Podcasts sur l'histoire

Stèle funéraire représentant une scène de banquet de Thasos

Stèle funéraire représentant une scène de banquet de Thasos


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Naiskos dans l'architecture funéraire des Grecs anciens

Un type de pierre tombale dans la Grèce antique, principalement aux IVe et Ve siècles av. Il imitait la forme de templum dans antisIt, c'est-à-dire qu'il ressemblait à un petit temple d'ordre classique avec des antas, des colonnes ou des piliers et un fronton décoratif, également décoré de figures sur la façade. Le fronton (frontispice) était généralement rempli de scènes familiales en haut relief, où les morts apparaissaient à l'intérieur de la maison aux côtés des vivants. Aussi “[certaines] des inscriptions hellénistiques trouvées dans la baie de Grama, [dans la mer Ionienne d'Albanie], sont placées à l'intérieur d'un naiskos, et dans ce cas le contexte religieux est une invocation de Castor et Pollux, [le ] Dioskouroi [dans la mythologie grecque et romaine], pour un passage sûr à travers l'Adriatique, plutôt que funéraire (“Naiskos” 2020).

La forme naiskos s'est développée à partir d'une stèle de pierre tombale attique dans la seconde moitié du IVe siècle av. Initialement de forme simple, ils avaient acquis avec le temps une forme plus compliquée faisant référence à la façade d'un temple grec avec un fronton soutenu par des colonnes.

La façade de Naiksos apparaît également comme motif décoratif dans les poteries funéraires à figures noires et à figures rouges de la Grèce antique au Loutrophoros et au Lekythos et les marchandises à figures rouges des Pouilles en Italie du Sud, [le IVe siècle av. ]” (“Naiskos” 2020).

Un style similaire de pierres tombales funéraires peut également être observé dans les soi-disant aedicula, typiques de l'art romain.

L'image sélectionnée: Stèle funéraire de style Naiskos de Cyzique (une ancienne ville de Mysie en Anatolie, dans l'actuelle province de Balıkesir en Turquie), avec une épitaphe de décoration en haut-relief inscrite sur le socle : « Attalos, fils d'Asklepiodoros, salutations ! » En marbre, du deuxième quart du IIe siècle av. La stèle de banquet funéraire représente, de gauche à droite, un serviteur tenant un objet rond, peut-être un modèle de l'Arsinoéion de Samothrace, une femme assise, un homme à demi couché tenant une phiale dans laquelle boit un serpent, un garçon échanson. Département des Antiquités grecques, étrusques et romaines, Denon, rez-de-chaussée, salle 11 (Musée du Louvre, Paris, France). Photo de Jastrow (2008). Crédit donné par W. H. Waddington, (1854). CC BY 3.0. Image recadrée. Source de la photo et de la légende : Wikimedia Commons (2021).

“Naiskos” (2020). Dans: Wikipédia. L'encyclopédie libre. Disponible sur <https://bit.ly/3bQQvhL>. [Consulté le 28 février 2021].

“Naiskos” (2020). Dans: Wikipédia. Encyclopédie de Wolna. Disponible sur <https://bit.ly/2PkkoiN>. [Consulté le 28 février 2021].

“Naiskos stèle de Cyzique” (2021). Dans: Wikimedia Commons. Disponible sur <https://bit.ly/3bHRUaa>. [Consulté le 28 février 2021].

PWN (2007). Słownik terminologiczny sztuk pięknych, p. 274. Kubalska-Sulkiewicz K., Bielska-Łach M., Manteuffel-Szarota A. eds. Wydanie piąte. Warszawa : Wydawnictwo Naukowe PWN.

Partagez ceci :

Comme ça:

En rapport

Laisser une réponse Annuler la réponse


Suse, Pièces de musée

Suse (Élamite, babylonien: Sušim grec Σοῦσα): capitale de l'Elam, résidence favorite du roi perse Darius Ier le Grand.

Objets de musée de Suse

De nombreux objets de Suse ont trouvé leur chemin dans des musées en Iran et en Europe. Le site lui-même possède un joli petit musée de nombreux autres objets peuvent être trouvés au Louvre à Paris, car les premières fouilles venaient de France. Il n'est pas surprenant de trouver d'autres objets au Musée national de Téhéran. Le British Museum de Londres doit une partie de sa collection à l'exploitation britannique des champs pétrolifères du Khuzestan.

La première photo montre une tablette d'argile magnifiquement écrite avec le texte de Darius Ier le Grand qui est connu sous le nom de DSe: liste des satrapies de l'empire achéménide. Le texte intégral et la traduction de ce document sont disponibles ici.

Ci-dessous quelques autres objets des musées déjà mentionnés, classés plus ou moins chronologiquement avec les objets les plus anciens en premier.

Troisième millénaire avant notre ère

Suse, relief en pierre avec une scène de banquet

Deuxième millénaire avant notre ère

Suse, modèle moyen-élamite d'un rituel solaire

Suse, bas-relief moyen-élamite des dieux guerriers

Suse, Dédicace à Inšušinak

Suse, Statue de la reine Napirasu, épouse d'Untaš-Napiriša

La découverte archéologique la plus connue de Suse est sans aucun doute la stèle en diorite avec les Lois du roi babylonien Hammurabi (r.1792-1750), qui a été emportée lorsque les Élamites ont pillé Babylone. La capitale de la stèle montre comment Hammurabi prie Šamaš, le dieu solaire. Les lois sont écrites sous cette image.

La signification de la réglementation n'est pas encore claire. Dans une société massivement analphabète, les gens ne connaîtraient jamais leurs droits s'ils dépendaient d'un texte écrit, et il est possible que la stèle n'ait en fait été destinée qu'à montrer aux dieux éternels que le roi était un homme juste, ou être.


2 Deuil formel

La période de deuil formel commença ainsi pendant la prothèse. En général, il y avait une distinction entre la façon dont les hommes et les femmes pleuraient. Les hommes ne montraient généralement pas d'émotion et se comportaient de manière formelle et détachée. Dans les représentations artistiques de la prothèse, le chef de famille masculin attendait souvent pour accueillir les invités à une certaine distance du corps.

Les femmes de la famille, en revanche, se tenaient près du corps, gémissant et gesticulant sauvagement, y compris en se tirant les cheveux. La principale pleureuse était la mère ou l'épouse du défunt. Elle se tenait près de la tête et la tenait souvent dans ses mains dans le chagrin.


Stèle funéraire représentant une scène de banquet de Thasos - Histoire

Nombre de mots : 1708 mots
Publi en ligne le 2019-10-31
Référence : Histara les comptes rendus (ISSN 2100-0700).
Lien : http://histara.sorbonne.fr/cr.php?cr=3652
Lien pour commander ce livre

Le présent volume constitue une suite du premier volume du même auteur sur les monuments-reliefs de Thasos (B. Holtzmann, Corpus des Reliefs I. Reliefs à thème divin. Études Thasiennes XV (Athégravenes-Paris 1994), où il étudia le votif et les reliefs architecturaux trouvés sur l'île de Thasos. Le nouveau volume examine les reliefs votifs et funéraires à contenu héroïque de Thasos. Ceux-ci sont représentés dans deux schémas de composition de base : celui du cavalier à cheval et la scène du banquet avec un héros couché. L'étude s'articule donc respectivement en deux parties.

L'introduction clarifie la notion de héros et d'héroïsation dans la culture grecque antique selon la thèse actuelle des recherches archéologiques récentes et examine les origines des deux traditions iconographiques, celle du cavalier et de la scène du banquet, émergeant d'abord dans le grec géométrique et archaïque. Art basé sur les habitudes aristocratiques de la première société grecque. Les reliefs votifs dédiés à un héros apparaissent en premier et sont remplacés plus tard, principalement de la fin de l'époque hellénistique à la fin de l'Antiquité, par les stèles funéraires érigées pour les morts héroïsés. Ces deux catégories peuvent parfois coexister dans un monument ou la fonction d'un monument individuel peut être difficile à détecter dans certains cas, en raison de l'absence d'une inscription d'accompagnement. De plus, cette transition est marquée par la moindre qualité artistique de ces artefacts surtout pendant la période impériale romaine. Enfin, l'auteur présente brièvement les nombreux témoignages de l'existence de cultes héroïques à Thasos.

Les deux sections principales du livre sont disposées de la même manière. Les nombreuses entrées du catalogue sont suivies dans chaque cas d'un commentaire iconographique. La numérotation est continue depuis le corpus antérieur des reliefs votifs thasiens (I, 1993) jusqu'aux deux sections de la présente publication. Les reliefs dont il est question dans le présent volume datent du début de la période classique jusqu'au IIIe siècle de notre ère.

Section I. Le thème du cavalier

Les 52 reliefs de cavaliers sont répartis en quatre groupes selon leur iconographie, a) l'épiphanie majestueuse du héros debout à côté de son cheval immobile, b) le cavalier chevauchant lentement, c) le cavalier au galop représenté en guerrier, d) le cavalier représenté comme un chasseur de sanglier. Chaque groupe est minutieusement étudié et son évolution chronologique est suivie dans le corpus des reliefs thasiens. Cependant, l'auteur cherche aussi les racines de cette tradition dans d'autres régions grecques, à savoir l'Attique, la Grèce du Nord, les îles de la mer Égée et la région pontique, ainsi qu'en Asie Mineure, soulignant, lorsqu'elle existe, la contribution locale à la formation d'un certain type iconographique. Le type le plus fréquemment représenté est celui du cavalier au galop représenté en chasseur, qui apparaît dans 39 monuments en relief. L'élément significatif ici est la chasse au sanglier, abrégée en ne montrant que la tête de l'animal, vers laquelle se dirige le cavalier de chasse. Néanmoins, ce groupe comporte quelques reliefs qui représentent le héros galopant seul, sans le sanglier, tandis que d'autres sont très fragmentaires et donc la proie est manquante. L'auteur postule qu'ils représentent tous le héros chasseur de sanglier, représenté dans son interprétation complète, avec la lance dans sa main droite levée et galopant rapidement vers l'arbre enlacé par le serpent et précédé d'un autel, bien que dans certains cas le thème principal puisse être simplifié. Cependant, le cas le plus étrange dans ce groupe de monuments est le non. 133, qui représente un cavalier avec une lance dans sa main levée montant lentement vers une femme assise qui brandit une branche d'arbre contre lui.

Il est clair que la série thasienne avec le cavalier de chasse s'inscrit dans la grande tradition iconographique née dans la péninsule balcanique dès le début de la période impériale, complétant l'image du « cavalier thrasien », tel qu'il est connu à l'intérieur de la péninsule balcanique et en Thrace égéenne. .

L'attestation épigraphique de reliefs avec le chasseur de sanglier chargeant sur Thasos sont des dédicaces au héros/dieu thrace Héron, chasseur de sanglier par excellence, adoptant un type iconographique juvénile, sans barbe. L'analyse suivante de l'auteur suggère qu'au cours du premier siècle av. libérateur, a passé commande à un artiste grec pour une représentation du Héron dans sa principale aventure mythique, celle de la chasse au sanglier. Ce nouveau type iconographique s'est ensuite étendu à la Macédoine, au Pont, à l'Égée du Nord et à partir du milieu du premier siècle de notre ère jusqu'à l'intérieur des Balkans et la Thrace, formant une tradition iconographique qui a duré jusqu'au milieu du troisième siècle de notre ère. De plus, le héros thrace Heron fournit le prototype de la représentation du défunt héroïsé, en particulier le jeune sous les traits du cavalier sur sa tombe. Bien entendu, il existe des exceptions à cette règle générique, puisque sur les reliefs funéraires nos. 132-133 le défunt est le moins assimilé au dieu Héron, étant représenté barbu. De plus, à mon avis, la question reste ouverte de savoir si dans d'autres régions, en particulier en Grèce du Nord où il n'y a aucune attestation du culte du Héron, la représentation d'un jeune cavalier dans une scène de chasse sans sanglier sur des reliefs funéraires porte réellement toute relation avec cette figure héroïque archétypale.

Section II. Le thème du banquet

Le schéma iconographique du héros du banquet sur un relief votif est la création la plus originale de l'atelier parian-thasien, développé pour la première fois dans la seconde moitié du VIe siècle av. du monde aristocratique oriental, et plus tard exporté en Attique. La preuve en est fournie par les bas-reliefs monumentaux de l'archaïque tardif des musées de Paros et d'Istanbul. A Thasos, le thème est amplifié à partir du milieu du IVe siècle. Certains exemples de ce groupe qui comprend 175 reliefs, présentent clairement une influence attique, tandis que d'autres sont de conception locale (thasienne). L'auteur étudie minutieusement l'évolution iconographique des compositions sur ces reliefs thasiens. Il évoque le nombre de personnages représentés, tant les personnages principaux que secondaires, ainsi que leur iconographie. La figure principale est le héros allongé qui est accompagné d'une figure féminine assise, toujours représentée voilée. Il s'agit de sa compagne, à savoir son épouse, mais son rôle est ambivalent et contradictoire avec le banquet grec, où les épouses des participants masculins étaient absentes, donnant ainsi à ces représentations l'impression d'un pseudo-banquet. Le serviteur garçon verseur de vin est une autre personne complémentaire dans ces scènes de banquet et apparaît dans différentes positions, à côté du cratère ou des dinosaures contenant le vin ou arrangeant les fruits sur la table dressée devant le canapé du banquet. Parfois, deux serviteurs sont représentés, disposés symétriquement sur les bords de la représentation. Au IVe siècle av. J.-C. la scène peut s'enrichir d'adorants de la même taille que les personnages principaux ou en miniature et en lignes superposées, comme c'est le cas pour les reliefs votifs attiques. La typologie des divans et des tables, ainsi que celle des vases utilisés dans la scène du banquet sont également étudiées.

Si le schéma horizontal de la composition contredit la typologie funéraire de la forme de la stèle, le passage des reliefs du banquet votif aux reliefs funéraires du même type iconographique est facilité aux IIe et Ier siècles av. panneau en relief, portant l'inscription funéraire faisant référence au mort héroïsé. De plus, et au contraire de ce qui se passe sur des scènes de relief similaires à Samos et en Asie Mineure à l'époque hellénistique, la composition des reliefs du banquet thasien se limite à ses éléments de base, facilitant ainsi le passage du caractère votif au caractère funéraire de ces monuments.

Au IIIe siècle de notre ère, ces bas-reliefs de banquet sont généralement utilisés pour la représentation du couple ou de la famille du défunt. C'est d'ailleurs cette composition aux connotations héroïques qui survit par rapport aux reliefs des cavaliers de la seconde moitié du siècle. Ainsi, il est évident que l'idéal masculin aristocratique s'évanouit derrière les valeurs émergentes de la foi conjugale et de la vie familiale, le rôle de la femme s'accentuant. Ces représentations en relief se caractérisent par un manque de qualité artistique, mais en revanche, incarnent des idéaux sociaux. C'est cependant une pratique générale pour des monuments similaires qui se produit dans d'autres parties du monde grec à la fin de l'Antiquité. Enfin, l'auteur détecte l'existence d'un dernier éclat de la tradition sculpturale locale thasienne dans deux ateliers, tous deux situés du côté sud-ouest de l'île, qui ont produit des reliefs de banquet de qualité médiocre similaire au cours de la première moitié du IIIe siècle.

L'annexe I présente un relief du début de la période impériale représentant une scène de couronnement d'un intellectuel héroïsé couronné par une personnification féminine devant un autel, suivi de deux adorateurs. Dans l'annexe II, l'auteur discute d'un relief possiblement commémoratif du IVe siècle avec un jeune homme nu portant une chlamyde, qui peut avoir représenté un personnage héroïque extraordinaire de la tradition historico-mythique thasienne, comme le fondateur de la ville Théagène, dont le lieu de culte, du environnement dont le relief fragmentaire a été mis au jour, était situé dans l'Agora.

Au total, ce livre de B. Holtzmann est familier des traités bibliographiques les plus récents sur les thèmes présentés ici. De plus, le volume est accompagné d'images de haute qualité pour chaque monument discuté. L'auteur présente une discussion très intéressante, qui apporte des solutions à des problèmes pertinents au sujet des reliefs héroïques du monde grec débattus dans la recherche moderne, et complète notre compréhension de la production de sculptures en relief de Thasos de la fin de la période archaïque jusqu'à l'Antiquité tardive. Il sera certainement indispensable à tout savant étudiant les reliefs héroïques d'autres régions grecques encore inédits ou en cours d'investigation.

diteurs : Lorenz E. Baumer, Université de Genève Jan Blanc, Université de Genève Christian Heck, Université Lille III François Queyrel, École pratique des Hautes Études, Paris
Site con u par Lorenz Baumer et Fran ois Queyrel et r alis par Lorenz Baumer, 2006/7


Les murs de l'acropole

Nous commençâmes à gravir la crête de la colline qui mène à l'acropole, et bientôt nous tombâmes sur un fragment considérable de l'ancien mur qui suivait cette direction. Comme toute la maçonnerie de Thasos, elle était composée de marbre blanc, dont le grain était visible partout où la pierre était fracturée et les blocs étaient généralement posés en couches horizontales, bien qu'à certains endroits il s'agissait de polygones parfaitement emboîtés. Tozer
Les murs fortement construits de la période pré-romaine protégeaient l'acropole de longues sections ont résisté aux ravages du temps, y compris à de très forts tremblements de terre.


La stèle de Metternich

. Prince Klemens von Metternich était le ministre en chef de l'Empire autrichien et le principal homme d'État conservateur de la politique européenne de 1815 à 1848. Il était le principal architecte du "Concert de l'Europe", l'alliance des grandes puissances qui cherchait à maintenir les piliers de l'ancien régime- - la monarchie, l'aristocratie, l'église et les privilèges - contre les forces du libéralisme et du nationalisme. En tant que ministre d'un empire multinational dirigé par l'Allemagne, Metternich avait des raisons de craindre autant le nationalisme que le libéralisme (qui de toute façon tendait à aller de pair dans la première moitié du XIXe siècle). Les nationalistes au sein de l'Empire autrichien menaçaient d'établir de petits États-nations autonomes, déchirant ainsi l'empire, tandis que les nationalistes allemands cherchaient à unir les États allemands décentralisés, mettant ainsi en péril le statut de l'Autriche en tant que grande puissance (avec la Prusse) dans les affaires allemandes. Questions 1. Quels étaient les "faux systèmes" les "erreurs" et les"mals"s auxquels Metternich fait référence aux paragraphes 4 et 5? 2. Quelles ont été les principales causes de l'effondrement du légitime face à la révolution ? 3. À quel type de gouvernement pense-t-il lorsqu'il fait référence aux gouvernements « encore libres » au paragraphe 10 ? 4. Quel rôle un monarque doit-il jouer dans le gouvernement ? 5.Quelle action faut-il prendre pour empêcher que la "semence révolutionnaire" n'éclate à nouveau ? La source du mal [1] La nature de l'homme est immuable. La première.

Stèle de Mentuwoser Essai

. Une analyse de Stèle de Mentuwoser Le Stèle de Mentuwoser est une œuvre d'art funéraire de la période du Moyen Empire qui a été offerte à Mentuwoser par le roi Senwosret pour ses loyaux services. Mentuwoser avait de nombreuses réalisations et était considéré comme un homme du peuple. Les Stèle de Mentuwoser montre le respect que les gens avaient pour lui et ce qu'il avait fait pour le peuple de sa nation. Il nous donne également un aperçu de certaines des traditions de son temps. Les Stèle exprime clairement le nombre de réalisations que Mentuwoser a accomplies. La majorité des Stèle de Mentuwoser est repris par les hiéroglyphes. Ces hiéroglyphes ont été interprétés comme concernant tous les actes qu'il a accomplis pour le peuple égyptien. Certaines des réalisations incluses incluent être un intendant, un responsable de grenier et un surveillant de tout ce qui concerne les animaux domestiques. Les inscriptions décrivent Mentuwoser comme un homme altruiste qui s'occupait de personnes moins fortunées que lui. Les Stèle est clairement un hommage écrit et visuel à un homme qui a fait beaucoup de choses avec altruisme. La façon dont l'image l'image est affichée au bas de la Stèle exprime clairement Mentuwoser comme l'objectif principal de cette pièce. Mentuwoser est assis à son banquet funéraire, tandis que son père, son fils et sa fille lui offrent à manger et à boire. La caractéristique la plus évidente de la sculpture est peut-être l'échelle des personnages. Mentuwoser est beaucoup plus grand que.

Metternich et Castlereagh Essai

. de guerre étaient Metternich d'Autriche et Castlereagh de Grande-Bretagne. Afin d'instaurer la paix dans toute l'Europe, Metternich et Castlereagh ainsi que Charles Talleyrand de France ont choisi d'utiliser l'équilibre des pouvoirs pour gouverner l'Europe. L'équilibre des pouvoirs signifiait qu'aucun État en Europe n'avait plus de pouvoir que l'autre, tout le monde était égal. Tous les États avaient des forces politiques et militaires égales qui empêcheraient la guerre entre tous les États et, plus encore, empêcheraient un État de dominer l'Europe. L'équilibre des pouvoirs était la base ou le fondement de Metternich et les actions de Castlereagh. Mais pour maintenir la paix, il ne peut pas y avoir juste une fondation, il faut aussi d'autres niveaux qui couvriront d'autres problèmes qui se posent entre les États. Par exemple, lorsque l'Espagne et les Deux-Siciles d'Italie ont été contraintes d'accorder des constitutions libérales contre leur gré, il fallait faire quelque chose. Donc Metternich et Castlereagh a eu une réunion à Troppau, en Autriche, en raison de la peur de la révolution qui monte à nouveau. Lors de cette réunion, Metternich et Alexandre Ier installe le principe de l'intervention active pour maintenir tous les régimes autocratiques chaque fois qu'ils sont menacés. Ce principe éteignit rapidement la révolution en Espagne et dans les Deux-Siciles. Des principes ont été créés sur le fondement de l'équilibre des forces pour maintenir la paix dans toute l'Europe après 1815. Mais qu'est-ce qui pourrait susciter la possibilité d'une guerre ? Ce qui pourrait causer l'équilibre.

Metternich le chef Essai

. Prince Klemens von Metternich: Son idéologie, son rôle dans l'histoire et les histoires que nous racontons. Metternich était un homme extrêmement intelligent qui a transformé ses convictions conservatrices en politique internationale. Metternich était un leader confiant qui faisait peu confiance à l'opinion ou au sentiment populaire parce qu'il croyait que l'homme du commun était trop inconstant dans ses loyautés et trop inepte pour comprendre l'ampleur de la politique étrangère. Il était un fidèle "serviteur" de l'empereur d'Autriche, même si Metternich était le vrai chef du gouvernement de l'Empire. Prince Klemens von Metternich était un individu complexe qui incarnait les principes du conservatisme du XIXe siècle et, à travers son Congrès de Vienne, a conduit les grandes puissances européennes à une période de paix durable et à un solide équilibre des pouvoirs. Metternich est bien connu pour le Metternich Système, qui fut mis en pratique lors de son succès le plus notable, le Congrès de Vienne de 1815. Metternich, en outre, était l'esprit directeur des congrès internationaux, Aix-la-Chapelle, Carlsbad, Troppau, Laibach et Vérone et était le principal homme d'État de la Sainte-Alliance. Le Congrès de Vienne, cependant, et les accords qui ont suivi ont été à la base de "aucune guerre impliquant plusieurs puissances jusqu'aux conflits de Crimée des années 1850 et aucune guerre majeure impliquant l'ensemble de l'Europe jusqu'en 1914." L'objectif de Metternich, cependant, n'était pas un .

Essai de Bismarck et Metternich

. Comparer et contraster les objectifs et les réalisations de la politique étrangère de Metternich (1815-1848) et Bismarck (1862-1890) Metternich et Bismarck avait de nombreux objectifs étrangers en tête. Beaucoup d'entre eux ont conduit à leurs grandes réalisations. Metternich était l'un des principaux constructeurs du Congrès de Vienne opposé aux idées des libéraux et des réformateurs qui voulaient rendre le pouvoir aux familles dirigeantes déposées par les révolutions antérieures. Bismarck a cherché à unir l'Allemagne en s'engageant dans des guerres, notamment la guerre du Danemark, la guerre austro-prussienne et enfin la guerre franco-prussienne. Bon nombre des objectifs de Metternich et de Bismarck ont ​​abouti à leurs réalisations. Son héritage le plus important est l'unification de l'Allemagne. Les deux, Metternich et Bismarck a cherché à apporter l'unité et la stabilité à leurs nations, mais de différentes manières. Tandis que Metternich travaillait dur en utilisant ses talents de diplomate pour tenter d'empêcher l'unification allemande au cours de la première moitié du XIXe siècle, Bismarck, quant à lui, était connu sous le nom de Chancelier de fer, et à la fin du XIXe siècle, il s'employa à unir l'Allemagne à travers ses nombreuses guerres. I. Objectifs et réalisations de la politique étrangère Metternich A. Congrès de Vienne 1. Metternich a été l'un des principaux responsables de l'établissement du Congrès de Vienne. 2. Le Congrès a créé la Confédération allemande, remplaçant le Saint Empire romain dissous. Il était également composé de trente-neuf.

Essai sur l'analyse des stèles funéraires

. Le funéraire Stèle a été créé au cours de la vingtième dynastie, vers 1190 à 1075 avant notre ère à Aniba, en Nubie, en Égypte. La pièce a été construite en grès peint pour la tombe de Mery, un homme qui supervisait le trésor du roi. Une histoire égyptienne sur le dieu solaire Ra ainsi que les hiéroglyphes d'un hymne à Ra sont représentés sur le relief. L'œuvre d'art, le Funéraire Stèle, représente la fascination des Égyptiens pour leurs nombreux dieux et l'au-delà. Les Égyptiens étaient polythéistes et adoraient de nombreux dieux tels que Ra, Anubis, Osiris, Isis et bien d'autres. Pour les Égyptiens, Ra était le dieu solaire et le créateur de tout. Les Égyptiens voulaient fortement vivre dans l'au-delà après leur décès, ils ont donc participé à de nombreuses traditions et rituels pour graver leur destin. Ils croyaient que le soleil était situé dans l'au-delà, alors ils ont tenté de créer des chemins, par exemple, les grandes pyramides ont été construites comme des « tremplins » vers l'au-delà. Ils gardaient des œuvres d'art dans leur tombe pour augmenter leurs chances. Le relief était probablement utilisé comme une offrande ou une pétition [pour vivre dans l'au-delà] pour le dieu soleil. Dans le funéraire stèle, Mery est visualisé avec les dieux Ro-Haacht, Maat, l'Osiris, Isis et la famille terrestre et les serviteurs de Mery. La scène montre peut-être le lien entre les êtres humains et les dieux pendant la mort. Mery se tient précisément devant Osiris, le dieu le plus lié à la commémoration des morts et à la régénération qu'il était.

Essai sur le prince de Metternich

. 2 Prince Metternich Prince Metternich est né à Coblence le 15 mai 1773. Il dut la plus grande partie de sa première éducation à sa mère parce que son père ne montrait aucun intérêt pour son éducation. En 1788, Metternich inscrit à l'Université de Strasbourg Il a été ministre des Affaires étrangères de l'Empire autrichien de 1809 à 1848 et a restauré l'Autriche à son ancienne puissance après les guerres napoléoniennes dévastatrices. Il a occupé des fonctions ininterrompues dans les affaires européennes pendant près de 40 ans. L'une de ses premières tâches fut d'établir une détente avec la France qui comprenait le mariage de Napoléon avec l'archiduchesse autrichienne Marie Louise. Peu de temps après, il a organisé l'entrée de l'Autriche dans la guerre de la sixième coalition du côté des Alliés, il a signé le traité de Fontainebleau qui a envoyé Napoléon en exil. En reconnaissance de son service à l'Empire autrichien, il a été élevé au titre de prince en octobre 1813. Prince Metternich diriger le Congrès de Vienne. Il a aidé à rétablir l'équilibre des pouvoirs dans toute l'Europe et a proposé une organisation de maintien de la paix appelée le Concert de l'Europe. Il a tenté de restaurer des monarques héréditaires qui ont perdu le pouvoir mais n'a fini par faire que le peuple favorise le nationalisme. Sous sa direction, le "Metternich système" de congrès internationaux a continué pendant une autre décennie alors que l'Autriche s'alignait sur la Russie et la Prusse. Cela a marqué le point culminant de l'importance diplomatique de l'Autriche, mais bientôt Metternich lentement.

Essai sur le système Metternich

. il a accédé au pouvoir à cause de ses victoires et est tombé à cause de ses défaites. L'influence de Metternich s'est faite avant la fin du régime de Napoléon. "Metternich a été nommé pour la première fois ministre des Affaires étrangères en 1809, l'Empire des Habsbourg était au plus bas dans sa lutte contre Napoléon. Le dirigeant français avait expulsé l'Empire de ses territoires du nord de l'Italie, pris le contrôle des Pays-Bas autrichiens et englobé les parties habsbourgeoises de la Pologne dans le duché de Varsovie. La domination des Habsbourg sur l'Allemagne avait également été brisée à la suite de la dissolution du Saint Empire romain germanique. Ce fut un coup psychologique particulièrement puissant pour le sentiment d'estime de soi de la dynastie : les Habsbourg avaient été des empereurs du Saint-Empire romain germanique pendant presque toutes les 400 années précédentes et tout à coup, cela n'existait plus. Pour ajouter l'insulte à l'injure, cet acte particulier de modernisation napoléonienne a changé le titre de l'empereur des Habsbourg de François II, empereur du Saint Empire romain, à François Ier, empereur des derniers domaines des Habsbourg. L'une des rares fois dans l'histoire où un monarque a été dévalué. Napoléon a été vaincu en 1815, après quoi l'initiative a été prise par l'emploi du Congrès de Vienne de 1814-1815, pour restaurer la stabilité politique à l'Européen fragile que Napoléon avait compromis. Le Congrès de Vienne était présidé par Klemens Wenzel von Metternich, son objectif était d'aborder les problèmes nés de la Révolution française et des guerres napoléoniennes. Ce règlement.


Cette collection

  • Par date d'émission
  • Auteurs
  • Titres
  • Sujets
  • Conférences
  • Éditeurs
  • Livres
  • Écoles
  • Journaux
  • Par date disponible
  • Les types

Contenu

Lascaux, Taureaux et chevaux

Bison, dans la grande salle des policromes, Grotte d'Altamira, Espagne

Pictogrammes de la Grande Galerie, Canyonlands National Park, Horseshoe Canyon, Utah, v. 1500 avant notre ère

Cueva de las Manos (espagnol pour grotte des mains) dans la province de Santa Cruz en Argentine, c. 550 avant JC [ citation requise ]

L'histoire de la peinture remonte dans le temps aux artefacts d'artistes préhistoriques et couvre toutes les cultures. Les plus anciennes peintures connues se trouvent à la Grotte Chauvet en France, dont certains historiens prétendent qu'elles datent d'environ 32 000 ans. Ils sont gravés et peints à l'aide d'ocre rouge et de pigment noir et montrent des chevaux, des rhinocéros, des lions, des buffles, des mammouths ou des humains chassant souvent. Il existe des exemples de peintures rupestres dans le monde entier - en France, en Inde, en Espagne, au Portugal, en Chine, en Australie, etc. Il existe de nombreux thèmes communs dans les différents endroits où les peintures ont été trouvées, ce qui implique l'universalité du but et la similitude des impulsions. cela aurait pu inspirer les artistes à créer l'imagerie. Diverses conjectures ont été faites quant à la signification de ces peintures pour les artistes qui les ont réalisées. Les hommes préhistoriques peuvent avoir peint des animaux pour « attraper » leur âme ou leur esprit afin de les chasser plus facilement, ou les peintures peuvent représenter une vision animiste et un hommage à la nature environnante, ou elles peuvent être le résultat d'un besoin fondamental d'expression qui est innés aux êtres humains, ou ils peuvent être des enregistrements des expériences de vie des artistes et des histoires liées des membres de leur cercle.

Egypte, Grèce et Rome Modifier

Stèle peinte représentant la princesse Nefertiabet (fille de Khéops), IVe dynastie, Ancien Empire, 26e siècle av.

Sennedjem laboure ses champs avec une paire de bœufs, ch. 1200 avant JC

L'Egypte ancienne,La déesse Isis, peinture murale, ch. 1360 avant JC

Panneaux de Pitsa, l'une des rares peintures sur panneau de la Grèce archaïque, c. 540-530 avant JC

Détail de la fresque du banquet de la tombe d'Agios Athanasios, Thessalonique, Grèce, IVe siècle av.

Fresque d'un ancien soldat macédonien (thorakiai) portant une cotte de mailles et portant un thureos bouclier, IIIe siècle av.

Art roman, fresques de la Villa Boscoreale, v. 40 avant JC

Scène de banquet, fresque, Herculanum, Italie, ch. 50 avant JC

Art roman de la Maison des Vettii, Pompéi, Ier siècle après JC

Amours jouant avec une lyre, fresque romaine d'Herculanum

Fresque romaine avec une Vénus assise, dite "Dea Barberini", 4ème siècle après JC

Verre romain avec une figure peinte d'un gladiateur, trouvé à Begram, Afghanistan (une fois partie du royaume gréco-bactrien, puis sous l'empire Kushan), 52-125 après JC [12]

Synagogue Dura Europos, Syrie romaine, fresque représentant David oint par Samuel, IIIe siècle ap.

L'Egypte ancienne, une civilisation avec de fortes traditions d'architecture et de sculpture (toutes deux peintes à l'origine dans des couleurs vives), avait de nombreuses peintures murales dans des temples et des bâtiments, et des illustrations peintes sur des manuscrits en papyrus. La peinture murale égyptienne et la peinture décorative sont souvent graphiques, parfois plus symboliques que réalistes. La peinture égyptienne représente des personnages aux contours gras et à la silhouette plate, dans lesquels la symétrie est une caractéristique constante. La peinture égyptienne est étroitement liée à sa langue écrite, appelée hiéroglyphes égyptiens. Les symboles peints figurent parmi les premières formes de langage écrit. Les Égyptiens peignaient également sur du lin, dont les vestiges subsistent aujourd'hui. Les peintures égyptiennes antiques ont survécu en raison du climat extrêmement sec. Les anciens Égyptiens créaient des peintures pour faire de l'au-delà du défunt un endroit agréable. Les thèmes comprenaient un voyage à travers l'au-delà ou leurs divinités protectrices présentant les morts aux dieux des enfers. Quelques exemples de telles peintures sont les peintures des dieux et des déesses Ra, Horus, Anubis, Nut, Osiris et Isis. Certaines peintures funéraires montrent des activités auxquelles les défunts étaient impliqués de leur vivant et qu'ils souhaitaient continuer à faire pour l'éternité. Au Nouvel Empire et plus tard, le Livre des Morts a été enterré avec la personne ensevelie. Il était considéré comme important pour une introduction à l'au-delà.

Au nord de l'Égypte se trouvait la civilisation minoenne sur l'île de Crète. Les peintures murales trouvées dans le palais de Knossos sont similaires à celles des Égyptiens mais de style beaucoup plus libre.

Vers 1100 avant JC, des tribus du nord de la Grèce ont conquis la Grèce et son art a pris une nouvelle direction. La culture de la Grèce antique est remarquable pour ses contributions exceptionnelles aux arts visuels. La peinture sur poterie de la Grèce antique et la céramique donnent un aperçu particulièrement instructif du fonctionnement de la société dans la Grèce antique. De nombreux beaux exemples de peinture sur vase à figures noires et de peinture sur vase à figures rouges existent encore. Certains peintres grecs célèbres qui ont travaillé sur des panneaux de bois et sont mentionnés dans les textes sont Apelle, Zeuxis et Parrhasius. Cependant, à la seule exception des panneaux de Pitsa, aucun exemple de peinture sur panneau de la Grèce antique ne subsiste, seules des descriptions écrites par leurs contemporains ou plus tard par les Romains. Zeuxis a vécu au 5ème siècle avant JC et aurait été le premier à utiliser le sfumato. Selon Pline l'Ancien, le réalisme de ses peintures était tel que les oiseaux tentaient de manger les raisins peints. Apelle est décrit comme le plus grand peintre de l'Antiquité et est réputé pour sa parfaite technique de dessin, ses couleurs brillantes et son modelage.

L'art romain a été influencé par la Grèce et peut en partie être considéré comme un descendant de la peinture grecque antique. Cependant, la peinture romaine a des caractéristiques uniques importantes. Les peintures romaines survivantes comprennent des peintures murales et des fresques, dont beaucoup proviennent de villas en Campanie, dans le sud de l'Italie, sur des sites tels que Pompéi et Herculanum. Une telle peinture peut être regroupée en 4 « styles » ou périodes principaux [13] et peut contenir les premiers exemples de trompe-l'œil, de pseudo-perspective et de paysage pur. [14] Presque les seuls portraits peints survivants du monde antique sont un grand nombre de portraits de cercueil en forme de buste trouvés dans le cimetière de l'Antiquité tardive d'Al-Fayoum. Bien que ceux-ci ne soient ni de la meilleure époque ni de la plus haute qualité, ils sont impressionnants en eux-mêmes et donnent une idée de la qualité que devait avoir le plus bel ouvrage antique. Un très petit nombre de miniatures de livres illustrés de l'Antiquité tardive subsistent également, et un nombre assez important d'exemplaires de celles-ci datant du début du Moyen Âge.

Moyen Âge Modifier

La feuille de Morgan, de la Winchester Bible 1160–75, Scènes de la vie de David

Bonaventura Berlinghieri, Saint François d'Assise, 1235

La montée du christianisme a donné un esprit et un objectif différents aux styles de peinture. L'art byzantin, une fois son style établi au 6ème siècle, a mis l'accent sur le maintien de l'iconographie et du style traditionnels, et a progressivement évolué au cours des mille ans de l'Empire byzantin et des traditions vivantes de la peinture d'icônes orthodoxe grecque et russe. La peinture byzantine a un sentiment hiératique et les icônes étaient et sont toujours considérées comme une représentation de la révélation divine. Il y avait beaucoup de fresques, mais moins d'entre elles ont survécu que les mosaïques. L'art byzantin a été comparé à l'abstraction contemporaine, par sa planéité et ses représentations très stylisées de figures et de paysages. Certaines périodes de l'art byzantin, en particulier l'art dit macédonien du Xe siècle environ, sont plus flexibles dans leur approche. Des fresques de la Renaissance paléologue du début du XIVe siècle subsistent dans l'église Chora d'Istanbul.

Dans l'Europe catholique post-antique, le premier style artistique distinctif à émerger qui comprenait la peinture était l'art insulaire des îles britanniques, où les seuls exemples survivants sont des miniatures dans des manuscrits enluminés tels que le Livre de Kells. [15] Ceux-ci sont plus célèbres pour leur décoration abstraite, bien que des figures, et parfois des scènes, aient également été représentées, en particulier dans les portraits des évangélistes. L'art carolingien et ottonien survit également principalement dans les manuscrits, bien que certaines peintures murales subsistent, et d'autres sont documentées. L'art de cette période combine des influences insulaires et « barbares » avec une forte influence byzantine et une aspiration à retrouver la monumentalité et l'équilibre classiques.

Les murs des églises romanes et gothiques ont été décorés de fresques ainsi que de sculptures et nombre des rares peintures murales restantes ont une grande intensité et combinent l'énergie décorative de l'art insulaire avec une nouvelle monumentalité dans le traitement des figures. Beaucoup plus de miniatures dans les manuscrits enluminés survivent de la période, montrant les mêmes caractéristiques, qui se poursuivent dans la période gothique.

La peinture sur panneaux devient plus courante à l'époque romane, sous la forte influence des icônes byzantines. Vers le milieu du XIIIe siècle, l'art médiéval et la peinture gothique deviennent plus réalistes, avec un début d'intérêt pour la représentation du volume et de la perspective en Italie avec Cimabue puis son élève Giotto. A partir de Giotto, le traitement de la composition par les meilleurs peintres est également devenu beaucoup plus libre et innovant. Ils sont considérés comme les deux grands maîtres médiévaux de la peinture dans la culture occidentale. Cimabue, dans la tradition byzantine, a utilisé une approche plus réaliste et dramatique de son art. Son élève, Giotto, a poussé ces innovations à un niveau supérieur qui a à son tour jeté les bases de la tradition de la peinture occidentale. Les deux artistes ont été des pionniers dans le mouvement vers le naturalisme.

Les églises ont été construites avec de plus en plus de fenêtres et l'utilisation de vitraux colorés est devenue un incontournable de la décoration. L'un des exemples les plus célèbres de cela se trouve dans la cathédrale Notre-Dame de Paris. Au XIVe siècle, les sociétés occidentales étaient à la fois plus riches et plus cultivées et les peintres trouvèrent de nouveaux mécènes dans la noblesse et même la bourgeoisie. Les manuscrits enluminés ont pris un nouveau caractère et des femmes de cour minces et habillées à la mode ont été montrées dans leurs paysages. Ce style est rapidement devenu connu sous le nom de style gothique international et a été dominant de 1375 à 1425 avec des peintures sur panneaux à la détrempe et des retables prenant de l'importance.

Renaissance et maniérisme Modifier

La Renaissance (en français pour « renaissance »), un mouvement culturel s'étendant approximativement du 14e au milieu du 17e siècle, a été motivée par l'humanisme de la Renaissance et l'étude des sources classiques. En peinture, dans les années 1420 et 1430, les principaux peintres d'Italie et des Pays-Bas ont développé séparément de nouvelles manières de peindre qui ont permis aux peintures d'apparaître plus réalistes que dans les œuvres de peintres établis, dont le style est appelé gothique international, ou dans certains cas comme la Proto-Renaissance (principalement en Italie). Cette période, qui dure jusqu'en 1495 environ, est connue sous le nom de Première Renaissance.

Dans la région flamande des Pays-Bas, à la suite de l'évolution de l'enluminure des manuscrits, notamment par les frères Limbourg, décédés en 1416, les artistes se passionnent pour le tangible dans le monde visible et se mettent à représenter les objets de manière extrêmement naturaliste. [16] L'adoption de la peinture à l'huile dont la première utilisation sur des peintures sur panneaux était traditionnellement, mais à tort, attribuée à Jan van Eyck, a rendu possible une nouvelle vraisemblance dans la représentation de ce naturalisme. Le médium de la peinture à l'huile était déjà présent dans l'œuvre de Melchior Broederlam (mort en 1409), mais Robert Campin (anciennement connu sous le nom de Maître de Flémalle) et van Eyck ont ​​porté son utilisation à de nouveaux sommets et l'ont utilisé pour représenter le naturalisme pour qu'ils visaient. Avec ce nouveau médium, les peintres de cette période étaient capables de créer des couleurs plus riches avec une tonalité intense et profonde. L'illusion d'une lumière rougeoyante avec une finition semblable à de la porcelaine caractérisait la peinture des premiers Pays-Bas et constituait une différence majeure par rapport à la surface mate de la peinture à la détrempe utilisée en Italie. [16]

Contrairement aux Italiens, dont le travail s'est fortement inspiré de l'art de la Rome antique, les Nordistes ont conservé un résidu stylistique de la sculpture et des manuscrits enluminés du Moyen Âge (en particulier son naturalisme). Un autre peintre néerlandais important de cette période était Rogier van der Weyden, un élève de Campin, dont les compositions mettaient l'accent sur l'émotion humaine et le drame, démontré par exemple dans sa Descente de croix, qui compte parmi les œuvres les plus célèbres du XVe siècle et fut le la peinture néerlandaise la plus influente de la crucifixion du Christ. D'autres artistes importants sont Hugo van der Goes (dont l'œuvre est très influente en Italie), Dieric Bouts (qui est parmi les premiers peintres du Nord à démontrer l'utilisation d'un seul point de fuite), [16][16] Petrus Christus, Hans Memling et Gerard David . Collectivement, les progrès de la peinture en Europe au nord des Alpes sont connus sous le nom de Renaissance du Nord.

Dans la peinture de la Renaissance italienne, l'art de l'Antiquité classique a inspiré un style de peinture qui mettait l'accent sur l'idéal. Masaccio est crédité d'avoir fait des progrès dans la perspective linéaire, la représentation du volume dans ses personnages et la représentation des émotions sur les visages de ses personnages dans les années 1420. Ensuite, des artistes tels que Paolo Uccello, Fra Angelico, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Filippo Lippi et Sandro Botticelli, au début de la Renaissance jusqu'en 1495 environ, puis Léonard de Vinci, Michelangelo Buonarroti et Raphaël pendant la Haute Renaissance de 1495 à 1520 environ, ont porté la peinture à un niveau supérieur grâce à l'utilisation de la perspective, à l'étude de l'anatomie humaine et des proportions, et à travers leur développement d'un raffinement sans précédent dans les techniques de dessin et de peinture. Un style de la Haute Renaissance un peu plus naturaliste a émergé à Venise. Les peintres de l'école vénitienne, tels que Giovanni Bellini, Giorgione, Titien et Véronèse, se souciaient moins de la précision de leur dessin que de la richesse des couleurs et de l'unité d'effet que pouvait obtenir une approche plus spontanée de la peinture.

Les peintres flamands, néerlandais et allemands de la Haute Renaissance du Nord tels qu'Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Matthias Grünewald et Hans Holbein le Jeune avaient une approche différente de celle de leurs homologues italiens, plus réaliste et moins idéalisée. Certains peintres du Nord, à commencer par Dürer dans les années 1490, se sont rendus en Italie pour voir des œuvres de la Haute Renaissance italienne et ils ont incorporé les caractéristiques de l'art italien à des degrés divers. Une génération plus tard, le début de la peinture de genre comme sujet pour les grands travaux a commencé avec Peter Aertsen et Pieter Bruegel. Une génération ultérieure de peintres de la Renaissance du Nord qui ont voyagé à Rome et adopté une grande partie de l'approche idéalisée de la Renaissance italienne est devenue connue sous le nom de romanistes.

La peinture de la Renaissance reflète la révolution des idées et de la science (astronomie, géographie) qui s'est produite à cette période, la Réforme et l'invention de l'imprimerie. La gravure est devenue de plus en plus importante et pratiquée par de nombreux peintres. Dürer, considéré comme l'un des plus grands graveurs, affirme que les peintres ne sont pas de simples artisans mais aussi des penseurs. Avec le développement de la peinture de chevalet à la Renaissance, la peinture s'affranchit de l'architecture. Les tableaux de chevalet - des tableaux mobiles qui pouvaient être facilement accrochés aux murs - sont devenus une alternative populaire aux tableaux fixés sur des meubles, des murs ou d'autres structures. Après des siècles dominés par l'imagerie religieuse, les sujets profanes sont lentement revenus à la peinture occidentale. Les artistes ont inclus des visions du monde qui les entoure, ou les produits de leur propre imagination dans leurs peintures. Ceux qui pouvaient se permettre la dépense pouvaient devenir mécènes et commander des portraits d'eux-mêmes ou de leur famille.

La Haute Renaissance en Italie a donné naissance à un art stylisé connu sous le nom de maniérisme après 1520, bien que certains peintres, tels que Titien et Paolo Veronese, aient continué à peindre dans un style de la Haute Renaissance à la fin du siècle. Au lieu des compositions équilibrées et de l'approche rationnelle de la perspective qui caractérisaient l'art à l'aube du XVIe siècle, les maniéristes recherchaient l'instabilité, l'artifice et le doute. Les Vierges calmes de Raphaël et les expressions sereines des sujets de Léonard sont remplacées par les expressions troublées de Pontormo et l'intensité émotionnelle d'El Greco. Des compositions agitées et instables, des effets de perspective souvent extrêmes ou disjonctifs et des poses stylisées sont caractéristiques des maniéristes italiens tels que Tintoretto, Pontormo et Bronzino, et sont apparus plus tard dans le travail de maniéristes du Nord tels que Hendrick Goltzius, Bartholomeus Spranger et Joachim Wtewael .

Baroque et Rococo Modifier

La peinture baroque est associée au mouvement culturel baroque, un mouvement souvent identifié à l'absolutisme et à la contre-réforme ou au renouveau catholique [17] [18] l'existence d'une importante peinture baroque dans les États non absolutistes et protestants souligne également sa popularité, que le style s'est répandu dans toute l'Europe occidentale. [19]

La peinture baroque se caractérise par un grand drame, des couleurs riches et profondes et des ombres intenses et sombres, le but de l'art étant d'évoquer l'émotion et la passion au lieu de la rationalité calme qui avait été prisée pendant la Renaissance. Les premiers peintres baroques comprenaient les frères Caracci, Annibale et Agostino, dans la dernière partition du XVIe siècle, et le Caravage dans la dernière décennie du siècle. Le Caravage est reconnu comme l'un des plus grands peintres baroques et héritier de la peinture humaniste de la Haute Renaissance. Son approche réaliste de la figure humaine, peinte directement d'après nature et dramatiquement éclairée sur un fond sombre, a choqué ses contemporains et ouvert un nouveau chapitre de l'histoire de la peinture. Le baroque était le style de peinture dominant commençant vers 1600 et se poursuivant tout au long du 17ème siècle. Parmi les plus grands peintres du baroque figurent Rubens, Velázquez, Rembrandt, Frans Hals, Johannes Vermeer, Le Nain, Jusepe de Ribera, Poussin, Tour et Claude Lorraine, qui se sont concentrés sur la peinture de paysage. Poussin, Claude et La Tour, tous français, adoptent un style baroque « classique » avec moins d'accent sur l'émotion et une plus grande attention au contour des figures du tableau qu'à la couleur. La plupart de ces peintres ont voyagé en Italie dans le cadre de leur formation et ont ensuite ramené le style baroque dans leur pays d'origine, bien que dans certains cas, ils soient restés en Italie pendant une grande partie de leur carrière (Claude et Poussin). En Italie, le style baroque est incarné par des peintures religieuses et mythologiques de la grande manière par des artistes tels que les Carracci, Guido Reni et Luca Giordano. Les fresques illusionnistes du plafond de l'église de Pietro da Cortona semblaient s'ouvrir sur le ciel.

Un type de baroque beaucoup plus calme a émergé en République néerlandaise, où les peintures de chevalet de sujets quotidiens étaient populaires auprès des collectionneurs de la classe moyenne, et de nombreux peintres sont devenus des spécialistes du genre, d'autres du paysage ou du paysage marin ou de la nature morte. Vermeer, Gerard ter Borch et Pieter de Hooch ont apporté un grand raffinement technique à la peinture des scènes domestiques, tout comme Willem Claesz. Heda à la nature morte. En revanche, Rembrandt excellait dans la peinture de tout type de sujet et développa un style pictural individuel dans lequel le clair-obscur et les arrière-plans sombres dérivés du Caravage et des Caravages d'Utrecht perdent leur qualité théâtrale. La peinture baroque hollandaise est souvent appelée peinture hollandaise de l'âge d'or.

Au XVIIIe siècle, la peinture rococo a suivi comme une extension plus légère du baroque, souvent frivole et érotique et utilisant des couleurs pastel claires. Le rococo s'est d'abord développé dans les arts décoratifs et la décoration d'intérieur en France. La succession de Louis XV a apporté un changement dans les artistes de cour et la mode artistique générale. Les années 1730 représentent l'apogée du développement rococo en France illustré par les œuvres d'Antoine Watteau et François Boucher. Le rococo maintenait toujours le goût baroque pour les formes complexes et les motifs complexes, mais à ce stade, il avait commencé à intégrer une variété de caractéristiques diverses, y compris un goût pour les dessins orientaux et les compositions asymétriques.

Le style rococo se répand avec les artistes français et les publications gravées. Il a été facilement reçu dans les parties catholiques de l'Allemagne, de la Bohême et de l'Autriche, où il a été fusionné avec les traditions baroques allemandes animées. Le rococo allemand s'est appliqué avec enthousiasme aux églises et aux palais, en particulier dans le sud, tandis que le rococo frédéricien s'est développé dans le royaume de Prusse.

Les maîtres français Watteau, Boucher et Fragonard représentent le style, tout comme Giovanni Battista Tiepolo et Jean-Baptiste-Siméon Chardin qui était considéré par certains comme le meilleur peintre français du XVIIIe siècle - le Anti-rococo. Le portrait était une composante importante de la peinture dans tous les pays, mais surtout en Angleterre, où les chefs de file étaient William Hogarth, dans un style réaliste brutal, et Francis Hayman, Angelica Kauffman (qui était suisse), Thomas Gainsborough et Joshua Reynolds dans des styles plus flatteurs. influencé par Anthony van Dyck. En France, à l'époque rococo, Jean-Baptiste Greuze (le peintre préféré de Denis Diderot), [20] excellait dans les portraits et les peintures d'histoire, et Maurice Quentin de La Tour et Élisabeth Vigée-Lebrun étaient des portraitistes très accomplis. La Tour se spécialise dans la peinture au pastel, qui devient un médium populaire à cette époque.

William Hogarth a aidé à développer une base théorique pour la beauté rococo. Bien qu'il ne fasse pas intentionnellement référence au mouvement, il a soutenu dans son Analyse de la beauté (1753) que les lignes ondulantes et les courbes en S proéminentes du rococo étaient à la base de la grâce et de la beauté dans l'art ou la nature (contrairement à la ligne droite ou au cercle dans le classicisme). Le début de la fin du rococo est venu au début des années 1760 lorsque des personnalités comme Voltaire et Jacques-François Blondel ont commencé à exprimer leur critique de la superficialité et de la dégénérescence de l'art. Blondel a dénoncé le « fouillis ridicule de coquillages, de dragons, de roseaux, de palmiers et de plantes » dans les intérieurs contemporains. [21]

En 1785, le rococo était passé de mode en France, remplacé par l'ordre et le sérieux des artistes néoclassiques tels que Jacques-Louis David, dont les imposantes peintures d'histoire représentant des événements historiques et contemporains incarnaient les idéaux de la Révolution française.

19ème siècle : Néo-classicisme, Peinture d'histoire, Romantisme, Impressionnisme, Post-impressionnisme, Symbolisme Modifier

Après le rococo, apparaît à la fin du XVIIIe siècle, dans l'architecture, puis dans la peinture, un néoclassicisme sévère, mieux représenté par des artistes tels que David et son héritier Ingres. L'œuvre d'Ingres contient déjà une grande partie de la sensualité, mais aucune de la spontanéité, qui devait caractériser le romantisme.

Au milieu du XIXe siècle, les peintres se sont libérés des exigences de leur patronage pour ne représenter que des scènes de religion, de mythologie, de portrait ou d'histoire. L'art est devenu plus purement un moyen d'expression personnelle dans le travail de peintres comme Francisco de Goya, John Constable et J. M. W. Turner. Les peintres romantiques font de la peinture de paysage un genre majeur, considéré jusqu'alors comme un genre mineur ou comme un fond décoratif pour des compositions de figures. Certains des peintres majeurs de cette période sont Eugène Delacroix, Théodore Géricault, J. M. W. Turner, Caspar David Friedrich et John Constable. L'œuvre tardive de Francisco Goya démontre l'intérêt romantique pour l'irrationnel, l'œuvre d'Arnold Böcklin évoque le mystère, l'œuvre de la Confrérie préraphaélite en Angleterre combine une dévotion assidue à la nature avec la nostalgie de la culture médiévale, et les peintures de l'artiste du mouvement esthétique James Abbott McNeill Whistler évoque la sophistication, la décadence et la philosophie de "l'art pour l'art". Aux États-Unis, la tradition romantique de la peinture de paysage était connue sous le nom d'École de la rivière Hudson : [22] les exposants incluent Thomas Cole, Frederic Edwin Church, Albert Bierstadt, Thomas Moran et John Frederick Kensett. Le luminisme était un mouvement de la peinture de paysage américain lié à l'Hudson River School.

Une force majeure dans le virage vers le réalisme au milieu du siècle était Gustave Courbet, dont les peintures non idéalisées de gens du commun ont offensé les spectateurs habitués au sujet conventionnel et à la finition léchée de l'art académique, mais ont inspiré de nombreux artistes plus jeunes. Le principal peintre de l'école de Barbizon, Jean-François Millet, a également peint des paysages et des scènes de la vie paysanne. Librement associé à l'école de Barbizon était Camille Corot, qui a peint dans une veine à la fois romantique et réaliste son travail préfigure l'impressionnisme, tout comme les peintures de Johan Jongkind et Eugène Boudin (qui fut l'un des premiers peintres paysagistes français à peindre en plein air). Boudin a eu une influence importante sur le jeune Claude Monet, qu'il a initié en 1857 à la peinture en plein air.

Dans le dernier tiers du siècle, des impressionnistes tels qu'Édouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt et Edgar Degas ont travaillé dans une approche plus directe que ce qui avait été précédemment exposé publiquement. Ils ont évité l'allégorie et le récit en faveur de réponses individualisées au monde moderne, parfois peintes avec peu ou pas d'études préparatoires, s'appuyant sur l'habileté du dessin et une palette très chromatique. Monet, Pissarro et Sisley ont utilisé le paysage comme motif principal, la fugacité de la lumière et du temps jouant un rôle majeur dans leur travail. Suivant une pratique devenue de plus en plus populaire au milieu du siècle, ils s'aventuraient souvent ensemble à la campagne pour peindre en plein air, mais pas dans le but traditionnel de faire des croquis à développer en œuvres soigneusement finies dans l'atelier. [23] En peignant au soleil directement à partir de la nature et en utilisant audacieusement les pigments synthétiques vifs devenus disponibles depuis le début du siècle, ils ont développé une manière de peindre plus légère et plus lumineuse.

Manet, Degas, Renoir, Morisot et Cassatt se sont concentrés principalement sur le sujet humain. Manet et Degas ont tous deux réinterprété les canons figuratifs classiques dans des situations contemporaines. Dans le cas de Manet, les ré-imaginations ont rencontré un accueil hostile du public. Renoir, Morisot et Cassatt se sont inspirés de la vie domestique, Renoir se concentrant sur le nu féminin. Alors que Sisley adhère le plus aux principes originaux de la perception impressionniste du paysage, Monet cherche des défis dans des conditions de plus en plus chromatiques et changeantes, aboutissant à sa série d'œuvres monumentales de Nymphéas peintes à Giverny.

Des post-impressionnistes tels que Paul Cézanne et Vincent van Gogh, un peu plus jeune, Paul Gauguin et Georges-Pierre Seurat ont conduit l'art au bord du modernisme. Pour Gauguin, l'impressionnisme a laissé place à une symbolique personnelle. Seurat a transformé la couleur brisée de l'impressionnisme en une étude optique scientifique, structurée sur des compositions ressemblant à des frises. La technique de peinture qu'il a développée, appelée divisionnisme, a attiré de nombreux adeptes tels que Paul Signac, et pendant quelques années à la fin des années 1880, Pissarro a adopté certaines de ses méthodes.La méthode turbulente d'application de la peinture de Van Gogh, associée à une utilisation sonore de la couleur, prédisait l'expressionnisme et le fauvisme, et Cézanne, désireux d'unir la composition classique à une abstraction révolutionnaire des formes naturelles, serait considéré comme un précurseur de l'art du XXe siècle. .

Le charme de l'impressionnisme a été ressenti dans le monde entier, y compris aux États-Unis, où il est devenu partie intégrante de la peinture d'impressionnistes américains tels que Childe Hassam, John Henry Twachtman et Theodore Robinson. Il a également exercé une influence sur des peintres qui n'étaient pas principalement impressionnistes en théorie, comme le portraitiste et paysagiste John Singer Sargent. En même temps, en Amérique, au tournant du 20e siècle, il existait un réalisme indigène et presque insulaire, richement incarné dans l'œuvre figurative de Thomas Eakins, l'école Ashcan et les paysages et les marines de Winslow Homer, dont toutes les peintures étaient profondément investis dans la solidité des formes naturelles. Le paysage visionnaire, motif largement tributaire de l'ambiguïté du nocturne, a trouvé ses défenseurs chez Albert Pinkham Ryder et Ralph Albert Blakelock.

À la fin du XIXe siècle, il y avait aussi plusieurs groupes, assez dissemblables, de peintres symbolistes dont les œuvres résonnaient avec les jeunes artistes du XXe siècle, en particulier avec les fauvistes et les surréalistes. Parmi eux figuraient Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, Henri Fantin-Latour, Arnold Böcklin, Ferdinand Hodler, Edvard Munch, Félicien Rops, Jan Toorop et Gustav Klimt, et les symbolistes russes comme Mikhail Vrubel.

Les peintres symbolistes ont puisé dans la mythologie et l'imagerie onirique un langage visuel de l'âme, à la recherche de peintures évocatrices évoquant un monde statique de silence. Les symboles utilisés dans le symbolisme ne sont pas les emblèmes familiers de l'iconographie dominante mais des références intensément personnelles, privées, obscures et ambiguës. Plus une philosophie qu'un véritable style d'art, les peintres symbolistes ont influencé le mouvement contemporain Art nouveau et Les Nabis. Dans leur exploration de sujets oniriques, les peintres symbolistes traversent les siècles et les cultures, comme ils le sont encore aujourd'hui. Bernard Delvaille a qualifié le surréalisme de René Magritte de « Symbolisme plus Freud ». [24]

20e siècle Modifier

Henri Rousseau, 1905, la raison du terme fauvisme] et l'original "Bête sauvage"

L'héritage de peintres comme Van Gogh, Cézanne, Gauguin et Seurat a été essentiel pour le développement de l'art moderne. Au début du XXe siècle, Henri Matisse et plusieurs autres jeunes artistes dont le pré-cubiste Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy et Maurice de Vlaminck ont ​​révolutionné le monde de l'art parisien avec des paysages et des peintures figuratives "sauvages", multicolores et expressifs. que les critiques appelaient le fauvisme. La deuxième version d'Henri Matisse La danse représente un point clé dans sa carrière et dans le développement de la peinture moderne. [25] Il reflète la fascination naissante de Matisse pour l'art primitif : les couleurs chaudes intenses sur le fond bleu-vert froid et la succession rythmique de nus dansants transmettent les sentiments de libération émotionnelle et d'hédonisme. Pablo Picasso réalise ses premières peintures cubistes sur la base de l'idée de Cézanne selon laquelle toute représentation de la nature peut être réduite à trois solides : cube, sphère et cône. Avec la peinture Les Demoiselles d'Avignon (1907), Picasso a créé une image nouvelle et radicale représentant une scène de bordel avec cinq prostituées, des femmes violemment peintes, rappelant les masques tribaux africains et ses propres inventions cubistes. Le cubisme a été développé conjointement d'environ 1908 à 1912 par Pablo Picasso et Georges Braque, dont Violon et Chandelier, Paris (1910) est montré ici. La première manifestation claire du cubisme a été pratiquée par Braque, Picasso, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Henri Le Fauconnier et Robert Delaunay. Juan Gris, Marcel Duchamp, Alexander Archipenko, Joseph Csaky et d'autres se sont rapidement joints. [26] Le cubisme synthétique, pratiqué par Braque et Picasso, se caractérise par l'introduction de différentes textures, surfaces, éléments de collage, papier collé et une grande variété de sujets fusionnés. [26]

Le Salon d'Automne de 1905 a apporté notoriété et attention aux œuvres d'Henri Matisse et du fauvisme. Le groupe a obtenu son nom après que le critique Louis Vauxcelles a décrit leur travail avec l'expression "Donatello chez les fauves" ("Donatello parmi les bêtes sauvages"), [27] contrastant les peintures avec une sculpture de type Renaissance qui partageait la pièce avec eux. [28] La scène de la jungle Le lion affamé se jette sur l'antilope d'Henri Rousseau (qui n'était pas fauve) accroché près des œuvres de Matisse et peut avoir inspiré le terme sarcastique utilisé dans la presse. [29] Le commentaire de Vauxcelles a été imprimé le 17 octobre 1905 dans le quotidien Gil Blas, et passé dans l'usage populaire. [28] [30]

Au cours des deux premières décennies du 20e siècle et après le cubisme, plusieurs autres mouvements importants ont émergé Futurisme (Balla), Art abstrait (Kandinsky) Der Blaue Reiter (Kandinsky et Franz Marc), Bauhaus (Kandinsky et Klee), Orphisme, (Delaunay et Kupka), le synchronisme (Russell), De Stijl (van Doesburg et Mondrian), le suprématisme (Malevich), le constructivisme (Tatlin), le dadaïsme (Duchamp, Picabia et Arp) et le surréalisme (de Chirico, André Breton, Miró, Magritte, Dalí et Ernst). La peinture moderne a influencé tous les arts visuels, de l'architecture et du design modernistes au cinéma d'avant-garde, au théâtre et à la danse moderne et est devenue un laboratoire expérimental pour l'expression de l'expérience visuelle, de la photographie et de la poésie concrète à l'art publicitaire et à la mode.

Fauvisme, Der Blaue Reiter, Die Brücke Modifier

Le fauvisme était un groupe lâche d'artistes du début du XXe siècle dont les œuvres mettaient l'accent sur les qualités picturales et l'utilisation imaginative de la couleur profonde sur les valeurs de représentation. Les leaders du mouvement étaient Henri Matisse et André Derain – des rivaux amicaux en quelque sorte, chacun avec ses propres partisans. En fin de compte, Matisse est devenu le yang chez Picasso yin au 20ème siècle. Les peintres fauvistes comprenaient Albert Marquet, Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, le peintre néerlandais Kees van Dongen et le partenaire de Picasso dans le cubisme, Georges Braque, entre autres. [31]

Le fauvisme n'avait pas de théories concrètes et fut de courte durée, commençant en 1905 et se terminant en 1907. Ils n'avaient eu que trois expositions. Matisse était considéré comme le leader du mouvement, en raison de son ancienneté et de son auto-établissement antérieur dans le monde de l'art académique. Son portrait de Mme. Matisse, La rayure verte, a fait sensation à Paris lors de sa première exposition. Il a dit qu'il voulait créer de l'art pour ravir, et on peut dire que son utilisation de couleurs vives essaie de maintenir la sérénité de la composition. En 1906, sur proposition de son marchand Ambroise Vollard, André Derain se rend à Londres et réalise une série de tableaux dont Pont de Charing Cross, Londres dans le style fauviste, paraphrasant la célèbre série du peintre impressionniste Claude Monet.

En 1907, le fauvisme n'était plus un nouveau mouvement choquant, et Appolinaire a dit de Matisse dans un article publié dans La Phalange, "Nous ne sommes pas ici en présence d'une entreprise extravagante ou extrémiste : l'art de Matisse est éminemment raisonnable." [32]

Die Brücke était un groupe d'artistes expressionnistes allemands formé à Dresde en 1905. Les membres fondateurs étaient Fritz Bleyl, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner et Karl Schmidt-Rottluff. Les membres ultérieurs comprenaient Max Pechstein et Otto Mueller. Ce groupe séminal a eu un impact majeur sur l'évolution de l'art moderne au 20ème siècle et a créé le style de l'expressionnisme. [33]

Der Blaue Reiter était un mouvement allemand de 1911 à 1914, fondamental pour l'expressionnisme. Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Alexej von Jawlensky, dont la peinture psychiquement expressive du danseur russe Portrait d'Alexandre Sakharoff (1909) est vu ici, Marianne von Werefkin, Lyonel Feininger et d'autres ont fondé le groupe Der Blaue Reiter en réponse au rejet de la peinture de Kandinsky Jugement dernier d'une exposition. Der Blaue Reiter n'avait pas de manifeste artistique central, mais était centré sur Kandinsky et Marc. Les artistes Gabriele Münter et Paul Klee étaient également impliqués. Le nom du mouvement vient d'un tableau de 1903 de Kandinsky. Pour Kandinsky, bleu est la couleur de la spiritualité : plus le bleu est foncé, plus il éveille le désir humain d'éternel. [34]

Expressionnisme, Symbolisme, Modernisme américain, Bauhaus Modifier

L'expressionnisme et le symbolisme sont de larges rubriques qui impliquent plusieurs mouvements connexes de la peinture du XXe siècle qui ont dominé une grande partie de l'art d'avant-garde réalisé en Europe occidentale, orientale et septentrionale. Les œuvres expressionnistes ont été peintes en grande partie entre la Première et la Seconde Guerre mondiale, principalement en France, en Allemagne, en Norvège, en Russie, en Belgique et en Autriche. Fauvisme, Die Brücke et Der Blaue Reiter sont trois des groupes les plus connus de peintres expressionnistes et symbolistes. La peinture de Marc Chagall moi et le village raconte une histoire autobiographique qui examine la relation entre l'artiste et ses origines, avec un lexique du symbolisme artistique. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Georges Rouault, Amedeo Modigliani, et quelques Américains à l'étranger comme Marsden Hartley et Stuart Davis, ont été considérés comme des peintres expressionnistes influents. Bien qu'Alberto Giacometti soit principalement considéré comme un sculpteur surréaliste, il a également réalisé d'intenses peintures expressionnistes.

Les peintres américains de la période entre la Première et la Seconde Guerre mondiale avaient tendance à se rendre en Europe pour être reconnus. Des artistes modernistes comme Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy et Stuart Davis se sont fait une réputation à l'étranger. Alors que Patrick Henry Bruce [35] a créé des peintures liées au cubisme en Europe, Stuart Davis et Gerald Murphy ont tous deux réalisé des peintures qui ont été les premières inspirations du pop art américain [36] [37] [38] et Marsden Hartley a expérimenté l'expressionnisme. Au cours des années 1920, le photographe Alfred Stieglitz a exposé Georgia O'Keeffe, Arthur Dove, Alfred Henry Maurer, Charles Demuth, John Marin et d'autres artistes, dont les maîtres européens Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne et Picasso, dans sa ville de New York. Galerie le 291. [39] En Europe, des maîtres comme Henri Matisse et Pierre Bonnard ont continué à développer leurs styles narratifs indépendamment de tout mouvement.

Pionniers de l'abstraction Modifier

Robert Delaunay, 1912, Fenêtres simultanées sur la ville, Kunsthalle Hamburg, Orphisme et Dada

Vassily Kandinsky est généralement considéré comme l'un des premiers peintres importants de l'art abstrait moderne. En tant que premier moderniste, il a théorisé, comme l'ont fait les occultistes et les théosophes contemporains, que l'abstraction visuelle pure avait des vibrations corollaires avec le son et la musique. Ils postulaient que l'abstraction pure pouvait exprimer la spiritualité pure. Ses premières abstractions étaient généralement intitulées comme l'exemple dans le Composition VII, faisant le lien avec le travail des compositeurs de musique. Kandinsky a inclus plusieurs de ses théories sur l'art abstrait dans son livre Du spirituel dans l'art. Parmi les autres grands pionniers de l'abstraction, citons la peintre suédoise Hilma af Klint, le peintre russe Kazimir Malevich et le peintre suisse Paul Klee. Robert Delaunay était un artiste français associé à l'orphisme, (rappelant un lien entre l'abstraction pure et le cubisme). Ses principales contributions à la peinture abstraite font référence à son utilisation audacieuse de la couleur et à son expérimentation à la fois de la profondeur et du ton.

Dada et le surréalisme Modifier

Joan Miró, Cheval, Pipe et Fleur Rouge, 1920, début du surréalisme

Marcel Duchamp a acquis une notoriété internationale à la suite du New York City Armory Show en 1913 où son Nu descendant un escalier, n°2 est devenu une cause célèbre. Il a par la suite créé La mariée mise à nu par ses célibataires, même, grand verre. Les Grand Verre a poussé l'art de la peinture à de nouvelles limites radicales, en partie peinture, en partie collage, en partie construction. Duchamp (qui devait bientôt renoncer à faire de l'art pour les échecs) est devenu étroitement associé au mouvement Dada qui a commencé à Zurich neutre, en Suisse, pendant la Première Guerre mondiale et a culminé de 1916 à 1920. Le mouvement impliquait principalement les arts visuels, la littérature (poésie, manifestes d'art , théorie de l'art), le théâtre et la conception graphique pour faire avancer sa politique anti-guerre et le rejet des normes en vigueur dans l'art à travers des œuvres culturelles anti-art. Parmi les autres artistes associés au mouvement Dada figurent Francis Picabia, Man Ray, Kurt Schwitters, Hannah Höch, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp et Sophie Taeuber-Arp. Duchamp et plusieurs dadaïstes sont également associés au surréalisme, le mouvement qui a dominé la peinture européenne dans les années 1920 et 1930.

En 1924, André Breton publie le Manifeste surréaliste. Le mouvement surréaliste en peinture est devenu synonyme d'avant-garde et a présenté des artistes dont les œuvres variaient de l'abstrait au superréaliste. Avec des œuvres sur papier comme La machine tourne rapidement, Francis Picabia poursuit son implication dans le mouvement Dada jusqu'en 1919 à Zurich et à Paris, avant de s'en séparer après avoir développé un intérêt pour l'art surréaliste. Yves Tanguy, René Magritte et Salvador Dalí sont particulièrement connus pour leurs représentations réalistes de l'imagerie onirique et des manifestations fantastiques de l'imaginaire. Au cours des années 1920, l'œuvre d'André Masson a été déterminante pour aider le jeune artiste Joan Miró à trouver ses racines dans la peinture surréaliste. celui de Miró Le champ labouré (1923-1924) frôle l'abstraction tout en suggérant un complexe d'objets et de figures et des arrangements de personnages sexuellement actifs, ce fut le premier chef-d'œuvre surréaliste de Miró. [40] Joan Miró, Jean Arp, André Masson et Max Ernst ont été très influents, notamment aux États-Unis dans les années 1940.

Max Ernst, dont le tableau de 1920 Avion assassin est vu ici, a étudié la philosophie et la psychologie à Bonn et s'est intéressé aux réalités alternatives vécues par les aliénés. Ses peintures ont peut-être été inspirées par l'étude du psychanalyste Sigmund Freud sur les délires d'un paranoïaque, Daniel Paul Schreber. Freud a identifié le fantasme de Schreber de devenir une femme comme un complexe de castration. L'image centrale de deux paires de jambes fait référence aux désirs hermaphrodites de Schreber. L'inscription d'Ernst au dos du tableau se lit comme suit : L'image est curieuse à cause de sa symétrie. Les deux sexes s'équilibrent. [41]

Tout au long des années 1930, le surréalisme a continué à devenir plus visible pour le grand public. Un groupe surréaliste s'est développé en Grande-Bretagne et, selon Breton, leur exposition surréaliste internationale de 1936 à Londres était un point culminant de la période et est devenue le modèle des expositions internationales. Des groupes surréalistes au Japon, et surtout en Amérique latine, aux Caraïbes et au Mexique ont produit des œuvres innovantes et originales. D'autres artistes surréalistes de premier plan incluent Giorgio de Chirico, Méret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning et Leonor Fini.

Neue Sachlichkeit, Réalisme social, régionalisme, Peinture de scène américaine, Symbolisme Modifier

Diego Rivera, Récréation de L'homme à la croisée des chemins (renommé L'homme, contrôleur de l'univers), créé à l'origine en 1934

Au cours des années 1920 et 1930 et de la Grande Dépression, la scène artistique européenne était caractérisée par le surréalisme, le cubisme tardif, le Bauhaus, De Stijl, Dada, Neue Sachlichkeit et l'expressionnisme et était occupée par des peintres de couleurs modernistes magistraux comme Henri Matisse et Pierre Bonnard .

En Allemagne, Neue Sachlichkeit (« Nouvelle Objectivité ») a émergé lorsque Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz et d'autres ont politisé leurs peintures. Le travail de ces artistes est issu de l'expressionnisme, et était une réponse aux tensions politiques de la République de Weimar, et était souvent fortement satirique.

Au cours des années 1930, la politique de gauche radicale a caractérisé de nombreux artistes liés au surréalisme, dont Pablo Picasso. [42] Le 26 avril 1937, pendant la guerre civile espagnole, la ville basque de Gernika a été le théâtre du "Bombardement de Gernika" par la Légion Condor de la Luftwaffe de l'Allemagne nazie. Les Allemands attaquaient pour soutenir les efforts de Francisco Franco pour renverser le gouvernement basque et le gouvernement républicain espagnol. Pablo Picasso a peint sa fresque aux dimensions Guernica pour commémorer les horreurs du bombardement.

Guernica est une immense murale en noir et blanc de 3,5 mètres (11 pi) de hauteur et 7,8 mètres (23 pi) de largeur peinte à l'huile. La peinture murale présente une scène de mort, de violence, de brutalité, de souffrance et d'impuissance sans dépeindre leurs causes immédiates. Le choix de peindre en noir et blanc invoque l'immédiateté d'une photographie de journal. [43] Le tableau a été exposé pour la première fois à Paris en 1937, puis en Scandinavie et à Londres, et en 1939, à la demande de Picasso, le tableau a été envoyé aux États-Unis dans le cadre d'un prêt prolongé (pour la garde) au MoMA. Enfin en accord avec le souhait de Picasso de donner le tableau au peuple espagnol en cadeau, il a été envoyé en Espagne en 1981.

De la Grande Dépression des années 1930 aux années de la Seconde Guerre mondiale, l'art américain était caractérisé par le réalisme social et la peinture de scène américaine. Les mouvements de régionalisme qui contenaient à la fois des commentaires politiques et sociaux ont dominé le monde de l'art aux États-Unis. Des artistes tels que Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh et d'autres sont devenus importants.

gothique americain est une peinture de Grant Wood de 1930. Représentant un fermier tenant une fourche et une jeune femme devant une maison de style gothique Carpenter, c'est l'une des images les plus familières de l'art américain du XXe siècle. Les critiques d'art ont supposé que c'était dans une intention satirique, cela faisait partie de la tendance vers des représentations de plus en plus critiques de l'Amérique rurale illustrée par Sherwood Anderson 1919 Winesburg, Ohio, Sinclair Lewis' 1920 Rue principale, et celui de Carl Van Vechten La comtesse tatouée Dans la littérature. [44] Cependant, avec le début de la Grande Dépression, la peinture est devenue une représentation de l'esprit pionnier américain inébranlable.

Une renaissance des arts en Amérique latine comprenait le peintre uruguayen Joaquín Torres García, le peintre mexicain Rufino Tamayo, des artistes du mouvement muraliste mexicain tels que Diego Rivera, David Siqueiros, José Orozco, Pedro Nel Gómez et Santiago Martinez Delgado, et le Symboliste peintre Frida Kahlo. Les muralistes véhiculaient des messages historiques et politiques. Diego Rivera est peut-être mieux connu du monde public pour sa peinture murale de 1933, L'homme à la croisée des chemins, dans le hall du RCA Building au Rockefeller Center.Lorsque son mécène Nelson Rockefeller a découvert que la peinture murale comprenait un portrait de Lénine et d'autres images communistes, il a licencié Rivera et le travail inachevé a finalement été détruit par le personnel de Rockefeller.

Les œuvres de Frida Kahlo se rapportent au surréalisme et au mouvement du réalisme magique en littérature. Ses œuvres sont souvent caractérisées par leurs représentations austères de la douleur. De ses 143 peintures, 55 sont des autoportraits, qui incorporent fréquemment des représentations symboliques de ses blessures physiques et psychologiques. [45]

Expressionnisme abstrait Modifier

Les années 1940 à New York annonçaient le triomphe de l'expressionnisme abstrait américain, un mouvement qui combinait les leçons apprises des modernistes européens via de grands professeurs américains comme Hans Hofmann et John D. Graham. Les artistes américains ont bénéficié de la présence de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst et du groupe André Breton, de la galerie Pierre Matisse et de la galerie Peggy Guggenheim L'art de ce siècle, ainsi que d'autres facteurs.

Techniquement, le surréalisme était un prédécesseur important de l'expressionnisme abstrait, mettant l'accent sur la création spontanée, automatique ou inconsciente. La peinture dégoulinante de Jackson Pollock sur une toile posée au sol est une technique qui puise ses racines dans l'œuvre d'André Masson. Une autre manifestation précoce importante de ce qui est devenu l'expressionnisme abstrait est le travail de l'artiste du nord-ouest américain Mark Tobey, en particulier ses toiles "d'écriture blanche", qui, bien que généralement pas à grande échelle, anticipent l'aspect "all over" des peintures au goutte à goutte de Pollock.

De plus, l'expressionnisme abstrait a une image rebelle, anarchique, hautement idiosyncratique et, selon certains, plutôt nihiliste. En pratique, le terme s'applique à un certain nombre d'artistes travaillant (principalement) à New York qui avaient des styles assez différents, et même appliqué à un travail qui n'est pas spécialement abstrait ni expressionniste. Les "peintures d'action" énergiques de Pollock, avec leur sensation "occupée", sont différentes à la fois techniquement et esthétiquement, de la violence et du grotesque Femmes série de Willem de Kooning. Woman V fait partie d'une série de six peintures réalisées par de Kooning entre 1950 et 1953 qui représentent une figure féminine de trois quarts. Il a commencé la première de ces peintures, Femme I, en juin 1950, changeant et peignant à plusieurs reprises l'image jusqu'en janvier ou février 1952, lorsque la peinture a été abandonnée inachevée. L'historien de l'art Meyer Schapiro a vu le tableau dans l'atelier de de Kooning et a encouragé l'artiste à persister. La réponse de De Kooning fut de commencer trois autres peintures sur le même thème Femme II, Femme III et Femme IV. Au cours de l'été 1952, passé à East Hampton, de Kooning approfondit le thème à travers des dessins et des pastels. Il a terminé son travail sur Woman I en novembre 1952, et probablement les trois autres images de femmes ont été achevées à peu près en même temps. [49] Le Série femme sont des peintures résolument figuratives. Un autre artiste important est Franz Kline, comme en témoigne sa peinture Grande rue (1950), qui a été qualifié de peintre d'action en raison de son style apparemment spontané et intense, se concentrant moins, ou pas du tout, sur les figures ou l'imagerie, mais sur les coups de pinceau et l'utilisation de la toile.

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb et les blocs de couleur chatoyants sereinement dans le travail de Mark Rothko (qui n'est pas ce qu'on appelle habituellement expressionniste et que Rothko a nié être abstrait), sont classés comme des expressionnistes abstraits, bien que d'après ce que Clement Greenberg a appelé la direction du champ de couleur de l'expressionnisme abstrait. Hans Hofmann et Robert Motherwell peuvent tous deux être décrits comme des praticiens de la peinture d'action et de la peinture de champ de couleur.

Au cours des années 1950 Peinture de champ de couleur faisait initialement référence à un type particulier d'expressionnisme abstrait, en particulier les travaux de Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell et Adolph Gottlieb. Il s'agissait essentiellement de peintures abstraites avec de grandes étendues de couleurs plates qui exprimaient les sentiments sensuels et visuels et les propriétés de grandes zones de surface nuancée. Le critique d'art Clement Greenberg percevait la peinture Color Field comme liée mais différente de la peinture d'action. L'étendue globale et la gestalt du travail des premiers peintres de champs de couleur parlent d'une expérience presque religieuse, émerveillée face à un univers en expansion de sensualité, de couleur et de surface. Du début au milieu des années 60 Peinture de champ de couleur en est venu à faire référence aux styles d'artistes comme Jules Olitski, Kenneth Noland et Helen Frankenthaler, dont les œuvres étaient liées à l'expressionnisme abstrait de deuxième génération, et à des artistes plus jeunes comme Larry Zox et Frank Stella – tous évoluant dans une nouvelle direction.

Réalisme, Paysage, Paysage marin, Figuration, Nature morte, Paysage urbain Modifier

Au cours des années 1930 aux années 1960, la peinture abstraite en Amérique et en Europe a évolué vers des mouvements tels que l'expressionnisme abstrait, la peinture de champ de couleur, l'abstraction post-peinture, l'art optique, la peinture à bords durs, l'art minimal, la peinture sur toile en forme et l'abstraction lyrique. D'autres artistes ont réagi en réponse à la tendance à l'abstraction permettant à l'imagerie de se poursuivre dans divers nouveaux contextes comme le Bay Area Figurative Movement dans les années 1950 et les nouvelles formes d'expressionnisme des années 1940 aux années 1960. Tout au long du XXe siècle, de nombreux peintres ont pratiqué le réalisme et utilisé l'imagerie expressive dans la peinture de paysage et figurative avec des sujets contemporains. Ils comprennent des artistes aussi variés que Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr., et Elaine de Kooning.

En Italie à cette époque, Giorgio Morandi était le plus grand peintre de natures mortes, explorant une grande variété d'approches pour représenter les bouteilles et les ustensiles de cuisine de tous les jours. [50]

Le portrait de Willem de Kooning par Arshile Gorky est un exemple de l'évolution de l'expressionnisme abstrait à partir du contexte de la peinture figurative, du cubisme et du surréalisme. Avec ses amis de Kooning et John D. Graham Gorky, il a créé des compositions figuratives aux formes biomorphiques et abstraites qui, dans les années 1940, ont évolué vers des peintures totalement abstraites. Le travail de Gorky semble être une analyse minutieuse de la mémoire, de l'émotion et de la forme, utilisant la ligne et la couleur pour exprimer les sentiments et la nature. [51] [52]

Étude d'après le Portrait du pape Innocent X de Velázquez, 1953 est une peinture de l'artiste d'origine irlandaise Francis Bacon et est un exemple de l'expressionnisme européen de l'après-guerre. L'œuvre montre une version déformée du Portrait d'Innocent X peint par l'artiste espagnol Diego Velázquez en 1650. L'œuvre fait partie d'une série de variantes de la peinture de Velázquez que Bacon a exécutée tout au long des années 1950 et au début des années 1960, sur un total de quarante -cinq œuvres. [53] Lorsqu'on lui a demandé pourquoi il était obligé de revenir si souvent sur le sujet, Bacon a répondu qu'il n'avait rien contre les papes, qu'il voulait simplement "une excuse pour utiliser ces couleurs, et vous ne pouvez pas donner à des vêtements ordinaires cette couleur violette sans entrer dans une sorte de fausse manière fauve." [54] Le Pape dans cette version bouillonne de colère et d'agression, et les couleurs sombres donnent à l'image un aspect grotesque et cauchemardesque. [55] Les rideaux plissés de la toile de fond sont rendus transparents et semblent tomber à travers le visage du pape. [56]

Le travail figuratif de Francis Bacon, Frida Kahlo, Edward Hopper, Lucian Freud, Andrew Wyeth et d'autres a servi d'alternative à l'expressionnisme abstrait. Engoulevents (1942) est une peinture réaliste d'Edward Hopper qui représente des personnes assises dans un restaurant du centre-ville tard dans la nuit. Ce n'est pas seulement le tableau le plus célèbre de Hopper, mais l'un des plus reconnaissables de l'art américain. La rue urbaine est vide à l'extérieur du restaurant, et à l'intérieur aucun des trois clients ne regarde ou ne parle apparemment aux autres, mais est plutôt perdu dans ses propres pensées. Cette représentation de la vie urbaine moderne comme vide ou solitaire est un thème commun à travers le travail de Hopper. L'une des images les plus connues de l'art américain du XXe siècle est la peinture à la détrempe de Wyeth, Le monde de Christine, dans la collection du Museum of Modern Art de New York. Il représente une femme allongée sur le sol dans un champ sans arbres, principalement fauve, regardant et rampant vers une maison grise à l'horizon une grange et diverses autres petites dépendances sont adjacentes à la maison. [57]

Après la Seconde Guerre mondiale, le terme École de Paris faisait souvent référence au tachisme, l'équivalent européen de l'expressionnisme abstrait américain et ces artistes sont également liés à Cobra. Des partisans importants étant Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicolas de Staël, Hans Hartung, Serge Poliakoff et Georges Mathieu, parmi plusieurs autres. Au début des années 1950, Dubuffet (qui a toujours été un artiste figuratif) et de Staël abandonnent l'abstraction pour revenir à l'imagerie via la figuration et le paysage. Le retour de De Staël à la représentation (marines, footballeurs, musiciens de jazz, mouettes) au début des années 1950 peut être considéré comme un précédent influent du mouvement figuratif américain de la Bay Area, comme nombre de ces peintres abstraits comme Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown et d'autres ont fait un mouvement similaire en revenant à l'imagerie au milieu des années 1950. Une grande partie du travail tardif de de Staël - en particulier ses paysages abstraits du milieu des années 1950 - prédit la peinture Color Field et l'abstraction lyrique des années 1960 et 1970. Milton Avery également à travers son utilisation de la couleur et son intérêt pour les peintures de paysages marins et de paysages liés à l'aspect du champ de couleur de l'expressionnisme abstrait tel qu'il est manifesté par Adolph Gottlieb et Mark Rothko ainsi que les leçons que les peintres américains ont tirées de l'œuvre d'Henri Matisse. [58] [59]

Pop art Modifier

Le pop art en Amérique était dans une large mesure initialement inspiré par les œuvres de Jasper Johns, Larry Rivers et Robert Rauschenberg, bien que les peintures de Gerald Murphy, Stuart Davis et Charles Demuth au cours des années 1920 et 1930 préfigurent le style et le sujet du Pop. de l'art.

À New York, au milieu des années 1950, Rauschenberg et Johns ont créé des œuvres d'art qui semblaient d'abord être le prolongement de la peinture expressionniste abstraite. En fait, leurs travaux, et le travail de Larry Rivers, étaient des ruptures radicales avec l'expressionnisme abstrait, en particulier dans l'utilisation d'images banales et littérales et l'inclusion de matériaux banals dans leur travail. L'utilisation par Johns de diverses images et objets comme des chaises, des chiffres, des cibles, des canettes de bière et les peintures de American Flag Rivers de sujets tirés de la culture populaire tels que George Washington traversant le Delaware, et ses inclusions d'images de publicités comme le chameau de Camel les cigarettes et les constructions surprenantes de Rauschenberg utilisant des inclusions d'objets et d'images tirés de la culture populaire, des quincailleries, des dépotoirs, des rues de la ville et de la taxidermie, ont donné naissance à un nouveau mouvement radical dans l'art américain. Finalement, en 1963, le mouvement est devenu connu dans le monde entier sous le nom de Pop art.

Le pop art est illustré par les artistes Andy Warhol, Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann et Roy Lichtenstein, entre autres. Lichtenstein a utilisé de la peinture à l'huile et Magna dans des œuvres telles que Fille qui se noie (1963 Museum of Modern Art, New York), qui a été approprié de l'histoire principale de DC Comics' Coeurs secrets #83. [60] ) Les contours épais, les couleurs vives et les points Ben-Day reproduisent l'apparence de l'impression commerciale. Lichtenstein dirait de son propre travail : les expressionnistes abstraits "ont posé les choses sur la toile et ont répondu à ce qu'ils avaient fait, aux positions des couleurs et aux tailles. Mon style est complètement différent, mais la nature de la pose de lignes est à peu près la même le mien n'a tout simplement pas l'air calligraphique, comme celui de Pollock ou celui de Kline." [61] Le pop art fusionne la culture populaire et de masse avec les beaux-arts, tout en injectant de l'humour, de l'ironie et des images et du contenu reconnaissables dans le mélange. En octobre 1962, la Sidney Janis Gallery monta Les nouveaux réalistes, la première grande exposition collective de Pop art dans une galerie d'art des quartiers chics de New York. Le spectacle a envoyé des ondes de choc à travers l'école de New York et s'est répercuté dans le monde entier. Boîtes de soupe Campbell's (parfois appelé 32 boîtes de soupe Campbell's) est le titre d'une œuvre d'art d'Andy Warhol qui a été réalisée en 1962. Il se compose de trente-deux toiles de taille égale, chacune composée d'une peinture d'une boîte de soupe Campbell's—une de chaque variété de soupe en conserve offerte par l'entreprise au temps. Les peintures individuelles ont été produites avec un processus de sérigraphie semi-mécanisé, en utilisant un style non pictural. Ils ont aidé à inaugurer le Pop art en tant que mouvement artistique majeur qui s'appuyait sur des thèmes de la culture populaire.

Plus tôt en Angleterre en 1956, le terme Pop Art a été utilisé par Lawrence Alloway pour des peintures célébrant le consumérisme de l'ère post-Seconde Guerre mondiale. Ce mouvement a rejeté l'expressionnisme abstrait et son accent sur l'intérieur herméneutique et psychologique, en faveur de l'art qui dépeint la culture de consommation matérielle, la publicité et l'iconographie de l'ère de la production de masse. [62] Les premières œuvres de l'artiste anglais David Hockney, telles que Une plus grande éclaboussure, et les travaux de Richard Hamilton, Peter Blake et Eduardo Paolozzi, sont considérés comme des exemples fondateurs du mouvement. Dans les galeries new-yorkaises d'East Village, 10th Street, des artistes élaboraient une version américaine du Pop art. Claes Oldenburg avait sa devanture et la Green Gallery de la 57e rue a commencé à montrer Tom Wesselmann et James Rosenquist. Il existe un lien entre les œuvres radicales de Duchamp et Man Ray, les dadaïstes rebelles – avec un sens de l'humour et des artistes pop comme Alex Katz, Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein et les autres.

Art brut, Nouveau réalisme, Mouvement figuratif de la région de la baie, Néo-Dada, Photoréalisme Modifier

Au cours des années 1950 et 1960, la peinture abstraite en Amérique et en Europe a évolué vers des mouvements tels que la peinture Color Field, l'abstraction post picturale, l'art op, la peinture hard-edge, l'art minimal, la peinture sur toile en forme, l'abstraction lyrique et la continuation de l'expressionnisme abstrait. D'autres artistes ont réagi en réponse à la tendance à l'abstraction avec l'Art brut, [63] comme on le voit dans Cour les rues, 1962, par Jean Dubuffet, Fluxus, Neo-Dada, New Realism, Photorealism, permettant à l'imagerie de réapparaître à travers divers nouveaux contextes comme le Pop art, le Bay Area Figurative Movement (un excellent exemple est celui de Diebenkorn Paysage urbain I, (Paysage n ° 1) (1963), et plus tard dans les années 1970, le néo-expressionnisme. The Bay Area Figurative Movement dont David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira et Richard Diebenkorn dont la peinture Paysage urbain 1 (1963) en est un exemple typique, où des membres influents ont prospéré dans les années 1950 et 1960 en Californie. Les jeunes peintres pratiquaient l'utilisation de l'imagerie de manière nouvelle et radicale. Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo, Niki de Saint Phalle, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl et Vija Celmins sont quelques-uns à devenir important entre les années 1960 et 1980. Fairfield Porter était en grande partie autodidacte et a produit un travail de représentation au milieu du mouvement expressionniste abstrait. Ses sujets étaient principalement des paysages, des intérieurs domestiques et des portraits de famille, d'amis et d'autres artistes.

Toujours au cours des années 1960 et 1970, il y a eu une réaction contre la peinture. Des critiques comme Douglas Crimp ont vu le travail d'artistes comme Ad Reinhardt et ont déclaré la "mort de la peinture". Les artistes ont commencé à pratiquer de nouvelles façons de faire de l'art. De nouveaux mouvements ont pris de l'importance dont certains sont: Fluxus, Happening, Video art, Installation art Mail art, the situationists, Conceptual art, Postminimalism, Earth art, arte povera, performance art et body art, entre autres. [64] [65]

Néo-Dada est également un mouvement qui a débuté dans les années 1950 et 1960 et était lié à l'expressionnisme abstrait uniquement avec l'imagerie. Cette tendance, dans laquelle les articles manufacturés sont combinés avec des matériaux d'artiste, est illustrée par le travail de Jasper Johns et Robert Rauschenberg. Les «combinaisons» de Rauschenberg dans les années 1950 étaient les précurseurs du Pop Art et de l'art d'installation, et utilisaient l'assemblage de grands objets physiques, y compris des animaux empaillés, des oiseaux et des photographies commerciales. Rauschenberg, Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine et Edward Kienholz, entre autres, ont créé de nouvelles conventions de création artistique qu'ils ont rendues acceptables dans les cercles d'art contemporain sérieux l'inclusion radicale de matériaux improbables dans leurs œuvres. d'art. [66] [67]

Abstraction géométrique, Op Art, Hard-Edge, Champ de couleurs, Art minimal, Nouveau réalisme Modifier

Au cours des années 1960 et 1970, la peinture abstraite a continué à se développer en Amérique à travers des styles variés. L'abstraction géométrique, l'art optique, la peinture hard-edge, la peinture Color Field et la peinture minimale étaient des directions interdépendantes pour la peinture abstraite avancée ainsi que d'autres nouveaux mouvements. Morris Louis était un pionnier important de la peinture Colorfield avancée, son travail peut servir de pont entre l'expressionnisme abstrait, la peinture Colorfield et l'art minimal. Deux professeurs influents, Josef Albers et Hans Hofmann, ont présenté à une nouvelle génération d'artistes américains leurs théories avancées de la couleur et de l'espace. Albers est surtout connu pour son travail en tant que peintre et théoricien de l'abstraction géométrique. Les plus célèbres de toutes sont les centaines de peintures et d'estampes qui composent la série Hommage à la place. Dans cette série rigoureuse, commencée en 1949, Albers a exploré les interactions chromatiques avec des carrés colorés plats disposés concentriquement sur la toile. Les théories d'Albers sur l'art et l'éducation ont été formatrices pour la prochaine génération d'artistes. Ses propres peintures constituent la base à la fois de la peinture hard-edge et de l'op art. Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky, Burgoyne Diller, Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Frank Stella, Morris Louis, Kenneth Noland, [68] Ellsworth Kelly, John McLaughlin, Barnett Newman, Larry Poons, Ronald Davis, John Hoyland , Larry Zox, Al Held, Mino Argento [69] sont des artistes étroitement associés à l'abstraction géométrique, à l'art optique, à la peinture Color Field et, dans le cas de Hofmann et Newman, à l'expressionnisme abstrait. Agnes Martin, Robert Mangold, Brice Marden, Jo Baer, ​​Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, sont des exemples d'artistes associés au minimalisme et (à l'exception de Martin, Baer et Marden) à l'utilisation de la toile façonnée également pendant la période commençant au début des années 1960. De nombreux artistes abstraits géométriques, minimalistes et peintres Hard-edge ont choisi d'utiliser les bords de l'image pour définir la forme de la peinture plutôt que d'accepter le format rectangulaire.En fait, l'utilisation de la toile façonnée est principalement associée aux peintures des années 1960 et 1970 qui sont froidement abstraites, formalistes, géométriques, objectives, rationalistes, épurées, audacieuses ou minimalistes. La galerie Bykert et la galerie Park Place étaient des vitrines importantes du minimalisme et de la peinture sur toile façonnée à New York dans les années 1960.

Toile en forme, Washington Color School, Illusionnisme abstrait, Abstraction lyrique Modifier

La peinture Color Field indiquait une nouvelle direction dans la peinture américaine, loin de l'expressionnisme abstrait. Lié à l'abstraction post-peinture, au suprématisme, à l'expressionnisme abstrait, à la peinture hard-edge et à l'abstraction lyrique, [70] La peinture Color Field cherchait à débarrasser l'art de la rhétorique superflue. Des artistes comme Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox et d'autres ont peint avec une utilisation très articulée et psychologique de la couleur. En général, ces artistes ont éliminé les images reconnaissables. Certains artistes ont fait référence à l'art passé ou présent, mais en général la peinture sur champs de couleur présente l'abstraction comme une fin en soi. En poursuivant cette direction de l'art moderne, les artistes ont voulu présenter chaque peinture comme une image cohérente et monolithique. Gene Davis avec Kenneth Noland, Morris Louis et plusieurs autres était membre des peintres de la Washington Color School qui ont commencé à créer des peintures Color Field à Washington, D.C. dans les années 1950 et 1960, Noir, gris, battement est une grande peinture à rayures verticales et typique du travail de Gene Davis. Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros et Al Loving sont des exemples d'artistes associés à l'utilisation de la toile façonnée au cours de la période commençant en le début des années 1960.

À partir de 1960, Frank Stella a produit des peintures à la peinture d'aluminium et de cuivre et ses premières œuvres en utilisant des toiles en forme (des toiles de forme autre que le rectangle ou le carré traditionnel), souvent en L, N, U ou T. Ceux-ci se sont développés plus tard dans des conceptions plus élaborées, dans le Polygone irrégulier série (1967), par exemple. Plus tard, il a commencé son Série de rapporteurs (1971) de peintures, dans lesquelles des arcs, parfois superposés, à l'intérieur de bordures carrées sont disposés côte à côte pour produire des cercles complets et des demi-cercles peints en anneaux de couleur concentrique. Harran II, 1967, est un exemple de la Série de rapporteurs.

La galerie Andre Emmerich, la galerie Leo Castelli, la galerie Richard Feigen et la galerie Park Place étaient des vitrines importantes pour la peinture Color Field, la peinture sur toile en forme et l'abstraction lyrique à New York dans les années 1960. Il existe un lien avec l'abstraction post-peintre, qui a réagi contre le mysticisme, l'hypersubjectivité et l'hypersubjectivité des expressionnismes abstraits et l'accent mis sur le fait de rendre l'acte de peindre lui-même dramatiquement visible - ainsi que l'acceptation solennelle du rectangle plat comme une condition presque rituelle pour peinture sérieuse. Au cours des années 1960, la peinture Color Field et l'art minimal étaient souvent étroitement associés. En réalité, au début des années 1970, les deux mouvements sont devenus résolument diversifiés.

L'abstraction lyrique (le terme étant inventé par Larry Aldrich, le fondateur du musée d'art contemporain d'Aldrich, Ridgefield Connecticut), englobait ce qu'Aldrich a dit avoir vu dans les studios de nombreux artistes à cette époque. [71] C'est aussi le nom d'une exposition qui a pris naissance au musée Aldrich et s'est rendue au Whitney Museum of American Art et à d'autres musées à travers les États-Unis entre 1969 et 1971. [72] L'abstraction lyrique est un type de peinture abstraite en roue libre. qui a émergé au milieu des années 1960 lorsque les peintres abstraits sont revenus à diverses formes d'expressionnisme pictural, pictural, avec un accent prédominant sur le processus, la gestalt et les stratégies de composition répétitives en général. [73] [74] Contrairement à la peinture d'action, où l'accent est mis sur les coups de pinceau et le drame compositionnel élevé, dans l'abstraction lyrique, comme en témoigne la peinture de Ronnie Landfield de 1971 Jardin des délices- il y a un sens du hasard dans la composition, un drame compositionnel détendu et un accent sur le processus, la répétition et une sensibilité totale. L'abstraction lyrique à la fin des années 1960 est caractérisée par les peintures de Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young et d'autres, ainsi que par le mouvement Fluxus et le postminimalisme (un terme inventé pour la première fois par Robert Pincus-Witten dans les pages d'Artforum en 1969) [ 75] a cherché à repousser les limites de la peinture abstraite et du minimalisme en se concentrant sur le processus, les nouveaux matériaux et les nouveaux modes d'expression. Le postminimalisme incorporant souvent des matériaux industriels, des matières premières, des fabrications, des objets trouvés, des installations, des répétitions en série et souvent des références à Dada et au surréalisme est le mieux illustré dans les sculptures d'Eva Hesse. [75] Abstraction lyrique, art conceptuel, postminimalisme, art de la terre, vidéo, art de la performance, art de l'installation, ainsi que la continuation de Fluxus, expressionnisme abstrait, peinture de champ de couleur, peinture hard-edge, art minimal, art op, pop art, Le photoréalisme et le nouveau réalisme ont étendu les frontières de l'art contemporain du milieu des années 1960 aux années 1970. [76]


Le motif de la figure savante et les mécènes juifs du sarcophage

La popularité généralisée du trope de la figure savante a coïncidé avec l'apogée de la popularité de l'enterrement du sarcophage et le boom du portrait du troisième siècle. Cela correspondait également à l'émergence du Second Sophistique, une parfaite tempête de conditions qui favorisa la prolifération de ce mode particulier de représentation de soi. 52 Non seulement les portraits avec le trope de la figure savante étaient la forme de représentation la plus populaire à cette période, mais les tropes et motifs corollaires de la sphère savante étaient très proches en troisième position pour les motifs secondaires les plus populaires sur les programmes sculpturaux des sarcophages, derrière seulement des cupidons et des personnifications des saisons. 53 En effet, aux IIIe et IVe siècles, le motif de la figure savante a été choisi par un groupe toujours croissant de mécènes de sarcophages dans la ville de Rome. Le motif tendance a été utilisé par des clients de tous horizons et de tous horizons. 54

En utilisant ce type extrêmement populaire, les mécènes juifs ont ignoré un certain nombre d'autres tropes populaires, y compris les représentations du défunt en tant que figures mythologiques ou chasseurs, ou engagés dans un rituel. 55 De plus, la prévalence du trope de la figure savante dans la sculpture de portraits de mécènes juifs est particulièrement intéressante, car ce trope représentait le statut cultivé - et l'alphabétisation culturelle - de l'individu d'une manière très générale, sans tirer de références explicites à un particulier en particulier. domaine de la littérature ou de l'apprentissage romain. 56 Au contraire, le motif de la figure savante sur les sarcophages de Rome mettait l'accent sur des vertus plus vagues et générales associées au monde intellectuel de l'empire romain, des vertus plus difficiles à cerner mais néanmoins liées « plus aux qualités individuelles et à l'identité personnelle qu'aux normes institutionnelles. " 57

Muse Sarcophage à motif de figure savante, IIIe s. CE, marbre. Rome. Basilique de San Saba, Rome.

(Avec l'aimable autorisation du Deutsches Archäologisches Institut, Rom. D-DAI-ROM-33.1175).


Voir la vidéo: Irwin Goodmanin haudalla (Mai 2022).


Commentaires:

  1. Van

    Je m'excuse, je ne peux rien aider, mais il est assuré que vous aidera à trouver la bonne décision. Ne désespérez pas.

  2. Colt

    Je peux parler beaucoup sur ce thème.

  3. Donal

    Pensée très utile

  4. Donavon

    Qui sait.

  5. Jud

    Cette version est expirée

  6. Kanelinqes

    Vous n'êtes pas correcte. Je suggère d'en discuter.



Écrire un message