songe d'une nuit d'été.

Timothy sheader fait ses débuts au Regent's Park Open Air Theatre en tant que réalisateur Douzième Nuit.

jeun Talbot relance sa production de 2003 de Le Songe d'une nuit d'été qui inclut Sheridan Smith parmi le casting.

Timothy sheader est nommé Directeur Artistique, rejoignant Guillaume Village, qui avait été nommé directeur général et co-chef de la direction l'année précédente. Sheader première saison, en 2008, le voit diriger Roméo et Juliette et Lerner et Loewe Gigi quelles étoiles Topol.

UNE Le Songe d'une nuit d'été réinventé pour tous à partir de six ans est la première de nombreuses pièces de Shakespeare à succès spécialement adaptées pour un public plus jeune.

Til Importance d'être sérieux est présenté comme la première pièce non-Shakespeare à être produite au théâtre depuis plusieurs années et joue à 96,5 % de sa capacité. Bonjour Dolly! remporte le Evening Standard Award de la meilleure comédie musicale et est nominé pour quatre Laurence Olivier Awards, remportant le prix de la meilleure reprise musicale, de la meilleure chorégraphie de théâtre pour Stephen Mear, et meilleure actrice dans une comédie musicale pour Samantha Spiro.

La collecte de fonds commence pour un projet de construction qui verra la construction d'un nouveau guichet, d'un complexe de vestiaires et d'une suite bureautique sur le site, à temps pour la saison 2012.

Stéphen Sondheim visite le théâtre deux fois pour voir Dans les bois. Olivier Ford Davies pièces Danforth dans Le creuset, réalisé par Timothée Sheader.

Timothy sheader dirige Sondheim Dans les bois qui devient la production la plus rentable de l'histoire du théâtre et remporte deux nominations aux Olivier Award, remportant le prix de la meilleure reprise musicale.

Jsur Bausor conçoit un ensemble épique pour Seigneur des mouches réalisé par Timothée Sheader et Acier Liam. Lucy Bailey fait ses débuts de réalisatrice au Park avec une production hogarthienne de L'opéra du mendiant. Gagnant de deux Olivier Awards (Meilleure reprise musicale et Meilleure conception de costumes) Fou de toi devient la production la plus rentable du théâtre et est transférée directement dans le West End pour une durée de 6 mois.

Le 80e anniversaire du théâtre et l'année des Jeux olympiques de Londres. D'un coût de 3,3 millions de livres sterling, le projet de réaménagement du théâtre est achevé.

TjeSheader papillon et Acier Liam réorienter leur production 2010 de Dans les bois à Central Park, New York.

Faire sa première apparition à Londres en 22 ans, Robert Sean Léonard reçoit des critiques élogieuses en tant qu'Atticus Finch dans Tuer un oiseau moqueur. Jane Asher apparaît comme Lady Catherine de Bourgh dans Orgueil et préjugés, qui fête ses 200 ans.

RAchel Kavanaugh revient pour diriger une vente et une série prolongée de Le son de la musique mettant en vedette Charlotte Wakefield comme Maria. Avec plus de 188 000 visiteurs, la saison bat tous les records.

De nouveaux sièges sont installés dans l'auditorium pour la première fois depuis 1974. Les Gershwin Porgy et Bess a été nominé pour un Olivier et un WhatsOnStage Award pour la meilleure reprise musicale.

To Tuer un oiseau moqueur a terminé une tournée de 25 semaines au Royaume-Uni, qui s'est terminée par une résidence d'un mois au Barbican. Une nouvelle adaptation de Tchekhov La Mouette a été commandé pour le parc pour célébrer son 120e anniversaire. Seigneur des mouches est retourné au parc pour 14 représentations avant de se lancer dans une tournée de 6 mois au Royaume-Uni.

Une nouvelle archive numérique a été lancée dans le but de préserver et de partager la riche histoire du théâtre.

Rsauvage sauvage apporte à la fois une nouvelle écriture sur la scène du théâtre en plein air et un ensemble de jeunes issus de la communauté locale. Jesus Christ Superstar remporte le Evening Standard Theatre Award de la meilleure comédie musicale, aux côtés de l'original Judas, Tyrone Huntley, qui remporte le prix Emerging Talent.

À l'occasion du 400e anniversaire de la mort de Shakespeare, Michelle Terry tient le rôle-titre dans Henri V. Matthew Kelly et Felicity Montagu apparaissent comme M. et Mme Bennet dans une production de reprise de Orgueil et préjugés, qui a ensuite entrepris une tournée au Royaume-Uni.

Jésus Christ Superstar remporte un Olivier Award pour la meilleure reprise musicale et est nominé pour cinq autres Olivier Awards.

Miriam-Teak Lee remporte le prix de la meilleure actrice dans une comédie musicale dans The Stage Debut Awards pour Sur la ville. Oliver Twist créé pour tous à partir de 6 ans devient la production la plus vendue pour un public familial.

Pour un coût de 2,8 millions de livres sterling, de nouvelles cuisines et les studios de répétition The Regent's Park sont ouverts.

Jésus Christ Superstar joue un engagement limité au Lyric Opera de Chicago.

Til tour de vis est notre première coproduction avec l'English National Opera.

Lpetite boutique des horreurs remporte trois prix WhatsOnStage, dont celui de Best Musical Revival.

L'artiste Lee Simmons est chargé de concevoir une sculpture célébrant la vie de David Conville OBE, décédé en novembre 2018. En tant que fondateur de l'entreprise, directeur artistique et général, président et président d'honneur, David a pris sa retraite en 2012 après 50 ans d'association. avec le théâtre.

Evita devient notre production la plus vendue et la plus lucrative à ce jour, remportant le Evening Standard Theatre Award de la meilleure comédie musicale.


L'histoire des cinémas drive-in (et où ils se trouvent maintenant)

Beaucoup de gens entendent des histoires de leurs grands-parents allant au ciné-parc pour un rendez-vous du vendredi soir, mais connaissez-vous l'histoire de l'expérience cinématographique classique ?

Bien qu'il y ait eu des ciné-parcs dès les années 1910, le premier ciné-parc breveté a été ouvert le 6 juin 1933 par Richard Hollingshead dans le New Jersey. Il l'a créé comme une solution pour les personnes incapables de s'installer confortablement dans des sièges de cinéma plus petits après avoir créé un mini drive-in pour sa mère. Séduisant les familles, Hollingshead a présenté son drive-in comme un endroit où « toute la famille est la bienvenue, quel que soit le niveau de bruit des enfants ».

Le succès du ciné-parc de Hollingshead a fait apparaître de plus en plus de ciné-parcs dans tous les États du pays et s'est également répandu à l'échelle internationale. Les ciné-parcs ont gagné en popularité 20 ans plus tard dans les années 50 et 60 avec la génération des baby-boomers. Il y avait plus de 4 000 ciné-parcs aux États-Unis, et la plupart se trouvaient dans des zones rurales. Ils ont maintenu leur popularité à la fois en tant qu'espace pour les familles pour passer du temps ensemble et en tant qu'option de soirée rendez-vous abordable.

Les ciné-parcs ne pouvaient montrer des films qu'à certaines périodes de l'année et dépendaient d'un temps décent. Pendant la crise pétrolière des années 70, les gens ont réduit la taille de leurs voitures afin d'économiser de l'argent sur le coût gonflé de l'essence, ce qui rendait inconfortable de regarder des films au drive-in. Pour compenser la perte de revenus, les ciné-parcs ont commencé à perdre leur atmosphère familiale en diffusant des films d'exploitation tels que des horreurs slasher ainsi que du contenu pour adultes. Le développement du magnétoscope a rendu plus attrayant de rester à la maison et de regarder des films sans payer pour un film au drive-in.

Lentement, les ciné-parcs ont commencé à perdre de leur attrait. Pour avoir un drive-in efficace, il devait être sur au moins 15 acres de terrain. Économiquement parlant, il est devenu plus pratique pour les propriétaires de fermer leurs ciné-parcs afin de vendre leur terrain à des promoteurs pour construire des centres commerciaux ou des complexes multi-bâtiments.

Même si les ciné-parcs ne sont plus aussi populaires qu'auparavant (certains affirmant qu'ils seront obsolètes au cours de la prochaine décennie), il existe toujours des ciné-parcs en activité dans tout le pays. Les ciné-parcs modernes varient, mais beaucoup montrent des films actuels ainsi que des films plus anciens. Beaucoup d'entre eux prévoient également des soirées doubles. Tout comme un drive-in classique et un théâtre ordinaire, ils vendent des rafraîchissements comme du pop-corn, des bonbons et des sodas. Certains ont même des aires de jeux pour que les familles divertissent leurs enfants.


Le premier cinéma drive-in de Phoenix

Tous les cinémas drive-in de Phoenix ont fermé leurs portes, laissant le cinéma Glendale 9 Drive-In à Glendale, le seul rappel de ce type de divertissement d'autrefois. (Photo: photo d'archives de la République)

Bien qu'il y ait près d'une douzaine de cinémas avec ciné-parc à Phoenix, le Phoenix Drive-in Theatre de la 36e rue et de Van Buren a été le premier.

Harry Nace, qui a également construit le théâtre Orpheum, a ouvert le cinéma en 1940. Les clients pouvaient regarder des films toute l'année "sous les étoiles".

Le théâtre avait l'image d'une femme enchanteresse à l'arrière de l'écran qui invitait les téléspectateurs à voir le dernier spectacle.

Le Phoenix Drive-in Theater est un exemple de l'évolution des ciné-parcs. Les haut-parleurs ont d'abord été situés dans le sol et ont ensuite migré sur des poteaux.

Un stand de concession a été ajouté. La taille de l'écran a augmenté et le nombre de places de stationnement a doublé au fil du temps pour atteindre environ 800.

Les cinémas drive-in ont gagné le plus de popularité dans les années 1950. À Phoenix, plusieurs ciné-parcs ont ouvert leurs portes et plusieurs de leurs noms ont changé au fil du temps. Ils comprennent:

-- L'Indian Drive-in Theatre sur la 27e Avenue et Indian School Road

-- The Cinema Park (Sud-ouest) Drive-in Theater à Seventh Street et Missouri

-- Le Rodeo Drive-in Theatre près de la 12e rue et de Buckeye Road

-- Le ciné-parc Vale (Big Sky) près de la 39e Avenue et de Indian School Road

-- Le Silver Dollar Drive-in Theatre à l'est de South Central Avenue et au nord de Baseline Road par le Western Canal

-- Le théâtre Acres of Fun Drive-in à la 37e Avenue et à Van Buren.

Partageant le même site avec Acres of Fun Drive-in se trouvait le Peso Drive-in Theatre dans la partie nord de la propriété.

Les ciné-parcs étaient encore populaires dans les années 1960, et le Northern Drive-in Theatre sur l'Interstate 17 et Northern et le Nu-View Drive-in Theatre près de la 31e Avenue et de Buckeye Road ont ouvert leurs portes dans les années 1960.

Le dernier ciné-parc à ouvrir à Phoenix était le Valley Drive-in Theatre au coin sud-ouest de Cave Creek Road et Sweetwater Avenue, mais à ce moment-là, la popularité des ciné-parcs avait commencé à s'estomper.

Le boom de la construction immobilière des années 1980 a vraiment anéanti tous les espoirs restants que ces théâtres prospéreraient. La terre était tout simplement trop précieuse pour le réaménagement.

Lentement, ces théâtres ont été remplacés par de nouveaux usages tels que les centres commerciaux et les complexes d'appartements. Il est également devenu difficile de rivaliser avec les cinémas en salle et les systèmes de divertissement à domicile.

Nombreux sont encore les Phéniciens qui gardent de bons souvenirs de ces anciens lieux de divertissement. Malheureusement, ceux qui n'ont pas eu le plaisir de s'aventurer en dehors de la ville pour cette expérience.


Comédies musicales à l'écran

Pour les moments où vous ne pouvez pas assister au théâtre en direct, David Armstrong partage certaines de ses versions cinématographiques préférées de comédies musicales. "En plus d'être parmi les meilleures adaptations cinématographiques de comédies musicales de Broadway", dit-il, "ces films particuliers se concentrent sur certains des personnages principaux les plus mémorables, fascinants et dimensionnels de l'histoire de Broadway, et incluent certaines des plus grandes chansons jamais écrites pour la scène.

L'homme de la musique (1962)

L'une des adaptations cinématographiques les plus fidèles de l'une des plus grandes comédies musicales de Broadway, avec Robert Preston recréant sa performance dynamique primée aux Tony Awards. Réalisé par Morton DeCosta et chorégraphié par Onna White, qui ont tous deux mis en scène la production originale de Broadway.

Gitane (1962)

Rosalind Russell s'attaque à l'un des rôles les plus difficiles de l'histoire du théâtre, "Mama Rose", un personnage fascinant et complexe que le public adore et est horrifié dans la même mesure. GYPSY est considéré par beaucoup comme le summum du « jeu musical » de style Golden-Age-of-Broadway.

Violoniste sur le toit (1971)

Cette adaptation incorpore la quasi-totalité du livre original et de la partition de l'original de Broadway, et recrée la chorégraphie originale passionnante de Jerome Robbins. Il présente une brillante performance de premier plan par l'acteur israélien Topol, qui a joué le rôle de Tevye dans la production originale de Londres.

Sweeney Todd, Le démon barbier de Fleet Street (1982)

Tourné lors de la tournée nationale de l'émission, le film présente une grande partie de la distribution originale de Broadway, dont Angela Lansbury. Plus important encore, il reproduit la mise en scène et la mise en scène brillantes et sensationnelles d'Harold Prince. C'est aussi proche de voir la production originale que possible, et bien préférable à la version cinématographique de Johnny Depp.

Laque (2007)

Cette adaptation à l'écran à succès est à bien des égards merveilleusement fidèle au livre et à la partition originaux de Broadway, et montre comment même une comédie musicale délicieuse et extrêmement divertissante peut aborder de grands thèmes et des sujets importants et sérieux.


LE FANTME DE L'OPÉRA DEVENIR LE PREMIER SPECTACLE DE L'HISTOIRE DE BROADWAY POUR CÉLÉBRER 20 ANS

La comédie musicale la plus réussie de tous les temps, la production de Cameron Mackintosh/Really Useful Group, Inc. du PHANTOM OF THE OPERA d'Andrew Lloyd Webber, réalisé par Harold Prince, atteindra une étape sans précédent lorsqu'elle célébrera son vingtième anniversaire à Broadway samedi , 26 janvier. À cette date, jouant ses 8 318e et 8 319e représentations au Majestic Theatre (247 West 44th Street), il deviendra la première production de Broadway à durer 20 ans.

Le spectacle le plus ancien de l'histoire de Broadway (un exploit qu'il a réalisé en janvier 2006 lorsqu'il a dépassé le record de l'époque de Cats), la comédie musicale a remporté 7 Tony Awards en 1988, dont celui de la meilleure comédie musicale. Depuis ses débuts à Broadway le 26 janvier 1988, LE FANTME DE L'OPÉRA a rapporté plus de 675 millions de dollars, ce qui en fait le spectacle le plus rentable de l'histoire de Broadway. La fréquentation totale de New York est de 12,5 millions. Depuis, il a joué plus de 8 000 représentations – le seul spectacle de l'histoire de Broadway à le faire – et le tout sans fin en vue.

Son succès international - tout aussi stupéfiant - est représenté par des recettes mondiales totales estimées à plus de 5 milliards de dollars. Ce chiffre colossal fait de PHANTOM l'entreprise de divertissement la plus réussie de tous les temps, surpassant non seulement toute autre production scénique, mais aussi de loin le film le plus rentable au monde Titanic (à 1,2 milliard de dollars) et d'autres blockbusters comme Le Seigneur des Anneaux, Jurassic Parc et Star Wars. La fréquentation mondiale est de plus de 80 millions de personnes.

LE FANTME DE L'OPÉRA a toujours battu tous les records, la production new-yorkaise établissant des références qui ont dominé l'industrie : pour la capitalisation (un montant alors spectaculaire de 8 millions de dollars), l'avance totale (un montant alors énorme de 18 millions de dollars), le montant brut total et la fréquentation (675 millions de dollars et 12,5 millions et plus), les performances totales (devenant le premier et toujours le seul spectacle à atteindre 8 000), et même le nombre d'années avant qu'un seul billet ne soit vendu à la billetterie TKTS à Times Square ( sur 14 ans, ce qui est encore le record, de loin). Et depuis qu'il est devenu le spectacle le plus ancien de l'histoire de Broadway en 2006, chaque représentation a établi un nouveau record de longévité.

La comédie musicale a également battu tous les records de tournée. It continues to be the longest continuously-touring show in U.S. history, with the first of its three National Tours having gone out over 19 years ago in May 1989. The current tour is the longest-running touring production in U.S. history, having recently celebrated its 15th Anniversary on December 13, 2007, and having played over 6,000 performances.

In addition to PHANTOM’s amazing longevity and continued box office success, the Broadway production consistently earns rave reviews from returning critics:

In The New York Times, Jason Zinoman proclaimed, “PHANTOM still delivers the goods! Judging by sheer invention, emotional punch and onstage talent, the venerable blockbuster still beats out almost all of the whippersnappers currently on Broadway. Maria Björnson’s flamboyant gothic design and Harold Prince’s fantastical staging still have the gleam of finely polished professionalism. The solid cast retains the freshness of opening night.”

Clive Barnes of The New York Post gave it “FOUR STARS! A marvelous musical! PHANTOM has stayed in terrific shape and right now it is still as taut and sharp as on that first night in 1988. Harold Prince’s crisp staging remains as shipshape as ever. Maria Björnson’s opulent production perfectly captures the spirit and style of the Paris Opera and Andrew Lloyd Webber’s sweepingly romantic score is one of the finest scores Broadway has ever heard. Don’t miss it!”

Roma Torre of NY-1 News proclaimed, “PHANTOM rules! It remains as fresh and spectacular as ever. Andrew Lloyd Webber’s score has a visceral tug more than almost any score written in the past 20 years. Beautiful and romantic, I have to tip my hat: THE PHANTOM OF THE OPERA has aged divinely.”

Time Out’s David Cote exclaimed, “They’re doing something right! A beautifully produced show, PHANTOM is lavish and played well enough to get standing ovations nearly two decades into its run!”

And David Richardson on WOR Radio raved, “PHANTOM is still wonderful and isn’t showing its age one bit! The chandelier still falls on cue and the show still rises to the top of all the musicals ever to appear on Broadway. I hope I listen to the music of the night forever!”

THE PHANTOM OF THE OPERA had its world premiere on October 9, 1986 at Her Majesty’s Theatre in London, winning every major British theatre award including the Olivier and Evening Standard Awards. The New York production opened on January 26, 1988 with a then record advance of $18 million. The musical went on to sweep the 1988 Tony Awards, winning seven, including Best Musical. THE PHANTOM OF THE OPERA also won seven Drama Desk Awards and three Outer Critics Circle Awards. The original London cast recording was the first in British musical history to enter the charts at number one. It has since gone both gold and platinum in Britain and the U.S. selling over 40 million copies worldwide.

Base on the classic novel Le Fantôme de L’Opéra by Gaston Leroux, THE PHANTOM OF THE OPERA tells the story of a masked figure who lurks beneath the catacombs of the Paris Opera House, exercising a reign of terror over all who inhabit it. He falls madly in love with an innocent young soprano, Christine, and devotes himself to creating a new star by nurturing her extraordinary talents and by employing all of the devious methods at his command.

THE PHANTOM OF THE OPERA stars Howard McGillin in the tile role with Jennifer Hope Wills as Christine and Tim Martin Gleason as Raoul. Having donned the mask in over 2,000 times, Mr. McGillin has performed the title role more than any other actor in the Broadway production.

The musical also co-stars George Lee Andrews (Monsieur André Mr. Andrews is the only cast member to have been with the Broadway production for the entire run), David Cryer (Monsieur Firmin), Patricia Phillips (Carlotta), Marilyn Caskey (Madame Giry), Wayne Hobbs (Piangi) and Heather McFadden (Meg Giry). At certain performances, Elizabeth Loyacano plays Christine.

THE PHANTOM OF THE OPERA has music by Andrew Lloyd Webber and is directed by Harold Prince. Lyrics are by Charles Hart (with additional lyrics by Richard Stilgoe) and the book is by Richard Stilgoe and Andrew Lloyd Webber. THE PHANTOM OF THE OPERA has production design by the late Maria Björnson, lighting by Andrew Bridge and sound by Martin Levan. Musical staging and choreography is by Gillian Lynne. Orchestrations are by David Cullen and Andrew Lloyd Webber.


The 1737 Licensing Act had a huge, and some would say devastating, impact on the development of British drama. It granted the Lord Chamberlain the authority to censor new British plays, removing anything that he considered to be inappropriate. Theatre owners could be heavily prosecuted if they staged a play that hadn't received official approval.


Mousetrap in Shanghai

The Mousetrap played to packed houses for two weeks in the Lyceum Theatre in Shanghai. Subtitles in Chinese ran on either side of the stage throughout the performance. Agatha Christie is ‘bigger than Shakespeare’ in China, and her plays are performed regularly in Chinese, but this was the first time a British Company had been invited

The Mousetrap tours Australia for 8 months playing to 150,000 theatre goers.

The Mousetrap goes on its first ever tour of the UK playing in over 120 venues across the UK.

The Diamond Anniversary Gala Performance with a star-studded cast DIRECTED BY PHYLLIDA LLOYD.

TAMSIN GREIG appears as Mollie Ralston

HUGH BONNEVILLE appears as Giles Ralston

HARRY LLOYD appears as Christopher Wren

JULIE WALTERS appears as Mrs. Boyle

NICHOLAS FARRELL appears as Major Metcalf

MIRANDA HART appears as Miss Casewell

PATRICK STEWART appears as Mr. Paravicini

IAIN GLEN appears as Detective Sergeant Trotter

The Mousetrap performs at the famous Raffles Hotel in Singapore.

The Mousetrap Company wins the first ever West End Bake Off raising £4000 for the Charity Acting for Others.

Janet Hudson-Holt became the Be Inspired champion at the Olivier Awards for her work as the Costume Supervisor for The Mousetrap. For 15 years she has been an integral part of the show, making the wheel of The Mousetrap turn. Her impact on the show is clearly visible, after Janet painstakingly recreated the costumes from the original incarnation of the show.

The Mousetrap has its third Producer as Adam Spiegel becomes the custodian of the longest running show in the world.

On the 18th of September 2018 the cast celebrate The Mousetrap passing yet another incredible milestone. 27,500 performances down.


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