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John Boulting

John Boulting

John Boulting, le fils d'Arthur Boulting et de Rose Bennet, est né à Bray, Berkshire, le 21 novembre 1913. Son frère jumeau était Roy Boulting.

Les frères Boulting sont allés à Reading School où ils se sont liés d'amitié avec Josh Francis et William Ball. Selon les auteurs de Nous ne pouvons pas nous garer des deux côtés (2000) : « Boulting semble à première vue avoir été un élève modèle - capitaine des quinze premiers de l'école au rugby, secrétaire de la Debating Society et caporal dans le corps de formation des officiers.

John Boulting était fasciné par l'industrie du cinéma et en 1933, il rejoint Ace Films, une petite société de distribution de films basée à Wardour Street, à Londres. Il décrira plus tard cette période de sa vie comme celle de « vendre de mauvais films à des exploitants réticents ». Deux ans, il a trouvé du travail avec un producteur de cinéma indépendant. Il était également socialiste et membre du Parti travailliste où il a continué son amitié avec Roy Poole, Josh Francis et William Ball.

Au début de la guerre civile espagnole, il a été décidé de former un comité d'aide médicale espagnol. Dans son autobiographie, Tous mes péchés se sont souvenus (1964), Peter Spencer, 2e vicomte Churchill, expliqua ce qui s'était passé : « Un groupe d'entre nous - trois médecins bien connus, un scientifique célèbre, plusieurs syndicalistes et un communiste - avons formé un comité dans le but de collecter de l'argent pour des fournitures médicales à envoyer aux forces gouvernementales espagnoles. Boulting et son ami Roy Poole ont décidé de se porter volontaires pour rejoindre ce groupe, tandis que Josh Francis et William Ball ont rejoint les Brigades internationales.

Le premier hôpital britannique a été créé par Kenneth Sinclair Loutit à Grañén près de Huesca sur le front d'Aragon. Boulting a rejoint le groupe en janvier 1937. Parmi les autres médecins, infirmières et chauffeurs d'ambulance de l'hôpital figuraient Reginald Saxton, Alex Tudor-Hart, Archie Cochrane, Penny Phelps, Rosaleen Ross, Aileen Palmer, Peter Spencer, Patience Darton, Annie Murray, Julian Bell , Roy Poole, Richard Rees, Nan Green, Lillian Urmston, Thora Silverthorne et Agnes Hodgson.

Boulting a été impliqué dans les infractions à Brunete et Belchite. Son ami et collègue chauffeur d'ambulance, Roy Poole, a déclaré au Chronique de lecture: « C'est un travail très dur bien sûr. Souvent, vous ne disposez pas de plus de cinq heures pour votre nuit. Nous avons eu jusqu'à 150 cas à traiter en une journée. des routes vraiment vilaines - pas mal dans environ trois mois. Avant d'arriver sur les lieux, les blessés devaient être traînés des montagnes sur des mules. "

À son retour en Angleterre en novembre 1937, John et son frère Roy Boulting fondent Charter Films. Leur premier film était le documentaire The Ripe Earth. Avec Roy réalisant et John produisant, la société a également mis en place des thrillers tels que La propriétaire (1938), Considérez votre verdict (1938), Enquête (1939) et Crime de tronc (1939).

En 1940, John Boulding a produit et co-écrit le film antinazi, Salle du Pasteur. L'histoire était basée sur la résistance du pasteur Martin Niemöller, joué par Wilfred Lawson, qui en 1933 s'était plaint de la décision d'Adolf Hitler de nommer Ludwig Muller, évêque du Reich de l'Église protestante du pays. Avec le soutien de Karl Barth, professeur de théologie à l'Université de Bonn, en mai 1934, un groupe de pasteurs rebelles a formé ce qui est devenu l'Église confessionnelle. Lorsque le gouvernement nazi a poursuivi cette politique, Niemöller s'est associé à Dietrich Bonhoffer pour former la Pastors' Emergency League et a publié un document majeur s'opposant à la politique religieuse d'Hitler. En conséquence, les deux hommes ont été envoyés dans des camps de concentration. Niemöller est allé à Dachau et Bonhoffer a été envoyé à Buchenwald où il a été exécuté en 1945.

Après avoir réalisé ce film, John est entré dans la Royal Air Force en tant que mécanicien de bord et Roy dans le Royal Armored Corps en tant que soldat. Plus tard, les frères jumeaux ont été transférés dans leurs unités de film de service respectives, où ils ont réalisé des documentaires sur la guerre. Ils ont obtenu un congé spécial pour retourner à Charter Films et ont produit le film de propagande La garde de l'aube (1941) pour le ministère de l'Information et le long métrage Rocher du tonnerre (1942). Promu au grade de lieutenant d'aviation John Boulting a réalisé le long métrage documentaire Voyager ensemble (1945).

Alan G. Burton a soutenu : « Le cinéma de guerre des Boultings était progressiste, moraliste et fortement antifasciste, avec leurs films promouvant les idéaux démocratiques de la guerre populaire et rejetant la politique d'apaisement discréditée des années 1930. Leurs réalisations étaient largement reconnues. et ils se sont identifiés à la renaissance du cinéma britannique, dont on a estimé qu'il avait atteint une nouvelle maturité et une nouvelle honnêteté face à la crise nationale."

Après la guerre, John Boulting a dirigé le très acclamé Rocher de Brighton (1947), un film basé sur le roman de Graham Greene. Il a ensuite produit La renommée est l'éperon (1947), un film basé sur un roman de Howard Spring qui traite d'un homme politique de gauche qui trahit ses convictions socialistes. Cela a été suivi par la production Le cochon d'Inde (1948) et mise en scène Sept jours à midi (1950), un film sur la possibilité d'une guerre nucléaire.

Boulting change alors de direction et réalise une série de films comiques satiriques tels que Progrès du privé (1956), Chanceux Jim (1957), Beaux-frères (1957), Carlton-Browne de la F.O. (1959), Je vais bien Jack (1959), Ciel au-dessus ! (1963), La façon familiale (1966) et Il y a une fille dans ma soupe (1970). Ces films ont contribué à faire des stars de Ian Carmichael, Richard Attenborough, Terry-Thomas et Peter Sellers.

John Boulting est décédé le 17 juin 1985 à Sunningdale, Berkshire.

Il y a actuellement trois personnes de Reading en Espagne qui aident avec les unités d'ambulance à Madrid (Thora Silverthorne, Reginald Saxton et Roy Poole), et au moment où cela sera publié, ils auront probablement été rejoints au front par un autre de leurs concitoyens (John Boulting ).

Il s'agit d'Archibald Frank Francis, un inspecteur d'assurances de 24 ans, qui a soudainement abandonné son travail il y a une semaine afin d'aider le gouvernement espagnol dans sa défense de Madrid. Il franchit cette étape après trois semaines de réflexion approfondie au cours desquelles seuls quelques amis connaissaient ses intentions.

Il a pris sa décision après avoir lu des appels dans divers journaux pour que de la nourriture et des vêtements soient envoyés aux civils en détresse à Madrid... et quand on en a entendu parler pour la dernière fois, il était à mi-chemin à travers le continent pour rejoindre la Brigade internationale.

Nous avons un très bel ensemble de chauffeurs anglais avec nous. Je devrais dire anglophone il y a aussi des Américains et il y avait un Canadien. L'un d'eux, John Boulting, qui avait les cheveux longs, raconte qu'il est venu prendre le thé avec vous avec Bill Ball avant de partir pour l'Espagne. Au cours des deux dernières batailles, nos chauffeurs qui doivent monter tout près de la ligne de front avec leurs ambulances ont fait de lourdes pertes - 4 tués, 2 disparus, moi blessé, je suis gravement malade.


Le monde des conférenciers

L'auteur: Kingsley Amis (1922-1995) a été inspiré pour commencer à travailler sur son premier roman après avoir rendu visite à son ami Philip Larkin à l'Université de Leicester en 1946 - le monde des conférenciers était "un mode d'existence complet auquel personne n'avait accès", a-t-il commenté plus tard . En 1951, ayant lui-même obtenu un emploi à l'University College de Swansea, il avait terminé un premier projet, mais celui-ci a été rejeté par une série d'éditeurs. Une version retravaillée fut acceptée par Gollancz, et finalement publiée en janvier 1954. Son succès fut immédiat, poussant Amis vers la célébrité littéraire sur deux fronts - entre parenthèses avec Iris Murdoch, John Wain, Thom Gunn et Larkin dans le cadre du "Mouvement", et comme un "jeune homme en colère" avec John Osborne et Colin Wilson. Il en publiera bien d'autres (il remporte enfin le prix Booker en 1986 pour The Old Devils).

L'histoire: La figure de Jim Dixon est un véhicule pour l'attaque d'Amis contre un large éventail de cibles de l'establishment, des universités sclérosées à l'élitisme culturel de la BBC. Dixon tente simultanément de conserver son emploi de conférencier en histoire médiévale, d'éviter les avances d'une collègue passive-agressive et de poursuivre de manière romantique une connaissance attrayante, Christine Callaghan. En tant que personnage, Dixon illustre les préoccupations d'une génération frustrée - financière, intellectuelle et, surtout, sexuelle - qui finirait par se métamorphoser dans la contre-culture des années 1960.

Le cinéaste : Le réalisateur original de Lucky Jim était Charles Crichton (The Lavender Hill Mob A Fish Called Wanda), qui tournait depuis deux semaines avant d'être expulsé par John et Roy Boulting, les redoutables producteurs-réalisateurs du conseil d'administration de British Lion, le studio de production du film. John Boulting (1913-85) a succédé en tant que réalisateur, son jumeau Roy en tant que producteur. Les Boultings s'étaient fait un nom avec un certain nombre de films et de thrillers thématiques et percutants, dont Brighton Rock (1947) dans les années 1950, mais ils se sont tournés vers des satires plus douces sur la vie institutionnelle britannique. Private's Progress (1956) a été le premier, et les Boultings ont hérité de sa star, Ian Carmichael, lorsqu'ils ont repris Lucky Jim.

Comment le livre et le film se comparent : Malgré son succès au box-office, le film a suscité un mécontentement considérable. « À leur manière habituelle, les Boulting se contentent de la caricature et de la farce. Tout sens du lieu et du temps est perdu », a écrit le critique Peter Stead. La capacité d'Amis à arracher une humiliation atroce à des rencontres apparemment insignifiantes est certainement perdue, une grande partie du film étant jouée comme un quasi-slapstick bruyant et grossier. Le génie ensoleillé de Carmichael est en contradiction avec le ressentiment frémissant de Dixon original, et l'inexpérimentée Sharon Acker, dont Christine est un personnage primitif de thé et de biscuits, est loin de la chaleureuse Christine du roman. Le film n'est pas aidé par le dialogue plat (intentionnellement) d'Amis, qui est là pour contraster avec la vie intérieure anarchique de Dixon.

Inspirations et influences : La popularité de Lucky Jim a ouvert la voie aux Boulting : le prochain crédit de réalisateur de John Boulting était la satire antisyndicale mettant en vedette Peter Sellers, I'm All Right Jack, crédité d'avoir contribué à la victoire de Harold Macmillan aux élections générales de 1959. À travers Sellers, une ligne d'influence directe peut être tracée des Boulting aux satires de la contre-culture que Sellers a faites au début des années 1960 pour Stanley Kubrick : Lolita et Dr Strangelove.


Les frères Boulting : de saints fous

L'histoire des frères Boulting est l'histoire du cinéma britannique en miniature. L'éclat, le confort et les déceptions sont tous là. Dans les années 40, ils décollent du réalisme documentaire pour atteindre les sommets de l'extravagance noire, avant de retomber dans une dignité doucement peu excitante. Au début des années 1950, ils produisent deux bizarreries fascinantes, caractéristiques de la bizarrerie des temps. Plus tard dans la décennie, ils se tournent vers une farce confortablement satirique, les produits d'un grincheux exaspéré. Les années 1960 les voient essayer de s'en sortir et faire un effort d'âge moyen pour "se balancer", mais aussi créer une œuvre qui trouve une beauté vulnérable et extraordinaire dans la vie ordinaire. Et après cela vient un épuisement, leurs carrières partageant la mort temporaire de l'industrie cinématographique nationale.

Nés il y a 100 ans, Roy et John étaient des jumeaux qui sont devenus en quelque sorte un auteur fusionné – produisant, réalisant, écrivant leurs films ensemble et occupant des postes de co-réalisateurs de British Lion Films. Pour chaque film, ce pourrait être un jeu de société pour les critiques d'essayer de distinguer le travail d'un jumeau d'un autre. Il y a des indications que John était le talent de réalisateur le plus fort, mais, vraiment, la façon la plus claire dont un jumeau s'est distingué comme étant distinct, c'est lorsque Roy, très marié, a épousé la jeune Hayley Mills (il y avait 33 ans entre eux).

Pendant la guerre, ils ont fait leur part de cinéastes : Roy avec l'armée et John avec la RAF. Même si c'était contre Humphrey Jennings Le village silencieux, le classique de la propagande de Roy, Victoire du désert (1943), un documentaire sur la bataille d'El Alamein, a probablement mérité son Oscar. L'impulsion documentaire s'est également avérée au cœur de leur premier chef-d'œuvre Rocher de Brighton (1947), un film aussi bon que le meilleur film noir des années 40.

Des années à contempler la bienfaisance aux yeux de rosée de Richard Attenborough, il est difficile de se rappeler qu'en tant qu'acteur, il a toujours été à son meilleur en jouant le mal minable. Dans 10 Place Rillington, il est satanique dans un cardigan, et il est admirablement effrayant dans Rocher de Brighton. Suggérant à la fois l'innocence et la froideur, ses grands yeux étaient parfaits pour le film, tout comme la combinaison de la pâleur du petit garçon, du costume pointu, de la cicatrice du rasoir et de l'écusson Brylcreemed. Le film lui-même saisit visuellement la mort de Spicer à la maison d'hébergement étourdit par l'impact de sa violence sordide.

C'est incroyable de se rendre compte que leur prochain film était le doux et terne Le cochon d'Inde (1948) - c'est un tarif britannique aimable, mais comparé à Rocher de Brighton, ça a l'air horriblement piéton. Le film pourrait être considéré comme la première incursion prématurée des frères Boulting dans le domaine de la satire sociale, pourtant, ici, le garçon de la classe ouvrière placé dans un pensionnat de haut niveau agit sur leur conservatisme essentiel. Son titre américain, L'étranger, suggère tout ce qu'il n'est pas. Le garçon héros (joué de manière assez invraisemblable par Attenborough) peut dire "cul" et lève deux doigts vers la statue du fondateur de l'école, mais le film lui-même est toujours amoureux de l'Angleterre des privilèges - les murs de lierre, les cloîtres, le salle d'école à colombages. Tout ce que l'on peut imaginer en termes de changement social, c'est que le privilège devrait être étendu à quelques autres, aux brillants, aux clubbables, aux bons joueurs.

Sept jours à midi (1950). Photographie : Institut britannique du film

Au tournant de la décennie, les frères ont réalisé deux de leurs films les plus étranges et les plus forts. Dans Sept jours à midi (1950), un scientifique vieillissant se retrouve avec une bombe nucléaire et menace de la faire exploser dans sept jours à Londres, à moins que le gouvernement britannique n'accepte un désarmement unilatéral immédiat. C'est à la fois un thriller, une comédie d'Ealing et une science-fiction dystopique. Ce dernier élément nous rappelle que le passé contient déjà des éléments d'un futur terrifiant. La crise nucléaire rappelle à tout le monde la guerre - alors même qu'ils sont confrontés à une destruction ultime, il y a le bonheur curieux d'avoir à nouveau quelque chose comme un but, encourageant la solidarité. Le film fait grand cas de l'étrange incongruité de l'austérité minable de l'Angleterre entrant en contact avec la bombe, reliques vivantes de l'ère victorienne confrontées au monde d'Hiroshima.

La grande force de Sept jours à midi C'est le plaisir du hasard, ces lieux qu'il entrevoit au passage : les bar-rooms, les pensions, la chambre fanée de l'actrice décorée de photos de sa jeunesse sur scène. Il y a tout le désordre et la plénitude de la vie londonienne, d'une jeune femme travestie buvant tranquillement dans un pub au soldat s'arrêtant pour voler la culotte d'une femme. Dans des moments comme ceux-ci, le film convoque une ville glorieusement sordide, même s'il nous invite à imaginer son effacement.

Dans le mythe national, les années de guerre et leurs conséquences ont été présentées comme notre époque la plus glorieuse et l'une des époques où les films britanniques étaient à leur meilleur. Pourtant, cinématographiquement parlant, les années 1940 et le début des années 1950 ont produit certains de nos protagonistes les plus névrosés, hantés et divisés en eux-mêmes. Aucun film n'illustre cela de manière plus frappante que La boîte magique (1951). Il a été réalisé pour le Festival of Britain, pour célébrer l'ingéniosité britannique sous la forme d'un biopic de William Friese-Greene, l'un des inventeurs de la caméra. Pourtant, il est difficile d'imaginer une représentation plus ambiguë du triomphe technique britannique. Le film est apparu trop tard et s'est effondré. Et Friese-Greene lui-même (joué par un Robert Donat vulnérable et fatigué) apparaît comme une sorte de monstre, un obsessionnel monomaniaque, en faillite, sombre et indifférent aux autres. Son succès s'avère une sorte d'échec, car le mérite de son invention et de l'argent va ailleurs. Au début, le film semble digne et légèrement sans vie. Pourtant, au fur et à mesure qu'il avance et devient plus stratifié, il commence à apparaître comme un chef-d'œuvre curieux, un film étrange et réfléchissant sur le cinéma et la relation du film lui-même avec le souvenir.

Lucky Jim (1957). Photographie : Institut britannique du film

Dans l'imaginaire populaire, cependant, ce n'est pour aucun de ces films que l'on se souvient des frères Boulting. Au lieu de cela, ils sont liés à jamais à une série de farces satiriques béate, Progrès du privé (1956), Beaux-frères et Chanceux Jim (tous deux en 1957), Je vais bien Jack (le meilleur du groupe) et Carlton-Browne de l'OP (tous deux en 1959), et Le ciel est au-dessus ! (1963). Vous regardez ces films non pas par amour pour le cinéma en tant que tel, mais par désir de comprendre la Grande-Bretagne qui était. C'étaient des films d'ensemble, et quel ensemble vraiment excellent – ​​Peter Sellers, Terry-Thomas, Ian Carmichael, mais aussi Dennis Price, Richard Attenborough, Irene Handl, Miles Malleson, William Hartnell.

Après le "Non" colossal et insensé lancé au monde moderne en Sept jours à midi, ces films offrent la plus faible des protestations. Dans chaque cas, un imbécile, peut-être même un bouffon, hésite devant les corruptions et les compromis de la vie. Le but des héros est en quelque sorte d'échapper à la prison de classe tout en travaillant dans des institutions qui incarnent des distinctions de classe. C'est ainsi que Stanley Windrush, joué par Carmichael, est né dans la classe des officiers, mais se retrouve soldat, ou est destiné à la gestion, et finit par devenir chauffeur de chariot élévateur à fourche. Carmichael était bien placé pour dépeindre la transcendance maladroite des hiérarchies sociales, un idiot au menton faible qui pourrait, s'il le voulait, révéler une teinte permanente de Hull. Seulement dans Le ciel est au-dessus ! est quelque chose comme une société alternative imaginée - pour la majorité de leurs "satires", il y a juste un souhait que les choses redeviennent comme elles étaient, pour certains édouardiens d'autrefois. C'est la complaisance de leur attaque qui frappe finalement le plus fortement l'armée, la profession juridique, le monde du commerce et de l'industrie, l'église, le gouvernement lui-même peut être fou, incompétent et corrompu - mais le héros est, bien qu'imprudent, moralement. irréprochable.

Bien qu'une certaine impulsion radicale demeure. Pour Carmichael's Windrush ou Rev Smallbone de Sellers dans Le ciel est au-dessus !, la société est trop frauduleuse pour l'accepter. Ses valeurs n'ont aucun sens et doivent être rejetées. Au bout du Je vais bien Jack, le héros se retire dans une colonie nudiste bucolique (même si elle est remplie de femmes âgées voraces) dans Le ciel est au-dessus !, Rev Smallbone va encore mieux, embarquant dans une fusée et s'enfuyant dans l'espace. Il est, littéralement, trop bon pour cette terre.Au plus fort, c'est la note authentique de ces films, une note de rejet. Les logements atteints à la fin de Beaux-frères ou Chanceux Jim sont révélés tels qu'ils ont toujours été, une trahison invraisemblable.

Les frères Boulting. Photographie : Institut britannique du film

Pourtant, cette note extrême est plus souvent truquée. Le héros Boulting est un conformiste rebelle. Les films montrent l'effondrement d'un idéaliste, dans le contexte d'une Grande-Bretagne miteuse, sans âme et avide. Le monde contemporain déconcerte ces hommes qu'ils sont idiots, plus ou moins saints. On pourrait dire que la remise en question d'une bonté aussi peu pratique est la clé de nombre de films des Boultings. A une époque où tant d'écrivains se préoccupaient du mal, après Rocher de Brighton, John Boulting, en particulier, semble avoir été fasciné par les ambiguïtés de la vertu, son héros typique étant un Candide inepte. Les conséquences problématiques d'essayer d'être bon sont son grand thème La boîte magique, Je vais bien Jack et Le ciel est au-dessus ! tous exposent l'élément de la folie, de l'échec, en refusant de vivre avec le monde tel qu'il est. Même le savant fou de Sept jours à midi est fou d'une sorte de droiture. L'intégrité déstabilise tout.

Si les frères Boulting s'étaient arrêtés là, ils seraient toujours au centre de la conscience nationale, partie de l'histoire que la Grande-Bretagne se raconte sur elle-même. Mais parmi une série de ratés ultérieurs, ils avaient un autre film tout aussi merveilleux, d'une manière très différente, comme Rocher de Brighton. La façon familiale (1966) est, à mon avis, le film le plus chaleureux et le plus marquant réalisé en Grande-Bretagne entre Un goût de miel et Kes. D'après une pièce de Bill Naughton, créateur de Alfie, il offre une vision contraire des mœurs et des mœurs sexuelles des années 1960. Où Alfie est toute complicité coquine, La façon familialeArthur Fitton (interprété par Hywel Bennett) est un rêveur sensible, trop opprimé par la proximité de sa famille et de ses voisins pour pouvoir consommer son mariage avec Jenny Piper (Hayley Mills). Autour des jeunes se forme la conspiration clinquante et condescendante des commérages, un monde qui soupçonne le plaisir et se moque de la beauté. Pour un jeune aspirant aux livres et à Beethoven, cela ressemble à un piège – la romance noble de la vie réduite par une blague commune sur le corps, l'insistance sur notre moi qui boit de la bière, ronfle et transpire. La façon familiale est un film prêt à explorer le conflit entre les exigences de notre nature et notre désir de choses supérieures. Pourtant, c'est avant tout une comédie tendre qui est prête à remettre en cause la supériorité du rire sur la tristesse, et qui trouve dans le rire des autres quelque chose de punitif et de dur. A la fin, quand son fils cadet lui demande pourquoi il pleure, John Mills comme Mr Fitton déclare : "C'est la vie, fiston. Ça te fera peut-être rire à ton âge, mais un jour ça te fera pleurer." C'est un art rare qui peut marier la mélancolie de cela à la compassion, à la résilience et à l'humour. Les frères Boulting n'ont pas toujours été aussi bons que ça, mais peu de cinéastes le sont.

La saison des frères Boulting se déroule au BFI Southbank du 3 au 30 août.


Roy Boulting, 87 cinéaste britannique également connu pour Hayley Mills Romance

Roy Boulting, un cinéaste qui a réalisé certains des films les plus connus de Grande-Bretagne et qui a ensuite acquis une notoriété pour sa romance puis son mariage avec la jeune actrice Hayley Mills, est décédé. Il avait 87 ans.

Boulting est décédé lundi d'un cancer dans un hôpital près de son domicile à Eynsham, dans le sud de l'Angleterre, a déclaré un ami de la famille Peter Evans.

Le cinéaste a travaillé alternativement en tant que réalisateur et producteur avec son jumeau identique, John. Les frères étaient considérés comme des forces majeures dans l'industrie cinématographique britannique d'après-guerre.

Roy Boulting a réalisé des drames aussi rocailleux que « Brighton Rock », un film de 1947 qui a lancé la carrière d'acteur de Richard Attenborough.

Il a également produit et co-écrit "Seven Days to Noon", un film de 1950 sur une menace d'attaque nucléaire contre Londres, qui a remporté un Oscar du meilleur film.

Passant à des plats plus légers dans les années 50, Boulting a produit la comédie "Private's Progress" avec Attenborough et la satire syndicale "I'm All Right, Jack", qui a aidé Peter Sellers à trouver la célébrité en 1959. Boulting a ensuite dirigé un autre Sellers. projet, « Il y a une fille dans ma soupe », une comédie de 1970 qui mettait également en vedette Goldie Hawn.

Mais c'est la romance de Boulting en mai-décembre dans les années 1960 avec Mills, la jeune star de films Disney tels que "Pollyanna" et "The Parent Trap", qui a fait la une des journaux du monde entier.

Ils se sont rencontrés et sont tombés amoureux sur le tournage de "The Family Way", un film de 1966 que Boulting a écrit et réalisé et qui est peut-être mieux connu comme le film dans lequel Mills a perdu son image de petite fille en faisant une scène de nu.

Boulting avait 53 ans et était toujours marié à sa troisième femme, Enid Mills avait 20 ans.

"J'étais très conscient de l'énorme différence d'âge entre nous, c'est pourquoi je ne voulais pas l'épouser, même si elle voulait se marier", a-t-il déclaré au Daily Mail de Londres en 1998. "Je pensais vraiment J'étais trop vieux pour elle. . . nous avons donc vécu ensemble mais, cinq ans plus tard, quand elle m'a dit : "Roy, je veux avoir un bébé", j'ai réalisé à quel point elle était sérieuse et nous nous sommes mariés.

Ils se sont mariés en 1971 avec leur fils, Crispian Mills, devenu plus tard le chanteur du groupe pop Kula Shaker.

Bien qu'ils aient divorcé en 1977, Boulting a déclaré au Daily Mail qu'il considérait toujours Mills comme "le grand amour de ma vie".

Né à Bray, en Angleterre, Boulting est tombé amoureux du cinéma à l'âge de 7 ans, grâce à une nounou qui l'emmenait avec son frère au cinéma quatre fois par semaine.

Après avoir fréquenté l'Université McGill à Montréal, au Canada, Boulting est retourné en Angleterre, où il a travaillé dans la vente de films avant de devenir assistant réalisateur.

En 1937, lui et son frère ont co-fondé Charter Films, une société de production indépendante qu'ils ont rebaptisée plus tard Boulting Brothers Productions.

Roy a réalisé leurs deux premiers efforts - des courts métrages de 30 minutes - et ils sont rapidement passés aux longs métrages. En 1940, ils ont attiré l'attention avec "Pastor Hall", un film basé sur l'histoire d'un ecclésiastique allemand tué par les nazis.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Boulting a atteint le grade de capitaine dans le Royal Armored Corps. Il a également travaillé sur plusieurs films de combat utilisant du matériel tourné par des unités de film de l'armée et de la Royal Air Force : « Desert Victory », « Burma Victory » et « Tunisian Victory », lauréat d'un Oscar (une collaboration avec le réalisateur américain Frank Capra.)

Tout au long de leur carrière, les Boulting ont été des champions du cinéma indépendant et, de 1958 à 1972, ils ont été réalisateurs de British Lion Films, qui finançait et distribuait des films réalisés par des producteurs britanniques indépendants et contrôlait Shepperton Studios.

Roy et John Boulting ont réalisé leur dernier film ensemble en 1979, l'échec "The Number", que Roy a produit et que John a réalisé.

En 1985, année de la mort de son frère, Roy Boulting aurait perdu sa passion pour le cinéma et se serait retiré pour écrire ses mémoires.

Dans ses dernières années, des circonstances financières l'ont forcé à vivre dans un appartement sordide d'une chambre du conseil dans un village de l'Oxfordshire, où en 1997, lui et son fils Crispian ont mis fin à une séparation qui avait duré 20 ans.


Association d'histoire du travail de New York

Je suis un grand fan des listes "Best of", donc ce n'était qu'une question de temps avant que je compile une liste des meilleurs films liés aux syndicats et au lieu de travail. J'ai parcouru Internet à la recherche de listes de films liés aux syndicats ou aux travailleurs et je me suis assuré d'inclure mes favoris personnels. Voici, par ordre chronologique, les résultats :

À quel point ma vallée était-elle verte (États-Unis, 1941)
L'histoire épique de John Ford d'une famille de mineurs de charbon gallois (avec Walter Pidgeon et Maureen O'Hara jouant les parents) contient en son cœur un débat sur la syndicalisation. Alors que Ford reste concentré sur la dynamique familiale et la question de la sécurité des travailleurs, il tisse tout au long du film les différents arguments pro et antisyndicaux, laissant le dernier mot au ministre local : « D'abord, ayez votre syndicat. Vous en avez besoin. Seul tu es faible. Ensemble, vous êtes forts.

Sel de la terre (États-Unis, 1954)
Réalisé par Herbert Biberman, Sel de la terre est célèbre dans l'histoire du cinéma parce que presque toutes les personnes impliquées dans la réalisation du film ont été mises sur liste noire par Hollywood dans le cadre de la peur rouge des années 1950, également connue sous le nom d'ère McCarthy pour le sénateur du Wisconsin Joseph McCarthy. Le film raconte l'histoire d'une grève de 1951 au Nouveau-Mexique contre une société minière de zinc. L'histoire est inhabituelle pour l'époque dans la mesure où la plupart des travailleurs sont des immigrants mexicains. De plus, un aspect majeur de l'histoire est la lutte entre les travailleurs masculins et leurs épouses. Les travailleurs masculins en grève veulent que leurs femmes restent à la maison, cuisinent et s'occupent des enfants. Les femmes veulent aider les hommes à gagner la grève. Devinez qui gagne cet argument ? Lorsque le propriétaire de la mine obtient une injonction contre les grévistes, les femmes se mobilisent et maintiennent les piquets de grève.

Au bord de l'eau (États-Unis, 1954)
Pour de nombreuses personnes d'un certain âge, le film d'Elia Kazan sur le conflit sur les quais entre un dirigeant syndical brutal (Johnny Friendly, interprété par Lee J. Cobb) et un docker désabusé (Marlon Brando) était leur première introduction à l'idée d'un syndicat. et ce n'était pas une image positive. Kazan, qui venait de témoigner devant le Comité des activités anti-américaines, où il a cité des noms de communistes possibles, essayait clairement de faire valoir l'héroïsme de défendre ce que vous croyez contre toute attente. Mais les travailleurs syndiqués savent que le pouvoir d'un Johnny Friendly n'est rien en comparaison du pouvoir des personnes qui dirigent les entreprises qui finissent par payer les travailleurs. Cela aurait peut-être aidé de savoir que Johnny Friendly était basé sur un véritable leader de l'ILA qui a sévèrement puni la Fédération américaine du travail pour ses tactiques violentes.

Le jeu de pyjama (États-Unis, 1957)
A première vue, Le jeu de pyjama est juste une autre comédie musicale hollywoodienne basée, dans ce cas, sur la pièce du même nom et mettant en vedette la chanson "Steam Heat". Mais à y regarder de plus près, Le jeu de pyjama s'avère être l'histoire d'une lutte patronale-syndicale. Doris Day joue le rôle de délégué syndical dans une usine de fabrication de pyjamas qui réclame une augmentation. John Raitt est surintendant. Ces représentants des syndicats et de la direction commencent une histoire d'amour, mais leurs rôles professionnels les séparent et après que Day endommage certaines machines lors d'un ralentissement, le surintendant Raitt la licencie. Mais ensuite (grâce à la magie des films), Raitt découvre des actes infâmes dans la gestion et parvient à ramener Doris (au travail et à lui), à obtenir l'augmentation de tout le monde et ils vivent tous heureux après. D'accord, ce n'est pas La liste de Schindler, mais il y a un message sous le chant et la danse. Co-réalisé par George Abbott (également co-scénariste) et Stanley Donen.

Je vais bien, Jack (Royaume-Uni, 1959)
John Boulting a réalisé ce film britannique satirique sur le complot d'un sinistre propriétaire d'entreprise visant à faire monter le prix de son produit en incitant les travailleurs à la grève, puis en faisant transférer l'entreprise à une entreprise rivale, qu'il possède également secrètement. Le tout est joué pour de larges rires, la plupart générés par Peter Sellers en tant que patron du syndicat avec des sympathies bolcheviques et une moustache hitlérienne. Un regard cynique sur les dirigeants syndicaux et la direction à la fois, à la fin il est clair qui a le vrai pouvoir.

Les Molly Maguires (États-Unis, 1970)
Martin Ritt a réalisé cette histoire de mineurs de charbon dans le nord-est de la Pennsylvanie dans les années 1870, basée sur une histoire vraie. Le Molly Maguires, dirigé par Jack Kehoe (Sean Connery), est une sorte de proto-syndicat qui est en guerre avec les propriétaires de mines à la recherche de meilleurs salaires et conditions de travail. Les différences entre les Molly Maguire et un véritable syndicat sont importantes : le groupe de Connery est une organisation secrète, et ils sont à l'aise avec l'utilisation de la violence pour parvenir à leurs fins. Un détective Pinkerton (Richard Harris) infiltre le groupe et tente de découvrir ses secrets, avec des résultats tragiques. Ritt revisitera le thème de l'union en 1979 avec Norma Rae.

Comté de Harlan, États-Unis (États-Unis, 1976)
La réalisatrice Barbara Kopple a remporté l'Oscar du meilleur documentaire pour son reportage sur place d'une grève des mineurs du Kentucky en 1972 dans Comté de Harlan, États-Unis. Les affrontements entre grévistes et briseurs de grève embauchés sont rapidement devenus violents, et même Kopple et son caméraman ont été battus. Le film rappelle au public que, même dans les années 1970, de telles tactiques de gestion étaient monnaie courante et que le rêve d'un lieu de travail où la direction et les travailleurs vivaient en parfaite harmonie était encore loin.

POING. (États-Unis, 1978) / Hoffa (États-Unis, 1992)
Hoffa est un biopic bien fait mais ambivalent du leader des Teamsters, avec une performance parfaite de Jack Nicholson, réalisé par la co-star Danny DeVito. Nous obtenons le bon, le mauvais et le laid du dirigeant syndical controversé, à la fois son dévouement inlassable envers les travailleurs qu'il représentait ainsi que certains des mauvais choix qu'il a faits lorsqu'il était au pouvoir. Fabriqué 14 ans plus tôt, POING., réalisé par Norman Jewison et interprété par Sylvester Stallone, reprend les grandes lignes de la biographie de Hoffa et les met en fiction. Le résultat n'est pas un grand film et Stallone prouve qu'il devrait rester sur le ring de boxe. Aucun des deux films n'a de réponse à la question, où est le corps de Jimmy Hoffa ?

Col bleu (États-Unis, 1978)
Paul Schrader, l'homme qui a écrit Conducteur de taxi, a écrit et réalisé ce drame policier, qui se place carrément dans le camp des « syndicats sont corrompus ». Richard Pryor, Yaphet Kotto et Harvey Keitel sont des travailleurs de l'automobile de Detroit qui sont tellement en colère contre les mauvais traitements infligés par la direction et leur syndicat qu'ils décident de voler le syndicat. Dans le coffre-fort, ils trouvent des preuves de corruption et de liens avec le crime organisé. Un péché Au bord de l'eau, le thème est les petits contre les grandes organisations, mais l'hypothèse que tous les syndicats sont corrompus était à ce stade un stéréotype, pas une évaluation précise basée sur les faits. Dans le même temps, le film n'explore pas le vaste différentiel de pouvoir entre les deux prétendus «ennemis» des petits gars – comme toujours, la direction détient la plupart des cartes.

Norma Rae (États-Unis, 1979)
Si Au bord de l'eau établi le prototype des syndicats pour une génération, Norma Rae renversé l'impression pour le suivant. Réalisé par Martin Ritt et mettant en vedette la lauréate d'un Oscar Sally Field et Ron Liebman, le film se concentre sur une campagne de syndicalisation dans une usine textile du sud. En cours de route, nous découvrons une histoire d'amour entre Field et Liebman «deux mondes différents», un aperçu de la vie de famille et de la gestion des bas salaires du travail dans le textile, et une vision de ce à quoi ressemble et ressemble réellement le travail dans une usine textile. Le film se termine avec optimisme, mais dans la vraie vie (comme c'est souvent le cas, notamment dans les États du droit au travail), le vote pro-syndical n'était que le début de la lutte.

Bois de soie (États-Unis, 1983)
Mike Nichols a dirigé Meryl Streep dans ce thriller tendu sur un employé d'une entreprise de plutonium qui tombe sur de graves défauts de sécurité dans les produits radioactifs. Streep joue un délégué syndical chez Kerr-McGee et c'est clairement son association avec le syndicat qui sous-tend une grande partie de son activité dans la seconde moitié du film, bien que le script minimise les références syndicales. Le film est très efficace pour montrer comment les délégués syndicaux communiquent avec les autres travailleurs au travail et à la maison. Finalement, Silkwood décide de dénoncer et de donner l'information à un journaliste, mais est tué dans un mystérieux accident de voiture sur le chemin de la réunion. Le film suggère que «l'accident» a peut-être été un meurtre, mais l'affaire n'a jamais été résolue.

Matewan (États-Unis, 1987)
Chris Cooper, James Earl Jones et Mary McConnell jouent dans cette reconstitution fictive d'une lutte de 1920 entre des mineurs de charbon de Virginie-Occidentale essayant d'améliorer leur sort en organisant un syndicat et les propriétaires (et leurs voyous) qui veulent continuer à exploiter. John Sayles, qui a écrit et réalisé Matewan, explore non seulement la volonté des propriétaires d'utiliser tous les moyens nécessaires pour reprendre le contrôle, mais aussi les tensions entre les travailleurs noirs et blancs, entre les hommes et les femmes, et entre l'outsider (Cooper, jouant un organisateur UMW) et les indigènes. D'une manière ou d'une autre, Sayles a terminé le projet, avec sa distribution massive et ses scènes de bataille spectaculaires, pour moins de 4 millions de dollars.

Roger et moi (États-Unis, 1989)
Michael Moore, documentariste et propagandiste, a eu son premier succès avec cette histoire ironique de ses tentatives de rencontrer le PDG de General Motors, Roger Smith (vraisemblablement pour le réprimander). En cours de route, Moore nous guide à travers quelques décennies d'histoire (principalement avec précision), en se concentrant sur les hommes et les femmes employés par GM au fil des ans, en particulier ceux de la ville natale de Moore, Flint, Michigan. Bien que Moore ait ses détracteurs et que son approche de tout jeter là-bas et de voir quels bâtons puisse être agaçante, son point central est solide : que les grandes entreprises qui décident de licencier des travailleurs et de fermer des usines ou déplacer des usines à l'étranger ne sont pas contrôlés par l'économie - ils sommes l'économie. La meilleure preuve en est le fait que peu importe à quel point les ouvriers et les anciens ouvriers vont mal (au point de vendre des lapins « pour animaux de compagnie ou pour viande »), des gens comme Roger Smith s'en sortent très bien.

News ! (États-Unis, 1992)
Une autre comédie musicale de travail – cette fois de Disney. Basé sur la grève des vendeurs de journaux à New York en 1899, ce spectacle de danses et de chants met en vedette un jeune Christian Bale, avec le soutien de Bill Pullman, Ann-Margret et Robert Duvall. Plus que Annie avec les journaux, le film montre la pauvreté désespérée dans laquelle vivaient les vendeurs de journaux, même s'il n'explique pas comment ils peuvent chanter et danser si bien avec un régime aussi maigre.

Germinal (France, 1993)
Claude Berri a réalisé cette version cinématographique du roman du XIXe siècle d'Émile Zola qui relate les tentatives des mineurs français de se syndiquer dans les années 1860. Gérard Depardieu est le leader d'une grève qui commence bien mais se transforme en émeute. Depardieu est blâmé pour l'échec, conduisant son ennemi juré, un mineur anarchiste, à tenter de le tuer dans la mine. Je ne gâcherai pas la fin.

Espace de bureau (États-Unis, 1999)
La comédie contemporaine de Mike Judge n'a rien à voir avec les syndicats, mais elle en dit long sur l'absurdité du lieu de travail moderne, en particulier le cadre des bureaux d'affaires. Bien que le concept et les personnages soient meilleurs que l'intrigue réelle, il y a suffisamment de rires entendus (rapports TPS, flair, etc.) pour soutenir le spectateur jusqu'à la fin. Pour une raison quelconque, Jennifer Anniston est dedans. Et quelqu'un pourrait-il me rendre mon agrafeuse s'il vous plaît ? Tu connais celui, rouge, Trimline…

Pain et Roses (Royaume-Uni, 2000)
Le cinéaste et chroniqueur britannique de la classe ouvrière Ken Loach s'est rendu en Californie pour raconter l'histoire fictive de deux immigrants d'Amérique centrale impliqués dans une grève des concierges à Los Angeles. Le film est basé sur la grève de la justice pour les concierges du SEIU en avril 1990 et traite également des questions de race, de classe et d'immigration. Adrian Brody joue un avocat syndical.

Fabriqué à Dagenham (Royaume-Uni, 2010)
L'actrice britannique sous-estimée Sally Hawkins livre une performance subtile et convaincante en tant que machiniste à coudre syndiquée, l'une des nombreuses femmes qui ont cousu des tissus d'ameublement pour des voitures dans une usine Ford en Angleterre. Finalement, Hawkins et son syndicat ont mené les femmes dans une grève basée sur l'inégalité de rémunération entre les travailleurs masculins et féminins. Le film est basé sur des événements réels survenus dans l'usine Ford de Dagenham en 1968. Nigel Cole a réalisé. Les co-vedettes incluent Bob Hoskins, Miranda Richardson et Rosamund Pike.

John M. Becker est avocat au cabinet d'avocats Sandulli Grace, P.C. à Boston [www.sandulligrace.com], où il représente les syndicats et les employés en matière de travail et d'emploi depuis 1996. Pour voir plus de listes de John, consultez son site Web, Faites des listes, pas la guerre [www.beckchris.wordpress.com].

© 2015 Sandulli Grace, C.P. Reproduit avec autorisation.

À propos de NYLHA

La New York Labor History Association (NYLHA) a été fondée en 1976 par des syndicalistes, des universitaires, des étudiants, des archivistes, des éducateurs, des rédacteurs syndicaux, des avocats et des retraités, principalement de l'État de New York. NYLHA encourage l'étude des travailleurs et de leurs organisations et sert de pont entre les syndicalistes et les universitaires passés et présents.


Avis populaires

C'est l'un des meilleurs films sur la naissance du cinéma que j'aie jamais vu.

Chaque fois que Martin Scorsese recommande un film, je vous suggère de le regarder ! Chaque pays a un pionnier différent qui aurait inventé le cinéma. D'après cela, nous, les Britanniques, pensons que c'était William Friese-Greene. Il y a une scène dans ce film où il reproduit enfin un film. Ce moment est l'un des plus beaux portraits de la magie du cinéma. Quand il réalise ce qu'il a fait, la première chose qu'il fait est de trouver quelqu'un avec qui le partager et il se trouve que c'est un policier en patrouille de nuit joué par Lawrence Olivier. Ce film est criminellement négligé. Je suggérerais à tout fanatique de cinéma de le regarder.

douce petite lettre d'amour à la naissance du cinéma d'un point de vue britannique. J'aurais aimé que certains des camées soient plus longs, mais bon, c'était quand même mignon. Eric Portman était mon préféré, comme toujours.

De plus, je ne peux pas m'empêcher de penser à Robert Donat, laid, heureux de pleurer là-dedans. comme la morve qui coule et tout. J'ai l'impression que c'est si rare de voir dans un film aussi vieux. Il l'a vraiment vendu et je l'ai mangé

Un biopic lourd et peu fiable prétendant être l'histoire du pionnier du cinéma William Frieze-Greene. Sans aucun doute, il a inventé certains procédés mais n'était pas l'inventeur de la cinématographie, c'était Louis Le Prince basé à Leeds.

Faire de nobles affirmations et promouvoir l'histoire en termes chauvins ne rend ce film pas vraiment favorable, bien que Robert Donat soit bon en tête, et qu'il y ait un intérêt pour les acteurs de soutien, notamment Stanley Holloway en tant que baliff joyeux et Sid James en tant que sergent de l'armée.

(edit: divulgation complète, cela va donner l'impression que je n'aurais pas pu prêter assez d'attention à ce film pour l'aimer autant que je le dis mais parfois des choses vraiment énormes me échappent parce que je suis un extraterrestre et j'ai pour ajouter que je me suis embrouillé avec les deux actrices jouant les deux femmes ici et je pense toujours que j'ai peut-être nommé la mauvaise ci-dessous ou que les deux moments pourraient en fait provenir d'actrices distinctes… besoin de revoir le film pour voir où cela se produit ou s'il s'agit d'une de ces étranges morts hors écran comme dans Our Vines Have Tender Grapes…)

The Magic Box est un biopic très romancé (comme d'habitude) de l'un des inventeurs du cinéma William Friese-Greene. Le film a été réalisé comme une image de prestige pour le festival de Grande-Bretagne de 1951 et présente d'innombrables stars britanniques, grandes et petites, allant de Ralph Richardson et Laurence Olivier à Ronald Shiner et Robertson Hare. Aucun n'a grand-chose à faire et de nombreux visages familiers apparaissent si brièvement dans les groupes photographiques, etc. que vous pouvez facilement cligner des yeux et les manquer comme je l'ai fait dans de nombreux cas. Bien que Robert Donat, très à la mode de M. Chips, joue le rôle de l'inventeur britannique négligé.
Les principales contributions de Friese-Greene à la cinématographie ont été qu'en 1889, il a breveté un appareil photo chronophotographique, qui était…

Pas surprenant pourquoi quelqu'un comme Martin Scorsese aime cette image, c'est une lettre d'amour à la dévotion d'un homme de faire avancer le médium du film non pour le profit ou le gain personnel mais pour que les enfants du futur en profitent, c'est quelque chose que le plomb William Friese- Greene prêche jusqu'à ce qu'il tombe littéralement mort (* bruit sourd *).

De nombreux acteurs britanniques notables font des camées tout au long du film, car ce film était clairement important pour l'industrie cinématographique britannique pour montrer comment l'un des leurs était responsable de l'invention de la cinématographie (discutable). Mon préféré étant le moment où il perce enfin dans son travail et doit montrer à quelqu'un d'autre, au milieu de la nuit, il trouve…

William Friese-Greene consacre sa vie au développement d'une caméra cinématographique. Malgré les coûts personnels et financiers de la quête obstinée de leur mari pour développer et exposer son appareil photo, ses deux femmes ( Friese-Greene remariée après la mort de sa première femme) soutiennent fidèlement ses objectifs. Malheureusement, Friese-Green ne reçoit jamais de reconnaissance publique pour ses contributions au développement d'une caméra cinématographique, et il vit dans la pauvreté et l'obscurité à sa mort en 1921.

Ce film a été réalisé en tant que contribution au «Festival of Britain», une célébration publique de la vie et des réalisations britanniques destinée à remonter le moral d'un public britannique souffrant encore de difficultés pendant la période difficile après la fin de la Seconde Guerre mondiale. Robert Donat a joué l'inventeur et de nombreuses stars de cinéma britanniques ont rejoint le casting en tant que contribution au Festival.

Vu au TCM Film Festival, Hollywood 2017

J'ai vu beaucoup de films biographiques mais aucun comme The Magic Box. Il est basé sur le pionnier du cinéma William Friese-Greene. Le film est raconté à travers des flashbacks qui révèlent de multiples obstacles que Friese-Greene a dû surmonter. Ce qui rend ce film spécial, c'est qu'il montre la lutte que des gens comme Friese-Green ont vécue à leur époque. Des inventeurs qui rêvaient de demain, d'un avenir que personne d'autre que lui ne voyait. C'est un film spécial pour moi parce qu'il traite d'une obsession que vous avez pour quelque chose. Peu importe que vous réussissiez ou échouiez, l'important est que vous restiez fidèle à vous-même. Et d'ailleurs, il y a une superbe séquence dans laquelle, après avoir découvert des images animées, Friese-Green court…

Beau si ce biopic statique sur l'un des pionniers du cinéma britannique. Quelques excellentes performances cependant, dont un joli rôle central de Donat lui-même

Il y avait sans aucun doute de nombreuses personnes qui travaillaient sur certaines de nos inventions les plus importantes au moment où elles sont devenues importantes.

William Friese-Greene a passé sa vie à travailler sur la caméra cinématographique, et bien qu'il ne soit pas l'inventeur officiel, c'est quelqu'un qui a contribué par son travail à ce qui est devenu le produit final. Son histoire est racontée par un casting de stars (même dans de petits rôles) dans "The Magic Box" de 1951 avec Robert Donat et Maria Schell.

Greene détenait le premier brevet sur une caméra cinématographique, et des problèmes financiers, qui l'ont assailli toute sa vie, l'ont amené à vendre son brevet pour 500 livres. Il a également créé un système "Biocolor" qui a gagné dans un procès contre un système appelé Kinemacolor. Cette…

Ennuyeux, mais la couleur est belle et l'appareil photo est plutôt cool.

Inventer l'histoire
(initialement posté sur IMDb le 21 décembre 2007)

Ce biopic de l'inventeur William Friese-Greene était basé sur le livre de Ray Allister "Friese-Greene: Close-up of an Inventor". Allister a utilisé les souvenirs de la famille et des amis de l'inventeur pour sa biographie. De telles sources se sont souvent avérées peu fiables, et c'est le cas. Brian Coe et d'autres historiens ont depuis démystifié certains des mythes inventés par Friese-Greene et perpétués par sa famille, ses amis et ses biographes. Le résultat mythique ici, dans ce film, est que Friese-Greene apparaît comme le premier inventeur du cinéma et du cinéma.

Le point culminant de "The Magic Box" a Friese-Greene projetant son film pris à Hyde Park à un policier. Le film-dans-le-film ne sont pas les photographies réelles prises…


Histoire de Boulting, écusson familial et armoiries

Le nom Boulting fait partie de l'héritage ancien des tribus anglo-saxonnes de Grande-Bretagne. C'est un produit de l'époque où la famille vivait dans le Lancashire et le Yorkshire, où ils ont tiré leur nom de l'un des nombreux endroits nommés Boulton ou Boulonner. Le nom signifie littéralement quartier caractérisé par des virages des mots du vieil anglais boga et terre. [1]

Il existe de nombreux noms de lieux dans le nord de l'Angleterre portant le nom de cette illustre famille, notamment Bolton le Sands dans le Lancashire, Bolton Castle, Bolton Percy et Bolton upon Dearne dans le Yorkshire. Le Domesday Book de 1086 fait référence à Bodeltone [2] et il est généralement entendu que c'est la première référence pour la plupart de ces lieux.

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Les premières origines de la famille Boulting

Le nom de famille Boulting a été trouvé pour la première fois dans le Lancashire, le Yorkshire, le Cumberland et le Northumberland. Ce dernier "est mémorable en tant que scène d'une réunion en 1209, entre Jean, roi d'Angleterre, et Guillaume, roi d'Écosse." [3]

Le Boldon Book a été préparé sur ordre de Hugh du Puiset, évêque de Durham en 1183 et bien que similaire au Domesday Book d'un siècle auparavant, le livre répertorie les terres et les propriétés de ce qui deviendra plus tard le comté de Durham, qui est maintenant connu sous le nom de North East . Seuls quatre exemplaires manuscrits connus existent aujourd'hui.

Le Hundredorum Rolls de 1273 avait deux listghins pour la famille : Michael de Boulton, Yorkshire et Thomas de Boulton, ou Bolton, Lincolnshire. [4]

En Ecosse, le nom était "probablement de Bolton dans l'East Lothian". Adam de Boultone était préfet de Dunfres, 1287. William fiz Geffray de Boultone del counte de Edeneburk a rendu hommage, 1296. John de Boulton a été employé comme maçon au château de Linlithgow, 1302, et Robert de Bolton, un Écossais, a été libéré de prison de Colchester, 1396. » [5]

Plus récemment, certains membres de la famille ont été retrouvés à Wrightington dans le Lancashire. "Harrock Hall, siège de la famille Boulton, a été acheté en 1839 aux Rigby, dont, en 1567, il était déjà la résidence depuis quatre générations : la maison, autour de laquelle s'étendent 420 acres, a été restaurée par le propriétaire actuel ." [3]

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Début de l'histoire de la famille Boulting

Cette page Web ne montre qu'un petit extrait de notre recherche Boulting. 167 autres mots (12 lignes de texte) couvrant les années 1191, 1321, 1640, 1645, 1575, 1633, 1575, 1570, 1648, 1592, 1659, 1606, 1654, 1680, 1666, 1639, 1650, 1572, 1631, 1868, 1619, 1611, 1844, 1878 et sont inclus sous le sujet Early Boulting History dans tous nos produits PDF Extended History et nos produits imprimés dans la mesure du possible.

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Variations d'orthographe de Boulting

Les premiers dictionnaires apparus au cours des cent dernières années ont beaucoup contribué à standardiser la langue anglaise. Avant cette époque, les variations orthographiques des noms étaient monnaie courante. La langue changeait, incorporant des morceaux d'autres langues, et l'orthographe des noms changeait avec elle. Boulting a été orthographié de différentes manières, y compris Boulton, Bolton, Bolten, Boalton, Boultoun, Boultown, Boltan, Boulten et bien d'autres.

Les premiers notables de la famille Boulting (avant 1700)

Les membres distingués de la famille comprennent Edmund Bolton ou Boulton (1575 ?-1633 ?), un historien et poète anglais, né vers 1575 Sir Richard Bolton (1570 ?-1648), avocat anglais, fils de John Bolton, de Fenton, Staffordshire Sir Edward Bolton (1592-1659 ), un juge d'origine anglaise qui a été pendant de nombreuses années solliciteur général pour l'Irlande Robert de Boulton, du Lancashire Samuel Bolton (1606-1654), un ecclésiastique et universitaire anglais, membre du Westminster Assemblée et maître du Christ's College, Cambridge Sir William Bolton (mort en 1680), un marchand anglais, Lord Mayor de Londres en 1666 et Sir Richard Bolton (1639-1650).
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Migration de la famille Boulting en Irlande

Certains membres de la famille Boulting ont déménagé en Irlande, mais ce sujet n'est pas traité dans cet extrait.
237 mots supplémentaires (17 lignes de texte) sur leur vie en Irlande sont inclus dans tous nos produits PDF Extended History et nos produits imprimés dans la mesure du possible.

Migration de la famille Boulting

Des milliers de familles anglaises à cette époque ont commencé à émigrer vers le Nouveau Monde à la recherche de terres et à l'abri des persécutions religieuses et politiques. Bien que le passage soit coûteux et que les navires soient sombres, bondés et dangereux, ceux qui ont effectué le voyage en toute sécurité ont été récompensés par des opportunités qui ne leur étaient pas accessibles dans leur pays d'origine. Des recherches sur les listes de passagers et d'immigration ont révélé certains des tout premiers Boulting à arriver en Amérique du Nord : Richard Boulten qui s'est installé en Virginie en 1623 Enoch Boulton s'est installé en Virginie en 1660 Everard Boulton s'est installé en Pennsylvanie avec sa femme Elizabeth et leurs deux enfants en 1682.

Histoires liées +

La devise de Boulting +

La devise était à l'origine un cri de guerre ou un slogan. Les devises ont commencé à être représentées avec des armes aux 14e et 15e siècles, mais n'étaient pas d'usage général avant le 17e siècle. Ainsi, les armoiries les plus anciennes ne comportent généralement pas de devise. Les devises font rarement partie de l'octroi des armoiries : sous la plupart des autorités héraldiques, une devise est un élément facultatif des armoiries et peut être ajoutée ou modifiée à volonté, de nombreuses familles ont choisi de ne pas afficher de devise.

Devise: Vi et vertu
Traduction de devise : Par la force et la vaillance.


John Boulting - Histoire

Enregistrer l'histoire de l'environnement bâti de Londres depuis 1894

Boulting & Fils

Au coin de Riding House Street et Candover Street se dresse l'un des joyaux architecturaux du sud-est de Marylebone : un groupe d'appartements conçu pour T. J. Boulting & Sons. John Boulting & Son, quincailliers d'ameublement, s'est établi peut-être dès 1808 dans deux maisons voisines. C'est la date qui est fièrement affichée sur le bâtiment, relevée dans des carreaux de mosaïque dorée avec le nom de l'entreprise.

Détail de 59-61 Riding House Street, Marylebone, Grand Londres. Vue depuis le sud. Prise pour l'enquête de Londres par Chris Redgrave © Angleterre historique

Les John Boultings successifs moururent en 1863 et 1873, et une dissolution du partenariat entre un troisième John et Thomas John Boulting fut annoncée en 1879. Par la suite, l'entreprise fut connue sous le nom de T. J. Boulting (& Sons).

59-61 Riding House Street, Marylebone, Grand Londres. Vue depuis le sud-ouest. Prise pour l'enquête de Londres par Chris Redgrave © Angleterre historique

Parmi ces fils se trouvait Percy Boulting, né vers 1876 et apparemment architecte de formation, aux aspirations de jeunesse duquel les bâtiments actuels pourraient bien être dus. L'entreprise avait assez bien réussi pour que les membres de la famille, d'abord le père puis les frères de Percy, se lancent dans de petites transactions immobilières sur le domaine Howard de Walden à partir de la fin des années 1890. Naturellement, ils s'intéressent particulièrement à la reconstruction autour de leurs œuvres. Leur première entreprise semble avoir été le 40 Foley Street, un immeuble de cinq étages situé juste derrière l'adresse des Boulting, construit par John Anley en 1898. Ses concepteurs étaient alors décrits comme Clark & Hutchinson avec Percy A. Boulting, en d'autres termes H. Fuller Clark et CE Hutchinson, deux architectes d'environ 28 ans qui s'étaient rencontrés dans le bureau de Rowland Plumbe, plus le plus jeune Boulting. Plus tard, le numéro 40 a été attribué à Clark seul, et c'est à lui que la flamboyance du groupe des Boultings est généralement créditée. Le chef-d'œuvre de Clark est la refonte du pub Black Friar dans la ville, sinon son travail est peu connu, bien qu'il prétende avoir une pratique substantielle.

Appartements construits pour Boultings au 40 Foley Street, conçus par H. Fuller Clark, peut-être avec H. E. Hutchinson et Percy A. Boulting. Prise pour l'enquête de Londres par Chris Redgrave © Angleterre historique

Sur le plan architectural, le n ° 40 est une performance à jour mais pas excentrique qui se brise en crépis au niveau du deuxième étage et se termine par deux pignons en forme. Le plan suit la disposition standard de la fin de l'époque victorienne dans ce quartier de deux appartements par étage, à l'origine avec une excroissance sanitaire à l'arrière sous la forme d'une pile centrale de baies partagées entre deux appartements. Clark & Hutchinson a rapidement suivi en 1899 avec un deuxième bloc d'appartements en face, Belmont House, 5-6 Candover Street, construit cette fois par A. A. Webber. Ici, un plan similaire est présenté dans un idiome plus lourd et plus difficile, avec une grande ceinture de briques violettes enveloppant le premier étage et une touche de lettrage Art Nouveau.

Maison de la tour, rue Candover. H. Fuller Clark et Percy Boulting, 1903-4. Prise pour l'enquête de Londres par Chris Redgrave © Angleterre historique

Tower House, York House et Oakley House, englobant les anciens locaux des Boultings et le pub Sir Isaac Newton au coin, ont suivi en 1903-1904. Cette fois, les architectes ont été décrits comme Fuller Clark et Percy Boulting, sans Hutchinson : les constructeurs étaient Smith & Co. de Mount Street. Encore une fois, il s'agit essentiellement d'appartements de cinq étages, bien que les arrières d'un étage plus haut soient à l'origine des piles sanitaires nues de baies vitrées. Les devants sont à l'envers de nus. Parmi les astuces mises en œuvre figurent des bandes de briques aux teintes surprenantes, des projections de baie à la fois inclinées et carrées, une ligne de toit hérissée et trois panneaux de mosaïque distincts avec des lettres fantaisistes faisant la publicité de l'entreprise Boultings et de ses marchandises ('ingénieurs en gaz et en électricité' 'ingénieurs sanitaires et eau chaude ' 'fabrication d'appareils et de poêles').

Détail de 59-61 Riding House Street, Marylebone, Grand Londres. Vue depuis le sud. Prise pour l'enquête de Londres par Chris Redgrave. © Angleterre historique

La couleur était une préoccupation évidente à l'origine, trois ciments différents étaient utilisés, tandis que la menuiserie des fenêtres était toute blanche à l'exception des baies vitrées, finies en chêne teinté. Malgré l'allusion de Voysey à propos de ces élévations, elles sont entièrement individuelles et en effet ce bâtiment a également été attribué à Clark seul lorsqu'il a été réédité. La firme Boultings a survécu au 59 Riding House Street jusqu'aux années 1960.En 1978, la propriété franche de tous leurs appartements est passée à la Community Housing Association, qui a employé Pollard, Thomas & Edwards, architectes, pour les mettre à jour au cours de la décennie suivante. Leurs modifications ont consisté à agrandir les baies sanitaires à l'arrière pour former des cuisines plus généreuses.

Détail de 59-61 Riding House Street, Marylebone, Grand Londres. Vue depuis le sud. Prise pour l'enquête de Londres, par Lucy Millsom-Watkins © Angleterre historique


La paranoïa d'après-guerre en Angleterre s'installe dans l'ombre de trois films noirs

Quelque chose de prodigieux sort de la vie anglaise calme et ordinaire d'après-guerre : trois noirs schizoïdes des réalisateurs Carol Reed, Roy et John Boulting, et Tharold Dickinson.

La Dame de Pique (1949), Réalisateur : Thorold Dickinson

Thorold Dickinson’s La reine de pique est l'un des meilleurs films britanniques des années 40, et donc parmi les meilleurs films britanniques de tous les temps. Son ravissement esthétique éblouissant n'a rien à envier à l'équipe de Michael Powell et Emeric Pressburger, et il n'y a pas de plus grand éloge. À vingt pas, il pourrait être confondu avec un film de Powell & Pressburger car il met en vedette leur collaborateur fréquent Anton Walbrook et est si riche en épanouissement et en sensibilité culturelle européenne.

L'histoire commence en 1806 à Saint-Pétersbourg, alors que de jeunes officiers impériaux russes élancés s'ébattent ivres au milieu des chants et des danses de femmes tziganes et jettent des fortunes sur un jeu de cartes à la mode appelé faro. Cette séquence ouvre le film alors qu'elle entend continuer : une somptueuse exposition d'atmosphère dans laquelle la caméra glisse et s'élance au milieu de compositions encombrées de photographies en clair-obscur à contraste élevé, nous désorientant parfois avec des coupes aux détails révélateurs et des compositions accrocheuses, nous entourant de musique et effets sonores aussi soigneusement orchestrés que la symphonie visuelle.

L'intrus, qui regarde mais ne joue pas parce qu'il ne peut pas se permettre de risquer ce qui est nécessaire pour gagner le superflu, est le capitaine Herman Suvorin (Walbrook). Son prénom se prononce à la russe pour ressembler à “allemand” avec un “G” dur, et il est en fait allemand. Il se sent méprisé et toléré comme un simple ingénieur, un étranger, un homme de famille pauvre au milieu des aristocrates.

L'image de Napoléon dans la chambre de Suvorin s'explique par son discours sur le leader comme l'arrivé ultime qui saute les classes, et il se sent comme ayant un potentiel tout aussi grand si seulement il avait l'argent. Il brûle de ressentiment de classe et de désir. En tant qu'Allemand dans ce contexte profondément russe, Suvorin ne peut s'empêcher de saisir un aspect de l'envie de classe anglaise d'après-guerre et le rêve de surmonter sa place.

L'intrigue est bien lancée lorsqu'un livre tombe entre ses mains : les mémoires du légendaire et mystérieux comte de Saint-Germain (remarquez le jeu de noms avec Herman/allemand). Un chapitre illustre un flashback merveilleusement cinématographique sur une jeune comtesse russe (Pauline Tennant) qui, en proie à l'adultère avec son amant, vend son âme au comte pour le secret de trois cartes gagnantes qui lui rapportent une fortune.

Suvorin se rend compte ou a l'intuition que cette histoire d'il y a 60 ans fait référence à la désormais ancienne comtesse Ranevskaya (Edith Evans, extrêmement impressionnante), un vieux tyran querelleux de la société. Il se met à abuser de la confiance de sa compagne souris, Lizaveta Ivanovna (Yvonne Mitchell), la courtisant avec des lettres d'amour pour accéder au manoir et affronter la comtesse.

L'histoire raisonnablement simple avec des éléments surnaturels est esthétiquement soignée, avec une scène après l'autre se déroulant comme un grand décor : le bal somptueux, la confrontation pleine de suspense dans le boudoir, un enterrement massif, une visite fantomatique. Une série de joueurs de soutien contribuent à l'atmosphère, notamment Ronald Howard, Anthony Dawson, Miles Malleson, Mary Jerrold, Michael Medwin et Valentine Dyall.

Sous la production impeccable du producteur pratique Anatole de Grunwald (d'origine russe) et de son assistant producteur Jack Clayton (qui dirigera un autre grand film surnaturel littéraire britannique, 1961’s Les innocents), tous les départements bourdonnent au sommet de leur art : le photographe Otto Heller, le monteur Hazel Wilkinson, le chef décorateur et costumier Oliver Messel, le directeur artistique William Kellner, le compositeur Georges Auric (le lien entre les films de Jean Cocteau et d'Ealing Studios), le maquilleur Robert Clarke (surtout sur Evans) et l'équipe du son.

Anton Walbrook dans La reine de pique (Photo par LES ARCHIVES RONALD GRANT – © DE GRUNWALD PRODUCTIONS / ABPC / IMDB)

Comme Martin Scorsese l'observe dans une introduction, l'une des étonnements du film est que Dickinson est entré dans le projet à la dernière minute, quelques jours seulement avant le début de la production. Le film devait être réalisé par Rodney Ackland, qui a co-écrit le scénario avec Arthur Boys, mais une brouille avec de Grunwald a entraîné leur départ du projet. Dickinson est venu retravailler le script et a pris la décision d'abandonner une approche de « lèvre supérieure raide » en allant « à fond pour la flamboyance ». La pression de dernière minute a inspiré Dickinson, ainsi que les contraintes de travailler dans un petit studio sans beaucoup de ressources. Comme tout le monde l'a observé depuis, vous ne pouvez pas dire que ce n'est pas une production coûteuse avec un casting de centaines.

Bien qu'il n'ait réalisé que neuf longs métrages, Dickinson a mené une brillante carrière dans de nombreux aspects du cinéma, de l'écriture et du montage à la programmation et à l'enseignement. Son film le plus célèbre était son précédent projet avec Walbrook, la version 1940 de Lampe à gaz dont presque toutes les copies ont été détruites par MGM pour promouvoir leur remake de 1944 avec Ingrid Bergman. La version de Dickinson est d'autant plus crédible que sa star, Diana Wynyard, exprime le genre de violette fanée née pour être trompée par son mari, tandis que Bergman projette une telle intelligence et une telle force que le spectateur doit suspendre une incrédulité considérable à son obscurité jusqu'à ce qu'elle éclate enfin. dans une rage satisfaisante à la fin.

Dickinson, qui a été entendu dans deux interviews audio, ne peut pas toujours faire prendre ses remarques pour argent comptant. Par exemple, il déclare qu'il s'agissait du premier film de Mitchell et d'Evans, comme le précise le commentaire de Nick Pinkerton, ce n'est pas tout à fait vrai. Dickinson dit également que le film a reçu un accueil mitigé à Cannes parce que le néoréalisme était à la mode alors que son film était un retour à l'expressionnisme silencieux. Pinkerton souligne que le gagnant de Cannes cette année-là était Carol Reed’s Le troisième homme, un compagnon de route dans l'expressionnisme britannique et le flair Wellesian qui n'a rien à voir avec le néoréalisme. De plus, le film très bien noté de Dickinson a été nominé pour un BAFTA, perdant à nouveau contre le film de Reed.

Pourtant, le chef-d'œuvre de Dickinson sort habituellement de la conscience cinématographique britannique parce qu'il ne semble pas très anglais. En fait, il traduit brillamment les peurs et les phobies de classe de l'Angleterre dans les termes de la Russie impériale. Cette présentation étincelante donne à l'image et au son la richesse et la profondeur qu'ils méritent et devrait convertir de nombreux païens ignorants à l'évangile de Dickinson.

Sept jours à midi (1950), Réalisateurs : Roy et John Boulting

Ce que Dickinson entendait par « la lèvre supérieure raide » et le néoréalisme peut être indexé par Sept jours à midi, produit, réalisé et monté par les frères Boulting, jumeaux à l'origine d'une longue série d'excellents thrillers et comédies anglais. Ici, nous voyons la même tendance se produire simultanément dans Hollywood noir, une transition vers un style semi-documentaire uniformément et plat éclairé touché par le néoréalisme. Et pourtant, chaque fois que des scènes clés se déroulent la nuit ou dans des décors sombres, l'impulsion expressionniste latente de l'éclairage en clair-obscur émerge en douceur pour détourner l'esthétique, comme M. Hyde prenant le relais du Dr Jekyll.

Le film s'ouvre par une matinée claire et plate au numéro 10 Downing Street, le bureau du Premier ministre, alors que nous regardons le facteur quotidien faire sa tournée et déposer une lettre d'apparence ordinaire dans la fente. (Est-ce vraiment ainsi que le courrier est livré là-bas ? Peu importe.) Les accords en plein essor de John Addison, composant son premier film, annoncent que quelque chose de prodigieux sort de la vie anglaise ordinaire et calme, puis le générique s'engage dans un curieux droit à- panoramique gauche pendant que la caméra traverse les voies ferrées de gauche à droite, créant un élan et un suspense sur une musique entraînante. C'est un caméo stylistique du fonctionnement du film.

La première bobine consiste en une escalade lente de l'activité parmi les lèvres supérieures raides qui vaquent calmement à leur travail en enquêtant sur l'étrange lettre, dans laquelle un scientifique nucléaire promet qu'à moins que le Premier ministre n'annonce l'arrêt de la construction d'armes nucléaires, il en déclenchera une dans le centre de Londres le dimanche suivant et créez « sombre, sombre, sombre au milieu des flammes de midi », citant Milton. Comme il se doit, il transporte l'explosif dans son sac Gladstone, du nom d'un ancien premier ministre.

Le reste du film croisera entre les autorités agissant dans une communion discrète et éminemment efficace et les activités solitaires du voyou Prof. Willingdon (Barry Jones), un homme chauve d'âge moyen décrit comme ayant une dépression religieusement ombragée de la tension de son travail. Le dialogue implique que cette condition est un sous-produit potentiel d'un tel travail, bien que même sa panne soit effectuée avec une lèvre supérieure raide. Il fait la démonstration d'une fugue schizoïde très anglaise.

Barry Jones et Olive Stone dans Sept jours à midi (IMDB)

« Que feriez-vous si vous étiez convaincu que les résultats du travail de votre vie étaient mis à mal ?», demande son vicaire avant d'affirmer que chaque homme doit en fin de compte répondre à sa propre conscience. C'est vraiment un monde d'hommes, avec des femmes comme spectateurs impuissants ou, selon leur classe, dupes semi-comiques. N'importe quand Sept jours à midi injecte une note comique parmi les nombreux citoyens, elle vient toujours d'un accent ouvrier ou cockney, tandis que les hommes qui dirigent le spectacle sont sombres et imperturbables et ne lâchent jamais leurs aises.

Pourtant, ce sont les femmes qui continuent de faire dérailler les plans de Willingdon. Sa première logeuse curieuse (Joan Hickson) est distraite par ses pas au-dessus de sa tête dans un appareil qui rappelle les années d'Alfred Hitchcock Le locataire (1927). Elle refuse d'avoir quoi que ce soit à voir avec les gens du théâtre, et c'est une actrice vieillissante (Olive Sloane) qui loge ensuite Willingdon pour une nuit. Les deux femmes sont comiquement attachées aux chats ou aux chiens. Enfin sa fille (Sheila Manahan) servira d'arme secrète aux autorités.

De nombreuses références sont faites à la guerre, au Blitz et à Dunkerque, et le professeur cherche du secours dans une église encore bombardée, où des colombes (de la paix ?) volettent et roucoulent à travers le trou du toit. L'implication est que la conviction morale, ou au moins les valeurs traditionnelles, sont une coquille d'eux-mêmes. L'imagerie réaliste du film des artères bondées de Londres devient étrange alors que la ville est évacuée avec une efficacité remarquable à la Dunkerque.

Un an plus tôt, dans la comédie d'Henry Cornelius & Ealing Passeport pour Pimlico, les habitants de ce quartier étaient ravis de revenir aux terribles certitudes de l'Angleterre en temps de guerre, tandis que les habitants de ce film font face à leur transport soudain avec du flegme et des ponctuations intimes de mesquinerie. Derrière toute cette efficacité apparente se cache le sens croissant, également exploité par les comédies d'Ealing, d'événements incontrôlables en raison des forces plus importantes du monde.

Paul Dehn et James Bernard ont reçu un Oscar de la meilleure histoire pour ce film, bien que le scénario soit attribué à Frank Harvey et Roy Boulting. Sept jours à midi est probablement le premier exemple sérieux de paranoïa nucléaire au cinéma, un sujet précédemment abordé plus légèrement dans la fable de Joseph Losey Le garçon aux cheveux verts (1948). Le sujet commencerait à fleurir dans la science-fiction comme dans les années Robert Wise Le jour où la terre s'est arrêtée (1951), et Sept jours à midi a été considéré par certains comme une sorte de science-fiction pour cette raison.

Le film Boulting fait une comparaison intrigante avec un long métrage hollywoodien néoréaliste similaire de la même année, Elia Kazan sur le thème de la peste Panique dans les rues, précisément parce qu'il n'y a pas de panique mais plutôt une peur croissante chez le spectateur alors que le professeur s'échappe de justesse et les quasi-découvertes tournent les vis virtuelles de l'intrigue orientée vers l'horloge. Les carillons de Big Ben, utilisés dans le logo d'ouverture de London Films, deviennent une partie cruciale du drame dès les derniers instants. Alors que le film valide finalement l'efficacité des politiciens, de la police et de l'armée, son malaise final vient de n'avoir pas vraiment résolu le paradoxe moral incarné par Willingdon.

Henry Koster’s serait un autre indice croisé révélateur Pas d'autoroute dans le ciel (1951), un film américano-britannique dans lequel un autre boffin scientifique distrait est considéré comme faisant une crise d'hystérie mais dont les soupçons désastreux sont justifiés. Les deux films ensemble indiquent la perception bipolaire ou schizoïde du public des chappies scientifiques à l'ère atomique, qui d'une part doivent être admirés et d'autre part être traités avec méfiance.

Encore une fois, nous avons une impression si nette en haute définition que nous pouvons même repérer le fantôme de l'équipage reflété sur une voiture brillante au point de 17 minutes. Ce Blu-ray ne comporte aucun extra, mais peut-être que l'efficacité du film parlera d'elle-même à une génération qui n'en a probablement pas entendu parler.

L'homme entre (1953) Réalisateur : Carol Reed

Comme Sept jours à midi, productrice-réalisatrice Carol Reed’s L'homme entre, une autre production de London Films, est pleine de paranoïa de la guerre froide, cette fois la situation actuelle dans un Berlin encore fortement bombardé, où une grande partie du film a été tournée sur place. Il était encore possible de passer librement du secteur oriental sous contrôle russe au secteur occidental, et de nombreux réfugiés passaient de Berlin-Est.

C'est le monde dans lequel une jeune Anglaise abritée, Susanne (Claire Bloom), arrive en avion pour rendre visite à son frère Martin (Geoffrey Toone) et sa femme allemande Bettina (Hildegard Neff, très glamour), qui habitent tout près de la frontière ruineuse. zone. Martin est dans l'armée et travaille tous les jours avec des réfugiés.

Dès que Susanne arrive, elle remarque des détails étranges. Un garçon à vélo semble la suivre. Bettina est nerveuse et reçoit des appels téléphoniques mystérieux. Deux voitures dans une poursuite laissent présager un drame d'évasion. Dans une boîte de nuit où un clown en haillons jouant deux clarinettes à la fois (les deux moitiés de Berlin) fournit un symbolisme qui remonte à travers les clowns de Jacques Tourneur Berlin Express (1948) jusqu'aux films Dr. Mabuse de Fritz Lang, Susanne observe une Bettina morose dans un immense miroir qui agit comme une sorte d'écran de cinéma à l'intérieur de l'écran.

Lors d'une escapade dans le secteur Est, les femmes sont accueillies par Ivo Kern (James Mason), aussi ambigu charmeur et marchand de roues que Harry Lime de Le troisième homme. Susanne pense qu'il entretient une liaison avec Bettina, et maintenant il reporte son attention sur Susanne. Une fois que l'intrigue clarifie enfin ce qui se passe au milieu des stratagèmes et des alliances d'Ivo, la dernière moitié du film est un thriller assez simple sur la course, la dissimulation et l'esquive alors que Susanne apprend de première main la vie des réfugiés.

Cette partie du film est l'endroit où Reed et le directeur de la photographie Desmond Dickinson se déchaînent, ou nous pourrions dire « à fond pour la flamboyance », en superposant le clair-obscur expressionniste et les angles inclinés, en particulier dans les séquences nocturnes sombres qui définissent maintenant l'image. C'est aussi la section où la partition pleine de suspense de John Addison présente son romantisme le plus douloureux. Le style domine et détermine l'histoire, scénarisée par le polyvalent et prolifique Harry Kurnitz à partir d'une histoire de Walter Ebert. Un autre écrivain prolifique et polyvalent, l'écossais Eric Linklater, est répertorié comme contributeur non crédité à IMDB.

James Mason dans L'homme entre (IMDB)

Ce film appartient à une série récurrente de films tournés sur place dans les ruines de Berlin, de Berlin Express et Billy Wilder’s Une affaire étrangère (1948) à Douglas Sirk’s Un temps pour aimer et un temps pour mourir (1958), Wilder's One, Two, Three (1961) et Robert Siodmak's Évadez-vous de Berlin-Est (1962). Ce dernier titre pourrait être considéré comme une suite historique du film de Reed. Alors que les autres réalisateurs ont apporté un œil anthropologique d'initié au matériel, Reed est un étranger, un Anglais, et présente judicieusement un étranger sympathique d'Angleterre pour faire l'expérience du tumulte en tant que touriste attiré par sa tête.

Dans un agréable écho stylistique, les deux La reine de pique et L'homme entre pause pour de brèves pauses d'opéra. Dans le film de Dickinson, les personnages assistent à une production de Gluck Orphée et Euridice, un voyage très approprié dans le monde souterrain. Dans le film de Reed, c'est une production de Richard Strauss Salomé, dans lequel le désir d'une jeune femme pour un prophète conduit à sa mort.

L'homme entre est beaucoup moins célèbre que Reed’s Le troisième homme, qui a arraché le prix de Cannes et le BAFTA à La reine de pique. Le succès justifié de Le troisième homme a malheureusement éclipsé la majeure partie de la carrière de Reed, qui ne mérite pas d'être éclipsée, et L'homme entre en particulier a été largement rejeté par les critiques comme une resucée réchauffée de Le troisième homme.

Dans son commentaire, Simon Abrams discute de la réception critique et lit plusieurs mémoires sur la réalisation du film. Le rap général est que l'histoire n'était pas à la hauteur, tandis qu'Abrams fait valoir que nous devrions voir le film moins comme un thriller (malgré ses parties passionnantes) et plus comme une romance maudite dans laquelle le jeune Bloom tient parfaitement sa place avec Mason.

Deux autres figurants, une interview audio de Mason de 1967 et un profil de carrière de Reed, ne mentionnent jamais le film, et une brève interview avec Bloom a un mauvais son. Heureusement, cette numérisation HD est impeccable et met l'accent sur tout, des superbes photographies de Dickinson aux textures des costumes et aux excellents décors, en particulier le restaurant et la grande maison de Bettina.

Reed a réalisé de nombreux films que nous aimons voir sur Blu-ray. Kino Lorber a déjà sorti Trapèze (1956), et Paria des îles (1951) est à paraître. Espérons que d'autres de ses films suivront, mais pour l'instant L'homme entre devrait nous mettre en appétit pour un styliste superbement visuel qui reste paradoxalement célébré et sous-estimé.Il en va de même pour Thorold Dickinson et les Boulting. Le cinéma britannique en général souffre souvent d'un rap pour être posé et ennuyeux, et cette idée ne sera pas renversée jusqu'à ce que plus de ses talents soient exhumés des voûtes pour notre délectation.

Kino Lorber a rendu service à la Région 1 en octroyant des licences Blu-ray de films britanniques classiques à StudioCanal en France, qui possède apparemment tout en Europe. C'est pourquoi nous avons eu la chance d'avoir un tas de films d'Ealing et un ensemble de premiers Hitchcocks. Maintenant disponibles sont trois classiques d'après-guerre errants réalisés au cours de la période de quatre ans allant de 1949 à 1953, deux d'entre eux de London Films et un d'Associated British Pictures. Tous sont des délices de mauvaise humeur se livrant au noir et blanc noir et blanc, entrant dans les incertitudes et les paranoïas de l'Angleterre d'après-guerre, et aucun n'est bien connu aux États-Unis. Essayons de corriger cela.


Les références

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