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El Greco meurt - Histoire

El Greco meurt - Histoire

El Greco meurt
El Greco le peintre espagnol est mort. Ses peintures comprenaient Laocoon et La Résurrection.


Biographie d'El Greco

Le style dramatique et expressionniste d'El Greco a suscité la perplexité de ses contemporains, mais a été apprécié au XXe siècle. El Greco est considéré comme un précurseur à la fois de l'expressionnisme et du cubisme, tandis que sa personnalité et ses œuvres ont été une source d'inspiration pour des poètes et des écrivains tels que Rainer Maria Rilke et Nikos Kazantzakis. El Greco a été caractérisé par les érudits modernes comme un artiste si individuel qu'il n'appartient à aucune école conventionnelle. Il est surtout connu pour ses figures tortueuses et allongées et sa pigmentation souvent fantastique ou fantasmagorique, mariant les traditions byzantines à celles de la peinture occidentale.


Le Greco

Le Greco

Θεοτοκόπουλος (Doménikos Theotokópoulos)

  • Née: 1541 Crète, Grèce
  • Décédés: 7 avril 1614 Tolède, Espagne
  • Années actives : 1563 - 1614
  • Nationalité:espagnol, grec
  • Mouvement artistique:Maniérisme (Renaissance tardive)
  • Ecole de peinture :École crétoise
  • Champ:peinture, sculpture, architecture
  • Influencé par:Art byzantin , Icônes orthodoxes
  • Influencé sur :Eugene Delacroix , Edouard Manet , Paul Cezanne , Pablo Picasso , Franz Marc , Jackson Pollock , Roberto Montenegro , Jose Clemente Orozco , Francisco Pacheco , Expressionnisme , Cubisme , Der Blaue Reiter (Le Cavalier Bleu)
  • Enseignants:Titien
  • Amis et collègues :Giulio Clovio
  • Wikipédia:en.wikipedia.org/wiki/El_Greco

Commande de peinture à l'huile la reproduction

Domenikos Theotokopoulos, également connu sous le nom de « El Greco » en raison de son héritage grec, était un peintre, sculpteur et architecte grec populaire de la Renaissance espagnole. Il était un maître de l'art post-byzantin à l'âge de 26 ans, lorsqu'il voyagea à Venise, puis à Rome, où il ouvrit son premier atelier. Contrairement à d'autres artistes, El Greco a modifié son style afin de se distinguer des autres artistes de l'époque, inventant des interprétations nouvelles et inhabituelles de sujets religieux. Il a créé des figures agiles et allongées et a inclus une lumière atmosphérique vibrante. Après la mort de Raphaël et de Michel-Ange, il était déterminé à laisser sa propre empreinte artistique et a offert de peindre sur la Dernière Cène de Michel-Ange au pape Pie V. Ses croyances artistiques non conventionnelles (son aversion pour Michel-Ange inclus), ainsi que sa forte personnalité, ont conduit au développement de nombreux ennemis à Rome, en particulier les hostilités des critiques d'art.

En 1577, El Greco s'installe à Tolède, où il produit la majorité de ses œuvres de maturité. Bien qu'il ait réalisé d'importants travaux commandés dans des églises autour de Tolède, il est resté en disgrâce auprès du roi et n'a donc pas reçu le patronage royal qu'il souhaitait tant. El Greco a fait de Tolède sa maison, louant une série d'appartements du marquis de Villena, qui comprenait trois appartements et vingt-quatre chambres. Il a passé beaucoup de temps à étudier, à peindre et à vivre dans le grand style, employant souvent des musiciens pour jouer pour lui pendant qu'il dînait.

Bien qu'il fût un peintre très renommé et prolifique, il connut vers la fin de sa vie des difficultés économiques, exacerbées par le non-paiement de son travail pour l'Hôpital des Charités d'Illescas. Il a pris fin à l'âge de 73 ans, en raison d'une maladie soudaine. Après sa mort, les œuvres d'El Greco ont été largement ignorées. Son traitement inhabituel du sujet et son iconographie complexe ont conduit de nombreux contemporains à discréditer ses œuvres. Ce n'est qu'à l'émergence de la période romantique que ses œuvres sont nouvellement découvertes, suscitant un regain d'intérêt pour les œuvres de l'artiste. Ses œuvres ont ensuite influencé des peintres réalistes, impressionnistes, cubistes et abstraits, dont Pablo Picasso et Edouard Manet.

Doménikos Theotokópoulos (grec : Δομήνικος Θεοτοκόπουλος [ðoˈminikos θeotoˈkopulos] 1541 -7 avril 1614), plus connu sous le nom d'El Greco ("Le grec"), était un peintre, sculpteur et architecte de la Renaissance espagnole. "El Greco" était un surnom, une référence à son origine grecque, et l'artiste signait normalement ses peintures avec son nom de naissance complet en lettres grecques, Θεοτοκόπουλος (Doménikos Theotokópoulos), ajoutant souvent le mot Κρής (Krēs, "Cretan") .

El Greco est né dans le royaume de Candie, qui faisait alors partie de la République de Venise, et le centre de l'art post-byzantin. Il s'est formé et est devenu un maître dans cette tradition avant de se rendre à l'âge de 26 ans à Venise, comme l'avaient fait d'autres artistes grecs. En 1570, il s'installe à Rome, où il ouvre un atelier et exécute une série de travaux. Lors de son séjour en Italie, El Greco enrichit son style d'éléments du maniérisme et de la Renaissance vénitienne empruntés à nombre de grands artistes de l'époque, notamment Tintoret. En 1577, il s'installe à Tolède, en Espagne, où il vit et travaille jusqu'à sa mort. À Tolède, El Greco a reçu plusieurs commandes importantes et a produit ses peintures les plus connues.

Le style dramatique et expressionniste d'El Greco a suscité la perplexité de ses contemporains, mais a été apprécié au XXe siècle. El Greco est considéré comme un précurseur à la fois de l'expressionnisme et du cubisme, tandis que sa personnalité et ses œuvres ont été une source d'inspiration pour des poètes et des écrivains tels que Rainer Maria Rilke et Nikos Kazantzakis. El Greco a été caractérisé par les érudits modernes comme un artiste si individuel qu'il n'appartient à aucune école conventionnelle. Il est surtout connu pour ses figures tortueuses et allongées et sa pigmentation souvent fantastique ou fantasmagorique, mariant les traditions byzantines à celles de la peinture occidentale.

Né en 1541, soit dans le village de Fodele ou Candia (le nom vénitien de Chandax, aujourd'hui Héraklion) en Crète, El Greco descendait d'une famille urbaine prospère, qui avait probablement été chassée de La Canée à Candie après un soulèvement contre les Vénitiens catholiques entre 1526 et 1528. Le père d'El Greco, Geórgios Theotokópoulos (mort en 1556), était un marchand et collecteur d'impôts. On ne sait rien de sa mère ou de sa première épouse, également grecque. Le frère aîné d'El Greco, Mano'ssos Theotok'poulos (1531-13 décembre 1604), était un riche marchand et passa les dernières années de sa vie (1603-1604) dans la maison d'El Greco à Tolède.

El Greco a reçu sa formation initiale en tant que peintre d'icônes de l'école crétoise, un centre de premier plan de l'art post-byzantin. En plus de la peinture, il a probablement étudié les classiques de la Grèce antique, et peut-être les classiques latins aussi, il a laissé une "bibliothèque de travail" de 130 livres à sa mort, dont la Bible en grec et un Vasari annoté. Candie était un centre d'activité artistique où coexistaient harmonieusement les cultures orientale et occidentale, où environ deux cents peintres étaient actifs au cours du XVIe siècle, et avaient organisé une guilde de peintres, basée sur le modèle italien. En 1563, à l'âge de vingt-deux ans, El Greco a été décrit dans un document comme un « maître » (« maestro Domenigo »), ce qui signifie qu'il était déjà un maître de la guilde et exploitait vraisemblablement son propre atelier. Trois ans plus tard, en juin 1566, en tant que témoin d'un contrat, il signa de son nom μαΐστρος Μένεγος Θεοτοκόπουλος σγουράφος ("Maître Ménegos Theotokópoulos, peintre").

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3. Il était déjà considéré comme un maître au début de la vingtaine

Il y avait environ 200 artistes actifs en Crète à l'époque et El Greco était clairement l'un des plus talentueux de tous. Dans 1563, quand il était seulement 22, il était déjà décrit comme un «maestro Domenigo», un maître peintre qui a déjà fait sa réputation et qui possédait probablement son propre atelier.

Ceci est souligné par le fait qu'il a signé en utilisant le nom grec "μαΐστρος Μένεγος Θεοτοκόπουλος σγουράφος", qui se traduit par "Maître Ménegos Theotokópoulos, peintre.” Portrait possible d'EL Greco / Wiki Commons


Oeuvres du Greco

La Sainte Trinité, peint entre 1577 et 1579, représente Dieu tenant un Christ mourant dans ses bras, alors qu'ils flottent au milieu des nuages ​​dans le ciel, avec la colombe du Saint-Esprit volant au-dessus de leurs têtes. Autour d'eux se trouvent six anges vêtus de robes colorées, et derrière eux, venant d'en haut se trouve une lumière dorée brillante. Le tableau fait partie de la première grande commande d'El Greco pour l'église Santo Domingo de Tolède et, dès qu'il a été achevé, il l'a établi au sein de la communauté en tant qu'artiste vénéré. Aujourd'hui, il est considéré comme l'un de ses chefs-d'œuvre et considéré comme l'un des tableaux préférés d'Édouard Manet.

Cet exemple précoce de l'œuvre d'El Greco présente une synthèse des deux influences majeures qui le définissent : les maîtres de la Renaissance et la tradition iconique byzantine. Bien que la composition montre des affinités avec les œuvres de Michel-Ange et de Dürer, et que les deux artistes aient été une profonde inspiration pour cette peinture, l'œuvre montre également déjà divers attributs uniques qui ont défini l'œuvre d'El Greco et composé son langage de signature. L'historien de l'art Keith Christiansen affirme qu'« il a fait des formes allongées et tordues, des raccourcis radicaux et des couleurs irréelles la base même de son art ». Tous ces aspects sont présents dans La Sainte Trinité: l'utilisation brillante et expressive de la couleur dans les robes, la continuité entre les formes et la substance dans l'entrelacement des corps des personnages, l'allongement des personnages, en particulier dans le corps du Christ, et la qualité imaginative comme le rêve qui définit le sentiment général de la peinture. L'une de ses principales techniques caractéristiques est également déjà utilisée à profusion dans l'œuvre, à savoir l'utilisation de reflets à côté de contours sombres et épais pour créer un effet profondément dramatique.

Une interprétation spécifique peut être trouvée dans les couleurs utilisées, où l'aspect sombre des nuages ​​​​peut être vu pour représenter la mort, s'opposant aux rayons dorés au-dessus qui symbolisent l'éternel les deux soulignent la dualité entre la vie et l'éternel. Dans l'ensemble, c'est l'interprétation principale de l'œuvre : une incarnation de l'éternel comme réalité insufflant ainsi un nouveau sens d'espoir et de dévotion aux fidèles.

Huile sur toile - Musée du Prado, Madrid

Le noble avec sa main sur sa poitrine (El caballero de la mano en el pecho)

Ce tableau est un portrait d'un noble ou d'un chevalier d'environ 30 ans, dont le vrai nom est inconnu. Il est vêtu de vêtements traditionnels espagnols, tenant une épée dans une main tandis que l'autre est posée sur son cœur. Fixant intensément le spectateur, il est dépeint d'une manière à la fois profondément réaliste et imaginative. Avec un aspect profondément caractéristique du travail d'El Greco, la représentation possède des caractéristiques techniques précises telles que la barbe, combinées à des éléments stylisés, tels que les doigts et le torse allongés. Les couleurs et les tons sombres et sourds contrastent grandement avec le blanc des volants. L'utilisation dramatique du contraste et de la lumière améliore considérablement les profondeurs émotionnelles et psychologiques qui définissent le sujet.

Bien qu'El Greco soit surtout connu pour ses thèmes religieux, il était également un portraitiste prolifique, connu pour capturer le caractère et la personnalité de ses sujets de manière intuitive. Ce tableau est considéré comme son portrait le plus célèbre. C'est aussi un exemple de sa rupture avec le style traditionnel de la Renaissance et de son passé byzantin à travers un mode plus maniériste et imaginatif. El Greco était connu pour affirmer qu'un artiste "doit étudier les Maîtres mais garder le style original qui bat dans son âme", soulignant l'importance d'établir et d'être fidèle à sa propre vision et à son langage artistique individuel.

Ce portrait peut être considéré comme une influence directe sur les œuvres de portrait développées plus tard par d'autres mouvements artistiques tels que l'expressionnisme. De manière plus large, la capacité d'El Greco à transformer la réalité pour exposer une vision intérieure ou un monde intérieur, peut être considérée comme un précurseur de l'art moderne.

Dans ce contexte, il fait également référence au tableau de Picasso intitulé Portrait d'un peintre, d'après El Greco, à partir de 1950, qui peut être considéré comme un hommage à la manière d'envisager et de comprendre l'art d'El Greco, qui a exercé une grande influence sur Picasso dès le début de sa carrière artistique. Dans l'œuvre, Picasso combinait l'utilisation par El Greco des bruns foncés et des ocres avec son langage cubiste caractéristique, faisant écho des siècles plus tard à l'iconographie omniprésente d'El Greco.

Le tableau figure sur la couverture d'un album de Vangelis intitulé El Greco de 1998.

Huile sur toile - Musée du Prado, Madrid

L'enterrement du comte d'Orgaz (El entierro del conde de Orgaz)

Ce grand tableau, large de trois mètres et demi sur près de cinq mètres de haut, est universellement considéré comme le plus grand chef-d'œuvre et l'œuvre la plus célèbre d'El Greco. Il a été commandé par le curé de Santo Tomé à Tolède, et est considéré comme un excellent exemple de maniérisme. Avec Tintoret, Agnolo Bronzino, Jacopo da Pontormo et d'autres, El Greco est considéré comme l'un des principaux artistes maniéristes. Sa contribution au développement du mouvement est marquée par des compositions visuelles qui s'éloignent d'une perfection idéalisée vers un monde chargé de tension et de complexité émotionnelle à travers la forme, l'imagination et l'expression.

El Greco a qualifié cette peinture de « œuvre sublime ». L'enterrement du comte d'Orgaz est une légende populaire à Tolède d'un homme pieux et charitable qui a laissé une grosse somme d'argent à l'église après sa mort et a ensuite été enterré et escorté au ciel par saint Etienne et saint Augustin. La scène funéraire est représentée au bas du tableau, avec le comte entouré des deux saints, suivi d'autres nobles et ecclésiastiques de l'époque en vêtements du XVIe siècle, capturés de manière statique. Il contraste avec le royaume céleste dans les cieux qui comprend Marie, le Christ, Dieu, Jean-Baptiste et les anges, qui observent tous la scène, représentée d'une manière plus organique et fluide, de manière à représenter l'intangibilité et l'immatérialité de l'esprit. . Le jeune garçon à gauche serait Jorge Manuel, le fils de l'artiste.

Une interprétation possible qui est dans la juxtaposition des mondes : le monde physique de la terre et le monde spirituel du ciel, chacun représenté à sa manière. La Terre est capturée à l'échelle normale avec des chiffres plus proportionnels, tandis que le ciel est composé de nuages ​​tourbillonnants et de formes abstraites, avec une qualité plus intangible pour les chiffres. Cette distinction claire permet grandement deux idées : d'une part une union entre les deux mondes est proposée, d'autre part, la séparation des mondes est renforcée. Une autre interprétation est proposée par l'historienne de l'art Dr. Vida Hull qui prétend que la peinture représente « une expérience visionnaire ». Selon elle, le caractère amorphe et l'allongement des corps traduisent tous un profond ailleurs, car c'est l'âme du comte qui est élevée au ciel.

Les scènes d'enterrement étaient souvent représentées comme un thème religieux principal dans l'art. D'autres œuvres notoires de sépultures, peintes après celle d'El Greco, comprennent le Enterrement à Ornans (1849) de Gustave Coubert, L'enterrement de la Sardine (vers 1812-1819) par Francisco Goya, et le Enterrement de Sainte Lucie (1608) du Caravage.

Huile sur toile - Iglesia de Santo Tomé, Tolède

Vierge à l'enfant avec sainte Martine et sainte Agnès

Vierge à l'enfant avec sainte Martine et sainte Agnès représente Marie et l'enfant Jésus assis sur des nuages ​​dans le ciel, accompagnés de sainte Agnès tenant un agneau en bas à droite et de sainte Martine en bas à gauche. Les personnages dominent la plupart de cette peinture à grande échelle, s'entrelaçant les uns avec les autres d'une manière interdépendante complexe. Le tableau était à l'origine placé en face d'un autre tableau d'El Greco, Saint Martin et le mendiant, dans la chapelle Saint-Joseph de Tolède et représente un ensemble d'œuvres réalisées entre 1957 et 1607 de diverses commandes caractérisant sa période de maturité.

Ce travail est un exemple de sa nature profondément expressive et de son approche stylisée de la forme. L'utilisation de couleurs vives et brillantes, qui est également si caractéristique des peintures d'El Greco, est très présente dans l'œuvre, mettant en vedette les manteaux des anges et de Marie dans des rouges, des bleus et des jaunes profonds. Pour El Greco, l'utilisation de la couleur était considérée comme une caractéristique fondamentale de chaque peinture, bien plus que la forme, et il pensait que c'était une question profondément complexe affirmant qu'il considérait l'imitation de la couleur « comme la plus grande difficulté de l'art. "

Une façon d'interpréter l'œuvre est proposée par le romancier et critique d'art Aldous Huxley, lorsqu'en 1950, il déclara que « l'intention de l'artiste n'était ni d'imiter la nature ni de raconter une histoire avec une vraisemblance dramatique », mais plutôt de créer "son propre monde de formes picturales dans l'espace pictural sous illumination picturale . en l'utilisant comme véhicule pour exprimer ce qu'il voulait dire sur la vie." Dans cette perspective, c'est le message sous-jacent, la représentation du domaine spirituel comme présence réelle du monde, qui confère à l'œuvre sa signification universelle.

Huile sur toile - National Gallery of Art, Washington D.C.

Vue de Tolède

Le tableau représente une vue de la ville de Tolède où El Greco a vécu la majeure partie de sa vie. Le paysage est peint de manière dramatique, avec une végétation vive au premier plan et des nuages ​​tumultueux qui semblent annoncer une tempête en arrière-plan. La ville est représentée avec des tons gris, car elle se trouve à distance au sommet des collines naturelles, menant au pont romain d'Alcántara. Les bâtiments sont représentés sous la forme d'un nuage, une agglomération organiquement regroupée.

El Greco a abordé le sujet de la même manière que ses autres œuvres, en s'inspirant de la réalité mais en y restant infidèle. Il a inventé la scène afin de transmettre les émotions qu'il désirait en plus du château de San Servando étant correctement situé, tout le reste des bâtiments est dérivé de son imagination.

La représentation d'un sujet de paysage était un sujet inhabituel pour l'époque, en particulier dans un contexte espagnol, qui a valu à El Greco la considération comme le premier artiste paysagiste de l'histoire de l'art espagnol. Cette interprétation particulière du ciel est l'une des plus connues de l'art occidental. C'est le seul exemple survivant des paysages d'El Greco et on sait très peu de choses sur son histoire, son origine ou ses circonstances.

Le langage imaginatif de la peinture peut également être considéré comme une influence directe sur l'expressionnisme. Les deux d'Edvard Munch Le cri de 1893, avec son ciel et ses nuages ​​qui coulent dramatiquement, et les paysages de Van Gogh tels que La nuit étoilée peint en 1889, avec sa végétation tordue et son ciel dramatique, peut tous être vu pour faire avancer le point de vue d'El Greco.

Huile sur toile - Metropolitan Museum of Art, New York City

L'extase de saint François d'Assise

Le tableau représente l'extase de saint François, un sujet populaire dans l'art classique également représenté par le Caravage en 1595, par Giovanni Bellini en 1475, par Giovanni Baglione en 1601, et divers autres artistes notoires qui ont tous été attirés par l'histoire. Il représente la scène de la vie légendaire de saint François d'Assise, un saint italien du XIIe siècle, qui, deux ans avant sa mort en 1224, s'embarqua pour un voyage au mont La Verna pour quarante jours de jeûne et de prière. Un matin, alors qu'il priait, il entra dans une extase religieuse et reçut les stigmates (les marques du Christ sur son corps alors qu'il était cloué sur la croix) par un ange ou un séraphin. Dans la peinture, El Greco dépeint saint François à ce moment précis avec un visage plein d'émotions de dévotion, de douleur et d'abandon. Devant le Saint se trouve un crâne, généralement associé au Saint, et un symbole de mortalité.

El Greco était fasciné par ce sujet, car il est généralement soutenu que son atelier possédait plus d'une centaine de représentations de saint François. Cependant, dans cette peinture, El Greco dispense ses représentations lumineuses, colorées et lumineuses habituelles, et crée une atmosphère générale sombre et sombre pour recréer l'expérience douloureuse et dramatique du Saint.

Bien que la peinture soit également un exemple de maniérisme, son utilisation de l'obscurité et de la lumière à contraste élevé semble rappeler un autre langage artistique qui peut être associé aux œuvres dramatiques de Rembrandt au 17 e siècle.

Christ bénissant (Le Sauveur du monde)

Ce tableau représente le Christ tenant une main sur un globe bleu et faisant un geste vers le ciel de l'autre. Il y a une lumière blanche qui brille soit derrière lui, soit à l'intérieur de lui, agissant comme un halo sur le fond noir et sombre. Il est peint dans le style fluide caractéristique d'El Greco et possède une force esthétique et psychologique profonde, principalement accordée par le regard intense des yeux du Christ qui fixent profondément l'observateur. La couleur rouge vif vif de ses robes contraste profondément avec la couleur sobre et sombre employée dans le reste de la peinture. Comme il est caractéristique de son œuvre, les doigts et le torse allongés, profondément inspirés du Tintoret et du Titien, confèrent à la peinture une qualité onirique à la fois réelle et profondément hors du monde, semblant faire appartenir le Christ, physiquement et métaphoriquement, aux deux mondes.

Ce travail reflète un bon exemple de la manière d'El Greco de combiner une tradition iconique plus byzantine avec l'approche plus humaniste de la Renaissance, tout en refusant une imitation exacte de la réalité. Comme le prétend l'historien de l'art Keith Christiansen, « El Greco a rejeté le naturalisme en tant que véhicule de son art tout comme il a rejeté l'idée d'un art facilement accessible à un large public. maniere", profondément associé au maniérisme. En niant le monde qui l'entoure et en s'éloignant des langages réalistes et naturalistes, il incarne le royaume de l'esprit à travers le mouvement et la liberté de forme d'une manière symbolique et métaphorique. En fait, El Greco est connu pour affirmant que "L'esprit de création est une exploration atroce et complexe de l'intérieur de l'âme".

Huile sur toile - Scottish National Gallery, Édimbourg, Royaume-Uni

Laocoon (Laocoonte)

Le tableau représente le mythe de Laocoon, un prêtre troyen qui, selon la légende, a mis en garde les habitants contre le cheval de Troie et a également profané le temple de Dieu. En conséquence, des serpents géants envoyés par les dieux en colère l'ont tué ainsi que ses deux fils, Antiphante et Thymbraeus. Dans la peinture, les trois sont représentés au premier plan en train d'être engloutis par les grands serpents. À droite, l'un des fils semble déjà mort alors qu'il est allongé sur le sol, tandis que Laocoon et son autre fils se battent pour leur vie. L'arrière-plan présente le cheval de Troie et la ville de Tolède entourée d'arbres aux bleus et verts intenses. Ces couleurs vives de la vie contrastent fortement avec la palette de gris tamisés utilisée pour les figures qui symbolisent la mort. Les deux personnages debout à l'extrême droite sont présumés être Apollon et Artémis qui observent le drame qui se déroule.

L'historien de l'art Keith Christiansen affirme qu'« aucun autre grand artiste occidental n'a bougé mentalement - comme l'a fait El Greco », soulignant l'intention psychologique sous-jacente de l'œuvre. En ce sens, la principale interprétation que l'on peut en tirer est dérivée du mythe lui-même, selon lequel l'homme est impuissant et désespéré dans le royaume du Divin et doit succomber à son destin inévitable.

Cette œuvre est considérée comme l'un des meilleurs exemples des œuvres ultérieures d'El Greco et la seule de ses peintures connues qui dépeint un thème mythologique plutôt que religieux. De même que La vision de Saint Jean (1608-1614), il est connu pour avoir une profonde influence sur les mouvements expressionniste et cubiste en raison de son imagerie émotionnelle intense et de son accentuation vive de la forme individuelle dans la composition globale.

Huile sur toile - National Art Gallery, Washington D.C.

La vision de Saint Jean

Cette grande toile est considérée comme un autre des chefs-d'œuvre d'El Greco. Il représente un passage de la Bible, Apocalypse (6:9-11), qui décrit l'ouverture du cinquième sceau à la fin des temps et la distribution de robes blanches à "ceux qui avaient été tués pour l'œuvre de Dieu et pour le témoignage qu'ils avaient rendu. Au premier plan, on voit la silhouette allongée de Saint Jean, à genoux, les bras grands ouverts, alors qu'il implore Dieu en haut. Derrière lui est affiché un groupe de personnages nus, s'élevant vers le ciel pour leurs robes, dont certaines sont blanches et d'autres colorées. Ce sont les âmes des martyrs qui ont crié à Dieu pour la justice.

Le tableau fait partie des diverses œuvres commandées par Pedro Salazar de Mendoza, un admirateur et collectionneur, pour l'église de l'hôpital Saint-Jean-Baptiste (l'hôpital de Tavera). El Greco est mort avant d'avoir pu terminer la peinture et il est dit qu'il y avait une partie supérieure de la peinture qui manque, qui aurait été détruite en 1880. Les rumeurs disent que la partie manquante pourrait avoir représenté l'Agneau sacrificiel ouvrant le Cinquième Sceau.

L'œuvre a exercé une profonde influence sur Pablo Picasso, qui l'aurait profondément étudiée en l'utilisant comme source d'inspiration pour la composition de son propre chef-d'œuvre. Les Demoiselles d'Avignon (1907). Des connexions peuvent être établies dans la composition dynamique créée entre les différentes figures des deux peintures.

Le critique d'art Jonathan Jones, déclare qu'El Greco était « attiré par la complexité, l'obscurité, la sophistication », trois caractéristiques qui définissent grandement ce travail, et qu'il « parlait un langage messianique de renouveau religieux ». Ce renouveau par la foi est en effet l'une des principales motivations du Greco, et c'est le premier message sous-jacent de cette œuvre qui met l'accent sur le salut et la protection des âmes bonnes.


5 faits amusants sur l'artiste espagnol de la Renaissance El Greco

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Dire qu'El Greco, peintre, sculpteur et architecte de la Renaissance espagnole, est une figure importante de l'histoire de l'art est un euphémisme. L'artiste, né en 1541 et décédé en 1614, a apporté d'énormes contributions artistiques au monde et a même contesté le travail de Michel-Ange. Vous trouverez ci-dessous 5 faits amusants sur El Greco qui peuvent être utilisés en classe ou simplement pour votre propre enrichissement personnel.

5 faits amusants sur l'artiste El Greco

Il existe des dizaines de faits étonnants sur l'artiste El Greco qui intrigueront les amateurs d'art. Voici juste 5…

    El Greco" n'était pas le nom de naissance de l'artiste— il est né "Doménikos Theotokópoulos . " "El Greco" signifie simplement "Le Grec". Alors que l'artiste était largement connu sous le nom d'El Greco au fur et à mesure de sa notoriété, il signait généralement son nom de naissance complet sur son art en lettres grecques. L'Encyclopaedia Britannica a déclaré qu'El Greco était "un nom qu'il a acquis lorsqu'il vivait en Italie, où la coutume d'identifier un homme en désignant le pays ou la ville d'origine était une pratique courante. La forme curieuse de l'article (El), cependant, peut être le dialecte vénitien ou plus probablement de l'espagnol.

  1. En dépit d'être grec, El Greco était un fervent catholique. Il en était de même pour de nombreux autres citoyens du royaume de Candie, qui était son lieu de naissance. Le royaume de Candie (Crète) faisait alors partie de la République de Venise. Il a abrité Greco jusqu'à l'âge de 20 ans environ, date à laquelle il a émigré à Venise pour étudier avec Titien, le peintre le plus renommé de son époque. Les deux principales religions du royaume de Candie étaient le catholicisme romain et l'orthodoxie grecque. Bien que le peintre soit grec, il s'autoproclame fervent catholique. Certains érudits pensent qu'il s'est converti de l'orthodoxie grecque pour faire partie de la minorité catholique crétoise. Même si El Greco n'avait pas prétendu être catholique dans son testament, son œuvre reflète le climat religieux de l'Espagne catholique romaine et aurait donc été un cadeau.

    El Greco a été chassé de Rome par des artistes fidèles à Michel-Ange . Dans son article Le disciple réticent ,

    El Greco a connu un grand succès en Espagne après s'y être installé en 1576 . En Espagne, El Greco a peint

“L'enterrement du comte d'Orgaz”
Wikipédia

Le 7 avril 1614, El Greco meurt en Espagne. Selon Biography, il est décédé sans être apprécié par le monde de l'art qui ne l'a pas reconnu comme un maître pendant 250 ans. Aujourd'hui, il est connu comme l'un des peintres les plus influents à avoir jamais vécu. Les spécialistes de l'art pensent également qu'El Greco a influencé des artistes comme Picasso, ainsi que des écrivains comme Rainer Maria Rilke et Nikos Kazantzakis.

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Kanda Shokai a été créé en 1948 et la marque Greco a été lancée en 1960. [2] [3] [1] [4] Ce n'est qu'en 1966/1967 que Kanda Shokai a commencé à commercialiser des modèles de type Greco Telecaster. [ éclaircissements nécessaires ] À l'origine, Kanda Shokai utilisait le nom de marque « Greco » pour les modèles à carrosserie solide et le nom de marque « Canda » pour ses modèles acoustiques, en se basant sur le nom de la société Kanda (Canda). Au milieu/fin des années 1960, Kanda Shokai a également exporté des guitares de marque Greco basées sur des conceptions Hagström et EKO pour Avnet/Goya aux États-Unis. [ citation requise ] Ces guitares ont été fabriquées par FujiGen et Matsumoku (et peut-être Teisco [ citation requise ] ) usines de guitares et étaient très similaires aux guitares Ibanez de la fin des années 1960 basées sur les conceptions Hagström et EKO. Kanda Shokai a également commercialisé quelques modèles originaux à la fin des années 60, notamment les guitares Greco Semi-hollow "Shrike" qui ont été importées et commercialisées d'abord par Goya et plus tard par Kustom. The "Shrike" model was unusual in that it had a pair of unusual "L" shaped pickups, with the corner of the "L" pointing towards the headstock on the neck pickup and towards the bridge on the bridge pickup These "boomerang" pickups predate the Gibson Flying V2 "Boomerang" shaped pickups by over 10 years.

In the early 1970s Kanda Shokai marketed Greco Gibson-like models, but with bolt-on necks rather than the set necks of genuine Gibson guitars. These were very similar to the Ibanez Gibson-like models available at that time and most of these models had a Greco logo that looked more like "Gneco". By the mid/late 1970s most Greco Gibson-like models were being made with set necks and open book Gibson headstock designs. Some other Greco Gibson-like models from the 1970s had a different headstock design, more like a Guild headstock design, that had a Greco logo with equally sized letters.

Starting in 1979, the Greco "Super Real Series" was introduced which made available high standard replicas of Gibson and Fender models. In 1982 the Greco "Mint Collection" was introduced, which continued the high standard of the "Super Real Series". In 1982 Kanda Shokai and Yamano Gakki become part of Fender Japan and Kanda Shokai stopped producing its own Greco Fender replica models. Since the end of the Greco open book headstock Gibson replicas in the early 1990s, Kanda Shokai have produced various models using the Greco brand name such as the "Mirage Series" (similar to the Ibanez Iceman), various Gibson copies (not using the open book Gibson headstock design), Violin basses (VB), Zemaitis Guitars and addition to various other models.

Some notable guitar players who have used Greco guitars include Ace Frehley who used Greco Les Paul replicas when his band Kiss was on tour in Japan, Millie Rose Lee of Dead Witch and Elliot Easton of The Cars, Peter Tork of The Monkees on his 1979 -81 solo tours had 2 of the Tobacco Sunburst Les Paul models. The Greco BM line is particularly notable as they're almost endorsed signature models. Brian May played (or at least mimed) his BM-900 on several television appearances [5] [6] and in 1983 remarked:

A Japanese firm called Greco made a Brian May guitar, an exact copy. They called it a BHM 900 or something. They sent me an example. I said, "Thanks very much for sending it to me. It looks nice, but it doesn't actually sound that nice. Why don't we get together and make it sound good, too? Then you can put my name on it properly". They never replied. [7]

Early Greco electrics Edit

The Japanese made Greco guitars were initially being distributed in the US through Goya and later by Kustom (known for their amps). Prior to that, Goya sold Electric guitars made by Hagstrom . Among the Electric guitar models that Greco offered during this period, were two thin semi-hollow bodystyle that were equipped with the Patented “Shrike” pickups. These were the 950, and 975 models. A 12 string version for both bodystyles were available as well, and were labeled models 960 and 976 respectively. Those models with the Boomerang “L” shaped split coil pickups were called “Shrike” models. The “Shrike” pickups were advertised as producing that distinctive "shrike" sound. The shrikes had a single volume pot and a group of slide switches to control the 4 split coil pickups in the 2 L shaped enclosures. So you could switch between high and low strings on the pickups.

The 975 model and its 12 string brother the 976 model were the top of the line imported Grecos in 1968. These were initially available only in the Shrike version, and later a more conventional 2 standard pickup version appeared. The models with standard pickups were not called “Shrike” models. Standard pickup models had the common 2 volume, 2 tone pot controls and toggle switch for the two pickups. These were regarded as attractive and well-made guitars. They had bound semi-hollow bodies and a bound neck, diamond-shaped sound holes, rectangular shaped fretboard inlays and headstock truss adjustment. The tuners were the same as the Teisco Spectrum 5 of that period, and the Neck-plate had the L shaped pickup patent number stamped on it. The zero fret and thin neck is reminiscent of a Mosrite. The 975 model “Shrike” was considered to be of higher build quality than the many entry-level Japanese guitars that had become widely available earlier in the decade, but by 1970 the 975-style models were discontinued, a victim of the decline of the 1960s guitar boom. Soon Greco would move toward copying Fender and Gibson products, becoming a major brand in the so-called "Lawsuit" copy era, along with Tokai and the Ibanez company, which became the subject of legal action by Gibson.

Lawsuit "copy" era Edit

The Greco Fender replicas from the late 1970s and early 1980s are similar to the early Fender Japan guitars, as Kanda Shokai owns the Greco brand and is also a part of Fender Japan. The Greco Fender replicas made by Matsumoku have Matsumoku stamped on the neckplate and the other Greco Fender replicas were made by Fuji-Gen Gakki. Most of the Greco models included the original selling price in Japanese Yen (in Japanese) 円 in the model number (EGF-1800 = 180000 Yen). The "Super Real Series" date from late 1979 to 1982 and the open O Greco logo "Mint Collection Series" date from 1982 to the early 1990s. The "Mint Collection Series" have an open O letter in their Greco logo (an O letter with the top part of the O letter removed) and the "Super Real Series" usually have a closed O letter in their Greco logo.

The Fuji-Gen Gakki guitar factory were the main maker of the Greco guitars in the 1970s and 1980s. [12] Fuji-Gen Gakki obtained a CNC router in mid-1981 for making guitar parts and also began to manufacture their own pickups starting in late 1981. [13] The Fuji-Gen Gakki CNC router and Fuji-Gen Gakki made pickups were used for the "Super Real" and "Mint Collection" series starting from 1981 to the early 1990s. Up until 1981/1982, Nisshin Onpa (Maxon) made pickups were used in the Greco guitars including the "Super Real Series" and the guitars were made in a more luthier style with no CNC machines used. The Cor-Tek and Tokai guitar factories were also used to make some Greco models due to FujiGen not being able to make some lower priced Grecos in the late 1980s.

There were also some transitional Greco models from 1981/1982 that have a mixture of "Super Real Series" and "Mint Collection Series" features such as a "Super Real" model with an open O letter in the Greco logo instead of a closed O letter. The Super Real EGF (flametop) and EG series higher end models featured nitrocellulose lacquer finishes and fret edge binding and some of the Super Real lower end models also featured fret edge binding.

Medium tenon neck joints with dowel reinforcements were used up until 1981 and standard Gibson style long and medium tenon neck joints were used after 1981. The medium tenon neck joints with dowel reinforcements were very similar to the Gibson long tenon neck joints that were used in the early 1970s before Gibson switched to using a short tenon neck joint. Some Greco models featured chambered (not solid) body designs up to the early 1980s, which weighed less than a regular solid body model and also had a slight semi acoustic quality. Some of the current Gibson models also use chambered bodies, such as the Gibson Les Paul Supreme.

Some Greco Les Paul guitars up until 1982 had laminated pancake bodies and were based on the similar Gibson Les Paul laminated guitars from the 1970s. The lowest priced Greco Les Pauls sometimes had different wood combinations from the regular Maple and Mahogany. Up to 1980 the lowest priced Greco Les Pauls, such as the EG450 model, had Birch bodies. The lowest priced Super Real and Super Power Les Pauls, such as the EG450 and EG480 models from late 1979 to 1982, had Sycamore tops.

The EGF-1800 (flametop), EGF-1200 (flametop) and EG-1000C (custom) models from the 1980 and 1981 catalogues (as well as very early 1982 models) featured "Dry Z" pickups (PAF-like pickups made by Nisshin Onpa (Maxon)). The type of pickups varied depending on the guitars original selling price and the Nisshin Onpa (Maxon) made "Dry Z" or Fuji-Gen Gakki made "Dry 82" pickups were reserved for the top end models. The lower end models such as the EG-500 mostly used 3-piece maple tops while the higher end models mostly used 2-piece maple tops. "Mint Collection" models with a K after the numeric price designation (e.g. PC-98K) came with factory-installed Kahler tremolo (vibrato) bridges.

The "Mint Collection Series" features varied according to price, with some of the higher-end models, such as the EG58-120, model having most of the features of the "Super Real" higher-end models. Most of the "Mint Collection Series" had long-tenon neck joints, but some had medium long tenon neck joints. There were also some Greco "Super Sound", "Super Power" and "Rock Spirits" Gibson replica models made. The "Super Sound" models were mid-priced models from the "Super Real" years (1979-1982) and the "Super Power" models were lower-priced models from the "Super Real" years (1979-1982). The "Rock Spirits" models were lower-priced models from between 1979 and the early 1990s

Greco guitars have been made by Matsumoku, Fuji-Gen Gakki, [14] Dyna Gakki [15] and others as well. Greco Gibson replicas around 1975 and pre 1975 models had a Greco logo that looked like "Gneco".

Most of the Greco open book headstock Gibson replicas were made by FujiGen Gakki. Some Greco open book headstock Gibson replicas starting from around 1988 had no serial numbers. The lower priced no serial number Greco Les Paul and SG models were made by Cor-Tek (Cort) and usually have Cor-Tek (Cort) potentiometers. The Cor-Tek made Greco guitars have square shaped, brick like nuts with no slope and also often have shielding paint in the pickup and control cavities. Other higher priced no serial Greco Les Paul and SG models were made by Tōkai and the Les Paul models have an EG-75 or EGC-75 model number stamped in the pickup cavity and sometimes have fret edge binding.

The no serial Greco guitars made by Tokai have square shaped routing holes at the bottom of the pickup cavities whereas the no serial Greco guitars made by Cor-Tek (Cort) have thinner rectangle shaped routing holes at the bottom of the pickup cavities. Kanda Shokai stopped using the open book headstock design on Greco Gibson replica models around the early 1990s and then concentrated on their other model lines and Fender Japan. Atlansia have supplied body and neck parts for Greco models as well. Tokai currently make the Kanda Shokai Zemaitis and Talbo models.


Emily Dickinson

Emily Dickinson via WikiCommons

Emily Dickinson wrote about love so eloquently, “morning without you is a dwindled dawn” which is the nicest thing we’ve read all day. She was hugely prolific as she wrote and published over eighteen hundred poems while she was alive so she really didn’t have time for any awkward dating situations. Nobody, especially Emily Dickinson had time for that. Sadly, many of her close family and friends died before her, and she struggled coming to terms with their deaths. She died a recluse, some debating if she suffered from Agoraphobia and Epilepsy.

Do you know about how other artists lived out the last days of their life? How have did your favorite artists enjoy (or not) their latter years? We’d love to keep the discussion going in the comments below.


Sisällysluettelo

El Grecon syntymäpaikkana pidetään Fódelen kylää. [2] El Grecon syntymän aikoihin Kreetalla oli paljon ikonimaalareita. Greco sai sieltä bysanttilaisia vaikutteita ja maalasi myös ikoneita. [1] Nuori El Greco varttui kreetalaisen koulukunnan vaikutteiden piirissä. Jo 22-vuotiaana vuonna 1563 häntä luonnehdittiin eräässä asiakirjassa mestariksi. [3] El Greco muutti 1565 Venetsiaan, jossa sai vaikutteita venetsialaisten maalarien värienkäytöstä ja manierismista. Hän työskenteli luultavasti Tizianin ja Tintoretton ateljeissa. Vuosina 1570–1571 hän oleskeli Roomassa, missä tutustui Michelangelon teoksiin. [1]

El Greco muutti Espanjan Toledoon noin vuonna 1576. Hän sai siellä tehtäväkseen maalata kolme suurta alttaritaulua Santo Domingo el Antiguon kirkkoon. Myöhemmin hän teki muotokuvia ja uskonnollisia tilausteoksia. Toledossa hänen ihmishahmonsa alkoivat pidentyä ja maalauksiin tuli levoton tunnelma. Voimakkaat siniset ja keltaiset värit irtautuivat luonnonmukaisista paikallisväreistä, ja El Grecosta tuli eurooppalaisen taiteen ensimmäisiä koloristeja. Hän alkoi käyttää yhä selkeämpiä valojen, varjojen ja värien vastakohtia. El Greco alkoi myös pidentää figuureitaan, mikä lisäsi näiden hengellistä voimaa ja loi maalauksiin levottoman tunnelman. Hänen värinsä, varsinkin kirkkaat siniset ja keltaiset, eivät olleet luonnonmukaisia. Värien ohella selkeän tilakuvauksen hylkääminen lisäsi hänen teostensa salaperäisen hengellistä tuntua. [1]

Vaikka El Grecon ateljeessa työskenteli monia taiteilijoita ja hänen teoksiaan kopioitiin, ei hän vaikuttanut paljonkaan naturalisemmin maalanneisiin aikalaisiinsa. [1] El Grecon omaperäinen tyyli hämmensi aikalaisia, eikä häntä juuri tunnettu Espanjan ulkopuolella, mutta 1900-luvulla hänen teoksensa saivat arvostusta. [4]


El Greco and his paintings


El Greco is probably one of the most well known artists of his time, and still to this day, over 500 years after his death. Because of the obscurity in his style, and the fact that he was considered a painter of the spirit, he was one of the most influential painters, which set the groundwork for many to follow, and for many art forms that followed. His work was admired by the members of the Blue Rider School, and several artists who followed, far after his career ended.

El Greco was born in Crete, and was trained as an icon painter. The non-naturalistic basis of his work showcased the talent that would follow, in the many pieces created during the course of his career. He moved to Venice in 1567, as Crete was considered a Venetian territory. At this point, he made it his goal to master the form of Renaissance painting this included a perspective, figural style, and the ability to create and stage elaborate narratives, for the work he would create. The mural of Christ healing the blind is one of the pieces that showcases this narration, and is one of his most famous art works created. He also wrote treatises about painting, and the style of work he created for the art world.

Upon moving from Venice, El Greco lived and worked in Rome from 1570 to 1576. He came with a letter of recommendation from the Croatian miniaturist, and this secured him a place to stay and work while in Rome. There he set about mastering the elements of Renaissance Art, including perspective, figural construction, and the ability to stage elaborate narratives. By the time El Greco arrived in Rome, Michelangelo, Raphael and Leonardo da Vinci were dead, but their example continued to be paramount, and somewhat overwhelming for young painters. El Greco was determined to make his own mark in Rome defending his personal artistic views, ideas and style. He stayed with Alessandro Farnese, who was possibly the wealthiest and most influential patron in Rome, during this period. In 1572, El Greco joined the painter's academy, where he was known to have one or two assistants while working here. Although he did not receive the commission he was hoping for in Rome, he did receive numerous requests for portraits, and small scale devotional paintings and sculptures to be created for high end clientele. One of the reasons why El Greco was chastised in Rome, and possibly did not reach the peak of his career there, was due to the fact that he had criticized Michelangelo, and his extensive work, which was highly respected in Rome for this reason, the work El Greco was not viewed for its full potential, and he was ostracized by many for this.

In 1576, El Greco made the move to Spain, where his first bid for royal patronage with Phillip II, failed. It was not until he moved out to Toledo, where he finally became recognized as a great artist, and the potential he had was finally being viewed by peers, and admirers in the art world. El Greco was immortalized in this city, and the piece View from Toledo was quite possibly one of his most famous pieces in the city he found a group of friends and colleagues, and was beginning to make his mark as an artist it was in the city of Toledo where he began making a profitable career for himself as an artist.

While in Toledo, El Greco was commissioned to paint three altarpieces, by Diego de Castilla (who was the dean of the Toledo Cathedral). These pieces were to be painted for the Church of Santo Domingo el Antiguo. These were quite possibly some of the biggest masterpieces the artist created, and were the first major art works he did. They focused on a variety of styles, and unique form which he had picked up while living in Italy. Some hints of naturalism could be seen in the characters, compositional ideas which were learned by the works of Michelangelo were also present in his paintings, and there was also a mannerist emphasis, on the elegant and refined features which were noted, in the three works he was commissioned to create.

During the commission of these works, a dispute between the price that was paid, and what El Greco hoped to earn, led to litigation this not only caused a rift between those who had befriended him in Toledo, but also left a mark on the career which followed. Due to this issue, El Greco never received another sizable commission from the religious authorities, and was never hired to do work on any churches for the remainder of his career. Most of the work and commissions that were received in the later part of his career, came from private individuals, as well as covenants in the city.

The most famous painting which El Greco drew was The Burial of Count Orgaz, which was commissioned by the parish priest (Santo Tome), in Toledo, in 1586. It was a celebration of the financial obligation that people had to the church. The picture is meant to serve as a real world of the viewer, and the fictional world as seen through the painting. This piece is central to the understanding that the art world has to El Greco and his work in general it captures the essence of his art, which is a visionary experience which hasn't been duplicated by any other artist.

El Greco also excelled as a portraitist, mainly of ecclesiastics or gentlemen, who was able not only to record a sitter's features but to convey his character. Although he was primarily a painter of religious subjects, his portraits, though less numerous, are equally high in quality. Two of his late works are the portraits of Fray Felix Hortensio Paravicino (1609) and Cardinal Don Fernando Nino de Guevara (1600). Both are seated, as was customary in portraits presenting important ecclesiastics. By such simple means, the artist created a memorable characterization that places him in the highest rank as a portraitist, along with Titian and Rembrandt.

Late in his career, El Greco rejected the art form as a vehicle for his art, and embraced the self conscious style, known as maneira. This stems from the fact that the artist took the opposite route when the style of mannerism was being rejected in Rome while other artists were turning away from this form of art, El Greco accepted it, and worked it into his pieces. Elongated twists and forms, and unreal colors were some of the basis for his artwork.

I paint because the spirits whisper madly inside my head." - El Greco

Just like Shakespeare on literature, and Sigmund Freud on psychology, El Greco's impact on art is tremendous. Not only was El Greco one of the most influential artists, he was the only Western artist to move the mentality and perception of the art world. With a spiritual basis for his work, he welcomed the new and unseen, while rejecting the perceptions of what art should be, which was something no other artist during his time was willing to do. El Greco is one of the few old master painters who enjoys widespread popularity. Like Johannes Vermeer, Caravaggio, and Sandro Botticelli, he was rescued from obscurity by an avid group of nineteenth-century collectors, critics, and artists and became one of the select members of the modern pantheon of great painters. His works later influenced realist, impressionist, cubist, and abstract painters, including Pablo Picasso, Vincent van Gogh, and Paul Cezanne.


Voir la vidéo: El Greco: El último desafío a Dios 2007 - subtitulos español (Octobre 2021).