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Pablo Picasso - Histoire

Pablo Picasso - Histoire

Pablo Picasso

1881- 1973

Artiste

Le talent artistique évident dans l'enfance de Pablo Picasso s'est concrétisé de manière spectaculaire dans une carrière qui a contribué à façonner le monde de l'art moderne.

Né à Malga en Espagne le 25 octobre 1881, Picasso a passé une grande partie de sa vie en France. Du réalisme au primitivisme, en passant par le cubisme et l'abstraction, la vision de Picasso était la force artistique la plus dominante du siècle. Il ne se limite pas à la peinture, explorant d'autres médiums dont la poterie et la sculpture.

Le thème principal de Picasso était d'explorer simultanément différents aspects du même sujet, résultant en des images fragmentées de manière caractéristique.


Pablo Ruiz Picasso est né le 25 octobre 1881 à Malaga, en Espagne. Il était le fils aîné et unique de deux sœurs plus jeunes, Lola et Concepci&# xF3n. Son père, Jos&# xE9 Ruiz Blasco, était professeur à l'École des Arts et Métiers. Pablo&# x0027s mère était Maria Ruiz Picasso (l'artiste a utilisé son nom de famille à partir d'environ 1901). On raconte que Picasso a appris à dessiner avant de savoir parler. Enfant, son père l'emmenait fréquemment à des corridas, et l'une de ses premières peintures était une scène de corrida.

En 1891, la famille s'installe à La Coru&# xF1a, où, à l'âge de quatorze ans, Picasso commence ses études à l'École des beaux-arts. Sous la direction académique de son père, il a développé son talent artistique à un rythme extraordinaire.

Lorsque la famille s'installe à Barcelone, en Espagne, en 1896, Picasso accède facilement à l'École des beaux-arts. Un an plus tard, il a été admis comme étudiant avancé à l'Académie royale de San Fernando à Madrid, en Espagne. Il a démontré sa capacité remarquable en réussissant en une journée un examen d'entrée pour lequel un mois entier était autorisé.

Picasso trouva bientôt l'atmosphère à l'académie étouffante et il retourna à Barcelone, où il commença à étudier seul l'art historique et contemporain. À cette époque, Barcelone était le centre culturel le plus vital d'Espagne, et Picasso a rapidement rejoint le groupe de poètes, peintres et écrivains qui se sont réunis au célèbre café&# xE9 Els Quatre Gats (Les Quatre Chats). Entre 1900 et 1903, Picasso séjourne alternativement à Paris, en France et à Barcelone. Il a eu sa première exposition personnelle à Paris en 1901.


Naissance et jeunesse

Né le 25 octobre 1881 à Malaga, en Espagne, Pablo Picasso était le fils de Don José Ruiz Y Blasco et de Maria Picasso Y López.

Pablo a choisi d'utiliser le nom de famille de sa mère comme nom de famille au lieu de celui de son père. C'est pourquoi il s'appela Pablo Picasso.

Son père était peintre et professeur d'art à l'école d'art de Barcelone. Pablo aimait dessiner dès son plus jeune âge. Un talent prodigieux, il a été dit que les premiers mots qu'il a prononcés étant bébé étaient "piz", qui signifie "crayon" en espagnol. À l'âge de 13 ans, les compétences et le talent de Picasso dépassaient ceux de son père.

En grandissant, il n'était pas enthousiasmé par l'école et les règles strictes, car il voulait devenir artiste. À quatorze ans, il entre dans une très prestigieuse école d'art de Barcelone. Normalement, il fallait avoir au moins 18 ans avant d'être admis à l'école, mais Picasso était si talentueux qu'il a été admis à l'école avant même 18 ans. Picasso était très peu intéressé par l'art classique et l'histoire. Il a cherché à créer son propre style plutôt que d'imiter le style des artistes qui ont vécu il y a plusieurs centaines d'années.

Picasso, alors âgé de 16 ans, s'est donc rendu à Madrid, où il a fréquenté une autre école d'art prestigieuse appelée San Fernando Royal College of Art. De nouveau frustré par les règles strictes de l'école, Picasso n'y restera que jusqu'à ses 18 ans avant de partir pour Paris.

Le saviez-vous: Pablo Picasso a vendu son premier tableau alors qu'il n'avait que huit ans ?


L'histoire de la céramique de Picasso : comment Picasso a changé la poterie pour toujours

Entre 1946 et 1973, Pablo Picasso a créé une collection époustouflante d'œuvres originales en céramique.

Au cours des cinquante dernières années, le Park West Museum a développé l'une des plus grandes collections de céramiques de Picasso au monde. Notre collection actuelle comprend 98 œuvres individuelles, couvrant un large éventail de techniques et de sujets de Picasso.

Mais comment Picasso, surtout connu pour ses peintures, s'est-il intéressé pour la première fois à la céramique ? Et comment sa poterie s'intègre-t-elle dans son œuvre plus vaste ? Rejoignez-nous pour cette brève histoire de Céramiques de Picasso, les résultats d'une période vraiment remarquable dans la vie de l'un des plus grands artistes du 20 e siècle.

Après la Seconde Guerre mondiale, mon père a exploré tout le potentiel du travail de la poterie, y compris les différentes techniques de peinture avec engobe et glacis. Pendant une vingtaine d'années, il a modelé, façonné, dessiné, décoré, gravé et sculpté plus de 3 500 objets en terre cuite. La grande invention et l'originalité de ce grand ensemble d'œuvres ont établi son importance dans le développement de la poterie d'art du 20 e siècle.

—Claude Picasso, à partir de “Picasso : Peintre et sculpteur en argile,” Académie royale des arts, 1998.

Sélections de la collection de céramiques Park West Picasso.

CÉRAMIQUE PICASSO : ORIGINES

Pablo Picasso est connu pour beaucoup de choses, mais sa plus grande contribution à la culture moderne a peut-être été son désir inébranlable d'expérimenter.

Avant son soixantième anniversaire, Picasso s'était déjà taillé une place indélébile dans l'histoire de l'art. Il avait cofondé le cubisme, évolué à travers ses différentes « périodes », peint « Guernica », gravé et gravé sa célèbre « Suite Vollard » et fait l'objet d'une grande rétrospective au Musée d'art moderne, entre autres jalons extraordinaires et historiques.

La plupart des artistes de plus de 60 ans – avec autant de réalisations derrière eux – ne seraient pas encore à la recherche de nouveaux horizons artistiques à explorer, mais Picasso n'était pas un artiste ordinaire.

Il cherchait toujours, expérimentait toujours de nouvelles façons de s'exprimer artistiquement. Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, un voyage fatidique dans le sud de la France a inspiré un tout nouveau chapitre de sa carrière.

Sélections de la collection de céramiques Park West Picasso.

En juillet 1946, Picasso se rend pour la première fois à Vallauris, en France, en compagnie de Françoise Gilot (mère de Claude). La petite ville côtière était connue pour sa poterie, et Picasso est rapidement devenu amoureux des céramiques produites par l'Atelier Madoura, propriété de Suzanne et Georges Ramié.

Picasso avait expérimenté la poterie dans le passé - en tirant quelques vases avec des sculpteurs comme Paco Durrio et Jean van Dongen - mais le fait d'être témoin du travail à Madoura a allumé un feu chez l'artiste.

Il s'associe aux Ramié pour commencer à produire ses propres céramiques, inaugurant l'une des périodes les plus prolifiques de sa carrière.

CÉRAMIQUE PICASSO : INSPIRATIONS

Mais pourquoi Picasso, un artiste qui avait exploré d'autres médiums artistiques auparavant, s'intéressait-il autant à la céramique ?

Il y avait plusieurs raisons. L'un d'eux était qu'il était intrigué par la rapidité et la rentabilité avec lesquelles il pouvait créer ces nouvelles œuvres en céramique. À une époque où seuls les riches pouvaient se permettre ses peintures et ses sculptures, Picasso a accueilli l'idée que ses poteries et ses céramiques pourraient potentiellement appartenir à des gens ordinaires dans le monde d'après-guerre.

Picasso aimait également l'idée que ses œuvres en céramique soient à la fois esthétiques et fonctionnelles - il offrait fréquemment ses pots, ses assiettes, ses pichets et ses bols à ses amis et aux membres de sa famille.

Sélections de la collection de céramiques Park West Picasso.

Plus que tout, Picasso était désireux de tester le potentiel créatif de ce nouveau médium.

« Mon père ne s'est jamais considéré comme un potier, dit Claude Picasso. "Mais a abordé le médium de l'argile comme il le ferait pour tout autre afin de découvrir ce que les matériaux et les techniques de l'atelier du potier pouvaient lui offrir et ce qu'il pouvait découvrir en sondant leurs qualités ou leurs possibilités inhérentes."

L'un des propriétaires de l'Atelier Madoura, Georges Ramié, a exprimé des sentiments similaires à propos de la féroce curiosité de Picasso.

Chaque fois que Picasso décide de s'attaquer à de nouveaux matériaux, afin de satisfaire son désir insatiable de découvrir les particularités de chaque médium, il se sent libéré de toute gravité qui pourrait entraver son envol. Il semble développer une nouvelle acuité dans sa quête de rencontres hasardeuses avec des interférences nocives qui le taquinent dans l'ombre. Et cela le remplit immédiatement d'une incroyable ingéniosité d'ordre pratique.

— Georges Ramié, à partir de “Céramiques de Picasso,” Chartwell Books, 1974

CÉRAMIQUE PICASSO : ENJEUX TECHNIQUES

Comme l'a souligné Claude Picasso, son père n'était pas un potier de formation, donc, le plus souvent, Picasso a appris par la pratique. Il s'est jeté dans son travail, apprenant l'art exigeant de la céramique souvent par essais et erreurs.

Picasso s'est installé un espace de travail dans un atelier sur la route de Madoura, où il esquisserait ses conceptions pour de nouvelles œuvres en céramique. En arrivant à l'atelier de poterie, Picasso s'immerge dans les difficultés de donner vie à ses concepts.

Parfois, il rencontrait des problèmes structurels, tels que la meilleure façon d'incorporer des éléments tridimensionnels sur les surfaces planes de ses plaques. D'autres fois, il est confronté à des problèmes concernant la décoration de ses céramiques.

“Hibou Brillant (AR 285)” (1955), Pablo Picasso

Divers glacis et oxydes que Picasso utilisait pour peindre la surface de sa poterie apparaissaient ternes ou presque transparents lors de l'application, pour ensuite voir leurs couleurs vives - et parfois imprévisibles - prendre vie pendant le processus de cuisson dans le four.

Picasso ne pouvait anticiper comment de telles couleurs apparaîtraient sur son travail de céramique qu'à travers une longue et dure expérience.

“Visage aux Yeux Rieurs (AR 608)” (1969), Pablo Picasso

Georges Ramié décrit ainsi le processus :

Chaque type de matière influence et détermine les autres, soit séparément, soit ensemble, dans des conditions bien précises. Le résultat de leur interaction tend à être constamment altéré par des réactions de nature élémentaire pouvant produire des modifications superposées, se détruisant, se renforçant, se divisant, se repoussant ou se multipliant, tous ces phénomènes étant déterminés par la température, l'humidité et durée, et parfois même par l'influence de résidus très anciens.

… Comme on peut le voir, le terrain est énorme. Comme toutes les autres sphères de la connaissance humaine, elle a un domaine d'exploration illimité. (Chartwell, 1974)

Heureusement, Picasso était prêt à relever le défi, et vous pouvez voir l'évolution de son talent avec la céramique dans toute la collection du Park West Museum.

“Visage de Profil (AR 209)” (1953), Pablo Picasso

CÉRAMIQUE PICASSO : THÈMES ET MOTIFS

En regardant les céramiques de Picasso, certains sujets et images font des apparitions récurrentes.

L'iconographie de la tauromachie peut être vue fréquemment à travers les céramiques de Picasso - taureaux, matadors, banderilleros et arènes. Il évoque souvent la forme de l'arène de tauromachie dans ses plaques elliptiques plus longues, dans lesquelles le spectateur joue le rôle d'un spectateur au-dessus de la tête alors que les taureaux et les matadors sont centrés au milieu.

“Chouette Femme (AR 119)” (1951), Pablo Picasso

Les animaux comme les taureaux sont communs dans les œuvres d'argile de Picasso. Ramié note que Picasso excelle à donner vie à des « formes anthropomorphes ou zoomorphes ». En plus des taureaux puissants, nous voyons une large sélection d'oiseaux - pigeons, colombes et oiseaux de proie. Divers vases sont sculptés pour ressembler à des visages d'oiseaux, et des pichets sont transformés en hiboux vigilants.

L'espièglerie de Picasso transparaît dans ces œuvres aviaires, en particulier, avec ses dessins plus sculptés apportant une richesse de personnalité à ses pichets et vases.

Picasso donne même vie à des formes d'oiseaux plus exagérées et fantastiques, qui jouent dans son intérêt persistant pour la mythologie. Ses céramiques représentent non seulement des chèvres, mais aussi des faunes et des satyres, leurs figures évoquant l'imagerie des bacchanales et des escrocs espiègles.

“Pichet Grave Gris (AR 246)” (1954), Pablo Picasso

Le mythique minotaure mi-homme mi-taureau est un autre motif répété de l'artiste. Picasso a dit un jour : « Si tous les chemins que j'ai parcourus étaient marqués sur une carte et reliés par une ligne, cela pourrait représenter un minotaure.

“Cruchon Hibou (AR 293)” (1955), Pablo Picasso

Le visage d'une muse féminine fait également de multiples apparitions dans les céramiques de Picasso, parfois sculptées sur une assiette ou entourant un vase arrondi.

Celui-ci est souvent cité comme le visage de Jacqueline Roque, la seconde épouse de Picasso, qu'il rencontre à Madoura en 1953. Le couple se marie à Vallauris en 1961 et restera ensemble jusqu'à la mort de Picasso en 1973.

Les dessins de son assiette « Jacqueline au Chevalet » (Jacqueline au chevalet 1956) capturent Roque debout dans le lieu de travail de l'artiste, montrant à quel point Picasso la considérait comme faisant partie intégrante de son travail à l'époque.

“Jacqueline au Chevalet” (Jacqueline au Chevalet 1956), Pablo Picasso. Assiette en céramique de faïence blanche, peinte et émaillée.

CÉRAMIQUE PICASSO : HÉRITAGE

L'une des choses qui a attiré Picasso vers la céramique était la capacité du médium à créer plusieurs éditions de ses créations, un peu comme une eau-forte ou une lithographie. Ainsi, les érudits divisent en grande partie son œuvre céramique en deux catégories : les estampes originales en céramique et les éditions d'après les originaux.

“Chouette (AR 602)” (1969), Pablo Picasso

En discutant du terme « original », Georges Ramié note que :

Ce terme publiquement et universellement accepté a pu s'appliquer de la même manière à toute œuvre graphique dans laquelle le support générateur (pierre, bois, cuivre, plâtre) a bien été délivré par la main du créateur, mais le support définitif est obtenu par l'intervention d'un artisan travaillant sous le contrôle personnel de l'artiste, permettant des tirages limités et numérotés d'exemplaires et ainsi authentifiant et garantissant cette série originale. (Chartwell, 1974)

Ces éditions en céramique, dont le format varie de 1 à 500, offrent un aperçu fascinant de l'évolution artistique de l'un des plus grands artistes du XX e siècle.

Sélections de la collection de céramiques Park West Picasso.

Selon Claude Picasso, l'implication de son père dans sa céramique était « si profonde et personnelle… que, jusqu'à récemment, elle n'était pas reconnue comme une partie importante de son œuvre ».

Aujourd'hui, les amateurs d'art apprécient vraiment l'importance de cette phase de la carrière de Picasso. Les céramiques qu'il a produites alors qu'il travaillait à Madoura ont été acquises par certains des collectionneurs d'art moderne les plus remarquables et figurent maintenant dans les musées du monde entier.

Le Park West Museum, juste à l'extérieur de Detroit, possède de vastes galeries consacrées aux œuvres de Picasso, y compris l'une des plus grandes collections de céramiques de Picasso exposées au monde.

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EN SAVOIR PLUS SUR PABLO PICASSO :

Merci pour cette introduction très instructive à Picasso Ceramics. Bien fait. Peut-être lors d'une future croisière….

Très instructif, mais étant un picasso, il est difficile d'imaginer la quantité de travaux qu'il a réalisés et je n'arrive pas à comprendre cette plaque particulière que j'ai acquise récemment.

Lien photo comme ci-dessous, toute information serait géniale. Merci

J'ai eu ce vase chez mon Goodwill local & #8230J'ai payé 5,99 $ pour cela & #8230 Est-ce un Picasso ?? https://photos.app.goo.gl/93cVw5vSyh3W4MnR9.

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Le problème Picasso : pourquoi nous ne devrions pas séparer l'art de la misogynie de l'artiste

Si les femmes dirigeaient vraiment le monde, les minotaures de Picasso pourraient être, de prime abord, considérés comme un récit psychologique très détaillé de la masculinité toxique. Au lieu de cela, la série est principalement saluée comme une expression de la virilité, du pouvoir et de la vulnérabilité de l'homme, culminant en un appel coupable à notre sympathie & mdashPicasso en tant que monstre auto-mythologique (et conscient de lui-même), victime à la fois de lui-même et des femmes qu'il considérés comme des "déesses ou des paillassons", et des "machines à souffrir". Honnêtement, de nos jours, il est assez difficile de se sentir mal pour un gars qui dessine une version mythifiée de lui-même en tant que "bête" violant littéralement des femmes à d'innombrables occasions.

Et pourtant, les institutions et les critiques ont continuellement normalisé et perpétué une interprétation de l'œuvre de Picasso en termes purement académiques, comparant pour la énième fois l'influence de son œuvre sur tous les autres contemporains masculins possibles. Le canon artistique a toujours ignoré son tumulte personnel avec les femmes en faveur du maintien de l'« art séparé de l'artiste », malgré le fait que Picasso lui-même a fait remarquer que tout son travail pouvait être classé en sept styles distincts, chacun un document de sa relation avec les sept femmes de sa vie&mdashFernande Olivier, Eva Gouel, Olga Khokhlova, Marie-Théacuterèse Walter, Dora Maar, Françoise Gilot et Jacqueline Roque.

À l'exception peut-être de Françoise Gilot (des sept, Gilot était la seule à pouvoir s'extrapoler avec succès à partir de l'artiste et continuer à vivre une vie indépendante), Picasso a créé une vie exceptionnellement misérable pour à peu près toutes les femmes qu'il prétendait avoir. amour. Marie-Théâtre Walter et Jacqueline Roque se sont toutes deux suicidées à cause de Picasso et lorsque le petit-fils de l'artiste Pablito a été refoulé aux funérailles de son grand-père par Jacqueline Roque, lui aussi a mis fin à ses jours. Dans un mémoire écrit par la petite-fille de Picasso, Marina Picasso détaille la manière dont Picasso a saigné à blanc les femmes de sa vie : Après avoir passé de nombreuses nuits à extraire leur essence, une fois saignées à sec, il s'en débarrassait.»

Un portrait de Dora Maar intitulé Femme en pleurs (1933). Image via des murs larges.

Lors d'une table ronde du New York Times en 2009 sur le procès très médiatisé de Roman Polanski (le réalisateur a été accusé d'avoir drogué et violé une fille de 13 ans et s'est enfui en France pour éviter les poursuites), le poète et romancier Jay Parini utilise l'exemple de Picasso dans défense de séparer l'art de l'artiste :

&ldquoPeut-on vraiment séparer l'art de l'homme ou de la femme qui crée cet art ? La réponse est oui, définitivement. Il existe de nombreux exemples dans l'histoire&mdashtoo many&mdashof de grands artistes qui étaient des êtres humains terriblement imparfaits, se comportant très mal et blessant ceux qui les entouraient. Au contraire, le public fait facilement cette distinction. Personne ne regarde un tableau de Picasso dans un musée et dit : « Je ne devrais pas prendre ce travail au sérieux parce que Picasso a trompé ses nombreuses femmes et a abusé de son fils. »

Tout d'abord, il est tout à fait naturel qu'un public en général recoure au statu quo en matière d'art simplement parce qu'il ne fait pas les choses correctement. Deuxièmement, la question est de savoir si nous prenons ou non le travail au sérieux.Au contraire, les défauts d'un artiste devraient nous fournir des opportunités potentielles de revisiter et de recontextualiser son travail. Pouvez-vous imaginer un spectacle qui examine la masculinité toxique se révélant à travers l'histoire de l'art ? Une fille ne peut que rêver. Malgré une biographie aussi transparente de ce qui est pour le moins une relation problématique avec les femmes (que l'on soit vrai, c'est carrément misogyne), la société refuse de voir Picasso comme autre chose qu'un génie. Nous avons plutôt recours à un mécanisme de défense psychologique de division cognitive qui nous empêche de nous engager dans une compréhension plus profonde et plus vraie de l'œuvre d'art. D'une manière ou d'une autre, l'information est perçue comme une menace pour l'existence même de l'œuvre d'art si l'importance et la criticité de l'œuvre reposent entièrement sur sa misogynie. Mais si c'est le cas, alors peut-être que le travail est si formidable après tout.

femme dans un fauteuil (1929). Image via Pablopicasso.com.

La mesure dans laquelle nous considérons l'art comme séparé d'un artiste devrait et peut être évaluée par une simple vérification instinctive. Cela devrait être assez simple et si savoir ce que vous savez sur un artiste change la façon dont vous voyez et comprenez une œuvre d'art, alors l'argument qui appelle à séparer l'artiste de l'art n'est pas valable. Carl Andre pourrait être l'O.J. du monde de l'art. Simpson, cependant, qu'il ait ou non poussé sa femme et collègue artiste Ana Mendieta par une fenêtre de 33 étages n'affecte pas directement ses sculptures minimalistes (cela ne veut pas dire que la façon dont l'héritage de Mendieta a été géré institutionnellement n'est pas tragique, problématique, et mérite d'être protesté). Mais utiliser cette ligne de pensée comme une règle incontestée dans l'art est une erreur qui exploite et choisit d'ignorer les victimes du pouvoir institutionnalisé en faveur d'une déification plus commode du statu quo.

Cela fait près de dix ans depuis ce panel du New York Times, et nous nous sommes retrouvés au milieu du mouvement #MeToo où les hommes de pouvoir et de distinction sont enfin tenus pour responsables de leurs transgressions. Chaque jour, une autre figure masculine éminente est dévoilée pour son histoire de prédation, et pour la première fois, l'omniprésence et l'ampleur avec laquelle les agressions sexuelles ont présidé et opprimé les femmes dans tous les secteurs sont non seulement mises à nu, mais sont prises à partie. . Tout comme il nous est désormais impossible de séparer les épisodes de Louie qui font référence à Louie C.K. se masturber devant des femmes de son histoire réelle d'inconduite sexuelle et bien, se masturber devant des femmes, on ne devrait pas pouvoir regarder l'un des minotaures ou des femmes de Picasso sans penser à quel point cela a dû être horrible d'être l'une de ses muses.

Juste parce que nous pouvez séparer l'art de l'artiste ne signifie pas que nous devrions toujours le faire. Il est trop commode pour les hommes établis qui ont fait carrière à partir d'images de femmes de voir leurs abus misogynes écartés avec cet argument simple, presque canonisé. Si le monde de l'art veut vraiment être inclusif, il va devoir commencer à adopter des récits historiques de l'art plus complexes. Alors que Roland Barthes avait raison de dire qu'un artiste n'a aucun pouvoir sur son œuvre une fois qu'elle est dans le monde et fait partie d'un public, les conservateurs et les critiques ont absolument leur mot à dire. Il appartient aux institutions d'être à l'avant-garde de l'introduction de récits évolutifs et d'être adaptatives et attentives à une histoire qui a maintes fois prouvé sa fluidité.

Un portrait de Marie-Théacuterégravese Walter intitulé Le Récircve (1932). Image via Contemporary Arts Trust.

En mars, la Tate Modern accueillera la toute première exposition solo Picasso du musée. L'exposition se concentre sur les œuvres que Picasso a produites en 1932, ce que l'on appelle souvent « l'année de l'émerveillement » de l'artiste et ce n'est pas un hasard, l'année où Picasso a eu son aventure d'évasion avec Marie-Théacuterégravese Walter. Intitulé "Picasso 1932 &ndash Love, Fame, Tragedy", le communiqué de presse de l'émission promet de "dépouiller les mythes communs pour révéler l'homme et l'artiste dans toute sa complexité et sa richesse". C'est un bon début&mdash le reste du communiqué de presse célèbre la beauté et la sensualité de l'œuvre, évoquant à peine la muse qui les a inspirées.

Cela aurait pu prendre une page d'une exposition organisée l'été dernier par Art Center Basel à la Vancouver Art Gallery. La première du genre, "Picasso : l'artiste et ses muses" a été la première exposition à examiner le travail de Picasso à travers les femmes qu'il a représentées afin d'approfondir la relation entre l'artiste et la muse. Pour citer le communiqué de presse de l'émission, "la critique culturelle Germaine Greer a déclaré que la muse moderne est engagée dans une pénétration inversée de l'artiste masculin, faisant jaillir la créativité du &lsquowomb de son esprit". Mais ces relations pourraient-elles être considérées comme essentiellement égoïstes, un moyen par lequel un artiste cherche à comprendre et à exprimer ses propres sentiments et impulsions par rapport à la muse, plutôt qu'à la muse elle-même ?Pour Pablo Picasso, ce principe semble être vrai, le nombre même de femmes reconnues dans cette exposition comme ses muses l'attestent." C'est un spectacle contemporain.

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Règles et limites et modifications du site

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Le Site ne peut être utilisé qu'à des fins licites par des personnes utilisant les services autorisés d'Artspace. Vous êtes responsable de vos propres communications, y compris le téléchargement, la transmission et la publication d'informations, et êtes responsable des conséquences de leur publication sur ou via le Site. Artspace interdit spécifiquement toute utilisation du Site et exige que tous les utilisateurs acceptent de ne pas utiliser le Site, pour l'un des éléments suivants :

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Les violations de la sécurité du système ou du réseau peuvent entraîner une responsabilité civile ou pénale. Nous enquêterons sur les événements et pouvons impliquer et coopérer avec les autorités chargées de l'application de la loi pour poursuivre l'utilisateur ou les utilisateurs impliqués dans de telles violations. Il vous est interdit de violer ou de tenter de violer la sécurité du Site, y compris, sans s'y limiter, ce qui suit :

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  • Forger tout en-tête de paquet TCP/IP ou toute partie des informations d'en-tête dans un e-mail ou une publication dans un groupe de discussion.

Contenu soumis par l'utilisateur

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Relation des parties

Le Vendeur est responsable de la description et du prix exacts des Articles qu'il propose à la vente. L'Acheteur est seul responsable de la détermination de la valeur, de l'état et de l'authenticité des Articles achetés et du paiement du prix d'achat au Vendeur, y compris toute taxe de vente, TVA ou droits d'importation/exportation.

Le rôle d'Artspace est expressément limité comme indiqué dans la clause ci-dessus intitulée « Le rôle d'Artspace ». Artspace s'appuie sur les vendeurs pour ces informations et n'est en aucun cas responsable de la description ou du prix des Articles sur le Site fournis par le vendeur. Artspace n'est pas responsable de la livraison du paiement de votre part au vendeur, sauf si nous y consentons explicitement.

Articles disponibles sur le site

Tous les Articles affichés sur le Site sont proposés à la vente sous réserve de disponibilité. Certains Articles affichés sur le Site sont uniques et sont proposés par des Vendeurs qui ont généralement des opportunités de vente au détail de l'Article indépendamment d'Artspace, et par conséquent, certains Articles peuvent ne plus être disponibles.

Le Site est conçu pour permettre à l'Acheteur d'accéder aux Articles tels que les Vendeurs les présentent. En conséquence, Artspace ne vérifie aucune information fournie par le Vendeur (ou son représentant vendant un Article) et Artspace ne fait aucune représentation ou garantie concernant le Vendeur, l'Article ou les informations relatives à l'Article.

Les ventes sont « en l'état »

Tous les articles affichés sur le site sont vendus « tels quels » et « avec tous les défauts ». Ni le Vendeur ni Artspace ne donnent aucune garantie, garantie ou représentation, expresse ou implicite, à un Acheteur en ce qui concerne tout Article, y compris, sans limitation, son état, sa qualité marchande, son adéquation à un usage particulier, sa qualité, sa rareté, son importance, sa provenance, son concepteur ou créateur, expositions, littérature, pertinence historique, ou quant à savoir si l'acheteur acquiert un droit de reproduction ou un autre droit de propriété intellectuelle sur un article. Aucune déclaration où que ce soit, qu'elle soit orale ou écrite, ne sera considérée comme une telle garantie, garantie ou représentation.

Les enchères

Artspace peut mettre à disposition les enchères Artspace où les vendeurs peuvent proposer des biens à la vente aux enchères au plus offrant. Artspace est indépendant des acheteurs et des vendeurs qui participent aux Enchères Artspace et aucune relation d'agence, de partenariat, de coentreprise, d'employé-employeur ou de franchiseur-franchisé ou fiduciaire n'est prévue ou créée par le fonctionnement d'Artspace Auctions. Artspace peut, mais n'est pas obligé de fournir des services intermédiaires entre l'acheteur et les vendeurs utilisant Artspace Auctions. Artspace se réserve le droit, à sa seule discrétion et à tout moment, y compris pendant une vente aux enchères, de refuser ou de révoquer l'autorisation pour les vendeurs d'offrir des biens ou pour les acheteurs de soumettre des offres.

Fonctionnement des enchères

Toutes les offres doivent être en dollars américains. Les vendeurs et acheteurs participants peuvent être tenus de s'inscrire sur le site, peuvent sélectionner un nom d'utilisateur et un mot de passe et doivent accepter d'être liés par ces conditions. Les acheteurs doivent enregistrer une carte de crédit valide auprès d'Artspace et accepter de payer une prime d'acheteur à Artspace qui sera ajoutée au prix de l'enchère retenue. La prime de l'acheteur sera égale à 15 % du prix de l'enchère retenue pour les offres sur certains articles de vente aux enchères. L'adjudicataire paiera le prix d'achat majoré de la prime de l'acheteur en tant que prix d'achat final. Les accords entre les acheteurs et les vendeurs ne sont pas régis par la Convention des Nations Unies sur les contrats de vente internationale de marchandises, dont l'application est expressément exclue.

Les offres sont soumises en cliquant sur le bouton « enchérir » sur le site. Toutes les offres sont définitives et ne peuvent être ni modifiées ni retirées une fois soumises. Toutes les offres seront enregistrées par Artspace et cet enregistrement constituera la détermination et l'enregistrement définitifs et concluants de chaque offre et de l'offre la plus élevée.

Prix ​​de réserve du vendeur

Les vendeurs peuvent fixer un prix minimum pour un article mis aux enchères (« Prix de réserve »). Un vendeur n'est pas tenu d'accepter des offres inférieures au prix de réserve. Si les offres sont placées en dessous du prix de réserve du vendeur, l'enchérisseur sera informé que l'offre est inférieure au prix de réserve.

Enchères d'espace d'art

Artspace peut, par l'intermédiaire de ses employés, soumettre des offres sur des articles aux enchères qui sont soumis à un prix de réserve. Artspace peut (1) soumettre l'offre d'ouverture pour le compte du vendeur au prix de réserve, (2) placer des offres uniques ou successives pour le compte du vendeur en réponse à d'autres offres inférieures au prix de réserve. Artspace ne fera en aucun cas une offre supérieure au prix de réserve.

Placez votre enchère

Entrez n'importe quel montant d'enchère tant qu'il est supérieur ou égal à la "Prochaine enchère minimum" (affichée sous le champ de l'enchère) et cliquez sur "Placer une enchère". Cela placera automatiquement une enchère directe au prochain incrément et maintiendra l'enchère que vous avez soumise (si elle est supérieure à la « prochaine enchère minimale ») comme votre « enchère maximale ». Vous recevrez un e-mail de confirmation de votre enchère et serez averti par e-mail lorsque vous serez surenchéri.

En plaçant une offre, chaque acheteur autorise irrévocablement Artspace à débiter immédiatement la carte de crédit enregistrée de l'acheteur d'un montant égal à la prime de l'acheteur.

Veuillez noter que si l'enchère se déplace vers un événement physique en direct (la page d'enchères le précisera et l'enchérisseur sera signalé comme tel par e-mail), le plus offrant après la clôture de l'enchère en ligne sera l'enchère d'ouverture lors de l'événement et sera avisé dans les 48 heures suivant l'événement si l'enchère est l'enchère finale gagnante ou a été surenchérie par quelqu'un lors de l'événement.

Incréments d'enchères

Lorsque vous placez une offre, entrez le montant maximum que vous êtes prêt à payer pour le travail. La saisie de votre « enchère maximale » ne signifie pas nécessairement que vous paierez ce prix, vous pouvez payer moins. Le système d'enchères fera une offre par procuration en votre nom jusqu'au montant de votre offre maximale. Une fois que vous avez entré votre enchère maximale, votre enchère actuelle affichée correspondra au montant de la « prochaine enchère minimale ». Au fur et à mesure de l'enchère, Artspace comparera votre offre à celles des autres enchérisseurs. Lorsque vous êtes surenchéri, le système enchérit automatiquement en votre nom selon les incréments d'enchères établis pour cette enchère jusqu'à (mais ne dépassant jamais) votre enchère maximale. Nous augmentons votre enchère par incréments seulement autant que nécessaire pour maintenir votre position en tant que meilleur enchérisseur. Votre enchère maximale reste confidentielle jusqu'à ce qu'elle soit dépassée par un autre enchérisseur. Si votre enchère maximale est surenchérie, vous serez averti par e-mail afin que vous puissiez placer une autre enchère.

Si la vente aux enchères est une vente aux enchères à but lucratif ou une vente aux enchères avec un événement physique (qui sera noté sur la page de vente aux enchères), toutes les enchères en ligne seront transférées à cet événement et Artspace ou l'organisation organisant l'événement continuera de surveiller vos enchères en personne. et continuez les enchères par procuration en votre nom jusqu'à votre enchère maximale. Les enchérisseurs gagnants seront informés dans les 48 heures suivant la clôture de l'enchère. Si vous n'êtes pas contacté par Artspace, vous n'étiez pas le meilleur enchérisseur.

Clôture de l'enchère

À la clôture de chaque vente aux enchères, Artspace confirmera séparément l'offre la plus élevée au vendeur et informera l'acheteur soumettant l'offre la plus élevée que l'enchère a été retenue et le montant de la prime de l'acheteur due à Artspace sera débité de la carte de crédit de l'acheteur. Artspace débitera alors la carte de crédit de l'acheteur du montant de la prime de l'acheteur.

Dès réception de la prime de l'acheteur, Artspace enverra un e-mail à l'acheteur et au vendeur retenus et fournira à chacun le nom, l'adresse, le numéro de téléphone et l'adresse e-mail de l'autre acheteur et le vendeur est ensuite seul responsable de l'organisation de la transmission du paiement de l'achat prix dans les 24 heures suivant la transmission de l'e-mail Artspace et pour une expédition rapide des marchandises après réception des fonds. Si, pour quelque raison que ce soit, après la confirmation initiale par Artspace de l'enchère retenue, l'acheteur annule la transaction ou n'effectue pas le paiement au vendeur, l'acheteur restera redevable envers Artspace de la totalité de la prime de l'acheteur et Artspace se réserve le droit de conserver la prime de l'acheteur en plus. à tout autre recours dont il dispose en droit ou en équité.

Tout litige concernant la vente aux enchères d'un article sera résolu entre l'acheteur et le vendeur et sans la participation d'Artspace. Le vendeur est seul responsable de l'encaissement du paiement auprès de l'acheteur. Artspace ne garantit et n'est en aucun cas responsable de la performance des acheteurs ou des vendeurs participant à l'enchère.

Responsabilités des acheteurs et des vendeurs aux enchères

Les biens proposés sur Artspace Auctions doivent être des biens matériels répondant aux exigences du Site. Les vendeurs ne doivent proposer aucune marchandise à la vente ni conclure aucune transaction initiée sur Artspace Auctions qui viole ou pourrait amener Artspace à violer toute loi, statut, ordonnance ou réglementation applicable. Artspace aura la seule discrétion de savoir si un élément spécifique répond aux exigences du site, cette décision étant définitive.

Les vendeurs proposant des biens doivent afficher une description des biens proposés et peuvent fixer un prix de réserve minimum, un montant minimum de surenchère et la résiliation de la vente aux enchères des biens. Les vendeurs s'engagent à accepter l'offre la plus élevée au-dessus de leur prix de réserve fixé et à livrer les marchandises proposées à l'acheteur soumettant cette offre la plus élevée. Tout bien proposé à l'aide des informations de connexion d'un vendeur sera considéré par Artspace et tout acheteur enchérissant comme étant offert ou autorisé par ce vendeur. Les vendeurs sont seuls responsables de la description, de l'état, de l'authenticité et de la qualité des produits proposés. Les vendeurs déclarent qu'ils se conforment à toutes les lois applicables, y compris, sans limitation, celles concernant la transmission de données techniques exportées des États-Unis ou du pays dans lequel le vendeur réside ainsi que les restrictions à l'importation ou à l'exportation de marchandises du pays du vendeur au pays de l'acheteur.

En publiant des marchandises sur Artspace Auctions, chaque vendeur déclare et garantit qu'il détient un titre libre et négociable sur les marchandises proposées et que la vente à tout acheteur sera libre et quitte de tout privilège ou charge. Les vendeurs acceptent qu'Artspace Auctions publie des images et des informations en anglais concernant les biens proposés par les vendeurs. Les vendeurs sont seuls responsables des descriptions des marchandises et de tout autre contenu fourni à Artspace par le vendeur. Chaque vendeur accepte qu'Artspace puisse reformater le contenu soumis par les vendeurs afin de répondre au mieux aux besoins et au formatage des Enchères Artspace. Les vendeurs accordent à Artspace une licence perpétuelle, irrévocable et sans redevance pour utiliser les informations de la liste dans d'autres zones du site à notre seule discrétion.

Les vendeurs sont responsables de l'expédition des marchandises aux acheteurs soumissionnaires retenus dès réception du prix d'achat. Les vendeurs doivent effectuer l'expédition rapidement à la réception des bons fonds des acheteurs. Les vendeurs sont responsables de percevoir toutes les taxes applicables auprès de l'acheteur retenu et de remettre ces taxes à l'autorité fiscale compétente.

Les acheteurs sont responsables de déterminer la valeur, l'état et l'authenticité des marchandises. Les acheteurs participant aux enchères Artspace déclarent et garantissent en plaçant toute offre qu'ils sont prêts, disposés et capables de payer le prix d'achat, toutes les taxes applicables et la prime de l'acheteur, le tout dans les 24 heures suivant la clôture de l'enchère s'ils sont retenus. soumissionnaire. Toute offre soumise à l'aide des informations de connexion d'un acheteur sera réputée avoir été faite ou autorisée par cet acheteur. Chaque acheteur soumettant une offre déclare et garantit que ces offres ne sont pas le produit d'un accord collusoire ou anticoncurrentiel et sont par ailleurs conformes aux lois fédérales et étatiques. Chaque acheteur est responsable du paiement de la taxe de vente de l'État de New York et de la taxe de vente locale, de toute taxe d'utilisation applicable, de toute taxe fédérale sur le luxe ou de toute autre taxe évaluée sur l'achat des marchandises. L'acheteur est seul responsable d'identifier et d'obtenir tout permis d'exportation, d'importation ou autre nécessaire pour la livraison des marchandises et de déterminer si les marchandises sont soumises à des embargos d'exportation ou d'importation.

Artspace n'est pas responsable des soumissions aux enchères Aucune représentation ou garantie

Les vendeurs et les acheteurs conviennent qu'Artspace n'est pas responsable et ne fait aucune déclaration ou garantie (expresse ou implicite) quant aux produits offerts, y compris, sans limitation, quant à la qualité marchande, l'adéquation à un usage particulier, l'exactitude de la description des produits , l'état physique, la taille, la qualité, la rareté, l'importance, le support, la provenance, si les marchandises sont soumises à des restrictions ou des embargos à l'exportation ou à l'importation, l'expédition ou la livraison, l'emballage ou la manutention, la capacité de payer de l'acheteur, la capacité du vendeur de percevoir le prix d'achat, ou toute autre représentation ou garantie de quelque nature que ce soit. Artspace n'est pas responsable des erreurs ou des échecs d'exécution des offres placées en ligne, y compris, sans s'y limiter, les erreurs ou les échecs causés par (1) la perte de connexion à Internet ou au logiciel d'enchères en ligne par toute partie, (2) une panne ou défaillance du logiciel d'enchères en ligne, ou (3) une panne ou une défaillance de la connexion Internet ou de l'ordinateur d'un vendeur ou d'un acheteur ou (4) de toute erreur ou omission en rapport avec le processus d'enchère.

Postes ouverts sur les pages Carrières

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Исание картины «Скрипка»

1912 од ознаменовался абло Пикассо очередной сменой стиля. отя точнее было бы сказать – серьезными переменами в рамках одного стиля. На протяжении предыдущих двух лет Пикассо в компании Жоржа Брака полностью посвящал себя «аналитическому» кубизму, который, несмотря на очень короткий период существования, повлиял на развитие всего мирового искусства ХХ века. Весной 1912 года Пикассо отправляется в путешествие, из которого привозит картину «Воспоминания о Гавре». Это по-прежнему кубизм, но кубизм уже совершенно новый – тот, который позднее назовут «синтетическим». Картина «Скрипка» становится одной из первых работ в этом обновленном стиле.

орж Брак мгновенно подхватил смену настроения своего руга и соратника, и они вместе с энтузиаодом наони вместе с энтузиаодом наюо остепенно в их работах начинают появляться узнаваемые етали. Пикассо в начале этого периода создает несколько серий картин, объединенных одной темой: музыкальные инструменты (скрипки и гитары), натюрморты с бутылками и бокалами. конце периода синтетического кубизма художник сосредотачивается по большей асти на портрета .

Первая «Скрипка» Пикассо пока еще полностью живописна. Разобрав предметы и лица людей на разрозненные детали в период аналитического кубизма, теперь художник как будто снова начинает складывать эту мозаику воедино, превращая ее в своего рода живописный коллаж. скоре, впрочем, оллажи станут вполне реальными. и на секунду не останавливаясь в своих экспериментах, Пикассо и Брак начинают дополнять свассо и Брак начинают дополнять сваи работ. том е 1912 оду Пикассо ервые использует на картине настоящую почтовую марку, а затем – создаст атюрмоорт сне – создаст атюрмоорт с. последующих работах художника появятся резки из газет, кусочки ткани, обоев и нотных листов. Полностью оправдывая название «синтетического» кубизма, Пикассо будет объединять в единое целое самые разнообразные техники и готовые предметы, по сути заложив основу для появления реди-мейдов в будущем.


Pablo Picasso et ses femmes

Pablo Picasso, peut-être le peintre le plus influent et le plus reconnaissable du XXe siècle, est bien connu pour son amour et son appréciation profonds pour les femmes. Picasso n'avait pas une relation facile avec les femmes - il aimé eux – pourtant, dans certains cas, il était abusif. S'il a eu de nombreux amants tout au long de sa vie, seuls huit d'entre eux sont devenus ses muses, les femmes que l'on peut encore admirer dans ses tableaux aujourd'hui. Quelle est la véritable histoire derrière la phrase bien connue « Pablo Picasso et ses femmes » ?

Pablo Picasso, La Galloise, Vallauris, 1954, Arnold Newman

La première de ses muses était Fernande Olivier, qui était aussi son premier partenaire de longue date. Elle est représentée dans de nombreuses pièces de son Période des roses. Le peintre a rencontré cette beauté saisissante à Paris et a été frappé par ses cheveux roux et ses yeux magnifiques. Au fil des années, cependant, Picasso est malheureusement devenu très possessif avec son amant, et à la fin elle n'a eu d'autre choix que de le quitter.

Fernande Olivier, photographiée par Pablo Picasso

Portrait de Fernande Olivier, Pablo Picasso, 1909, Städel Museum, Francfort, Allemagne

La deuxième de ses muses était Eva Gouel (Marcelle Humbert) qui était une amie de Fernande. Une fois qu'elle et Picasso sont devenus un couple, ils sont restés ensemble pendant trois ans. Eva est souvent appelée la «reine de ses œuvres cubistes» car elle est apparue dans une série de ses œuvres de ce genre. Malheureusement, on lui a diagnostiqué la tuberculose et Picasso a rapidement commencé une liaison avec une femme nommée Gaby.

Après la mort d'Eva, le peintre quitte la France et s'installe en Italie, tombant amoureux de Olga Khokhlova, une ballerine russe. Elle est devenue sa première épouse et une grande opposante au Cubisme il développait à l'époque. Elle a demandé à être peinte dans un style complètement différent. Le couple a eu un fils, Paulo, qui a inspiré Picasso pour commencer une série de peintures intitulée Maternité. En raison du caractère coquette de Picasso et de son refus d'arrêter d'avoir des relations extra-conjugales, sa femme a fini par s'effondrer. Finalement, elle est partie avec leur fils et a déménagé dans le sud de la France, mais n'a jamais surmonté son obsession pour son mari.

Femme avec enfant, Pablo Picasso, 1921, Art Institute, Chicago

Pablo Picasso et Olga Khokhlova, 1919

Olga, Pablo et Paulo Picasso, 1923

La quatrième des muses de Picasso était Marie-Thérèse Walter, qui n'avait que dix-sept ans lorsque, victime de l'amour de Picasso pour les femmes, tomba enceinte de son enfant alors qu'il était encore marié à Olga. Même si la différence d'âge était très importante – à 29 ans – la délicate jeune fille était probablement la seule femme avec laquelle Picasso était vraiment heureux. Elle avait le look et le caractère parfaits pour le mannequinat pour son Surréaliste pièces, et Picasso la manipule avec aisance. Bien qu'ils aient eu une fille nommée Maya ensemble, en raison des manières infidèles de l'artiste, ils se sont finalement séparés.

Le Rêve, Pablo Picasso, 1932, Collection Privée

La femme avec qui il a commencé à avoir une liaison alors qu'il était encore avec Marie-Thérèse était Dora Maar. Elle avait des passions similaires envers lui. Elle était photographe et peintre et était très intelligente. Dora l'a vu créer son chef-d'œuvre Guernica.

Elle a subi une panne totale après avoir découvert sa liaison avec Françoise Gilot en 1945, et a dit un jour « unEn tant qu'artiste, vous êtes peut-être extraordinaire, mais moralement parlant, vous ne valez rien.

Tête de femme (Dora Maar), Pablo Picasso, 1939, Musée Guggenheim

Avec Françoise Gilot, Aspirant peintre et étudiant en droit de 21 ans, il a eu deux enfants : Claude et Paloma. Elle était profondément amoureuse du peintre, mais même ce sentiment n'était pas assez fort pour survivre à son comportement difficile. Elle ne pouvait pas supporter ses abus et ses flirts et l'a quitté en 1953. En 1964, elle a publié ses mémoires intitulés La vie avec Picasso et a déménagé à New York.

Françoise Gilot et Pablo Picasso, Robert Capa, 1948

Portrait de Françoise Gilot

Comme il avait une préférence pour les femmes beaucoup plus jeunes, alors qu'il était encore avec Françoise, il s'est impliqué dans une liaison avec une jeune femme de 24 ans. Geneviève Laporte, qui a également mis fin à leur relation en 1953. En 2005, elle a mis aux enchères 20 dessins d'elle-même de Pablo Picasso.

Femme assise en tailleur – Geneviève Laporte, Pablo Picasso, 1951, Collection Privée

En 1961, le peintre se remarie à l'âge de 79 ans. Sa fiancée de 27 ans est Jacqueline Roque, qui le traitait comme s'il était un saint.

Jacqueline essayant d'enseigner à Picasso une routine de ballet, 1957

La période où il est avec elle est une période très créative pour Picasso. Elle était sa dernière muse et est apparue dans plus de 400 de ses peintures et céramiques. L'artiste décède en 1973, avec Jacqueline à ses côtés. Treize ans plus tard, elle décide de se suicider après avoir conclu qu'elle avait tout accompli pour lui.

Picasso embrassant Jacqueline, 1959

Femme au chapeau jaune (Jacqueline), Pablo Picasso, 1961, collection particulière

Alors que Picasso a laissé un énorme héritage, il a été fortement influencé par toutes les femmes qu'il avait connues comme personne d'autre n'aurait pu le faire.


La collection du lac

À l'été 1946, lors d'un séjour à Golfe Juan, Picasso décide de visiter l'exposition annuelle de poterie à Vallauris. La ville de Vallauris avait été dotée d'un sol qui produisait une excellente argile et avait été un important centre de production de céramique de l'époque romaine aux années 1920.

Lors de l'exposition à Vallauris, Picasso s'intéresse particulièrement à l'étal de Madoura et demande à être présenté aux auteurs de ces œuvres. La famille Ramié l'accueille dans l'atelier de Poterie Madoura. Il termina ainsi volontiers cette journée, aux prises avec l'argile fraîche et modelant trois sujets qu'on laissait sécher et cuire. Un an plus tard, Picasso est revenu et a posé des questions sur ses photos. À sa grande joie, ils lui ont été montrés en excellent état. Il a tout de suite demandé à se remettre au travail. Une partie de l'atelier a été aménagée pour lui et jusqu'à l'année 1973, année de sa mort, il a réalisé une grande collection à travers un nouvel amour, un nouveau médium qu'il a trouvé, à travers le médium céramique.

Les céramiques, comme les graphismes, transmettent un sentiment de spontanéité mais en raison de leur force gestuelle et de leur couleur, elles ont encore plus de vitalité et de dynamisme. Bien que la céramique soit souvent considérée comme un artisanat, pour Picasso, les assiettes, cruches, vases et autres récipients qu'il créait étaient une forme de toile. Avec un sentiment de libération, il expérimente le jeu entre décor et forme, entre deux et trois dimensions et entre sens personnel et universel. La céramique de cette exposition peut être considérée comme une forme à la fois de sculpture et de peinture dans une même expression créative.

Tout en travaillant dans le médium céramique, avec les conseils techniques de Suzanne Ramie, Picasso déparait ou repositionnait délibérément les poignées ou les becs afin de créer ingénieusement des traits faciaux ou anatomiques sur les objets en céramique.

Picasso a utilisé des outils non conventionnels pour le modelage de surface tels que des couteaux de cuisine ou des ustensiles de cuisine perforés. Les thèmes dominants de la céramique de Picasso sont devenus : le visage, les natures mortes, les animaux comme les oiseaux, les poissons et les chèvres, les scènes mythiques de centaures et de faunes. Comme dans les périodes précédentes, il montre un grand intérêt pour les corridas et les toréadors et l'imagerie classique de la vie simple méditerranéenne.

Il crée ses céramiques de manière spontanée et ludique. A l'opposé de son opus graphique, où il reste dans le monde monochrome, la céramique lui permet de découvrir le monde de la couleur. Dans le monde de Picasso, les vases, pichets, assiettes, carreaux de céramique et autres objets qu'il créait et peignaient prenaient les dimensions de la toile.

Le maître graveur du 20e siècle., Picasso souhaitait trouver des moyens de dupliquer certaines pièces choisies, un peu comme le serait une eau-forte. Avec l'aide de la famille Ramié, il réalise une œuvre, connue sous le nom des Editions Picasso. Les éditions céramiques offrent un aperçu des préoccupations du plus grand artiste du XXe siècle.


Pablo Picasso - Biographie et héritage

Pablo Ruiz Picasso est né dans une famille créative. Son père était peintre, et il a rapidement montré des signes de suivre le même chemin : sa mère a affirmé que son premier mot était « piz », une version abrégée de lapiz, ou un crayon, et son père fut son premier professeur. Picasso a commencé à étudier formellement l'art à l'âge de 11 ans. Plusieurs peintures de son adolescence existent encore, telles que Première communion (1895), qui est typique dans son style académique conventionnel, bien qu'accompli.Son père a préparé le jeune prodige à devenir un grand artiste en donnant à Picasso la meilleure éducation que la famille puisse se permettre et en visitant Madrid pour voir des œuvres de grands maîtres espagnols. Et lorsque la famille a déménagé à Barcelone pour que son père puisse occuper un nouveau poste, Picasso a poursuivi ses études artistiques.

Formation précoce

C'est à Barcelone que Picasso a mûri pour la première fois en tant que peintre. Il fréquente Els Quatre Gats, un café prisé des bohèmes, des anarchistes et des modernistes. Et il s'est familiarisé avec l'Art nouveau et le symbolisme, ainsi qu'avec des artistes comme Edvard Munch et Henri Toulouse-Lautrec. C'est ici qu'il a rencontré Jaime Sabartes, qui deviendra son secrétaire farouchement fidèle dans les années suivantes. C'était son introduction à une avant-garde culturelle, dans laquelle les jeunes artistes étaient encouragés à s'exprimer.

Au cours des années 1900 à 1904, Picasso a voyagé fréquemment, passant du temps à Madrid et à Paris, en plus de séjours à Barcelone. Bien qu'il ait commencé à faire de la sculpture à cette époque, les critiques qualifient cette période de période bleue, d'après la palette bleu/gris qui dominait ses peintures. L'ambiance de l'œuvre était aussi avec insistance mélancolique. On pourrait en voir le début dans la tristesse de l'artiste face au suicide de Carlos Casegemas, un ami qu'il avait rencontré à Barcelone, bien que les sujets d'une grande partie du travail de la période bleue aient été tirés des mendiants et des prostituées qu'il a rencontrés dans les rues de la ville. Le vieux guitariste (1903) est un exemple typique à la fois du sujet et du style de cette phase.

En 1904, la palette de Picasso a commencé à s'éclaircir et pendant un an ou plus, il a peint dans un style qui a été caractérisé comme sa période rose. Il s'est concentré sur les artistes et les figures de cirque, changeant sa palette en différentes nuances de rouges et de roses plus exaltants. Et vers 1906, peu après sa rencontre avec l'artiste Georges Braque, sa palette s'assombrit, ses formes deviennent plus lourdes et plus solides d'aspect, et il commence à s'orienter vers le cubisme.

Période de maturité

Dans le passé, les critiques ont daté les débuts du cubisme de son premier chef-d'œuvre Les Demoiselles d'Avignon (1907). Bien que ce travail soit maintenant considéré comme une transition (sans les distorsions radicales de ses expériences ultérieures), il était clairement crucial dans son développement car il était fortement influencé par la sculpture africaine et l'art ibérique ancien. On dit qu'il a inspiré Braque à peindre sa propre première série de peintures cubistes, et au cours des années suivantes, les deux montent l'une des collaborations les plus remarquables de la peinture moderne, apprenant parfois avec enthousiasme l'un de l'autre, parfois essayant de se surpasser. dans leur course effrénée et compétitive à l'innovation. Ils se sont rendus visite quotidiennement au cours de leur formulation de cette technique radicale, et Picasso s'est décrit lui et Braque comme « deux alpinistes, encordés ensemble ». Dans leur vision partagée, de multiples perspectives sur un objet sont représentées simultanément en étant fragmentées et réarrangées dans des configurations éclatées. La forme et l'espace sont devenus les éléments les plus cruciaux, et les deux artistes ont donc limité leurs palettes aux tons de terre, en contraste frappant avec les couleurs vives utilisées par les Fauves qui les avaient précédés. Picasso aurait toujours un artiste ou un groupe avec lequel il collaborait, mais comme l'a écrit le biographe de Braque Alex Danchev : La « période Braque » de Picasso a été « la plus concentrée et la plus fructueuse de toute sa carrière ».

Picasso a rejeté l'étiquette « cubisme », en particulier lorsque les critiques ont commencé à faire la différence entre les deux approches clés qu'il était censé poursuivre : analytique et synthétique. Il considérait son œuvre comme un continuum. Mais il ne fait aucun doute qu'il y a eu un changement dans son travail vers 1912. Il est devenu moins soucieux de représenter le placement d'objets dans l'espace que d'utiliser des formes et des motifs comme signes pour faire allusion de manière ludique à leur présence. Il développa la technique du collage, et de Braque il apprit la méthode connexe de papiers collés, qui utilisait des morceaux de papier découpés en plus de fragments de matériaux existants. Cette phase est depuis connue sous le nom de phase "synthétique" du cubisme, en raison de sa dépendance à diverses allusions à un objet afin d'en créer la description. Cette approche a ouvert les possibilités de compositions plus décoratives et ludiques, et sa polyvalence a encouragé Picasso à continuer à bien l'utiliser dans les années 1920.

Mais l'intérêt naissant de l'artiste pour le ballet a également envoyé son travail dans de nouvelles directions vers 1916. Cela a été en partie motivé par sa rencontre avec le poète, artiste et cinéaste Jean Cocteau. Grâce à lui, il rencontre Sergueï Diaghilev et réalise de nombreux décors pour les Ballets russes.

Pendant quelques années, Picasso avait parfois joué avec l'imagerie classique, et il a commencé à laisser libre cours au début des années 1920. Ses figures sont devenues plus lourdes et plus massives, et il les a souvent imaginées sur des fonds d'un âge d'or méditerranéen. Ils ont longtemps été associés aux tendances conservatrices plus larges des soi-disant rappel à l'ordre, (retour à l'ordre), une période de l'art maintenant connue sous le nom de classicisme de l'entre-deux-guerres.

Sa rencontre avec le surréalisme au milieu des années 1920 a de nouveau provoqué un changement de direction. Son travail est devenu plus expressif, et souvent violent ou érotique. Cette phase de son travail peut également être corrélée avec la période de sa vie personnelle où son mariage avec la danseuse Olga Khokhlova a commencé à se briser et il a commencé une nouvelle relation avec Marie-Thérèse Walter. En effet, les critiques ont souvent noté comment les changements de style dans le travail de Picasso vont souvent de pair avec des changements dans ses relations amoureuses. Son partenariat avec Khokhlova a duré des années de son intérêt pour la danse et, plus tard, son temps avec Jacqueline Roque est associé à phase au cours de laquelle il s'est préoccupé de son héritage aux côtés des maîtres anciens. Picasso a souvent peint les femmes dont il était amoureux et, par conséquent, sa vie personnelle tumultueuse est bien représentée sur la toile. Il était connu pour avoir gardé de nombreuses maîtresses, notamment Eva Gouel, Dora Maar et Françoise Gilot. Il s'est marié deux fois et a eu quatre enfants, Claude, Paloma, Maia et Paulo.

À la fin des années 1920, il entame une collaboration avec le sculpteur Julio González. Ce fut son partenariat créatif le plus important depuis qu'il avait travaillé aux côtés de Braque, et il a abouti à des sculptures en métal soudé, qui ont ensuite été très influentes.

Au fur et à mesure que les années 1930 avançaient, les préoccupations politiques commencèrent à obscurcir la vision de Picasso, et celles-ci continueraient de le préoccuper pendant un certain temps. Son dégoût face au bombardement de civils dans la ville basque de Guernica pendant la guerre civile espagnole l'a incité à créer le tableau Guernica, en 1937. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il resta à Paris, et les autorités allemandes le laissèrent suffisamment tranquille pour lui permettre de continuer son travail. Cependant, la guerre a eu un impact énorme sur Picasso, avec sa collection de peintures parisiennes confisquée par les nazis et certains de ses amis juifs les plus proches tués. Picasso a réalisé des œuvres pour les commémorer - des sculptures utilisant des matériaux durs et froids comme le métal, et une suite particulièrement violente à Guernica, intitulé Le Charnier (1945). Après la guerre, il a également été étroitement impliqué dans le Parti communiste, et plusieurs grands films de cette période, tels que Guerre en Corée (1951), clarifient cette nouvelle allégeance.

Les années tardives et la mort

Tout au long des années 1950 et 1960, Picasso a travaillé sur ses propres versions de chefs-d'œuvre canoniques d'artistes tels que Nicolas Poussin, Diego Velázquez et El Greco. Dans les dernières années de sa vie, Picasso a cherché du réconfort auprès de sa célébrité, épousant Jacqueline Rogue en 1961. Ses peintures ultérieures étaient fortement basées sur des portraits et leurs palettes de teintes presque criardes. Les critiques les ont généralement considérés comme inférieurs à ses travaux antérieurs, bien que ces dernières années, ils aient été reçus avec plus d'enthousiasme. Il a également créé de nombreuses sculptures en céramique et en bronze au cours de cette dernière période. Il est mort d'une crise cardiaque dans le sud de la France en 1973.

L'héritage de Pablo Picasso

L'influence de Picasso a été profonde et de grande envergure, et remarquablement, de nombreuses périodes de sa vie ont été influentes à part entière. Ses premières pièces symbolistes restent emblématiques, tandis que les innovations du cubisme pionnier ont établi un ensemble de problèmes, de dispositifs et d'approches picturaux, qui sont restés importants jusque dans les années 1950. Même après la guerre, même si l'énergie de l'art d'avant-garde s'est déplacée vers New York, Picasso est resté une figure titanesque, et qu'on ne pouvait jamais ignorer. En effet, même si l'on peut dire que les expressionnistes abstraits ont remplacé certains aspects du cubisme (même s'ils sont fortement influencés par lui), le Museum of Modern Art de New York a été appelé « la maison que Pablo a construite », car il a si largement expose le travail de l'artiste. L'exposition d'ouverture du MoMA en 1930 comprenait quinze tableaux de Picasso. Il faisait également partie de l'enquête très influente d'Alfred Barr. Cubisme et art abstrait (1936) et Art Fantastique, Dada, Surréalisme (1936-37). Bien que son influence ait sans aucun doute diminué dans les années 1960, il était alors devenu une icône de la pop, et la fascination du public pour son histoire continue d'alimenter l'intérêt pour son travail.


Pourquoi Pablo Picasso était-il si important ?

La contribution la plus importante de Pablo Picasso au monde de l'art fut sa co-fondation du mouvement cubiste. Il a également contribué de manière significative à l'invention du collage, de la sculpture construite et des arts plastiques.

Avec Georges Braque, Picasso a créé la peinture cubiste, un style dans lequel les sujets sont déconstruits en formes géométriques. Certaines des peintures cubistes les plus célèbres de Picasso sont "Dora Maar au Chat", "Femme Assise dans un Jardin" et "Guernica". Le développement du cubisme a également conduit au cubisme synthétique, dans lequel des morceaux de papier découpés ont été arrangés en compositions. Cela a représenté la première utilisation du collage dans l'art.

Picasso ne se limite pas à peindre dans un style cubiste. Il a également travaillé dans le réalisme, le symbolisme, le néoclassique et le surréalisme, ainsi que la sculpture. Certaines de ses œuvres non cubistes bien connues sont "The Old Guitarist", "Portrait of Gertrude Stein", "Boy with a Pipe", "Portrait of Igor Stravinsky" et "Sleeping Peasants".

La sculpture la plus importante de Picasso était le "Chicago Picasso". Cette œuvre a été commandée par la ville et dévoilée en 1967. Elle est réalisée dans un style cubiste abstrait, et même si on ne sait pas ce qu'elle est censée représenter, elle est devenue un point de repère de Chicago. Picasso devait à l'origine être payé 100 000 $ pour cela, mais a choisi de renoncer au paiement et de faire don de la sculpture en cadeau aux habitants de la ville.


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