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Fragment de fresque urartienne de deux taureaux

Fragment de fresque urartienne de deux taureaux


L'âge du fer fournit plus de preuves pour la décoration des murs avec de la peinture. Premièrement, les sites fortifiés des VIIIe et VIIe siècles av. Les peintures du temple de Patnos (Anzavur/Kot Tepe) représentent des taureaux marchant et agenouillés. [ 5 ] A Van-Toprakkale, des traces de peinture bleue et rouge ont été découvertes dans un temple. [ 6 ] Des preuves de peinture ont également été découvertes à Altıntepe et Çavuştepe.

Période archaïque

Au milieu du 6ème siècle avant notre ère, l'empire perse achéménide, dirigé par Cyrus le Grand, a conquis la plupart des régimes politiques qui existaient à cette époque dans l'ouest de l'Anatolie, notamment le royaume lydien de Crésus. La consolidation de cette zone sous un seul pouvoir externe de l'Est a affecté les cultures indigènes. Une élite perse au pouvoir a sans aucun doute apporté de chez elle une connaissance de l'iconographie impériale. Pourtant, ces idées extérieures se sont combinées avec des idées locales ainsi que des idées grecques apportées de l'ouest, pour former un nouveau style utilisé par les Anatoliens dans la décoration de leurs murs. La plupart de nos témoignages artistiques de cette période proviennent de chambres funéraires.

Pendant un demi-siècle avant l'invasion des Perses, les Lydiens du centre-ouest de l'Anatolie avaient enterré leurs souverains dans des tombes à chambre en pierre sous des tumulus monumentaux, une forme empruntée en partie aux Phrygiens. Bien que les tumulus lydiens deviennent plus petits après l'invasion perse, ils deviennent aussi plus nombreux. Ainsi, une tradition funéraire locale a été autorisée à se poursuivre, mais avec des changements basés sur des influences extérieures. Par exemple, les klinai en pierre (canapés de la mort) imitaient les originaux grecs en bois dans la forme et la décoration peinte. Deux des tombes connues de Lydian Tumuli avaient des murs peints. Malheureusement, le pillage et la destruction des tombes, ainsi que la dispersion subséquente des peintures et objets sur le marché de l'art ont considérablement limité l'investigation scientifique de ces tombes. La première tombe, appelée Harta, ou Abidintepe, est située dans la province de Manisa et présente trois vues de profil distinctes de figures humaines. On pense que ces trois personnes marchaient l'une derrière l'autre avec de nombreuses autres figures dans une procession autour de la chambre funéraire, portant peut-être des cadeaux pour le défunt. Ce type de procession est très similaire à celui sculpté en relief sur l'Apadana à Persépolis. Une autre influence persane est évidente dans le costume de serviteur porté par une figure qui reflète les costumes vus au palais de Darius Ier à Suse. [ 7 ]

Un deuxième tumulus lydien, appelé Aktepe et situé dans la province moderne d'Uşak, présente deux figures humaines peintes sur les murs opposés de la chambre funéraire. Ils flanquent et font face vers l'endroit où le corps aurait reposé. Leurs gestes consistent à tenir une branche vers le corps d'une main et à tenir l'autre main devant leur bouche, peut-être en signe de révérence silencieuse. Ils semblent porter des vêtements de style grec. En se déplaçant vers le sud-est de Lydia, nous trouvons une chambre funéraire en bois du tumulus Tatarlı près de Dinar dans la province moderne d'Afyon. Les panneaux de cette tombe ont été peints et comprennent une scène de combat de soldats qui rappelle la peinture de vase grecque. [ 7 ]

Deux tombes de cette période avec des peintures murales ont également été découvertes en Lycie. La tombe de Karaburun a une scène représentant un homme allongé et tenant en l'air un bol à boire. Cela peut refléter des éléments de la tradition anatolienne de la fête funéraire, bien connue des sépultures de tumulus à Gordion. L'autre tombe lycienne peinte est Kızılbel , qui représente des légendes grecques des épopées homériques, ainsi que des aspects de la royauté similaires à ceux observés dans l'imagerie assyrienne. [ 8 ]

Un ensemble unique de peintures murales datant d'environ 500 avant notre ère a été trouvé à Gordion, l'ancienne capitale du royaume phrygien. Un petit bâtiment avec de nombreux fragments de plâtre peint a été découvert sur la citadelle entre deux plus grandes mégara, et a été surnommé "la maison peinte". Les fragments comprennent des morceaux de figures humaines de profil et peuvent donc avoir fait partie d'une procession similaire à celle observée dans le tumulus de Harta. Le but exact de la maison peinte n'est pas clair, bien qu'une fonction rituelle ou même funéraire ne puisse être exclue. [ 9 ]


Naissance d'une légende

Le statut emblématique de Wild Bill Hickok&aposs est enraciné dans une fusillade en juillet 1861 dans ce qui est devenu connu sous le nom de massacre de McCanles à Rock Creek, Nebraska. L'incident a commencé lorsque David McCanles, son frère William et plusieurs ouvriers agricoles sont venus à la gare pour exiger le paiement d'une propriété qui lui avait été achetée. Hickok, juste un homme d'écurie à l'époque, a tué les trois hommes, bien qu'il ait été grièvement blessé.

L'histoire est rapidement devenue du fourrage pour les journaux et les magazines. Peut-être le plus célèbre, Harper&aposs nouveau magazine mensuel imprimé un compte de l'histoire en 1867, affirmant que Hickok avait tué 10 hommes. Dans l'ensemble, il a été rapporté que Hickok avait tué plus de 100 hommes au cours de sa vie.

Pendant la guerre civile, Wild Bill Hickok a servi dans l'armée de l'Union en tant qu'éclaireur civil et plus tard en tant que grand prévôt. Bien qu'il n'existe aucun dossier solide, on pense qu'il a servi comme espion de l'Union dans l'armée confédérée avant sa libération en 1865.

En juillet 1865, à Springfield, Missouri&aposs Town Square, Hickok tua Davis Tutt, un vieil ami qui, à la suite de rancunes personnelles, devint un ennemi. Les deux hommes se sont affrontés de côté pour un duel. Tutt a attrapé son pistolet mais Hickok a été le premier à dégainer son arme et a tiré sur Tutt instantanément, à environ 75 mètres.

La légende de Wild Bill Hickok n'a grandi que lorsque d'autres histoires sur ses prouesses au combat ont fait surface. Une histoire a affirmé qu'il avait tué un ours à mains nues et avec un couteau bowie. L'article de Harper&aposs racontait également comment Hickok avait pointé du doigt une lettre "O" qui n'était "pas plus grosse qu'un cœur d'homme". d'entre eux frappant le centre direct de la lettre.


Jackson Pollock

Considéré comme le « plus grand peintre vivant » de son vivant, Jackson Pollock était un peintre américain qui fut un artiste majeur de l'art expressionniste abstrait au XXe siècle. Pollock a été expulsé de deux lycées au cours de ses années de formation, le second étant la Los Angeles Manual Arts School, où il a été encouragé à poursuivre son intérêt pour l'art. En 1930, il s'installe à New York pour étudier l'art et obtient un emploi dans le cadre du WPA Federal Art Project, un projet du New Deal, qui lui permet de vivre de sa peinture.

Alors qu'il gagnait en succès professionnel et social, Pollock a combattu la dépendance à l'alcoolisme et les épisodes récurrents de dépression. Deux de ses frères ont suggéré une psychothérapie jungienne, avec le Dr Joseph Henderson, qui a encouragé Pollock dans ses efforts artistiques dans le cadre de sa thérapie. Bien que la psychothérapie n'ait pas guéri sa consommation d'alcool, elle l'a exposé aux concepts jungiens, qu'il a exprimés dans ses peintures à l'époque. En 1945, Pollock s'installe avec sa femme et peintre américain Lee Krasner à Springs, New York, où il restera le reste de sa vie. Dans la grange derrière la maison, qu'il a convertie en son atelier, Pollock a développé une technique de peinture nouvelle et complètement nouvelle en utilisant ce qu'il a appelé sa technique de «goutte à goutte». À l'aide de pinceaux, de bâtons et de poires à dinde durcis et de peintures émaillées domestiques, Pollock a giclé, éclaboussé et fait couler sa peinture sur une toile déroulée sur le sol de son studio. En 1956, le magazine Time a donné à Pollock le nom de « Jack the Dripper », en référence à son style unique de peinture d'action.

Des études récentes menées par des historiens de l'art et des scientifiques ont déterminé que certaines des œuvres de Pollock présentent des propriétés de fractales mathématiques, affirmant que ses œuvres sont devenues plus fractales tout au long de sa carrière. Dans ses peintures ultérieures, Pollock a réduit les titres de toutes ses peintures à des nombres, afin de réduire la tentative des téléspectateurs d'identifier tout élément de représentation dans ses peintures. Sous la pression de sa renommée croissante et de la demande des collectionneurs d'art, l'alcoolisme de Pollock s'est aggravé. En août 1956, alors qu'il conduisait sous l'influence de l'alcool, il a été impliqué dans un accident de voiture, se tuant ainsi qu'un de ses passagers. L'héritage de Pollock a été garanti par sa veuve, Lee Krasner, qui a géré sa succession après sa mort. Son héritage comprend un certain nombre de références dans les médias sociaux, notamment des chansons, des poèmes, des livres et des documentaires, ainsi que le biopic du long métrage Pollock, réalisé et interprété par Ed Harris.

Jackson Pollock (28 janvier 1912 - 11 août 1956) était un peintre américain et une figure majeure du mouvement expressionniste abstrait. Il était bien connu pour son style unique de peinture au goutte à goutte.

Au cours de sa vie, Pollock a connu une renommée et une notoriété considérables, il était un artiste majeur de sa génération. Considéré comme reclus, il avait une personnalité volatile et a lutté contre l'alcoolisme pendant la majeure partie de sa vie. En 1945, il a épousé l'artiste Lee Krasner, qui est devenu une influence importante sur sa carrière et sur son héritage.

Pollock est décédé à l'âge de 44 ans dans un accident de voiture lié à l'alcool alors qu'il conduisait. En décembre 1956, quatre mois après sa mort, Pollock a eu droit à une exposition rétrospective commémorative au Museum of Modern Art (MoMA) de New York. Une exposition plus grande et plus complète de son travail y a eu lieu en 1967. En 1998 et 1999, son travail a été honoré par des expositions rétrospectives à grande échelle au MoMA et à la Tate à Londres.

Paul Jackson Pollock est né à Cody, Wyoming, en 1912, le plus jeune de cinq fils. Ses parents, Stella May (née McClure) et LeRoy Pollock, sont nés et ont grandi à Tingley, Iowa, et ont fait leurs études au Tingley High School. La mère de Pollock est enterrée au cimetière de Tingley, comté de Ringgold, Iowa. Son père était né avec le nom de famille McCoy, mais avait pris le nom de ses parents adoptifs, des voisins qui l'avaient adopté après la mort de ses propres parents à moins d'un an d'intervalle. Stella et LeRoy Pollock étaient presbytériens, ils étaient respectivement d'origine irlandaise et écossaise-irlandaise. LeRoy Pollock était un agriculteur et plus tard un arpenteur-géomètre pour le gouvernement, se déplaçant pour différents emplois. Stella, fière de l'héritage de sa famille en tant que tisserande, fabriquait et vendait des robes à l'adolescence. En novembre 1912, Stella emmena ses fils à San Diego Jackson n'avait que 10 mois et ne reviendra jamais à Cody. Il a ensuite grandi en Arizona et à Chico, en Californie.

Alors qu'il vivait à Echo Park, en Californie, il s'est inscrit au lycée des arts manuels de Los Angeles, dont il a été expulsé. Il avait déjà été expulsé en 1928 d'un autre lycée. Au début de sa vie, Pollock a exploré la culture amérindienne lors de voyages d'arpentage avec son père.

En 1930, à la suite de son frère aîné Charles Pollock, il s'installe à New York, où ils étudient tous les deux avec Thomas Hart Benton à l'Art Students League. Le sujet rural américain de Benton avait peu d'influence sur le travail de Pollock, mais son utilisation rythmée de la peinture et sa farouche indépendance étaient plus durables. Au début des années 1930, Pollock a passé un été en tournée dans l'ouest des États-Unis avec Glen Rounds, un autre étudiant en art, et Benton, leur professeur.

Pollock a été initié à l'utilisation de la peinture liquide en 1936 lors d'un atelier expérimental à New York par le muraliste mexicain David Alfaro Siqueiros. Il a ensuite utilisé le coulage de peinture comme l'une des nombreuses techniques sur des toiles du début des années 1940, telles que Homme et femme et Composition avec Pouring I. Après son déménagement à Springs, il a commencé à peindre avec ses toiles disposées sur le sol de l'atelier, et il a développé ce qu'on a appelé plus tard sa technique "drip".

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DÉCOUVREZ L'ARMÉNIE

Découvertes exceptionnelles de la Forteresse de Teishebaini (Karmir Blour) fouillée en 1940-1970 sous la direction de l'académicien Boris Pyotrovsky, ainsi que de l'Urartian et d'autres monuments sur le territoire de la République d'Arménie : Erebuni, Argishtikhinili-Armavir, Lori berd , Bjni, Geghovit, Dvin, Talin et Tavush.

Des inscriptions cunéiformes, également celle qui déclare que la ville d'Erevan a été fondée en 782 av.

Sceaux de pierre et d'os avec des images d'arbres de vie, de créatures ailées, de scènes d'adoration de divinités, de lions à tête de dragon, de chevaux ailés et de symboles stellaires.

L'histoire est devant nous : plus de mille découvertes exclusives ont été découvertes lors des fouilles en Arménie.

AGRICULTURE URARTIENNE

Des fouilles archéologiques ont montré que des légumes, des céréales (blé, orge, millet, avoine), du chanvre sésame, des légumineuses (lentilles et pois chiches), ainsi que des fruits (pomme, pêche, noix, grenade, cerise, raisin et prune) étaient cultivés. dans la région. Les pépins de raisin trouvés ici ont montré douze variétés de raisin de cette période dans la vallée d'Ararat, parmi lesquelles Voskehat (Kharji), Mskhali (Ararat), Hachabash et quelques variétés de raisin noir. Ces variétés anciennes sont encore cultivées dans l'Arménie moderne.

Des types sauvages de blé ont été trouvés dans le champ de blé de Shorbulakh en Arménie. Seule la pyramide de Khéops des sept merveilles du monde a été préservée, et le champ de blé de Shorbulakh, qui est plus ancien que la pyramide de Khéops depuis 5000 ans, à partir de plantes céréalières.

Sur la base de tout cela, nous pouvons dire que la patrie du blé est l'Arménie et que les premiers gens qui mangent du pain étaient des Arméniens. Il est donc naturel que la cuisine arménienne soit à base de légumineuses, de céréales et de granulés.

BIÈRE ANCIENNE À URARTU

Dans les temps anciens, en particulier à l'époque et à l'ère du royaume d'Urartian (9-6 siècles av. Au cours des fouilles de Karmir Blur de 1958, de nombreuses choses anciennes ont été trouvées, telles que d'énormes granges, des pots remplis de blé, des récipients spéciaux pour brasser et conserver la bière, plus de 40 récipients oblongs pour stocker la bière.

En analysant tout cela, nous arrivons à la conclusion que la nation d'Urartu cultivait également une énorme quantité d'orge : Cependant, c'était un fait qu'à cette époque Brassage de bière était largement répandu partout, en plus, comme matière première, ils avaient non seulement de l'orge, mais aussi du mil.

VITICULTURE ET VINIFICATION

Depuis les temps anciens, l'Arménie était célèbre pour les vignerons où les traditions originales ont été conservées jusqu'à nos jours. Cela peut même être signalé par de tels philosophes, tels que Hérodote et Strabone. En 401-400 av. "karases". Il est intéressant de noter que dans les karases à bière ont été insérés des roseaux qui servaient à nos ancêtres de salières.

Aux XIXe et XXe siècles, les fouilles effectuées par l'académicien Petrovski ont confirmé le fait que ce pays né au 9e av. pays viticole.

Les archéologues ont découvert dans le chai de la forteresse Teyshebaini avec 480 karases, dans lequel pourraient faire de la place pour 37 mille décilitres de vin. Lors de fouilles à Karmir Blur (l'une des anciennes colonies d'Arménie où l'on trouve les premiers signes de vie) et Erebouni (ville-forteresse sur le territoire de l'actuelle Erevan, construite il y a 2800 ans et devenue la capitale de l'Arménie en 2700) avaient été trouvés 10 chais dans lesquels se trouvaient 200 karases.

Les jardins, les vergers et surtout les vignobles étaient bien développés à Urartu. Ceci est démontré par la découverte de graines, de noyaux, de noyaux et de restes carbonisés de prunes, de raisins, de grenades, de pommes, d'abricots, de cerises, de noix et de pastèques.

La viticulture s'est particulièrement développée autour des bassins fluviaux de Van, de la vallée d'Aratsani, du lac Urmia et du Tigre et de la vallée de l'Ararat. Certains des plus de douze cépages encore cultivés dans la vallée d'Ararat - Voskehat (Kharji), Mskhali (Ararat), Hachabash et d'autres variétés de raisins noirs - ont également été cultivés à Urartu. La survie et l'application des traditions viticoles et vinicoles pratiquées dans les hauts plateaux arméniens contribuent à l'argument d'un lien arménien avec les anciens habitants d'Urartu (Royaume de Van).

ÉLEVAGE ANIMAL ET CHEVAUX

Élevage était pratiquée sur les hautes terres d'Anatolie orientale depuis le néolithique. C'était une occupation majeure de la tribu pré-urartienne Nairi - le but principal des raids assyriens sur les colonies Nairi au 2ème millénaire avant JC était le vol de bétail.
Bien que l'élevage d'animaux soit devenu secondaire à l'agriculture pendant la période Urartu, il est resté une branche importante de l'économie et a également été utilisé pour les services sacrificiels réguliers dans la religion urartienne.

Les animaux élevés comprenaient des bovins (proche de Bos primigenius), des taureaux (Bos taurus), des buffles (Bubalus bubalis), des moutons (Ovis aries), des chèvres (tur du Caucase oriental, Capra cylindricornis) et Capra domestica), des porcs (Sus scrofa domestica ), la gazelle de Perse (Gazella subgutturosa) et le zébu (Bos indicus). Les découvertes archéologiques indiquent la présence de transformation du lait et de fabrication de fromage à Urartu. Contrairement au bétail, les chevaux avaient une importance militaire stratégique et étaient utilisés pour les chars. L'élevage de chevaux était une occupation majeure à Urartu et, grâce aux abondantes prairies alpines, était mieux développé que dans les pays voisins.

ART ET ARTISANAT URARTIENS

Les petites sculptures urartiennes en bronze et en pierre, que l'on trouve à Van et Karmir Blur, nous donnent la compréhension la plus complète de Sculpture Urartienne. Les statues de bronze ont fait partie de trônes et de poignées de chaudières rituelles et représentent des dieux debout sur des animaux imaginaires, des lions, des bœufs, ainsi que des lions ailés, des bœufs, des oiseaux comme un visage humain.

Laïque et religieuse Peinture murale occupait également une place unique dans la culture van ou urartienne. Le palais et les temples de la citadelle d'Erebouni étaient richement décorés de fresques multicolores et hautement artistiques. Les couleurs dominantes de la fresque étaient le noir, le blanc, le rouge, le bleu et le jaune. Cette palette a été conservée dans la peinture miniature arménienne médiévale.

Le sol a gardé non seulement la mémoire, mais aussi des souvenirs spécifiques : statues-idoles, karases rituelles de vin de 1200 litres, vases rituels, pointes de flèches, lances, boucliers, boucles d'oreilles et bracelets en or, beaux colliers. Lors des fouilles du château de Teyshebaini, 97 bols en bronze ont été trouvés dans les grands karas. Sur les coupes de haute qualité avec le mélange de bronze et d'étain sont représentées les inscriptions cunéiformes des quatre rois urartiens Menua, Argishti, Sarduri et Rusa I. Il y a gravé les images de la tour du château dans les coupes rituelles.

Tous les articles culinaires, ménagers, repas, aliments, produits laitiers, légumes et fruits mentionnés font maintenant partie intégrante de l'alimentation de la population rurale et urbaine en Arménie.

De nombreuses caractéristiques de l'art urartien ont été conservées dans les pays voisins après la chute d'Urartu au 6ème siècle avant JC. Les observations de Boris Piotrovsky suggèrent que les techniques de décoration et de production des ceintures et des fourreaux scythes ont été empruntées à Urartu. La manière urartienne de décorer les chaudrons s'est répandue dans le monde antique, et l'on pense que l'art arménien était en partie basé sur les traditions urartiennes.


Chute et mort

Accablé par les besoins de Pollock&aposs, Krasner était également incapable de travailler. Leur mariage est devenu troublé et la santé de Pollock&aposs était défaillante. Il a commencé à sortir avec d'autres femmes. En 1956, il avait arrêté de peindre et son mariage était en ruine. Krasner est parti à contrecœur pour Paris pour donner de l'espace à Pollock.

Juste après 22 heures. le 11 août 1956, Pollock, qui avait bu, a percuté sa voiture dans un arbre à moins d'un mile de sa maison. Ruth Kligman, sa petite amie à l'époque, a été jetée de la voiture et a survécu. Une autre passagère, Edith Metzger, a été tuée et Pollock a été projeté à 50 pieds dans les airs et dans un bouleau. Il est mort immédiatement.

Krasner est revenue de France pour enterrer Pollock, et est ensuite entrée dans un deuil qui durera le reste de sa vie. Conservant sa créativité et sa productivité, Krasner a vécu et peint pendant encore 20 ans. Elle gère également la vente des peintures Pollock&aposs, les distribuant soigneusement aux musées. Avant sa mort, Krasner a créé la Fondation Pollock-Krasner, qui accorde des bourses à de jeunes artistes prometteurs. À la mort de Krasner le 19 juin 1984, la succession valait 20 millions de dollars.


Succès et éloges

Haring a rapidement commencé à appliquer son imagerie universellement reconnaissable à des dessins et des peintures autoportants. L'énergie et l'optimisme de son art, avec ses lignes audacieuses et ses couleurs vives, lui ont valu une popularité auprès d'un large public. Il a eu sa première exposition personnelle en 1981, au Westbeth Painters Space à Manhattan. En 1982, il commence à exposer son art à la Tony Shafrazi Gallery, qui le représentera pour le reste de sa carrière. Tout au long des années 1980, le travail de Haring&aposs a été largement exposé aux États-Unis et à l'étranger. Il a également collaboré avec d'autres artistes et interprètes, dont Andy Warhol, Grace Jones et William S. Burroughs.

Voulant toujours rendre son art plus accessible, Haring a ouvert un magasin de vente au détail appelé Pop Shop dans le quartier de New York City & aposs SoHo en 1986. Au cours de la brève durée de sa carrière, l'artiste a réalisé plus de 50 travaux publics, dont la murale anti-drogue Le crack est fou dans une aire de jeux de Harlem et un panneau d'affichage illuminé et animé de son image "radiant baby" pour New York&aposs Times Square. Il a également animé de nombreux ateliers d'art pour les enfants.

En 1988, Haring a été diagnostiqué avec le sida. L'année suivante, il a créé la Fondation Keith Haring pour soutenir les programmes et les organisations d'enfants dédiés à la sensibilisation au sida.


Art et Sculpture

Tout au long des années 1950, Botero a expérimenté les proportions et la taille, et il a commencé à développer son style de marque &# x2014, les humains et les animaux gonflés &# x2014 après avoir déménagé à New York en 1960. Les proportions gonflées de ses chiffres, y compris ceux de Famille présidentielle (1967), suggèrent un élément de satire politique, et sont représentés à l'aide de couleurs plates et lumineuses et de formes bien en évidence &# x2014 un clin d'œil à l'art populaire latino-américain. Et tandis que son travail comprend des natures mortes et des paysages, Botero s'est généralement concentré sur son portrait de situation emblématique.

Après avoir atteint un public international avec son art, en 1973, Botero s'installe à Paris, où il commence à créer des sculptures. Ces œuvres ont étendu les thèmes fondamentaux de sa peinture, alors qu'il se concentrait à nouveau sur ses sujets gonflés. Au fur et à mesure que sa sculpture se développait, dans les années 1990, des expositions en plein air d'énormes figures de bronze ont été organisées dans le monde entier avec un grand succès.


Partenaires dans le crime

Certains historiens accusent Jesse et Frank d'être cruels envers les soldats de l'Union, tandis que d'autres soutiennent que c'est le traitement brutal que les frères ont reçu qui les a transformés en une vie de crime. Quoi qu'il en soit, ils se sont rebellés contre la dure législation civile d'après-guerre et ont fait justice eux-mêmes. Ils ont commencé à voler des trains, des diligences et des banques qui appartenaient ou étaient exploités par une institution du Nord.

Il y a eu des spéculations selon lesquelles les garçons et leurs gangs étaient comme Robin des Bois, volant les riches et donnant aux pauvres, mais il n'y a aucune preuve pour cela. Très probablement, ils ont gardé l'argent pour eux-mêmes. De 1860 à 1882, le James Gang était le groupe de hors-la-loi le plus redouté de l'histoire américaine, responsable de plus de 20 braquages ​​de banques et de trains et du meurtre d'innombrables personnes qui se dressaient sur leur chemin. Ils ont volé environ 200 000 $. Ils étaient des légendes à leur époque, populaires dans le Missouri pour avoir activement essayé de faire avancer la cause confédérée.

Le 7 décembre 1869, le gang a cambriolé la banque Gallatin, Missouri. Jesse a demandé à changer un billet de 100 $ et, pensant que le banquier était responsable de la mort de Bloody Bill, a tiré sur l'homme en plein cœur. Les journaux locaux ont étiqueté les actions vicieuses et sanguinaires et ont appelé à la capture du gang&# x2019s. De ce braquage à la fin de leur carrière, les membres du James Gang ont eu la tête à prix, morts ou vifs.

En 1874, Jesse épousa Zerelda, sa chérie de longue date et cousine germaine, et eut deux enfants. Les deux frères James étaient connus comme de bons pères de famille qui aimaient leurs femmes et passaient du temps avec leurs enfants, mais ils continuaient toujours leur vie de criminel.

Bien que protégés par leur communauté, ils étaient toujours en mouvement. Même après que d'autres membres du gang aient été tués et que leurs amis les Younger aient été envoyés en prison pendant 25 ans, en 1879, les frères James ont planifié un autre vol avec Charlie et Bob Ford. Ils ne savaient pas que le gouverneur Crittenden du Missouri avait constitué un fonds de récompense si important que les Ford s'étaient transformés en traîtres pour le gagner.


Analyse de Guernica de Pablo Picasso

L'une des peintures les plus célèbres du 20e siècle, Guernica a été créé par Picasso pour exprimer son indignation face au bombardement nazi d'une ville basque dans le nord de l'Espagne, ordonné par le général Franco. Depuis, cette toile monumentale en noir et blanc est devenue un symbole international du génocide commis en temps de guerre. Comme une autre œuvre majeure de la peinture espagnole intitulée Le 3 mai 1808 par Goya, Guernica est une condamnation imagée d'un massacre de sang-froid et sans visage d'innocents. Il est né après que Picasso a été chargé par le gouvernement républicain d'Espagne de produire une peinture murale pour le pavillon espagnol à l'Exposition universelle de Paris. À l'époque, Picasso qui résidait à Paris, avait été nommé directeur honoraire en exil du musée du Prado, à Madrid. (Sa dernière visite en Espagne a eu lieu en 1934 et il n'est jamais revenu.) Après son achèvement, la peinture murale a été exposée à Paris, au milieu d'un soutien croissant aux partis fascistes en France et dans d'autres pays européens, où elle a suscité une controverse considérable à la fois pour son style cubiste la peinture figurative et son thème politique. Après Paris, il a voyagé en Amérique, où il a été exposé au San Francisco Museum of Art ainsi qu'au Museum of Modern Art de New York, où il a finalement été placé pour être conservé. Il a continué à faire de nombreuses tournées en Amérique du Nord et en Europe, mais Picasso a refusé de le rendre à son Espagne natale jusqu'à ce que la démocratie soit rétablie.

Composition et interprétation

Rempli de symbolisme, Guernica est une œuvre massive, mesurant 3,5 mètres (11,5 pieds) de haut et 7,8 mètres (25,5 pieds) de large. Bien qu'il regorge d'images angoissantes montrant la souffrance des personnes et des animaux, il est peint en monochrome, utilisant une palette de gris, noir et blanc. Peut-être que Picasso voulait donner à sa peinture un vernis de réalisme photojournalistique ou peut-être que la palette de couleurs sombres et nocturnes complétait les formes déchiquetées et les visages terrorisés, et ajoutait au sentiment de panique et de terreur. En tout état de cause, l'absence de couleur donne un impact supplémentaire aux formes cubistes aplaties et ajoute au drame de l'œuvre en permettant à Picasso de mettre en évidence des visages et des objets clés en blanc.

Noter: Guernica est un exemple relativement tardif du cubisme, qui - comme Femme en pleurs (1937, Tate Gallery, Londres) - a été exécuté dans un style plus réaliste que (disons) ses œuvres de cubisme analytique, comme Fille avec mandoline (1910, Museum of Modern Art, NY), bien qu'il partage la palette monochrome de ce dernier. L'autre idiome cubiste développé par Picasso et Georges Braque (1882-1963) était le cubisme synthétique, un style qui incorporait de nouveaux matériaux (comme le collage) à la surface de l'image. Voir : Peintres cubistes (1906-14).

La scène représentée dans Guernica est une pièce pleine d'adultes, d'enfants et d'animaux qui bougent, crient et meurent. La plupart des images individuelles sont également des symboles (voir la signification suggérée entre parenthèses). Sur la gauche, un taureau (virilité de l'homme) transpercé par des éclats d'obus déchiquetés (ses blessures plus sa passivité suggèrent que l'homme est en difficulté) se tient au-dessus d'une femme qui pleure avec un enfant mort dans ses bras (pieta image, la souffrance séculaire des femmes en guerre). Au centre, un cheval (représentant des innocents) hennit de douleur à cause d'une terrible blessure au côté. Sous le cheval se trouvent les restes brisés d'un soldat mort dans la prise de la main sur son bras coupé se trouve une épée brisée à partir de laquelle pousse une fleur. Sur la paume de son autre main des signes de la stigmates du Christ sont visibles, indiquant le martyre. Au-dessus du cheval mourant se trouve une lumière ardente (symbole des bombes incendiaires tombées sur la ville), qui rappelle aussi l'ampoule nue dans une cellule de prison (torture). A droite du cheval, une femme bouche bée semble avoir passé la tête et le bras à travers une fenêtre (observateur horrifié). Dans sa main, elle tient une lampe allumée. Une autre femme confuse se déplace de la droite vers la lumière au centre (victime hébétée). A l'extrême droite de la pièce, une silhouette hurle de douleur alors qu'elle est engloutie par les flammes (victime innocente).

Il existe de nombreux autres symboles et fragments dans Guernica. Ils comprennent une colombe (la paix), dont une partie du corps forme une fissure émettant de la lumière dans le mur (l'espoir) ainsi que des pointes de couteau à la place des langues du taureau, du cheval et de la femme pleureuse (indiquant peut-être la netteté de leur la douleur). De plus, deux prétendues « images cachées » ont été identifiées : un crâne humain dont la forme est formée par les narines et les dents supérieures du cheval et la tête crânienne d'un autre taureau formée par l'angle de sa patte avant.

En septembre 1981, Guernica a été déplacé du MOMA à New York au Cason del Buen Retiro, une annexe du complexe du musée du Prado à Madrid. En 1992, il a déménagé dans une galerie spécialement construite à cet effet au Museo Reina Sofia, qui abrite la collection nationale espagnole d'art moderne du XXe siècle.

Remarque : Une copie de tapisserie de Picasso Guernica La peinture a été commandée par l'homme d'affaires Nelson Rockefeller en 1955, après que Picasso eut refusé de lui vendre l'original. Affiché de 1985 à 2009 sur le mur du bâtiment des Nations Unies à New York à l'entrée du Conseil de sécurité, il a été déplacé au San Antonio Museum of Art de 2009 à 2012, avant d'être restitué à l'ONU.

Explication d'autres tableaux de Picasso

• La Vie (La Vie) (1903)
Première œuvre majeure de Picasso, commémorant la mort de Carlos Casagemas.

• Garçon à la Pipe (Garcon à la Pipe) (1905)
Portrait d'époque rose peint au Bateau-Lavoir.

&# 149 Portrait de Gertrude Stein (1906)
Peinture ancienne du collectionneur d'art parisien.

• Deux Nus (1906) Musée d'Art Moderne, New York.
Paire de nus féminins aux allures sculpturales - comme sculptés dans de la pierre brute.

• Les Demoiselles d'Avignon (1907)
L'étape charnière de Picasso vers le cubisme.

• Femme assise (Picasso) (1920) Musée Picasso, Paris.
Une version néoclassique moderniste d'une pose et d'une draperie antiques.

• Large Bather (1921) Musee de l'Orangerie, Paris.
Figure inspired by Greek sculptures from the Parthenon.

• Two Women Running on the Beach (The Race) (1922) Musee Picasso, Paris.
Classicist composition featuring Dionysian Maeneds in a state of ecstasy.


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