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Hurdy Gurdy Man : rock star de la scène musicale médiévale

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La vielle à roue est un instrument de musique, ou plus précisément, un instrument à cordes, dont l'origine remonte au Moyen Âge en Europe. La vielle à roue a d'abord été utilisée pour jouer de la musique sacrée, avant d'être adaptée pour jouer de la musique populaire et folklorique. Plus tard, son statut s'est encore élevé lorsqu'il a gagné les faveurs pendant un certain temps à la cour de France.

Finalement, la popularité de la vielle à roue a diminué et elle est devenue un instrument de musique dont beaucoup n'auraient pas entendu parler. Ces derniers temps, cependant, la vielle à roue connaît une sorte de renouveau, tant en Europe qu'en Amérique du Nord.

Pourquoi s'appelle-t-on une « Vielle à roue » ?

Personne ne sait vraiment pourquoi la vielle à roue est appelée ainsi en anglais. En fait, le nom anglais de cet instrument de musique n'a été inventé qu'au XVIIIe siècle. Une spéculation est que la vielle à roue est liée à « hurly burly », qui est utilisé pour décrire un tumulte ou un tumulte, d'où une référence possible au bruit produit par cet instrument de musique. La vielle à roue est aussi connue en français comme vieille à roue , que l'on peut traduire par « violon à roue », sans aucun doute un nom qui décrit mieux l'instrument.

Un joueur de vielle à roue. Musicien aveugle par Georges de la tour, XVIIe siècle.

Comment fonctionne une vielle à roue ?

En substance, la vielle à roue est un instrument à cordes, comme un violon ou une guitare. Contrairement à ces instruments, qui produisent du son (par la résonance des cordes vibrantes) en faisant frotter les cordes par un archet ou en étant pincées avec le doigt ou un médiator, la vielle à roue produit du son en faisant frotter ses cordes par une roue colophane. Dans une vielle à roue moderne, le musicien fait tourner la roue de l'instrument, via une poignée (la manivelle) avec une main (généralement la droite), tandis que l'autre main est utilisée pour jouer la mélodie sur les touches d'une boîte à clés.

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Illustration des pièces d'une vielle à roue.

On a souvent remarqué que le son produit par une vielle à roue est semblable à celui d'une cornemuse. Cela est dû à la présence de plusieurs cordes de bourdon à l'extérieur de la boîte à clés, qui sonnent la même note en continu. L'une de ces cordes de bourdon est soutenue par un chien (en français pour chien), qui est un petit pont mobile. En faisant tourner la roue plus fort, le chien peut être amené à vibrer rythmiquement, ce qui produit un accompagnement bourdonnant à la mélodie.

Origine de la vielle à roue

L'origine de la vielle à roue fait encore débat. Selon une spéculation, ce sont les Maures d'Afrique du Nord qui ont introduit cet instrument de musique en Europe. Lorsque les Maures envahirent l'Espagne, ils emportèrent avec eux de nombreux instruments à cordes, et l'un d'eux aurait pu être un précurseur de la vielle à roue.

La première forme de la vielle à roue connue à coup sûr est connue sous le nom de organiste. Les représentations de cet instrument ont été datées du 12ème siècle. L'organistrum était une version plus grande de la vielle à roue et nécessitait deux musiciens pour en jouer. Il était principalement utilisé dans l'église pour la musique sacrée, bien que les touches en bois puissent également être réarrangées afin de jouer également de la musique profane.

Relief du XIIe siècle indiquant deux joueurs nécessaires pour jouer de l'organistrum. Église de Toro, Zamora, Espagne.

Au siècle suivant, la taille de l'organistrum a été réduite pour qu'il puisse être joué par un seul musicien - et c'est ainsi qu'est née la vielle à roue. L'action clé de cet instrument de musique a également été améliorée. Alors que l'action clé difficile de l'organistrum le limitait à jouer des mélodies lentes et des harmonies simples, son amélioration a rendu la vielle à roue appropriée pour jouer de la musique de danse. En conséquence, la vielle à roue est devenue moins utilisée pour la musique sacrée et plus pour la musique folklorique et populaire.

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La petite vielle à roue est à peine visible sous le bras et la cape du joueur dans ce tableau du XVIIe siècle. Rassemblement de joueurs avec Hurdy-Gurdy Player vers 1660.

L'amour français pour la vielle à roue

La vielle à roue connaît son apogée sous le règne de Louis XIV, roi de France. Avant cela, la vielle à roue était considérée comme un instrument de musique paysan. Le roi étant adepte de l'idée arcadienne du bonheur rural, sa cour suivit son exemple et rehaussa ainsi le statut de la vielle à roue, qui servait d'accompagnement musical aux pièces pastorales qui se produisaient à cette époque.

La vielle à roue figurait également à la cour de la cour de Louis XV, bien qu'elle soit tombée en disgrâce sous le règne de Louis XVI, qui n'était pas enclin à participer aux divertissements courtois dont jouissaient ses prédécesseurs. Même sa femme, Marie-Antoinette, bien que connue pour son style de vie indulgent, n'aimait pas particulièrement les pièces pastorales, ce qui a entraîné le déclin de la popularité de la vielle à roue. Après cela, la vielle à roue est revenue dans les rues.

Jeune femme à la vielle et enfant au tambourin, XVIIIe siècle.

Néanmoins, cet instrument de musique a continué à être populaire en France. Par exemple, lorsque des paysans de la campagne française s'installèrent à Paris à la recherche d'un emploi, ils emportèrent avec eux la vielle à roue. Cet instrument de musique a continué à être utilisé jusqu'à la fin du XIXe siècle, date à laquelle il a été remplacé d'abord par l'accordéon à bouton diatonique, puis par l'accordéon à bouton chromatique, car ils étaient plus faciles à jouer et moins gênants à entretenir.

Le « homme à roue » moderne

Mais au cours des dernières décennies, il y a eu un regain d'intérêt pour la vielle à roue en Europe ainsi qu'en Amérique du Nord. La référence à l'instrument la plus connue de nos jours est peut-être la chanson « Hurdy Gurdy Man » de Donovan. Bien que l'instrument ne soit pas joué sur la chanson, cela a suffi à susciter un certain intérêt pour celle-ci.

Aujourd'hui, la vielle à roue apparaît dans toutes sortes de styles musicaux différents et il existe même des versions électriques et électroniques disponibles pour les musiciens modernes.

Vielle à roue Elf Fantasy Fair 2010. ( CC BY-SA 2.0 )


Une brève histoire de la vielle à roue

La vielle à roue, connue en France sous le nom de vielle a roue ou vielle en abrégé, est un instrument ancien qui connaît une renaissance moderne en Europe et en Amérique. Premièrement, pour dissiper une idée reçue : la vielle à roue n'était pas jouée par le joueur d'orgue ou son singe. Ils utilisaient une grande boîte à musique actionnée par une manivelle. Les vielles à roue d'aujourd'hui sont à peu près les mêmes que celles construites au moyen-âge. Il a trois à six cordes qui sont mises en vibration par une roue en résine actionnée par une manivelle. Les notes mélodiques sont produites sur une corde, ou deux accordées à l'unisson, en appuyant sur des touches qui arrêtent la corde aux intervalles appropriés pour la gamme. Les autres cordes jouent une note de bourdon. Certains instruments ont un "chien", une "trompette" ou un "pont bourdonnant". à marteler sur la table d'harmonie. L'instrument est maintenu sur les genoux avec une sangle pour le maintenir stable. L'étui peut être carré, à dos de luth ou à dos plat avec une forme de guitare ou de violon. Des formes de la vieille à roue existaient non seulement en France, mais en Allemagne, en Italie, en Grande-Bretagne, en Russie, en Espagne et en Hongrie.

Un instrument connexe intéressant est le nyckelharpa suédois qui a été développé vers le XVIe siècle. Il a des touches et se joue avec un arc court. Il connaît un regain d'intérêt et de nouveaux instruments sur mesure sont désormais disponibles.

Les origines de la vielle à roue sont inconnues, mais une théorie dit que lorsque les Maures ont envahi l'Espagne, ils ont apporté avec eux de nombreux instruments à cordes et à archet. Il n'y a aucune preuve que la vieille à roue était l'un d'entre eux, mais il est possible que quelque chose de similaire soit arrivé en Espagne à cette époque et se soit dispersé dans toute l'Europe le long des chemins de pèlerinage.

LES RACINES ANCIENNES DE LA VIELLE À HUILE

La première forme connue de la vielle à roue s'appelait organistrum et ressemblait peu à la forme moderne. Il était si grand qu'une personne tournait la manivelle et une autre jouait des touches. Les touches en bois étaient disposées de diverses manières selon qu'il s'agissait de jouer de la musique profane ou religieuse. L'organistrum n'était capable de jouer des mélodies lentes et une harmonie simple qu'à cause de l'action des touches dures. Son utilisation principale était dans l'église médiévale. La première mention de l'organistrum était dans un manuel de construction d'Odon de Cluny, qui a été découvert au XIIe siècle et peut-être écrit au Xe siècle. Il existe également d'autres représentations datant du XIIe siècle. Au cours du XIIIe siècle, l'organistrum a été repensé pour être jouable par une seule personne, ce qui a encouragé l'utilisation par des musiciens aveugles et itinérants. L'action clé améliorée avec accompagnement de drone le rendait idéal pour la musique de danse. Il a été adopté pour la musique populaire et folklorique de l'époque, et son utilisation dans l'église a diminué. Même le nom d'organistrum avait disparu au quatorzième siècle. En France, elle était connue sous le nom de symphonie jusqu'à ce qu'elle soit abandonnée pour la musique populaire à la fin du XVe siècle. On peut supposer que, à cette époque, le nom a changé pour vielle a roue, qui est encore utilisé aujourd'hui. La vielle n'était utilisée que pour la musique folklorique des paysans et des musiciens de rue. Il était connu dans toute l'Europe vers 1650 mais resta un instrument paysan pendant les cent années suivantes. À cette époque, la conception s'était normalisée à la taille et à la forme familières aujourd'hui.

LA RENAISSANCE DE LA VIELLE A ROUE

Bien que la vielle à roue soit fréquemment mentionnée comme instrument de mendiant au début du XVIIe siècle, elle apparaît occasionnellement à la cour royale avec la musette (cornemuse), fournissant une musique pour accompagner les nouvelles pièces pastorales. Peu à peu, les diversions courtoises au sujet de l'idée arcadienne du bonheur rural ont gagné la faveur à la cour. Des bergers et des laitières ont été dépeints passant d'agréables heures ensemble. Sous le règne de Louis XIV, de 1660 à 1715, les loisirs arcadiens se multiplient car le roi en profite et toute sa cour emboîte le pas. La musique pour la vieille à roue et la musette ont été écrites par des compositeurs populaires tels que Vivaldi à l'époque baroque et plus tard par Mozart. De nombreux aristocrates sont devenus des interprètes accomplis sur ces instruments.

Au milieu du XVIIe siècle, des écrivains comme Jean Jacque Rousseau fustigent la corruption et le laxisme à la cour. Il a préconisé un retour à la vie rurale simple où la vertu et l'intégrité sont venues naturellement avec le dur labeur de la vie paysanne. Il a également encouragé l'affichage du sentiment et de l'émotion pour améliorer encore la délicatesse de son caractère. Ses idées ont gagné la faveur à la cour mais sont devenues tordues. La vie simple a continué à être dépeinte dans les pièces pastorales par des personnes très décorées se faisant passer pour des gens de la campagne jouant des instruments traditionnels mais se comportant comme aucun paysan ne le ferait.

Au cours de la vieille faveur de la roue à la cour, les luthiers parisiens ont commencé à fabriquer des instruments élégants avec des incrustations et des sculptures de fantaisie. Le mécanisme a été intégré dans les corps de guitare et de luth, donnant à l'instrument une meilleure sonorité. De nombreux beaux instruments ont été fabriqués au cours de cette période.

Cette renaissance de la vielle à roue se poursuivit jusqu'à la fin du règne de Louis XV en 1778. Le roi suivant, Louis XVI, était plutôt puritain et ne participa pas aux diversions de la cour. Les amusements ont continué sous Marie-Antoinette mais ses goûts ont changé pour le néo-classique. Elle abandonne ses rôles de laitière pour Sappho avec sa harpe. La vielle à roue n'avait aucune place logique dans ce type de divertissement mais elle ne disparut totalement de la scène de cour qu'à la Révolution française. À cette époque, il était simplement laissé à la rue où il avait toujours été. L'utilisation de l'instrument pour plus qu'un outil de mendiant s'est progressivement retirée dans le centre de la France dans les régions de l'Auvergne, du Berry et du Limousin, où la tradition est restée à ce jour.

Après la Révolution française, vers le début des années 1800, les paysans commencèrent à quitter leur lieu de naissance et émigrèrent à Paris pour trouver du travail. Ils sont généralement devenus d'abord des porteurs d'eau puis des porteurs de charbon. Beaucoup ont installé des devantures de magasins en collaboration avec le commerce du charbon, où ils vendaient du vin de leur région d'origine. Dans les années 1850, il y avait beaucoup de paysans nostalgiques à Paris. Ils se sont réunis dans les cavistes, assis sur des bancs et des tonneaux de vin, pour boire, danser et jouer les vieux airs folkloriques familiers à la vielle à roue et à la cabrette (cornemuse).

Vers 1880, l'accordéon diatonique a commencé à être ajouté à ces séances et a rapidement gagné en popularité parce qu'il était plus facile et moins gênant. La vielle à roue devait être réglée avec soin et était sujette à des problèmes constants d'humidité. À l'origine, l'accordéon diatonique jouait une simple ligne mélodique, mais vers 1890, un modèle chromatique a été développé qui pouvait jouer une mélodie rapide avec des pistes et des appoggiatures. À partir de 1850 environ, la cornemuse était souvent jouée sans bourdon en raison du conflit avec la nouvelle musique chromatique. La vielle à roue n'était pas si polyvalente pour jouer cette musique, son utilisation a donc diminué tandis que l'accordéon a gagné en popularité.

Les petits groupes de paysans nostalgiques dansant des danses traditionnelles se sont progressivement agrandis à mesure que de plus en plus de gens s'intéressaient. En 1910, les danses étaient devenues si importantes à Paris que de grandes salles ont été construites pour accueillir jusqu'à 400 danseurs. L'instrumentation avait changé uniquement en accordéon chromatique et bourdons cabrette. Un tout nouveau style de musique et de danse a été créé par l'évolution des temps. La polka, la mazurka, la valse et la musette font partie des créations de cette époque. La nouvelle danse et la nouvelle musique ont progressivement regagné le centre de la France où la musique traditionnelle était encore jouée et la vielle à roue était toujours appréciée. Cette fois, l'accordéon n'a pas déplacé la vielle à roue, mais a été simplement ajouté. La cabrette, la vielle à roue et l'accordéon jouent encore aujourd'hui de la musique traditionnelle dans ce quartier.

Le terme vielle à roue n'a été inventé en Angleterre qu'au XVIIIe siècle. L'instrument était encore utilisé comme instrument de rue dans de nombreux endroits à travers l'Europe jusqu'au vingtième siècle environ. Au cours du XVIIIe siècle, une variante de la vielle se développa. La Lira Organizzata était une vielle à roue avec un soufflet et des tuyaux d'orgue à l'intérieur desquels étaient actionnés respectivement par la manivelle et les touches. Les tuyaux avaient un son grinçant très élevé. Ces instruments sont fabriqués aujourd'hui et connaissent un regain d'intérêt.

Au début des années 1960, la France montra un énorme intérêt pour les chansons folkloriques américaines et les chanteurs tels que Bob Dylan et Pete Seeger. En quelques années, lorsque ce matériel a été digéré, il a fallu quelque chose de nouveau. Les musiciens français ont noté comment les Irlandais et les Anglais faisaient revivre leurs propres traditions folkloriques anciennes et belles et se sont souvenus de leurs propres chansons et instruments traditionnels. Ce regain d'intérêt a désormais balayé la France et fait fureur à Paris.

Il existe de nombreux nouveaux disques de musique traditionnelle et moderne qui comportent la vielle à roue. Les cours de vieille à roue, cabrette, cornemuse, danse et accordéon sont très populaires. Il y a quinze ans, il fallait aller en Suisse pour se procurer une vielle à roue. Aujourd'hui, il y a plus de 50 fabricants en France. L'instrument est maintenant étudié par les dernières méthodes de recherche. Vous pouvez vous procurer une vielle à roue électronique en vert vif ou en rouge pomme bonbon. Par l'ajout de micros électroniques et autres gadgets, la vielle à roue rejoint le rock and roll, le jazz et d'autres musiques. C'est chromatique depuis des années mais les drones doivent être éteints pour jouer de la musique moderne. Il existe maintenant des changeurs de drones électroniques qui peuvent changer instantanément la clé des drones, ce qui rend l'instrument beaucoup plus polyvalent. Il existe de nombreux groupes qui écrivent du nouveau matériel pour la vielle à roue. La mode actuelle est de synchroniser le pont bourdonnant dans un rythme jazz. L'Irlande, l'Angleterre, l'Italie, l'Espagne et la Hongrie sont quelques-uns des pays où les musiciens adaptent la vielle à leur musique nouvellement composée.

Entre-temps, la vielle à roue est arrivée aux États-Unis, sans doute entre les mains de voyageurs français. On dit que vers 1850, il y avait quelques vielles à roue jouées à la Nouvelle-Orléans. Il en est fait mention à New York vers 1940. Il existe un ancien air de danse californien découvert à Watsonville, en Californie, qui est en fait un air français appelé La Valso-vienne. Personne ne sait comment il est arrivé de France. Un de mes amis se souvient d'un homme venu en ville avec sa vielle à roue à l'époque du pétrole de l'Oklahoma. Toute information sur l'utilisation de la vielle à roue aux États-Unis que quiconque souhaite partager avec nous est la bienvenue.

De nombreuses belles vielles à roue, à la fois anciennes et modernes, se trouvent chez Lark In The Morning à Mendocino, en Californie.

BAINES, ANTHONY, Instruments de musique européens et américains, The Viking Press, New York, 1966

BROCKER, MARIANNE, La Vielle à roue, Archiv Productions, Hanovre Allemagne, 1972

D'ALBERT, ARRIGO, Mendocino, Californie

JENKINS, JEAN, Instruments de musique du XVIIIe siècle : France et Grande-Bretagne, Thanet Press, Londres, 1973

LEPPERT, RICHARD D., Arcadia à Versailles, Swets & Zeitlinger B.V., Amsterdam, 1978

MUNROW, DAVID, Instruments du Moyen Âge et de la Renaissance, Oxford University Press, Londres, 1976


Jennifer Lucy Allan demande ce qu'il n'y a pas à aimer dans un instrument médiéval singulier dont le son ressemble le plus à un groupe de drones de heavy metal

Une vielle sonne comme le Sunn médiéval O)) comme une parade venue te chercher pour les éternels coups de langue des enfers comme une bourrasque de spectres comme une horde d'horribles troubadours à têtes d'animaux chantant tes péchés comme les exhalaisons sifflantes des peinés la terre géologique elle-même. La vielle à roue est "l'instrument Ur-industriel par excellence", a écrit Biba Kopf dans les notes de pochette de l'un des trois albums de vielle à roue de Keiji Haino. Si vous pensez que cela sonne un peu beaucoup, considérez qu'il s'agit d'un instrument avec plus de cordes de bourdons que de cordes mélodiques, capable de créer un paysage infernal assourdissant entre de bonnes mains. Chez Jérôme Bosch Jardin des délices la bande originale de l'enfer est une vielle à roue géante et infernale, accompagnée d'un grand luth, d'une harpe et d'un homme jouant de la flûte à bec de ses fesses.

J'ai d'abord rencontré la vielle à roue via un rip de CD de l'un des albums de Haino sous le nom de «The 21st Century Hard-Y-Guide-Y Man», son titre bizarre griffonné sur un CD-R au marqueur noir. Le musicien underground japonais a fait sonner son corps en bois et ses cordes comme du métal sur du métal, exploitant sa capacité de densité et de férocité écrasantes pour des râpes à glacer le sang qui ébranlent les nerfs, et pour des envies douces et lugubres.

Une vielle à roue est un instrument médiéval qui, dans sa forme de base, ressemble vaguement à un violon ou à un luth, seulement tout est plus gros, plus gros, et il est joué différemment des autres instruments à cordes. Il est tenu sur le genou, plutôt que sous le menton, et il produit un son par une manivelle, qui fait tourner une roue colophane qui frotte contre les cordes - cordes mélodiques et cordes bourdons. Les touches peuvent être enfoncées pour jouer une mélodie et la molette fonctionne comme un archet de violon. À cause de la roue, la pression sur les cordes est constante, bien que lorsque la poignée est vigoureusement tournée, un pont bourdonnant appelé le chien, ou trompette, vibre contre le corps, lui donnant le son anxieux et mordant dans lequel Haino se penche littéralement.

Le maître incontesté de la vielle à roue au Royaume-Uni est Stevie Wishart, qui joue à la fois de la musique ancienne traditionnelle et de la musique expérimentale contemporaine. Elle dit que la vielle à roue est comme "un synthé acoustique" et dit que c'est cela qui a d'abord attiré son oreille à propos de l'instrument. "Son son consiste à filtrer les fréquences avec la vitesse de la roue et à jouer avec la pression des doigts directement sur les cordes comme des harmoniques de bruit", explique-t-elle, "ainsi que les notes de musique normales jouées avec les touches.

"Techniquement, c'est vraiment spécial. Cela défie notre catégorisation standard, car ce n'est ni un instrument à clavier ni un instrument à cordes mais un méli-mélo des deux, et pour couronner le tout, il est unique à être incliné avec la jante d'une roue."

Wishart dit que dans la musique folk et traditionnelle, jouer du pont bourdonnant fait partie d'une technique contrôlée - une partie raffinée et parfois jolie d'une composition. Mais pour les joueurs contemporains et expérimentaux, c'est le côté sauvage qui donne à la vielle son mordant. Ce pont bourdonnant ajoute également une autre similitude à la musique électronique. Wishart dit qu'en tant que multi-instrumentiste avec une formation en musique électronique, elle trouve que ce pont ressemble beaucoup à une version acoustique intégrée d'une pédale de distorsion Big Muff. Beaucoup d'instruments médiévaux et de la Renaissance avaient cette sorte de complexité timbrale intégrée dans leur son, explique-t-elle "avant qu'ils ne soient nettoyés en étant inclus en tant que membres de l'orchestre".

L'horreur et le désespoir du son d'une vielle à roue, la patine de ses textures mélodiques et son bourdonnement surnaturel font que l'instrument a souvent surgi, des centaines (voire plus de milliers) d'années après son apparition, dans l'underground japonais, De la musique industrielle britannique, avec des synthés modulaires ou dans des jams psychédéliques. En plus des albums de Haino, vous pouvez l'entendre dans Cyclobe, Matmos, dans les jams non psychédéliques du groupe français France non-googleable, entre autres.

C'est son fonctionnement à manivelle qui confère à la vielle à roue sa nature obsédante - elle ne produit pas un bourdonnement solide mais respire des rythmes étranges, elle a un accent, celui qui est façonné par la personne qui tourne la poignée. Cela signifie également que les lourds chants psychédéliques circulaires de la France (pensez aux versions étendues de Tony Conrad & amp Faust) la musique peut continuer pendant des heures - personne ne manque de souffle en jouant une vielle à roue. Le roulement implacable et effaçant d'un enregistrement comme France à l'église Do Den Haag ne devrait jamais s'arrêter :

Le joueur français de vielle à roue, Yann Gourdon, joue d'une vielle à roue française amplifiée (une vielle à roue), exploitant son énergie acoustique brute en une bête musclée à pleine fréquence. Le jeu de Gourdon a commencé dans la musique traditionnelle d'Auvergne dans le centre de la France où, historiquement parlant, la vielle à roue est particulièrement répandue, et l'applique maintenant aux énormes bourdons :

Donavon, sans doute, a fait le plus de dégâts à la vielle dans la chanson pop acide bendy presque absurde Haino tire son titre de jeu de mots (qui contient des pépites lyriques telles que «Roly poly, roly poly, Holy poly poly, il a chanté »). Le pire, c'est que "Hurdy Gurdy Man" n'a pas du tout de vielle à roue, son drone lourd est en fait fabriqué par un tambura indien. Donovon prétend non seulement que cette session a été l'étincelle qui est venue enflammer Led Zeppelin, mais aussi le moment où il dit, inexplicablement, que le rock celtique a été inventé, effaçant quelque peu le rôle de l'instrument drone indien qui donne à la chanson son poids.

La vielle à roue est, il est juste de le dire, l'un des instruments les plus blancs du marché. Contrairement à la plupart des instruments à cordes, qui sont d'origine arabe, la vielle à roue serait d'origine européenne. Il existe des preuves qu'il a été constamment utilisé en Europe depuis un millier d'années et qu'il était largement connu vers le milieu du XIIe siècle. Il était répandu en Europe centrale et orientale - il y a la lire ukrainienne, la ninera slovaque, le tekerolant hongrois, ainsi que des types de vielle à roue en Russie, en Espagne, en Italie et au Royaume-Uni. Et c'est avant de nous lancer dans des variantes comme la dulci-gurdy (moitié dulcimer, moitié vielle à roue). Ainsi que dans la peinture du XVIe siècle de Bosch, il y a des vielles à roue dans les eaux-fortes de Rembrandt, et dans une illustration enluminée des Cantigas de Santa Maria - la bible de la musique ancienne - où deux joueurs de vielle à roue se regardent malicieusement comme s'ils sur le point de faire tomber la maison pour un public sans méfiance.

Il n'était pas possible d'échapper à la musique enjouée du joueur traditionnel de vielle à roue dans les rues du Londres du 19ème siècle, où ils pouvaient être entendus avec des chanteurs, des violonistes, de vrais joueurs d'orgues mécaniques (avec des singes), des chanteurs d'Italie, des sérénades éthiopiennes, des fanfares allemandes et des cornemuses écossaises. En 1851, dans son étude proto-sociologique des pauvres et du travail à Londres, Henry Mahew estimait qu'il y avait un millier de musiciens de rue travaillant dans la ville, avec un bon nombre de joueurs de vielle à roue. Un joueur aveugle rencontré par Mayhew avait travaillé dans les rues de la ville pendant 40 ans. En raison de son volume, ses joueurs étaient l'une des cibles (souvent confondues et regroupées avec les joueurs d'orgue de Barbarie) des plaintes de bruit du 19ème siècle contre les musiciens de rue, qui secouaient les nerfs de la petite bourgeoisie avec un vacarme de jeu persistant, et étaient connus pour démarrer une chanson à toute heure. Ce qui le rend si attrayant aujourd'hui pour les musiciens expérimentaux - en particulier pour ceux qui cherchent à produire une bourrasque de son qui peut être maintenue très longtemps - est précisément ce qui signifiait qu'il a déchiqueté les nerfs de la noblesse du 19e siècle. Les chansons traditionnelles à la vielle, comme celle-ci sur Folkways par le joueur de folk français Henri Vasson sont des créatures musclées et dégingandées par rapport aux représentants musclés de quelque chose comme la France, bien qu'elles partagent une identité régionale.

C'est le style de jeu des Balkans qui a excité Ossian Brown, moitié du duo expérimental anglais Cyclobe et membre du groupe live de Shirley Collins. Dans une interview avec The Quietus, Brown a déclaré qu'il avait été impressionné par la vielle à roue depuis le moment où il l'avait entendue dans une adaptation de la BBC des années 1970 de M.R. James. Coeurs perdus, "qui a une scène incroyablement effrayante d'un étrange enfant fantôme bleu jouant de la vielle à roue au pied du lit d'un jeune garçon". C'était, a-t-il dit, "extrêmement obsédant" mais convaincant d'une manière qui a suscité sa curiosité. Il l'a ensuite recherché dans la musique baroque ancienne et la musique folklorique traditionnelle et provinciale de France. Il a finalement trouvé "une merveilleuse et extrêmement belle Vielle à roue" réalisée par Pajot, au milieu des années 1800 - une célèbre famille de facteurs français qui a construit des instruments à Jenzat, en France, de la fin du 18ème siècle jusqu'à la Seconde Guerre mondiale. Brown a déclaré qu'il était le plus fortement attiré par la musique folklorique hongroise et ukrainienne, jouée principalement par des paysans, des ouvriers ou des musiciens de rue itinérants. "J'ai trouvé leur façon de jouer, en adoptant une approche brute et moins ornementale, très excitante", a-t-il expliqué. La composition à la vielle à roue de Brown "The Split Ash Tree" était un moment fort de l'album de retour de Shirley Collins, Lodestar:

Wishart comparant le son de la vielle à roue aux synthés et aux pédales rend peut-être l'appariement de Matmos de l'instrument avec des synthés modulaires sur La guerre civile album moins surprenant qu'il ne l'était en 2003. Parce que leur vielle à roue n'avait pas de 'chien', ils l'ont reconstruit électroniquement et ont déformé les canaux gauche et droit pour le morceau 'Regicide'. Dans une interview à l'époque, Daniel décrit ces vielles divergentes comme "comme si le sol de la pièce était incliné ou que la bande était mâchée".

Alors que la capacité de la vielle à roue à remplir l'espace avec son chant funèbre multi-tonal implacable est pour certains le rêve sonore absolu, pour d'autres c'est l'étoffe du cauchemar. Son son distinctif, créé par ces restrictions techniques, signifie qu'il ne s'intègre souvent pas tout à fait dans un groupe, et Wishart a souligné que sa construction complexe et sa technique de jeu déroutante ne se prêtent pas non plus à la notation musicale. Son écorce râpeuse et râpeuse signifie également qu'elle coupe à travers tout ce avec quoi elle joue – elle dit qu'elle a même parfois cassé les haut-parleurs du tweeter en studio lors de l'enregistrement. Considéré ainsi, il n'est pas surprenant que les musiciens expérimentaux aient compris le caractère unique de la vielle à roue, ce qui, comme le dit Wishart, rend son son « aussi vieux que nouveau ».

La vielle peut ramper ou bondir, et ce chien bourdonnant a des dents. Cela peut ressembler plus à une horde de joueurs infernaux de l'enfer qu'à un seul instrument à manivelle, mais c'est là que réside son pouvoir. Wishart pense qu'en raison de ces diverses particularités, la vielle à roue a été libre de se déplacer d'une manière que les autres instruments ne peuvent pas. C'est tout seul, dit-elle, "quelque chose d'un nomade culturel et social - un esprit de musique libre".


Ethan James, 56 ans, a joué de la musique du heavy metal au médiéval

Ethan James, membre du groupe de heavy metal des années 60 Blue Cheer qui est passé dans les années 1980 à un rôle en coulisses en tant que producteur et ingénieur sur des dizaines d'enregistrements, est décédé. Il avait 56 ans.

James est décédé le 19 juin à San Francisco après une bataille de huit mois contre le cancer du foie, a déclaré une amie de longue date, Lisa Mitchell Silverman. "Très peu de gens savaient qu'il était malade", a-t-elle déclaré. "Il ne voulait pas que les gens s'inquiètent."

Après avoir quitté Blue Cheer, James est devenu un mentor de confiance d'une jeune génération de groupes émergents de punk, alternatif et roots-rock avant de changer de carrière à la fin des années 1980 pour se concentrer sur le jeu et la promotion de la musique médiévale.

James est né Ralph Burns Kellogg en 1946 à Pasadena et a déménagé avec sa famille en 1957 à Sacramento, où il a appris seul à jouer du piano, de la guitare, de la basse et de la batterie. Pour poursuivre une vie dans la musique, il a déménagé à San Francisco après le lycée et est devenu membre du groupe Mint Tattoo. Il a ensuite rejoint le groupe pionnier de heavy metal Blue Cheer juste après que le groupe ait enregistré son plus grand succès, un remake de "Summertime Blues" d'Eddie Cochran.

James a tourné et enregistré avec Blue Cheer dans les années 70, puis a décidé de construire son propre studio d'enregistrement à Los Angeles, créant Radio Tokyo Studio à Venise. Le studio de James est rapidement devenu un lieu de rencontre populaire pour des groupes tels que les Bangs (plus tard les Bangles), Black Flag, les Minutemen, Jane's Addiction et bien d'autres.

« Il était très intéressé à entendre différents groupes et à voir ce que les gens inventaient, plutôt que d'essayer de modeler quelque chose », a déclaré récemment Greg Ginn, guitariste de Black Flag et fondateur de SST Records, qui abrite divers groupes qui ont travaillé avec James.

Eddie Munoz des Plimsouls a déclaré que James "se tenait debout dans une scène qui avait besoin de concentration".

L'ancien bassiste de Minutemen, Mike Watt, a déclaré que James était la personne qui avait enregistré et mixé l'album "Double Nickels on the Dime" des Minutemen.

"Il a mixé les 45 chansons en une nuit", a déclaré Watt, qui a également travaillé avec James dans les groupes post-Minuteur Firehose et Dos. "Ethan avait beaucoup de respect pour la musique des autres et n'a jamais dominé ou contrôlé."

Au cours de cette période, James a pris son nouveau nom parce que, selon Silverman, "Il n'a jamais aimé le nom de Ralph, et après l'avoir recherché, il a dit qu'il avait découvert que les personnes les plus prospères avaient deux prénoms."

James a vendu le studio Radio Tokyo en 1989 pour se concentrer sur un nouvel engouement pour la vielle à roue, un instrument médiéval qui sonne comme un croisement entre un violon et une cornemuse. Il a passé une grande partie des années 1990 à jouer et à enregistrer de la musique médiévale et a sorti une série d'albums de musique de vielle à roue.

"Il est devenu le gars de la vielle à roue à L.A. pendant un certain temps", a déclaré Ginn. James a également interprété une pièce que Mozart a composée pour l'instrument avec le San Francisco Mozart Festival Orchestra.

"Il était vraiment dévoué à l'instrument", a déclaré le multi-instrumentiste David Lindley, qui a joué avec James à plusieurs reprises ces dernières années lors de concerts à San Francisco. « C'est un instrument merveilleux et dérangeant, mais qui peut aussi être très beau. Il pouvait tout faire avec. Cela nous a juste époustouflé le son qu'il a sorti de cette chose.

James a ensuite repris le nyckelharpa suédois, un instrument à plusieurs cordes joué avec un archet, et s'est rendu en Suède pour étudier plus avant l'instrument.


Contenu

In Extremo a commencé comme deux projets : un groupe sans nom, purement médiéval, et un groupe de rock. Ils se sont fait connaître à cette époque par de fréquentes apparitions lors de réunions de marché médiévales, au cours desquelles ils ont interprété leurs pièces acoustiques et vendu des CD de leurs interprétations de chansons traditionnelles. Le 11 avril 1995, lors de l'enregistrement de la saison de cette année-là, Michael Rhein (alias Das letzte Einhorn, "La Dernière Licorne") a trouvé le nom du projet "In Extremo".

La plupart des membres du groupe se produisent sous des noms de scène. Les premiers membres de la bande médiévale étaient Das letzte Einhorn ("La Dernière Licorne", chant), Flex der Biegsame ("Flex the Flexible", cornemuses), Dr Pymonte (cornemuse), Conny Fuchs (qui a quitté le groupe avant la date de sortie officielle, en raison de sa grossesse, et a été remplacée par le Dr Pymonte) et Sen Pusterbalg (remplacé peu après la sortie officielle par Pfeiffer jaune, "Yellow Piper", cornemuses). Le groupe de rock était à l'origine composé de Thomas der Munzer ("Thomas the Coiner", guitare), Der Morgenstern ("L'étoile du matin", batterie) et Die Lutter ("The Lutter", guitare basse). Der Münzer a ensuite quitté le groupe et, à partir de 2000 [mise à jour] , le guitariste du groupe est Van Lange ("Le Long"). Comme indiqué ci-dessous, presque tous les membres du groupe jouent de plusieurs instruments.

Le nombre croissant de visiteurs, le succès de leurs CD et l'intérêt populaire, ainsi que la pollinisation croisée de groupes tels que Corvus Corax et Bathory, ont encouragé In Extremo en 1995 à tenter de créer un groupe combinant cornemuses et autres instruments traditionnels avec le rock guitares. Le résultat a été l'incarnation actuelle d'In Extremo, un groupe de rock qui intègre des instruments modernes comme la batterie, la basse électrique et la guitare avec les éléments acoustiques précédemment utilisés pour les chansons médiévales, et qui joue les deux types de musique ainsi qu'un hybride de les deux. [1]

En août 1996, ils commencent à travailler sur le premier album d'In Extremo, qui contient déjà deux morceaux du nouveau projet rock. Parce que l'album n'avait pas de nom officiel, il est devenu connu sous le nom Or à cause de la couverture dorée. En février 1997, comme le single Der Galgen ("The Gallows"), il s'est rapidement vendu sur les marchés médiévaux.

In Extremo a joué séparément en tant que groupe médiéval et groupe de rock, jusqu'au 29 mars 1997, date à laquelle ils ont joué leur premier concert de rock en direct. Depuis cette date, ils ont donné cette date comme date d'établissement. Les deux projets ont été officiellement fusionnés le 11 janvier 1998. Avril 1998 a vu le premier concert In Extremo « à occupation élevée » au château Rabenstein dans le Brandebourg.

Au fil des ans, leur musique est devenue plus basée sur le heavy metal, tout en devenant de plus en plus un succès commercial. Les instruments classiques, cependant – cornemuses, shawms et luths – jouent toujours un rôle important. Le groupe est également connu pour ses costumes de scène remarquables et connu pour avoir utilisé la pyrotechnie dans ses concerts, notamment Der Morgenstern jouant des cymbales qui ont été incendiées.

Le 26 février 2010, In Extremo a annoncé que Der Morgenstern avait quitté le groupe en raison de différences musicales via leur page d'accueil. Le 11 juin, Florian "Specki T.D." Speckardt a été annoncé comme son remplaçant à la batterie. Depuis lors, ils ont procédé à la sortie de 3 albums : Sterneneisen, Kunstraub et Quid Pro Quo, qui ont tous atteint le top 10 des charts allemands, Sterneneisen et Quid Pro Quo occupant tous deux la première place pendant un certain temps. Leur 13e album, Kompass zur Sonne, devait sortir en mai 2020, [2] mais a été reporté à 2021 en raison de la pandémie de COVID-19.

Le 30 juillet 2020, ils ont joué un concert en direct en ligne pour Wacken World Wide. [3]

Apparences Modifier

La première apparition majeure du groupe a eu lieu dans la première partie du jeu vidéo de 2001 gothique. Un groupe de musiciens itinérants appelé 'In-Extremo' joue leur version de la chanson "Herr Mannelig", de l'album Verehrt und Angespien, près de la potence à l'extérieur du château du vieux camp dans le deuxième chapitre du jeu.

Forts de leur succès, les programmes musicaux ont également commencé à prêter attention à In Extremo. Ils ont été invités à l'émission télévisée Viva Interactive, où ils ont donné un appel et une réponse de quinze minutes et ont joué deux chansons. Ils ont rejeté à l'époque une invitation à Le top des pops jouer Küss Mich ("Kiss Me"), car ce n'était, selon Das letzte Einhorn, pas leur environnement. Néanmoins, ils ont accepté une nouvelle invitation à TotP en 2005 et ont joué Nur Ihr Allein ("Seulement vous seul").

Dans le même temps, leur public grandit avec des apparitions en direct, des marchés aux festivals comme Rock am Ring, le Taubertal Festival et le Nova Rock en Autriche. Leur plus grande apparition publique a cependant eu l'ouverture d'In Extremo pour la tournée d'adieu de Böhse Onkelz en juin 2005, avec environ 120 000 spectateurs.

In Extremo a participé pour la dernière fois le 9 février 2006, au concours Bundesvision de la chanson de Stefan Raab pour l'État libre de Thuringe. Das letzte Einhorn est né à Dingelstädt et a grandi à Leinefelde. Les deux villes se trouvent dans le nord de la Thuringe. Le groupe occupait la troisième place avec "Liam (allemand)". Avant, ils s'étaient présentés le 2 février dans l'émission télévisée Total TV.

In Extremo a joué en 2006 au Wacken Open Air, ainsi qu'au M'era Luna Festival à Hildesheim. Fin 2006, ils ont joué dans le cadre de leur "10 Year Anniversary Tour" en Allemagne, en Autriche et en Suisse.

Succès Modifier

Le premier album d'In Extremo qui a attiré l'attention a été Verehrt und Angespien ("Adoré et craché sur"). Il atteint à l'époque une sensationnelle 11e place dans les charts allemands. L'album suivant, Sünder ohne Zügel ("Unbridled Sinners"), est arrivé à la 10ème place.

Le groupe a eu beaucoup de succès avec l'album "7" il est arrivé à la 3ème place des charts allemands. La vidéo du single Küss Mich a été fréquemment diffusé à la télévision musicale allemande. Les singles ont atteint des classements élevés.

Le huitième album Mein Rasend Herz [4] ("My Racing Heart") a atteint la troisième place dans les charts de l'album en 2005. [5] Trois singles ont été publiés à partir de cet album : Nur Ihr Allein ("Only You Alone") le 17 mai 2005, Horizont (« Horizon ») le 12 septembre 2005, et « Liam (allemand) » le 3 février 2006. Le 10 février 2006, le deuxième CD/DVD live, « Raue Spree », a été publié, arrivant à la 4e place du graphiques. De plus, le CD "7" et le DVD "Raue Spree" ont obtenu le statut d'or au début de 2007.

Le neuvième album Sängerkrieg [6] ("La guerre des chanteurs") est allé à la première place sur les charts d'album de l'Allemagne le 23 mai 2008. [7] En Autriche, il a atteint la treizième place et en Suisse la vingt-deuxième place. En Allemagne, c'était le 41e album le plus vendu de l'année en 2008.

Outre la guitare électrique, la basse et la batterie, In Extremo se définit par des instruments non conventionnels (pour un groupe de rock) principalement d'origine médiévale. Ils comprennent vielle à roue, cornemuse, Uilleann Pipes, shawm, nyckelharpa, harpe, cistre, tromba marina, dulcimer martelé, Klangbaum et divers types de tambours et percussions. Les cornemuses sont les plus remarquables de ces instruments, car le Dr Pymonte, Yellow Pfeiffer et Flex der Biegsame jouent tous de la cornemuse, parfois les trois à la fois. Tous les membres du groupe jouent de plusieurs instruments et font fréquemment alterner les instruments entre les chansons. Das letzte Einhorn joue fréquemment un cistre pendant certaines chansons, comme Ai Vis A Lo Lop.

Leurs cornemuses ont été en partie fabriquées par le Dr Pymonte, mais sont également en partie construites par un constructeur de pipes bien connu. Le groupe utilise également un tambour à cadre sur mesure recouvert de peau de zèbre, appelé Das Pferd ("Le cheval"). La plupart des autres instruments acoustiques, tels que leurs shawms, ne sont fabriqués que par quelques autres facteurs d'instruments.

Certaines paroles ne sont pas écrites par le groupe, mais certaines – comme les instruments – sont issues de chansons traditionnelles écrites au Moyen Âge et à la Renaissance.

La plupart des paroles du répertoire de chansons médiévales du groupe proviennent d'écrits religieux (par ex. Wessebronner Gebet), les écrits bénédictins (ex. Raue Voir), ou sont "trad. arr.", ce qui signifie des chansons traditionnelles avec des auteurs inconnus, réarrangées par le groupe (par exemple Merseburger Zaubersprüche, Tannhuser, Poc Vecem). Le groupe utilise également fréquemment des chansons des Carmina Burana, une collection de chansons médiévales, ainsi que des paroles écrites sous forme de poésie par le poète français du XVe siècle François Villon (Rotes Haar, "Cheveux roux" et Erdbeermund, "Strawberry Mouth" traduit en allemand par Paul Zech).

Le groupe utilise également des poèmes d'écrivains ultérieurs tels que Johann Wolfgang von Goethe (Der Rattenfänger, "The Ratcatcher") et Ludwig Uhland, qui a écrit Des Sängers Fluch ("La malédiction du chanteur") - qui In Extremo a changé pour s'appeler Spielmannsfluch ("La malédiction du ménestrel"). Pour l'album Mein Rasend Herz, In Extremo a initialement écrit les paroles de la chanson « Liam » en allemand, après quoi elles ont été traduites en irlandais par Rea Garvey, qui était également chanteuse invitée sur la chanson.


L'histoire de la vielle à roue

L'origine de la vielle à roue reste incertaine. Le matériel source ne fournit aucune preuve spécifique que l'instrument a été utilisé à l'Est avant son apparition en Europe. Au cours de la période gothique, un grand ancêtre de la vielle à roue, l'organistrum, était utilisé dans les cloîtres et les écoles monastiques pour enseigner la musique, exécuter la polyphonie religieuse et fournir une intonation correcte pour le chant de la congrégation. Le nom "organistrum" est probablement dérivé du latin "organum", signifiant dans son sens le plus large un instrument sur lequel plusieurs parties du "corps" de l'instrument sont adaptées à une certaine fonction et travaillant ensemble de manière analogue à l'orgue. En raison de la taille de l'organistrum (entre 1,5 et 2 mètres de long et en forme de violon ou de guitare), il doit être joué par deux hommes, placés horizontalement sur leurs genoux. Un homme actionnait les tangentes tandis que l'autre tournait la manivelle, faisant sonner les trois cordes simultanément. Les hauteurs d'un organistrum étaient réglées selon le tempérament pythagoricien. Une première représentation d'un organistrum se trouve dans la cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle (Espagne, 1168&ndash1188) dans une sculpture sur le "Portico de la Gloria".

Le rôle le plus important de la vielle à roue était sa fonction dans la musique profane. Au début du XIIIe siècle, il avait été complètement transformé en un appareil portable beaucoup plus petit, connu sous le nom de chifonie (français) ou symphonie (du grec sym-phonos = sons harmonieux), joués par un seul musicien. De nombreuses références littéraires du Moyen Âge montrent que la vielle à roue se trouvait parmi d'autres instruments à cordes, généralement associée aux variétés pincées. Parfois, il était associé à des instruments de bourdon tels que le vielle (le violon médiéval).

La page complète du Psautier de Luttrell au Psaume 99, avec des personnages marginaux jouant des cloches, un orgue portatif, des cornemuses, une symphonie et les nakers. Bibliothèque britannique de Londres. Aînés jouant de l'organistrum.
Saint-Jacques de Compostelle, Espagne.

La vielle à roue était fréquemment utilisée pour accompagner les chansons de geste avec des préludes et interludes instrumentaux et, le cas échéant, de doubler la ligne vocale. Bien que la vielle à roue ait trouvé de nombreux partisans dans la vie laïque au XVe siècle, il existe des preuves de diverses représentations qu'elle était encore populaire dans les cercles religieux. Un bel exemple est une illustration du manuscrit italien, appelé le Livre d'heures des Sforza 1 Milan, ch. 1490) aujourd'hui conservé à la British Library de Londres (3 pour les images). Une page avec un hymne Alleluya montre comme motif décoratif un ange jouant d'une vielle à roue de forme ovale, similaire à la forme communément connue, avec sept ou huit touches (certaines sont cachées par la main de l'ange), ce qui lui donne une portée d'une octave. 2


La forme médiévale de la vielle à roue était la symphonie en forme de boîte, ici une reconstruction selon les motifs du Psautier de Luttrell.
Un regard à l'intérieur d'une symphonie. La boîte à chevilles intérieure, deux drones, des tangentes accordables, un pont menant les cordes et la roue en bois enduit de résine connectée à la manivelle à l'extérieur et la roue en bois enduite de résine connectée à la manivelle à l'extérieur de l'instrument sont visibles. Les cordes sont enveloppées de coton pour empêcher l'arc circulaire et la roue de s'user à travers les cordes.

Retrowange nouvelle (Jaques de Cambrai, Trouvègre XIIIe siècle), joué sur une symphonie de Riccardo Delfino, facteur de vielle (site Helmut Gotschy)

La vielle à roue a finalement complètement quitté l'environnement du cloître et s'est fermement établie en tant qu'instrument de ménestrel. Sa propagation a été facilitée par les ménestrels et les troubadours errants, qui ont trouvé un emploi en nombre croissant dans les cours et les villes florissantes. Peu à peu, l'église a commencé à accepter leur participation à des processions religieuses et à des événements similaires. C'est ainsi que la vielle à roue s'est insinuée à tous les niveaux sociaux de la société occidentale, de la noblesse aux simples paysans du village. On pouvait l'entendre en accompagnement de musique de danse ainsi que dans l'orchestre des pièces de mystère populaires.

La réputation de la vielle à roue commence à décliner au fur et à mesure que de plus en plus de pauvres s'en emparent pour gagner leur vie alors que certains espéraient prétendre au statut de troubadours qui recevaient de généreuses compensations ("chargés de cadeaux"). Cependant, en raison du nombre croissant de joueurs de vielle à roue et du changement de goût musical qui exigeait des capacités polyphoniques supérieures à celles que pouvait offrir la vielle à roue, l'instrument est tombé en disgrâce parmi la noblesse et a été relégué aux classes sociales les plus basses composées de paysans, mendiants et musiciens aveugles. 3

De liereman (Le joueur de vielle à roue)
Nicolas Maes
c. 1656/58
Musée de Dordrecht De liereman (détail)
(Le joueur de vielle à roue, détail)
Nicolas Maes

En raison de son déclin de prestige, la vielle à roue a été étiquetée avec des noms comme l'allemand Bauernleier (lyre paysanne) ou Bettlerleier (lyre de mendiant). Alors que Michael Praetorius dans son Syntagma Musicum (1619) l'a appelé le Bawren vnnd vmblauffenden Weiber Leyre ("quota lyre pour les paysans et les femmes traînantes"), Marin Mersenne dans son Harmonie universelle (1636) l'appelle spécifiquement un instrument de mendiant aveugle, « joué uniquement par les pauvres, et en particulier par les aveugles qui gagnent leur vie avec l'instrument ». 4

La perte de la respectabilité de la vielle à roue est évidente dans presque toutes les peintures de l'époque montrant un joueur de vielle à roue. Un décret de 1651 avait déjà chargé l'officier de l'ordre public de s'assurer que les musiciens itinérants avaient les licences appropriées : les musiciens se plaisent à cultiver avec d'autres impertinences. » Les peintures de Brueghel et Bosch reflètent également la valeur symbolique négative attribuée à la vielle à roue en soulignant un lien supposé entre la cécité physique et morale (voir aussi ci-dessous : Kahren Jones Hellerstedt).

Un joueur de vielle entouré d'enfants du village(détail)
David Vinckboons
1606
Huile sur panneau, 43,2 x 73,6 cm.
Collection privée

Les vielles représentées dans les peintures hollandaises/flamandes du XVIIe siècle font généralement référence à la forme de la Renaissance telle qu'elle apparaît dans Michael Praetorius&# 39 Syntagma Musicum (Leipzig 1619). Il s'agissait d'instruments universellement jouables adaptés à la musique de danse de la Renaissance et du début du baroque et à l'accompagnement de ballades.

A la fin du XVIIe siècle, la vielle connaît un renouveau à la cour de France puisqu'elle semble évoquer la nostalgie du passé champêtre. Sous le règne de Louis XIV, l'idéal arcadien de la tranquillité d'une vie à la campagne en accord avec la nature, gagna les faveurs de la cour. Le roi se livra frivolement à toutes sortes de passe-temps ruraux, et toute la cour suivit. Vers 1720, le grand luthier versaillais Henri Bâton développa les formes classiques de luth et de guitare utilisées pour les vielles à roue jusqu'à nos jours. Il a également amélioré son son rauque et rauque, le rendant plus adapté à la musique de chambre. Son fils Charles a écrit de nombreuses suites et sonates pour une ou deux vielles avec et sans basse continue ainsi que des concertos de chambre pour la vielle avec d'autres instruments. D'autres constructeurs comme Pierre et Jean Louvet (milieu du XVIIIe siècle) ou Jean-Nicolas Lambert ont cherché à améliorer les capacités de l'instrument. Leurs instruments sont d'une beauté remarquable, incrustés de nacre et surmontés d'une tête sculptée au fond de la boîte à chevilles.

Une vielle à roue en forme de guitare baroque basée sur les conceptions développées par Henry Bâton. Il a un son plus calme et distinctement doux et la décoration montre la tête de cheville sculptée traditionnelle et la bordure incrustée.

Une vielle à roue en forme de luth. Le grand corps donne aux drones une grande base. La coque incurvée donne la mélodie et la 'trompette' donne la puissance de transport nécessaire.

Au XVIIIe siècle, la vielle à roue partageait son répertoire avec la petite cornemuse, la musette ou "musette de cour" (voir La Cornemuse). Cependant, étant donné que les domaines des deux instruments étaient différents, leurs répertoires, bien que se chevauchant, n'étaient pas interchangeables. De plus, alors que la vielle à roue reste largement un instrument d'amateur, la musette gagne une place permanente dans l'orchestre d'opéra, notamment pour les pièces pastorales populaires de l'époque. De nombreux compositeurs, comme Joseph Bodin de Boismortier, ou le précité Charles Bácircton, ou encore Wolfgang Amadeus Mozart et Antonio Vivaldi ont écrit de la musique pour la vielle à roue.

En 1760, la vielle à roue avait commencé à décliner en tant qu'instrument de salon, mais elle continuait à être utilisée pour jouer des arrangements d'airs populaires, en particulier par les musiciens de rue. La tradition des Savoyards 5 , qui avaient fui la misère de leur patrie pour gagner leur vie dans les rues en jouant de la vielle à roue, a donné des histoires à de nombreuses œuvres musicales scéniques. Au XIXe siècle, la vielle à roue était présente dans tout le centre de la France et dans certaines parties de la Bretagne, du nord de la France et de la Belgique. Elle était fréquemment jouée avec des cornemuses pour les danses publiques et lors des mariages où le répertoire se composait de valses, mazurkas, bransles et bourrées.

Au XXe siècle, la vielle a commencé à s'éteindre, mais dans le renouveau des traditions populaires dans les années 1960, elle a réapparu et a conduit à la fondation de festivals (surtout à Saint Chartier, Indre-département, centre de la France) et même d'une vielle à roue. -Musée de la vielle à Montluçon (Auvergne, France) qui possède l'une des plus importantes collections du genre, servant aujourd'hui de centre d'études. Aujourd'hui, la vielle à roue est occasionnellement employée par des musiciens de rock et de jazz.


Contenu

Donovan est né le 10 mai 1946 à Maryhill, Glasgow [6] [7] de Donald et Winifred (née Phillips) Leitch. Ses grands-mères étaient irlandaises. [8] [9] Il a contracté la polio comme un enfant. La maladie et le traitement l'ont laissé boiter. [10] Sa famille a déménagé dans la nouvelle ville de Hatfield, Hertfordshire, Angleterre. Influencé par l'amour de sa famille pour la musique folk, il commence à jouer de la guitare à 14 ans. Il s'inscrit à l'école des beaux-arts mais abandonne rapidement pour vivre ses aspirations beatnik en partant sur la route. [11]

1964-1965 : Devenir célèbre Modifier

De retour à Hatfield, Donovan a passé plusieurs mois à jouer dans des clubs locaux, à s'imprégner de la scène folk autour de sa maison à St Albans, à apprendre la technique du crosspicking à la guitare avec des joueurs locaux tels que Mac MacLeod et Mick Softley et à écrire ses premières chansons. En 1964, il se rend à Manchester avec Gypsy Dave, puis passe l'été à Torquay, Devon. À Torquay, il est resté avec Mac MacLeod et a commencé à jouer de la rue, à étudier la guitare et à apprendre le folk traditionnel et le blues. [12] [13]

À la fin de 1964, Donovan s'est vu offrir un contrat de gestion et d'édition par Peter Eden et Geoff Stephens de Pye Records à Londres, pour lequel il a enregistré une démo de 10 pistes (publiée plus tard sur iTunes), qui comprenait l'original de son premier single, "Attrape le vent" et "Josie". La première chanson révélait l'influence de Woody Guthrie et de Ramblin' Jack Elliott, qui avait également influencé Bob Dylan. Les comparaisons de Dylan ont suivi pendant un certain temps. [14] Dans une interview avec la radio KFOK aux États-Unis le 14 juin 2005, MacLeod a déclaré : « La presse aimait appeler Donovan un clone de Dylan car ils avaient tous deux été influencés par les mêmes sources : Ramblin' Jack Elliott, Jesse Fuller, Woody Guthrie, et bien d'autres." [ citation requise ]

Pendant l'enregistrement de la démo, Donovan s'est lié d'amitié avec Brian Jones des Rolling Stones, qui enregistrait à proximité. Il avait récemment rencontré l'ex-petite amie de Jones, Linda Lawrence, qui est la mère du fils de Jones, Julian Brian (Jones) Leitch. [15] La relation amoureuse qui s'est développée sur cinq ans a été une force dans la carrière de Donovan. Elle a influencé la musique de Donovan mais a refusé de l'épouser et elle a déménagé aux États-Unis pendant plusieurs années à la fin des années 1960. Ils se sont rencontrés par hasard en 1970 et se sont mariés peu de temps après. Donovan a eu d'autres relations – dont l'une a abouti à la naissance de ses deux premiers enfants, Donovan Leitch et Ione Skye, qui sont tous deux devenus acteurs.

Donovan et Dylan Modifier

Lors du voyage de Bob Dylan au Royaume-Uni au printemps 1965, la presse musicale britannique faisait des comparaisons entre les deux auteurs-compositeurs-interprètes qu'elle présentait comme une rivalité. Cela a incité le guitariste des Rolling Stones Brian Jones à dire :

Nous avons aussi regardé Donovan. Il n'est pas trop mauvais chanteur mais son truc ressemble à celui de Dylan. Son 'Catch The Wind' sonne comme 'Chimes of Freedom'. Il a une chanson, 'Hey Tangerine Eyes' et ça ressemble à 'Mr. Tambourin Man'. [16]

Donovan est le courant sous-jacent dans le film de D. A. Pennebaker Ne regarde pas en arrière documenter la tournée de Dylan. Vers le début du film, Dylan ouvre un journal et s'exclame : « Donovan ? Qui est ce Donovan ? et ses associés stimulent la rivalité en disant à Dylan que Donovan est un meilleur guitariste, mais qu'il n'était là que depuis trois mois. Tout au long du film, le nom de Donovan est vu à côté de celui de Dylan sur les gros titres des journaux et sur les affiches en arrière-plan, et Dylan et ses amis se réfèrent constamment à lui.

Donovan apparaît enfin dans la seconde moitié du film, aux côtés de Derroll Adams, dans la suite de Dylan à l'hôtel Savoy malgré le refus de la direction de Donovan d'autoriser les journalistes à être présents, affirmant qu'ils ne voulaient "aucune cascade dans le sens du disciple rencontrant le Messie". [17] Selon Pennebaker, Dylan lui a dit de ne pas filmer la rencontre et Donovan a joué une chanson qui ressemblait à "M. Tambourine Man" mais avec des mots différents. Lorsqu'il a été confronté à la levée de son air, Donovan a déclaré qu'il pensait que c'était une vieille chanson folklorique. [18] Une fois que la caméra a tourné, Donovan joue sa chanson, "To Sing For You", puis demande à Dylan de jouer "Baby Blue". Dylan a dit plus tard Créateur de mélodies: "Il m'a joué des chansons. . Je l'aime bien. . C'est un gars sympa." Créateur de mélodies a noté que Dylan avait mentionné Donovan dans sa chanson "Talking World War Three Blues" et que la foule s'était moquée, ce à quoi Dylan avait répondu dans les coulisses: "Je ne voulais pas rabaisser le gars dans mes chansons. Je l'ai juste fait pour une blague, c'est tout."

Dans une interview pour la BBC en 2001 pour marquer le 60e anniversaire de Dylan, Donovan a reconnu Dylan comme une influence au début de sa carrière tout en se distanciant des allégations de "clone de Dylan":

Celui qui nous a vraiment appris à jouer et à apprendre toutes les chansons traditionnelles était Martin Carthy – qui a d'ailleurs été contacté par Dylan lorsque Bob est arrivé pour la première fois au Royaume-Uni. Bob a été influencé, comme tous les artistes folk américains, par la musique celtique d'Irlande, d'Écosse et d'Angleterre.Mais en 1962, nous, les Britanniques folks, étions également influencés par le blues folk et les interprètes folk américains de notre héritage celtique. Dylan est apparu après que Woody [Guthrie], Pete [Seeger] et Joanie [Baez] aient conquis nos cœurs, et il avait l'air d'un cow-boy au début mais je savais où il avait trouvé ses affaires – c'était Woody au début, puis c'était Jack Kerouac et la poésie du courant de conscience qui l'animait. Mais quand j'ai entendu 'Blowin' in the Wind', c'était l'appel du clairon à la nouvelle génération - et nous, les artistes, avons été encouragés à être aussi courageux dans l'écriture de nos pensées en musique. Nous n'avons pas été captivés par son influence, nous avons été encouragés à l'imiter - et rappelez-vous que chaque groupe britannique des Stones aux Beatles copiait note pour note, lick pour lick, tous les artistes pop et blues américains - c'est ainsi que les jeunes artistes apprendre. Il n'y a pas de honte à imiter un héros ou deux – cela fait travailler les muscles créatifs et tonifie la qualité de notre composition et de notre technique. Il n'y a pas que Dylan qui nous a influencés – pour moi, il a été un fer de lance de la contestation, et nous avons tous essayé son style. J'ai sonné comme lui pendant cinq minutes – d'autres ont fait carrière avec son son. Comme les troubadours, Bob et moi pouvons écrire sur n'importe quelle facette de la condition humaine. Être comparé était naturel, mais je ne suis pas un copiste. [19]

Collaboration avec Mickie Most Modifier

À la fin de 1965, Donovan s'est séparé de sa direction d'origine et a signé avec Ashley Kozak, qui travaillait pour les entreprises NEMS de Brian Epstein. Kozak a présenté Donovan à l'homme d'affaires américain Allen Klein (plus tard directeur des Rolling Stones et dans leurs derniers mois, les Beatles). [20] Klein a présenté à son tour Donovan au producteur Mickie Most, [21] qui avait des productions en tête des charts avec les Animaux, Lulu et Herman's Hermits. La plupart ont produit tous les enregistrements de Donovan au cours de cette période, bien que Donovan ait déclaré dans son autobiographie que certains enregistrements étaient autoproduits, avec peu de contribution de Most. Leur collaboration a produit des singles et des albums réussis, enregistrés avec des joueurs de session de Londres, dont Big Jim Sullivan, [22] Jack Bruce, [23] Danny Thompson, [24] et les futurs membres de Led Zeppelin John Paul Jones et Jimmy Page. [25]

De nombreux enregistrements de Donovan à la fin des années 1960 présentaient des musiciens, dont son collaborateur musical clé John Cameron au piano, Danny Thompson (de Pentangle) ou Spike Heatley à la contrebasse, Tony Carr à la batterie et aux congas et Harold McNair au saxophone et à la flûte. Le style conga de Carr et le jeu de flûte de McNair sont caractéristiques de nombreux enregistrements. Cameron, McNair et Carr ont également accompagné Donovan lors de plusieurs tournées de concerts et peuvent être entendus sur son album live de 1968. Donovan en concert.

Soleil Superman Éditer

En 1966, Donovan avait abandonné les influences Dylan/Guthrie et était devenu l'un des premiers musiciens pop britanniques à adopter le flower power. Il s'est immergé dans le jazz, le blues, la musique orientale et la nouvelle génération de groupes de la contre-culture de la côte ouest des États-Unis tels que Jefferson Airplane et les Grateful Dead. Il entrait dans sa phase la plus créative en tant qu'auteur-compositeur et artiste d'enregistrement, travaillant avec Mickie Most et avec l'arrangeur, musicien et fan de jazz John Cameron. Leur première collaboration était "Sunshine Superman", l'un des premiers disques de pop psychédélique. [21]

L'ascension de Donovan s'est arrêtée en décembre 1965 lorsque Panneau d'affichage a annoncé la nouvelle de l'accord de production imminent entre Klein, Most et Donovan, puis a annoncé que Donovan allait signer avec Epic Records aux États-Unis. Malgré les démentis de Kozak, Pye Records abandonne le single et un différend contractuel s'ensuit, car Pye a un accord de licence américain avec Warner Bros. Records. En conséquence, la sortie au Royaume-Uni du Soleil Superman LP a été retardé pendant des mois, le privant de l'impact qu'il aurait eu. Un autre résultat était que les versions britannique et américaine de cet album et des suivants différaient - trois de ses LP Epic ne sont pas sortis au Royaume-Uni, et Soleil Superman a été délivré sous une forme différente dans chaque pays. Plusieurs morceaux de ses LP Epic (US) de la fin des années 1960 ne sont pas sortis au Royaume-Uni depuis de nombreuses années. Le différend juridique s'est poursuivi jusqu'au début de 1966. Pendant la pause, Donovan a passé des vacances en Grèce, où il a écrit "Writer in the Sun", [26] inspiré par des rumeurs selon lesquelles sa carrière d'enregistrement était terminée. Il a fait une tournée aux États-Unis et est apparu dans l'épisode 23 de l'émission télévisée de Pete Seeger Quête de l'arc-en-ciel en 1966 avec Shawn Phillips et le révérend Gary Davis. Après son retour à Londres, il a développé son amitié avec Paul McCartney et a contribué la ligne "ciel de bleu et mer de vert" à "Yellow Submarine". [27]

Au printemps 1966, les problèmes des contrats américains avaient été résolus et Donovan a signé un contrat de 100 000 $ avec Epic Records. Donovan et Most sont allés aux studios CBS à Los Angeles, où ils ont enregistré des morceaux pour un LP, composé en grande partie au cours de l'année précédente. Bien que les éléments folkloriques soient prédominants, l'album montre une influence croissante du jazz, du psychédélisme de la côte ouest américaine et du folk rock - en particulier les Byrds. Les sessions LP ont été achevées en mai et "Sunshine Superman" est sorti aux États-Unis en tant que single en juin. Ce fut un succès, en vendant 800 000 en six semaines et atteignant le numéro 1. Il s'est vendu à plus d'un million et a reçu un disque d'or. [28] Le LP a suivi en août, précédé par des commandes de 250 000 copies, a atteint le n ° 11 sur le graphique d'album américain et s'est vendu à plus d'un demi-million. [28]

La version américaine du Soleil Superman L'album est composé d'arrangements folk-jazz de style chambre et comprend des instruments tels que la basse acoustique, le sitar, le saxophone, les tablas et les congas, le clavecin, les cordes et le hautbois. Les faits saillants incluent le swing "The Fat Angel", dont le livre de Donovan confirme qu'il a été écrit pour Cass Elliot des Mamas & the Papas. La chanson est connue pour avoir nommé Jefferson Airplane avant qu'ils ne deviennent connus internationalement et avant que Grace Slick ne les rejoigne. Les autres morceaux incluent "Bert's Blues" (un hommage à Bert Jansch), "Guinevere" et "Legend of a Girl Child Linda", un morceau avec voix, guitare acoustique et un petit orchestre pendant plus de six minutes. [29]

L'album présente également le sitar, qui a été joué par le chanteur folk-rock américain Shawn Phillips. Donovan a rencontré Phillips à Londres en 1965, et il est devenu un ami et un premier collaborateur, jouant de la guitare acoustique et du sitar sur des enregistrements dont Soleil Superman ainsi que d'accompagner Donovan lors de concerts et dans l'émission télévisée de Pete Seeger. De manière créative, Phillips a servi de partenaire silencieux dans la gestation de nombreuses chansons de Donovan de l'époque, le chanteur reconnaissant plus tard que Phillips avait principalement composé "Season of the Witch". [30] Plusieurs chansons en incluant la piste de titre avaient un bord plus dur. La conduite, jazzy "The Trip", nommé d'après le nom d'un club de Los Angeles, a relaté un voyage au LSD pendant son séjour à L.A. et est chargé de références à son séjour sur la côte ouest, et nomme Dylan et Baez. La troisième chanson "lourde" était "Season of the Witch". [ citation requise ] Enregistré avec des musiciens américains et britanniques, il présente la première performance enregistrée de Donovan à la guitare électrique. La chanson a été reprise par Julie Driscoll, Brian Auger et la Trinité sur leur premier LP en 1967, et Al Kooper et Stephen Stills ont enregistré une version de 11 minutes sur l'album de 1968, Super séance. La version de Donovan est également dans la séquence de clôture du film de Gus Van Sant, Mourir pour. [ citation requise ]

En raison de problèmes contractuels antérieurs, la version britannique de Soleil Superman LP n'est pas sorti avant neuf mois. C'était une compilation de morceaux des albums américains Soleil Superman et Jaune moelleux. Donovan n'a pas choisi les pistes. [ citation requise ]

Jaune doux Modifier

Le 24 octobre 1966, Epic sort le single "Mellow Yellow", arrangé par John Paul Jones et mettant prétendument en vedette Paul McCartney aux choeurs, mais pas dans le refrain. [21] Dans son autobiographie, Donovan a expliqué que "la banane électrique" était une référence à un "vibromasseur de couleur jaune". [31] La chanson est devenue la chanson de signature de Donovan aux États-Unis et a atteint le numéro 2 du Billboard Hot 100, le numéro 3 du classement Cash Box et a remporté un record d'or pour des ventes de plus d'un million aux États-Unis. [28]

Au cours de la première moitié de 1967, Donovan a travaillé sur un projet de studio de double album, qu'il a produit. En janvier, il a donné un concert au Royal Albert Hall accompagné d'une ballerine qui a dansé pendant une représentation de 12 minutes de "Golden Apples". Le 14 janvier, New Musical Express a annoncé qu'il devait écrire de la musique de scène pour une production du National Theatre de Comme vous l'aimez, mais cela n'a pas abouti. Sa version de « Under the Greenwood Tree » est apparue sur « A Gift from a Flower to a Garden ».

En mars, Epic a sorti le Jaune moelleux LP (non sorti au Royaume-Uni), qui a atteint le n ° 14 dans les charts d'albums américains, plus un single non-album, "Epistle to Dippy", un hit du Top 20 aux États-Unis. Écrit comme une lettre ouverte à un ami d'école, la chanson avait un message pacifiste ainsi que des images psychédéliques. Le vrai "Dippy" était dans l'armée britannique en Malaisie. Selon Brian Hogg, qui a écrit les notes de pochette pour le coffret Donovan Troubadour, Dippy a entendu la chanson, a contacté Donovan et a quitté l'armée. Le 9 février 1967, Donovan fait partie des invités des Beatles aux studios Abbey Road pour l'overdub orchestral de "A Day in the Life", le final de Sgt. Groupe du club Pepper's Lonely Hearts. [32]

Arrestation Modifier

Au milieu de 1966, Donovan est devenu la première pop star britannique de premier plan à être arrêtée pour possession de cannabis. [10] La consommation de drogue de Donovan était principalement limitée au cannabis, avec une consommation occasionnelle de LSD et de mescaline. [ citation requise ] On pense que son utilisation de LSD est référencée indirectement dans certaines de ses paroles. [10] L'attention du public a été attirée sur sa consommation de marijuana par le documentaire télévisé Un garçon appelé Donovan au début de 1966, qui montrait le chanteur et ses amis en train de fumer du cannabis lors d'une fête organisée par l'équipe de tournage. L'arrestation de Donovan s'est avérée être la première d'une longue série impliquant les Beatles et les Rolling Stones. Au début de 1967, Donovan a fait l'objet d'un exposé dans le Nouvelles du monde. [33]

Selon Donovan, l'article était basé sur une interview d'une ex-petite amie de son ami Gypsy Dave. L'article était le premier d'une série en trois parties, Drogues & Pop Stars – Des faits qui vous choqueront. Il a été rapidement montré que certaines affirmations étaient fausses. UNE Nouvelles du monde journaliste a affirmé avoir passé une soirée avec Mick Jagger, qui aurait discuté de sa consommation de drogue et offert de la drogue à ses compagnons. Il avait confondu Brian Jones avec Jagger, et Jagger a poursuivi le journal pour diffamation. Parmi d'autres révélations supposées, il y avait des affirmations selon lesquelles Donovan et des stars, notamment des membres des Who, Cream, Rolling Stones et Moody Blues, fumaient régulièrement de la marijuana, consommaient d'autres drogues et organisaient des fêtes où l'hallucinogène récemment interdit LSD était utilisé, en nommant spécifiquement le Who's Pete Townshend. et Cream's Ginger Baker.

Il est apparu plus tard que le Nouvelles du monde les journalistes transmettaient des informations à la police. A la fin des années 1990, Le gardien mentionné Nouvelles du monde des journalistes avaient alerté la police de la fête au domicile de Keith Richards, qui avait fait l'objet d'une descente le 12 février 1967. Bien que celle de Donovan n'ait pas été aussi sensationnelle que les arrestations ultérieures de Jagger et Richards, il s'est vu refuser l'entrée aux États-Unis jusqu'à la fin de 1967. Il ne pouvait pas comparaître au Monterey International Pop Festival en juin de la même année. [34]

1967-1969 : Succès international Modifier

En juillet 1967, Epic a sorti "There Is a Mountain", qui a raté de peu le top dix américain et a ensuite été utilisé comme base pour "Mountain Jam" de l'Allman Brothers Band. En septembre, Donovan a effectué une tournée aux États-Unis, soutenu par un groupe de jazz et accompagné de son père, qui a présenté le spectacle. Plus tard ce mois-là, Epic a sorti le cinquième album de Donovan, un ensemble intitulé, Un cadeau d'une fleur à un jardin, le premier coffret à musique rock et seulement le troisième double album pop-rock sorti. Il a été divisé en deux. Le premier, "Wear Your Love Like Heaven", était destiné aux personnes de sa génération qui seraient un jour parents, le second, "For Little Ones", était des chansons que Donovan avait écrites pour les générations à venir. Craignant que ce ne soit un mauvais vendeur, le patron d'Epic, Clive Davis, a également insisté pour que les albums soient divisés et vendus séparément aux États-Unis (la couverture de l'album "Wear Your Love Like Heaven" a été photographiée au château de Bodiam), mais ses craintes n'étaient pas fondées - bien qu'il a pris du temps, le coffret original s'est vendu régulièrement, atteignant finalement 19 dans le classement des albums américains et atteignant le statut de disque d'or aux États-Unis au début des années 1970.

Les connotations psychédéliques et mystiques étaient indubitables - la couverture avant présentait une photographie infrarouge de Karl Ferris montrant Donovan dans une robe tenant des fleurs et des plumes de paon, tandis que la photo arrière le montrait tenant la main du gourou indien Maharishi Mahesh Yogi. Les notes de pochette comprenaient un appel aux jeunes pour qu'ils abandonnent la drogue. Son désaveu de la drogue est venu après son temps avec le Maharishi à Rishikesh, un sujet abordé dans une interview en deux parties pour les deux premiers numéros de Pierre roulante. [35]

À la fin de 1967, Donovan a contribué deux chansons au film de Ken Loach Pauvre vache. "Be Not Too Hard" était une mise en musique du poème de Christopher Logue Chanson de septembre, et a ensuite été enregistré par des artistes tels que Joan Baez et Shusha Guppy. La chanson titre, à l'origine intitulée "Poor Love", était la face B de son prochain single, "Jennifer Juniper", qui a été inspiré par Jenny Boyd, sœur de l'épouse de George Harrison, Pattie Boyd et était un autre hit du top 40 aux États-Unis. . Donovan a développé un intérêt pour le mysticisme oriental et prétend avoir intéressé les Beatles à la méditation transcendantale. [ citation requise ]

Au début de 1968, il faisait partie du groupe qui s'est rendu à l'ashram de Maharishi Mahesh Yogi à Rishikesh. La visite a attiré l'attention du monde entier grâce à la présence des quatre Beatles ainsi que du chanteur principal des Beach Boys, Mike Love, ainsi que de l'actrice Mia Farrow et de sa sœur Prudence (qui a inspiré Lennon à écrire "Dear Prudence"). Selon une interview de Paul McCartney en 1968 avec Radio Luxembourg, [36] c'est à cette époque que Donovan a enseigné à Lennon et McCartney les styles de guitare à doigts, y compris le marteau à griffes, qu'il avait appris de Mac MacLeod. Lennon a utilisé cette technique sur des chansons dont « Dear Prudence », « Julia », « Happiness is a Warm Gun » et « Look at Me », et McCartney avec « Blackbird » et « Mother Nature's Son ». [37] Le prochain single de Donovan, en mai 1968, était le psychédélique "Hurdy Gurdy Man". Les notes de pochette des rééditions d'EMI indiquent que la chanson était destinée à Mac MacLeod, qui avait un groupe de rock lourd appelé Hurdy Gurdy. Après avoir entendu la version de MacLeod, Donovan a envisagé de la donner à Jimi Hendrix, mais lorsque Most l'a entendue, il a convaincu Donovan de l'enregistrer lui-même. Donovan a essayé de faire jouer Hendrix, mais il était en tournée. Jimmy Page a joué de la guitare électrique dans certaines sessions en studio et est crédité d'avoir joué sur la chanson. [38] [39] Alternativement, il est crédité à Alan Parker. [ citation requise ]

Donovan attribue à Page et à « Allen Hollsworth » (une faute d'orthographe d'Allan Holdsworth) les « sorciers de la guitare » pour la chanson, affirmant qu'ils ont créé « un nouveau genre de folk metal ». [40]

Étant donné que John Bonham et John Paul Jones ont également joué, Donovan a déclaré que la session avait peut-être inspiré la formation de Led Zeppelin. [40] Le son plus lourd de "Hurdy Gurdy Man" était une tentative de Most et Donovan d'atteindre un public plus large aux États-Unis, où des groupes de hard-rock comme Cream et Jimi Hendrix Experience avaient un impact. La chanson est devenue l'un des plus grands succès de Donovan, se classant dans le Top 5 au Royaume-Uni et aux États-Unis, et dans le Top 10 en Australie. [ citation requise ]

En juillet 1968, Epic sort Donovan en concert, l'enregistrement de son concert à Anaheim en septembre 1967. La couverture ne présentait qu'un tableau de Fleur Cowles (sans le nom de l'artiste ni le titre). L'album contenait deux de ses grands succès et des chansons qui auraient été nouvelles pour le public. Le double CD augmenté de 2006 contenait « Epistle To Derroll », un hommage à l'une de ses influences formatrices, Derroll Adams. L'album comprend également des arrangements de groupe étendus de « Young Girl Blues » et « The Pebble and the Man », une chanson retravaillée plus tard et rebaptisée « Happiness Runs ». À l'été 1968, Donovan travaille sur un deuxième LP de chansons pour enfants, sorti en 1971 sous forme de double album, HMS Donovan. En septembre, Epic sort un single, "Laléna", une ballade acoustique tamisée qui atteint la trentaine aux États-Unis. L'album L'homme à roue suivi (pas sorti au Royaume-Uni), continuant le style de la Jaune moelleux LP et a atteint 20 aux États-Unis, malgré deux tubes précédents, la chanson titre et "Jennifer Juniper". [ citation requise ]

Après une autre tournée américaine à l'automne, il a collaboré avec Paul McCartney, qui produisait Carte postale, le premier album de la chanteuse galloise Mary Hopkin. Hopkin a repris trois chansons de Donovan : « Lord Of The Reedy River », « Happiness Runs » et « Voyage of the Moon ». McCartney lui a rendu la pareille en jouant du tambourin et en chantant des choeurs sur le prochain single de Donovan, "Atlantis", qui est sorti au Royaume-Uni (avec "I Love My Shirt" comme face B) fin novembre et a atteint 23. [2]

Au début de 1969, le film comique Si c'est mardi, ça doit être la Belgique la musique vedette de Donovan a été écrite par lui et chantée par J. P. Rags, et il a également interprété "Lord of the Reedy River" dans le film en tant que chanteur dans une auberge de jeunesse. Le 20 janvier, Epic sort le single "To Susan on the West Coast Waiting", avec "Atlantis" en face B. La face A, une douce chanson de style calypso, contenait un autre message anti-guerre et est devenue un hit modéré du Top 40 américain. Cependant, lorsque des DJ américains et australiens l'ont retourné et ont commencé à jouer "Atlantis", cela est devenu un succès. La douce "Atlantis" a servi de toile de fond à une scène violente dans le film de Martin Scorsese BienFellas. "Atlantis" a été relancé en 2000 pour un épisode de Futurama intitulé "The Deep South" (2ACV12) qui a été diffusé le 16 avril de la même année. Pour cet épisode, Donovan a enregistré une version satirique de la chanson décrivant la ville perdue d'Atlanta qui figurait dans l'épisode. [ citation requise ]

En mars 1969 (trop tôt pour inclure "Atlantis"), Epic et Pye sortent Les plus grands succès de Donovan, qui comprenait quatre précédents singles - "Epistle To Dippy", "There is a Mountain", "Jennifer Juniper" et "Laléna", ainsi que des versions réenregistrées de "Colours" et "Catch The Wind" (qui n'avaient pas été disponibles pour Epic en raison des problèmes contractuels de Donovan) et des versions stéréo de "Sunshine Superman" (version intégrale inédite) et "Season of the Witch".C'est devenu l'album le plus réussi de sa carrière, il a atteint la 4e place aux États-Unis, est devenu un disque d'or vendu à un million et est resté dans le palmarès des albums Billboard pendant plus d'un an. Le 26 juin 1969, le morceau "Barabajagal (Love Is Hot)" (enregistré en mai 1969), qui lui a valu un succès sur la scène rave des décennies plus tard, est sorti, atteignant 12 au Royaume-Uni mais se classant moins fortement aux États-Unis. Cette fois, il était soutenu par le groupe original Jeff Beck, avec Beck à la guitare solo, Ronnie Wood à la basse, Nicky Hopkins au piano et Micky Waller à la batterie. Le groupe Beck était sous contrat avec Most et c'était l'idée de Most de les faire équipe avec Donovan pour apporter un son plus lourd au travail de Donovan, tout en introduisant une touche lyrique à Beck's. [ citation requise ]

Le 7 juillet 1969, Donovan se produit au premier spectacle de la deuxième saison de concerts de rock gratuits à Hyde Park, à Londres, qui comprend également Blind Faith, Richie Havens, le Edgar Broughton Band et le Third Ear Band. En septembre 1969, l'album "Barabajagal" atteint 23 aux États-Unis. Seuls le récent single "Barabajagal"/"Trudi" et "Superlungs My Supergirl" étaient des enregistrements de 1969, les pistes restantes [ éclaircissements nécessaires ] provenaient de sessions à Londres en mai 1968 et à Los Angeles en novembre 1968. [ citation requise ]

De la fin des années 60 au début des années 70, il a vécu à Stein, sur l'île de Skye, où lui et un groupe d'adeptes ont formé une commune et où il a reçu la visite de George Harrison. Il a nommé sa fille, née en 1970, Ione Skye. [41] [42]

Années 1970 : Changements Modifier

À la fin de 1969, la relation avec Most a pris fin après une dispute à propos d'une session d'enregistrement non identifiée à Los Angeles. Dans la BBC Radio 2 en 1995 L'histoire de Donovan, Les plus rapportés :

La seule fois où nous nous sommes disputés, c'était à Los Angeles quand il y avait toutes ces grandes stars de leur époque, je suppose, les Stephen Stills et les Mama Cass, tous à la session et rien n'était réellement joué. Quelqu'un a apporté de la drogue dans la séance et j'ai arrêté la séance et je les ai jetés dehors. Tu sais que tu as besoin de quelqu'un pour dire que c'est ma session, je paie pour ça. Nous nous sommes brouillés pour ça. [43]

Bande de route ouverte Modifier

Donovan a dit qu'il voulait enregistrer avec quelqu'un d'autre, et lui et Most n'ont pas retravaillé ensemble jusqu'à ce que Roues cosmiques (1973). Après la rupture, Donovan a passé deux mois à écrire et enregistrer l'album Route ouverte en tant que membre du trio rock Open Road. En dépouillant le son des grosses productions de studio de Most en morceaux qui pourraient être joués par un groupe live, Donovan a surnommé le son "Celtic Rock". L'album a culminé au n ° 16 aux États-Unis, le troisième plus élevé de tous ses albums à ce jour, mais à mesure que ses apparitions en concert sont devenues moins fréquentes et que de nouveaux artistes et styles de musique populaire ont commencé à émerger, son succès commercial a commencé à se faire sentir. déclin. Donovan a dit :

J'étais épuisé et à la recherche de racines et de nouvelles directions. Je me suis installé aux Morgan Studios à Londres et je suis resté longtemps tout en créant Open Road et le HMS Donovan séances. En bas, McCartney faisait son album solo. J'avais quitté Mickie après de belles années ensemble. La nouvelle décennie a commencé et j'avais accompli tout ce qu'un jeune auteur-compositeur-interprète pouvait accomplir. Qu'y avait-il d'autre à faire que d'expérimenter au-delà de la célébrité et dans la nouvelle vie, quel que soit le résultat ? [43]

Le plan de Donovan pour Open Road était de faire le tour du monde pendant un an, en commençant par un voyage en bateau autour de la mer Égée, documenté dans le film de 1970, Il y a un océan. C'était en partie sur le conseil de sa direction de partir en exil fiscal, au cours duquel il ne devait pas mettre les pieds au Royaume-Uni avant avril 1971, mais après une tournée en France, en Italie, en Russie et au Japon, il a écourté la tournée :

J'ai voyagé au Japon et je devais rester hors du Royaume-Uni pendant un an et gagner les plus gros cachets à ce jour pour un artiste solo, et le tout en franchise d'impôt. À l'époque, la taxe britannique pour nous était de 98 %. Au cours de cette tournée japonaise, j'ai eu une douce dépression, ce qui m'a décidé à rompre l'exil fiscal. Des millions étaient en jeu. Mon père, mon agent, ils m'ont supplié de ne pas monter dans le jet de la BOAC à destination de Londres. Je l'ai fait et je suis retourné à mon petit chalet dans les bois. Deux jours plus tard, une jeune femme est venue chercher un chalet à louer. C'était Linda. [43]

Retrouvailles avec Linda Lawrence et Mickie Most Modifier

Après cette réunion, Donovan et Linda se sont mariés le 2 octobre 1970 au bureau d'enregistrement de Windsor et ont passé leur lune de miel dans les Caraïbes. Donovan a abandonné la tournée de promotion et s'est concentré sur l'écriture, l'enregistrement et sa famille. L'album pour enfants largement autoproduit HMS Donovan en 1971, est resté inédit aux États-Unis et n'a pas gagné un large public. Au cours d'un exil fiscal de 18 mois en Irlande (1971-1972), il écrit pour le film de 1972 Le joueur de flûte dans le rôle-titre, et pour Frère Soleil, Sœur Lune (1972). La chanson titre du film Zeffirelli a fourni à Donovan une aubaine pour l'édition en 1974 lorsqu'elle a été reprise en tant que face B du top 5 américain vendu à un million de ventes "The Lord's Prayer", par la religieuse australienne, Sister Janet Mead.

Après un nouveau contrat avec Epic, Donovan retrouve Mickie Most au début de 1973, ce qui donne le LP Roues cosmiques, qui comportait des arrangements de Chris Spedding. [43] Ce fut son dernier succès dans les charts, atteignant le top 40 en Amérique et en Grande-Bretagne. À la fin de l'année, il a sorti Essence à essence, produit par Andrew Loog Oldham, et un album live enregistré au Japon et uniquement sorti au Japon, qui comportait une version étendue de "Hurdy Gurdy Man" qui comprenait un couplet supplémentaire écrit par George Harrison à Rishikesh. [44] Pendant l'enregistrement de l'album, Alice Cooper a invité Donovan à partager le chant principal sur sa chanson "Billion Dollar Babies". [ citation requise ]

Roues cosmiques est suivi de deux albums la même année : son deuxième album de concert, Vivre au Japon : Spring Tour 1973, et le plus introspectif Essence à Essence. Ses deux derniers albums pour Epic Records étaient 7-Tease (1974) et Ralentir le monde (1976). En 1977, il ouvre pour Yes lors de leur tournée de six mois en Amérique du Nord et en Europe après la sortie de Aller pour l'un (1977). Le LP de 1978, Donovan était sur RAK Records de Most au Royaume-Uni et sur le nouveau Arista Records de Clive Davis aux États-Unis, il l'a réuni pour la dernière fois avec Most et Cameron, mais n'a pas été bien reçu au plus fort de la nouvelle vague et n'a pas été classé. [ citation requise ]

Années 1980 : apparitions occasionnelles Modifier

L'ère punk (1976-1980) a provoqué une réaction en Grande-Bretagne contre l'optimisme et la fantaisie de l'ère hippie, dont Donovan était un excellent exemple. Le mot "hippie" est devenu péjoratif et la fortune de Donovan en a souffert. [ citation requise ] Dans cette période, il a sorti les albums Neutronica (1980), L'amour n'est qu'un sentiment (1981), et Dame des étoiles (1984) et a joué dans Étoiles sur glace, une émission de variétés d'une demi-heure sur glace produite par CTV à Toronto. Il y a eu un répit lorsqu'il est apparu aux côtés de Sting, Phil Collins, Bob Geldof, Eric Clapton et Jeff Beck dans l'émission-bénéfice d'Amnesty International. L'autre bal du policier secret. Accompagné de Danny Thompson, Donovan a interprété plusieurs tubes dont "Sunshine Superman", "Mellow Yellow", "Colours", "Universal Soldier" et "Catch the Wind". Il était également dans la performance de "I Shall Be Released" de Dylan pour la finale du spectacle. Donovan apparaît également au festival de Glastonbury le 18 juin 1989 avec le groupe Ozric Tentacles qui l'accompagne sur scène.

Années 90 : une décennie rétrospective Modifier

En 1990, Donovan a sorti un album live présentant de nouvelles performances de ses chansons classiques. Un album hommage à Donovan, L'île aux cercles, a été publié par Nettwerk en 1991. Coffret de 2 CD de Sony Troubadour : la collection définitive 1964-1976 (1992) a poursuivi la restauration de sa réputation, et a été suivie par la sortie en 1994 de Quatre originaux de Donovan, qui a vu ses quatre classiques Epic LPs sur CD dans leur forme originale pour la première fois au Royaume-Uni. Il a trouvé un allié dans le producteur de rap et propriétaire du label Def Jam Rick Rubin et a enregistré un album intitulé Sutras pour le label Rubin's American Recordings. [21]

Années 2000 Modifier

En 2000, Donovan a raconté et joué lui-même dans le Futurama épisode "The Deep South" le 16 avril avec une parodie de la chanson "Atlantis".

Un nouvel album, Café Beat, sur Appleseed Records en 2004, a marqué un retour au son jazzy de ses enregistrements des années 1960 et a présenté le bassiste Danny Thompson et le batteur Jim Keltner, avec une production de John Chelew (Blind Boys of Alabama). Lors d'une série de Café Beat représentations à New York, Richard Barone (Les Bongos) s'est joint à Donovan pour chanter et lire des passages d'Allen Ginsberg Hurler.

En mai 2004, Donovan a joué "Sunshine Superman" lors du concert de mariage du prince héritier et de la princesse héritière du Danemark. Il a sorti ses premières démos, Soixante-quatre, et un réenregistrement du Frère Soleil, Sœur Lune bande-son sur iTunes. Un ensemble de ses albums Mickie Most est sorti le 9 mai 2005. Cet ensemble EMI contient des pistes supplémentaires dont une autre chanson enregistrée avec le Jeff Beck Group. En 2005, son autobiographie L'homme à roue a été publié. En mai/juin 2005, Donovan fait une tournée au Royaume-Uni (Beat Cafe Tour) et en Europe avec Tom Mansi à la contrebasse, l'ancien batteur de Damned Rat Scabies et le claviériste de Flipron, Joe Atkinson.

Au printemps/été 2006, Donovan a joué dans des festivals britanniques et à deux dates au Camden's The Jazz Café, à Londres.

En janvier 2007, Donovan a joué au Kennedy Center, à Washington, DC, à l'Alice Tully Hall, à New York, et au Kodak Theatre, à Los Angeles, en conjonction avec une présentation du cinéaste David Lynch soutenant le David Lynch Fondation pour l'éducation basée sur la conscience et la paix dans le monde. Le concert au Kodak Theatre a été filmé par Raven Productions et diffusé à la télévision publique en guise de promesse de don. Le partenariat de Donovan avec la Fondation David Lynch l'a amené à donner des concerts jusqu'en octobre 2007, ainsi qu'à donner des présentations sur la méditation transcendantale. Il est apparu à la Maharishi University of Management à Fairfield, Iowa, en mai 2007, [45] et a fait une tournée au Royaume-Uni avec David Lynch en octobre 2007. [46]

En mars 2007, Donovan a donné deux concerts au festival de musique South by Southwest à Austin, au Texas. Il avait prévu la sortie d'un album au printemps 2007, ainsi qu'une tournée au Royaume-Uni. Cependant, il a annoncé que la tournée était annulée et l'album retardé. Il a dit qu'il était en bonne santé mais n'a donné aucune raison pour l'annulation. [ citation requise ]

En avril 2007, Donovan a présenté une série en trois parties sur Ravi Shankar pour BBC Radio 2. En octobre 2007, Donovan a annoncé des plans pour « l'Université Invincible Donovan » en se concentrant sur la méditation transcendantale. Ce sera près de Glasgow ou d'Edimbourg. [47] En octobre 2007, le DVD, Le concert de Donovan—En direct à LA, tourné au Kodak Theatre de Los Angeles plus tôt dans l'année, est sorti au Royaume-Uni. Le 6 octobre 2009, Donovan a été honoré en tant qu'icône de l'IMC lors des BMI London Awards 2009. [48] ​​La désignation d'Icône est donnée aux auteurs-compositeurs BMI qui ont eu "une influence unique et indélébile sur des générations de créateurs de musique". [49]

Années 2010 Modifier

En octobre 2010, le double CD de Donovan Groove rituel a été mis à disposition sur son site Web. Avant la sortie, il l'avait décrit comme un album multimédia en attente de vidéos à appliquer.

Années 2020 Modifier

Le 10 mai 2021, jour de son 75e anniversaire, Donovan a sorti le nouveau morceau "I Am the Shaman". La chanson est produite par David Lynch qui a également réalisé la vidéo d'accompagnement. [50]

Donovan a eu une relation avec le mannequin américain Enid Karl et ils ont eu deux enfants : l'acteur-musicien Donovan Leitch en 1967 et l'actrice Ione Skye en 1970. [51] En octobre de cette année, Donovan a épousé Linda Lawrence. [6] Ils ont deux enfants ensemble, Astrella et Oriole. [52] [53] Linda Lawrence était l'inspiration pour "Sunshine Superman". [54]

Il est également le beau-père du fils de Brian Jones et Linda Lawrence, Julian Brian (Jones) Leitch. [15] Le biographe de Jones, Paul Trynka, écrit : « Sans surprise, Julian a trouvé le fardeau d'être le fils de Brian lourd à porter, bien qu'il ait été élevé avec un amour et une sensibilité évidents par son père adoptif, Donovan Leitch. [55]

En novembre 2003, Donovan a reçu un doctorat honorifique en lettres de l'Université du Hertfordshire. [56] [57] Il a été nommé par Sara Loveridge (qui était étudiante à l'université et avait interviewé et examiné Donovan pour le document universitaire en 2001-2002), Andrew Morris, le partenaire de Sara et le chercheur/écrivain Donovan et co-nominé par Mac Mac Leod. [58]

Le 14 avril 2012, Donovan a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame. [59] [60]


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