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Comment les villes autour de Woodstock ont ​​poussé à annuler la prise de contrôle hippie

Comment les villes autour de Woodstock ont ​​poussé à annuler la prise de contrôle hippie

Joseph G. Mais lorsqu'il a vu une pancarte annonçant « 3 jours de paix et de musique » alors qu'il était en vacances en Floride, il a fait ses valises et s'est dirigé vers New York.

Owen ne voulait pas assister au festival, il voulait l'arrêter. La justice de la ville de Wallkill s'est précipitée chez elle à New York et a rédigé une loi qui imposait des règles strictes aux événements qui ont attiré plus de 5 000 personnes. Après une réunion bruyante du conseil municipal, l'ordonnance a été adoptée, interdisant de fait le festival de Woodstock, qui avait déjà vendu plus de 50 000 billets, de Wallkill.

Mais l'expulsion de la Woodstock Music and Art Fair de la petite ville de New York n'était que la pointe de l'iceberg. Au cours des mois qui ont précédé l'emblématique festival de musique, ses organisateurs ont été confrontés à une guerre totale de la part des habitants déterminés à mettre fin à l'événement. d'ennemis alors qu'ils finançaient la logistique de l'événement de trois jours, qui a finalement attiré plus de 400 000 participants.

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L'idée du festival a commencé comme un envolée de fantaisie. En 1967, John Roberts, héritier d'une fortune de colle pour prothèses dentaires, travaillait sur une idée d'émission télévisée avec son ami d'université Joel Rosenman sur deux jeunes entrepreneurs qui se sont impliqués dans une variété d'entreprises commerciales absurdes. Roberts et Rosenman voulaient générer des idées pour les épisodes, alors ils ont placé une annonce apparemment simple dans les sections de petites annonces de Le New York Times et le le journal Wall Street: « Jeunes hommes au capital illimité à la recherche d'opportunités d'investissement et de propositions commerciales intéressantes et légitimes. »

L'annonce a attiré de nombreuses idées commerciales folles, mais une en particulier a attiré l'attention de Roberts et Rosenman. Michael Lang, un promoteur de musique qui avait orchestré le récent Miami Pop Festival, et Artie Kornfeld, un producteur de Columbia Records, ont proposé de créer un studio de musique à Woodstock, New York, qui était devenu un refuge pour des icônes de la contre-culture comme Bob Dylan, Janis Joplin et La Bande.

Roberts et Rosenman n'étaient pas intéressés par le studio, mais étaient intrigués par l'idée de puiser dans la contre-culture de la fin des années 1960. Après une réunion, le quatuor a accepté d'essayer d'organiser un festival de musique massif à la place. Roberts a accepté de verser l'argent et Woodstock Ventures est né.

Leur objectif était ambitieux : produire le plus grand festival de musique jamais organisé. Bien qu'ils n'aient pas encore de lieu, les organisateurs ont commencé à faire passer le mot et ont signé avec le groupe Creedence Clearwater Revival, une décision qui a incité d'autres grands noms à rejoindre également le line-up.

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Mais l'équipe n'a pas négocié pour la résistance qu'ils ont rencontrée à Woodstock - ou n'a pas réalisé que de nombreux habitants du village considéraient les jeunes artistes et idéalistes qui avaient commencé à affluer dans la petite ville du nord de l'État de New York comme de dangereux vauriens. Dans un effort pour neutraliser l'incursion des hippies, ils avaient déjà adopté des lois qui ciblaient le vagabondage, la possession de drogue, la consommation publique d'alcool et le torse nu.

Lorsque Woodstock a appris qu'un énorme festival de musique était prévu pour la communauté, ses résidents plus âgés ont riposté. « Le conseil d'administration du village a adopté des règlements sur l'auto, la sécurité et la circulation, mettant le festival à la faillite avant même qu'il n'ait commencé », écrit l'historien Ronald Helfrich.

Imperturbable, Woodstock Ventures s'est tourné vers Wallkill, à New York, où ils ont trouvé un parc industriel de 300 acres qui semblait être le lieu idéal. Woodstock Ventures a loué le parc et a commencé à faire des plans. Réalisant qu'ils pourraient faire face au même type de résistance qu'ils avaient rencontré à Woodstock, ils ont essayé de trouver des moyens de surmonter les peurs des résidents. "Ils n'aimaient pas fumer, ils n'aimaient pas la musique forte, certains voisins étaient préoccupés par la musique qui flottait sur les limites de leur propriété et méritait leur repos", a déclaré Roberts dans une histoire orale. « Nous avons essayé beaucoup de choses pour les calmer. »

Mais malgré la tentative du groupe de s'attirer les bonnes grâces des citoyens de Wallkill, il n'a pas fait beaucoup de progrès. Les membres libres de Woodstock Ventures ont tenté d'assurer aux résidents qu'ils prévoyaient un concert discret, mais la présence d'organisateurs aux cheveux longs et d'associations contre-culturelles a alarmé les membres de la communauté.

"Il y a eu des falsifications de ce qu'étaient les plans et les intentions", a rappelé Stanley Goldstein dans l'histoire orale. Le groupe a affirmé qu'il aurait de la chance si 50 000 personnes se présentaient au concert. En réalité, ils prévoyaient une participation beaucoup plus importante et vendaient des billets comme une traînée de poudre.

Pendant ce temps, les Concerned Citizens of Wallkill, une organisation communautaire qui s'est organisée en réponse au festival potentiel, faisait du lobbying contre le festival dans la ville. Ils ont fait circuler une pétition s'opposant au festival, qui, selon eux, envahirait Wallkill avec des hippies aux cheveux longs déterminés à semer le chaos. En réponse, l'équipe a embauché Stanley Eager, un avocat local respecté et fils d'un juge de la Cour suprême de l'État, et a mené une campagne de relations publiques locale qui comprenait tout, des sermons pro-Woodstock aux matchs de softball des organisateurs-villes et une série de jeux gratuits concerts de Quill, un groupe qui devrait faire partie de la programmation de Woodstock.

Cela n'a pas fonctionné. La loi rédigée à la hâte par Joseph Owen a sonné le glas de Woodstock à Wallkill. Il limitait la façon dont les rassemblements de masse pouvaient utiliser l'eau et les égouts, et équivalait à une interdiction du festival. « À ce moment-là, c'était la bonne chose à faire », a déclaré Owen au Times Herald-Record. Paniqué, Woodstock Ventures a essayé de trouver un nouveau lieu.

Ils ont trouvé un allié improbable en Elliot Tiber, le directeur de la petite chambre de commerce de Bethel, à New York. Lorsqu'il a entendu parler de la situation difficile de Woodstock Ventures, Tiber a écrit un permis à peine légal pour le festival et a appelé les organisateurs avec une offre qu'ils ne pouvaient pas refuser - le permis, en échange d'un seul dollar et d'un accord que le motel pataugeant de ses parents accueillerait les artistes des festivals. Woodstock Ventures est rapidement parvenu à un accord pour louer des terres au producteur laitier Max Yasgur.

Même si les billets se vendaient toujours à un rythme soutenu, les organisateurs ont de nouveau déclaré au conseil municipal de Bethel que pas plus de 50 000 personnes seraient présentes. Le conseil d'administration a décidé que puisque le festival était sur une propriété privée, ils n'interféreraient pas. Des citoyens locaux inquiets ont fait pression contre les affaires de Yagur et se sont opposés aux réunions municipales, mais le conseil municipal a quand même approuvé le festival. Alors les membres de la ville ont porté plainte.

Bien que le festival se déroule sur des terres privées, il doit obtenir des permis. Le conseil municipal avait approuvé le festival, mais a laissé son inspecteur publier des ordres d'arrêt des travaux sur la scène et d'autres structures. Woodstock Ventures les a ignorés et a continué à construire de toute façon. Après quelques transactions en coulisses, l'inspecteur en bâtiment de la ville a révoqué les ordres. Mais le procès des citoyens a plané sur le festival jusqu'au dernier moment.

Il faudrait un autre juge pour lever le dernier obstacle du festival. Le 13 août, deux jours seulement avant le festival, le juge de la Cour suprême de l'État, George Cobb, a présidé une session au cours de laquelle les citoyens et les organisateurs ont résolu leurs différends. À ce moment-là, il était clair que le festival ne ressemblerait à rien de ce que personne n'avait jamais vu. Les organisateurs avaient arrêté la vente de billets lorsqu'ils se sont rendu compte qu'ils ne pourraient pas faire le tour de la ferme à temps et que des jeunes de tout le pays étaient en route pour Béthel.

Le festival de Woodstock restera dans l'histoire comme l'un des événements musicaux les plus importants jamais organisés, mais il n'aurait jamais eu lieu sans querelles sur le zonage et les lois locales.

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Un conservateur du Smithsonian se souvient de sa fuite à Woodstock

Christine Mullen Kreamer est directrice adjointe et conservatrice en chef du Smithsonian National Museum of African Art à Washington, D.C. En ce moment, elle est assise à la petite table ronde de son bureau, vêtue de noir, portant des lunettes aux verres presque circulaires. Il y a du gris dans ses cheveux coupés au carré. Mais à l'été 1969, elle était une lycéenne de dix-sept ans montante à Poughkeepsie, New York, qui partageait une chambre à l'étage avec sa sœur aînée Annie. Les deux gars qu'elle mentionne étaient son petit ami et un autre ami d'école. Ils devaient retrouver le petit ami d'Anna à la fin des deux heures de route.

&ldquoCette histoire commence dans une mauvaise direction et un subterfuge», se souvient-elle en souriant. &ldquoMa sœur et moi avons laissé une note sur la table de notre cuisine avec une fausse adresse et un numéro de téléphone, sachant que mes parents seraient furieux à notre retour, mais sachant que cela en vaudrait la peine.&rdquo Les deux n'avaient pas tout planifié complètement, bien qu'ils viennent d'une famille de planificateurs. &ldquoNous n'avions pas de paniers pique-nique remplis de nourriture. Nous avons eu quelques vêtements de rechange, et c'est tout. Mais nous avions acheté des billets, contrairement à beaucoup de gens qui ont écrasé les portes de Woodstock.&rdquo

On a beaucoup écrit sur la Woodstock Music and Art Fair, sur les pluies torrentielles et la boue, les hallucinogènes, l'amour libre et les bains de soleil, mais aussi sur le partage tribal et la mobilisation de l'énergie juvénile pour combattre les forces obscures de la société. Pour certains, le festival représente l'apogée des années 60, quand tout un segment de la société a reconnu son pouvoir et a commencé à devenir adulte.

Le 15 août 2019, marque le cinquantenaire de l'ouverture du festival original présenté par les promoteurs comme un Exposition Aquarian : 3 jours de paix et de musique et tenue à la ferme laitière Max Yasgur&rsquos près de Bethel, New York. De plus petites commémorations sont prévues, mais un événement anniversaire officiel à grande échelle a été annulé par Michael Lang, le producteur exécutif original du festival. Kreamer ne semble pas s'en soucier. Elle pense que les plans de Lang&rsquos étaient trop commerciaux. L'original était différent, mais il lui faudrait un peu de temps pour découvrir pourquoi.

Aucune des sœurs n'était hippie. Il y avait des groupes qu'ils voulaient voir, des groupes que les radios diffusaient régulièrement. "Je n'allais pas à des concerts, je n'avais pas beaucoup d'argent, je n'avais pas de voiture. Ils ne sont pas venus à distance de marche de chez moi. Ils étaient tous là, et c'est pourquoi nous devions y aller !&rdquo

Leur mère et leur père ne le permettraient pas, même si d'autres membres de la génération de leurs parents, comme les O&rsquoConnors en bas de la rue, prévoyaient eux-mêmes d'y aller. &ldquoIls ne l'ont&rsquot pas compris. Elles pensaient que ce serait dangereux — qui sait ce qu'elles pensaient ? » Mais les sœurs étaient déterminées. &ldquoCela allait être ce qu'ils appelaient &lsquo se passer&rsquo,&rsquo et nous savions que nous devions être témoins. Nous n'allions pas être privés de ce moment.

Ce qui aurait dû être un voyage de deux heures a pris beaucoup plus de temps. &ldquoNous avons été pris dans un énorme embouteillage. Les gens essayaient d'arriver tôt, alors vous avez laissé votre voiture sur le côté de la route et vous êtes sorti et vous avez marché.

Des centaines de milliers d'autres suivraient le même itinéraire, et la circulation s'arrêta net. Le bassiste de Richie Havens, Eric Oxendine, a parcouru quinze milles pour découvrir qu'il a raté leur set. Les organisateurs se sont tournés vers des hélicoptères pour amener les groupes sur scène.

La ferme Yasgur&rsquos était de 600 acres de champs vallonnés. Dans une section se trouvait une dépression naturelle, un bol en pente et une scène avait été construite au bord inférieur. Les organisateurs ont assuré aux dirigeants de la ville qu'ils n'attendaient pas plus de 50 000 personnes. Les meilleures estimations de la fréquentation réelle vont jusqu'à dix fois plus.

&ldquoC'était un moment magique,&rdquo Kreamer se souvient. &ldquoVous y êtes : vous voyez cette grande étendue de champ, vous voyez une scène en bas à une extrémité. Nous sommes arrivés tôt. J'étais à vingt pieds de Richie Havens. Il était là avec sa guitare, et les gens étaient vraiment hypnotisés. L'honnêteté dans sa voix était un cri de ralliement pour nous.&rdquo

Un hélicoptère avait transporté Havens, son percussionniste et son guitariste d'un Holiday Inn au site. On leur avait demandé de comparaître en premier. En survolant la foule massive, Havens s'est souvenu d'avoir pensé : « Qu'est-ce que je fais ici ? Non, non, pas moi, pas le premier !»

Aujourd'hui, il existe un vaste désaccord sur la durée pendant laquelle Havens a tenu le fort, de une à trois heures. Il était censé passer cinquième, mais aucun autre groupe n'était assez près du site, à l'exception de Tim Hardin qui sortirait de sous la scène. Les producteurs ont exhorté Havens à continuer à jouer. Il s'est finalement joué hors de la scène pour de bon, le dos de son caftan fluide trempé de sueur, après avoir spontanément créé une chanson anthémique qu'il enregistrera plus tard sous le nom de &ldquoFreedom (Motherless Child).&rdquo Havens a été un moment fort pour Kreamer.

&ldquoCela semblait être un acte si vulnérable et courageux de monter sur cette scène, de commencer un événement massif de trois jours. Au fur et à mesure que la foule augmentait, les portes ont été abaissées. C'était du tout agressif. Les gens voulaient simplement être là.»

En effet, la veille, les organisateurs de concerts ont été contraints de faire un choix. La scène n'était pas encore terminée, et l'escrime non plus n'était pas adéquate. Un seul des deux projets a pu être réalisé. Ils ont pris la seule décision possible : les musiciens sont passés en premier. Woodstock deviendrait un festival gratuit.

&ldquoÀ la fin, vous pouviez&rsquot vous approcher de la scène. C'était une mer de gens. En fait, vous n'aviez aucune idée des chiffres. Mais vous faisiez partie de quelque chose de plus grand.&rdquo

Les sœurs avaient besoin d'un port d'attache et elles ont choisi de planter leur tente sous des arbres éloignés. &ldquoNous avions besoin de nous trouver. Mon ancien petit ami – c'est un artiste qui vit à San Francisco maintenant – il errait beaucoup plus que moi. Mais c'était l'ère avant les téléphones portables.&rdquo

L'après-midi suivant, ils se sont assis sous les arbres, se remettant probablement d'un coup de chaleur. Je suis d'origine irlandaise, donc je brûle. Ils pouvaient entendre les chansons mais ne pouvaient pas voir la scène. C'est là qu'elle a entendu pour la première fois le groupe de rock latino Santana. Il est peut-être vrai que la plupart de la foule était dans le même bateau. Santana était un phénomène dans la région de la baie de San Francisco mais n'avait pas encore enregistré d'album.

&ldquoJe me suis dit, c'est un son vraiment cool.&rdquo Le son des congas était nouveau pour elle. &ldquoEt puis je suis sorti de l'ombre et au soleil pour voir de quoi il s'agissait. Bon Dieu, la foule avait vraiment grandi !&rdquo

Kreamer était un grand fan de Jefferson Airplane, dont les chansons &ldquoSomebody to Love&rdquo et &ldquoWhite Rabbit&rdquo avaient grimpé en flèche cet été-là. Le groupe devait apparaître au lever du soleil, mais ils ont peut-être commencé un peu après. Kreamer s'en souvient comme elle s'en souvient. &ldquoOn dirait qu'il était environ cinq heures du matin, et Grace Slick vient de s'approcher du microphone. &lsquoBonjour, les gens!&rsquo dans cette grande voix de Grace Slick. C'était, je pense, après des pluies torrentielles. C'est comme ça que je me suis réveillé.&rdquo

Des représentations étaient programmées jour et nuit, mais le plan de Kreamer&rsquos était de ne jamais rester debout tout le temps pour tout voir. Elle savait seulement qu'elle voulait vivre des choses qui la sortaient de sa zone de confort. &ldquoMa propre expérience de Woodstock a été de saisir un moment incertain et de l'embrasser parce qu'il me semblait juste de me sentir partie de quelque chose de plus grand. Vous ne savez pas quel rôle vous jouez, mais vous savez que vous êtes un joueur.

Son album mental est varié. Elle se souvient des bons moments passés avec des amis, perlant des perles d'amour parce que les hippies le faisaient, se frayant un chemin à travers la foule, regardant les gens suspendus aux tours de haut-parleur (dont l'un s'est évanoui plus tard et a atterri sur elle), et voyant le maigre -des louches dans l'étang.

&ldquoJe ne me rappelle rien de ce que nous avons mangé ou bu au cours des trois jours. Il ne semblait pas y avoir de bon plan, mais il y avait un esprit de partage, ainsi que des vendeurs pendant un court moment, mais il s'agissait de gagner de l'argent. Il s'agissait d'offrir des services aux gens. Il y avait des messages d'intérêt public : &lsquodon&rsquot prenez l'acide brun !&rsquo Il y avait des soins médicaux sur place et un bébé est né et annoncé.&rdquo

Le flux constant d'hélicoptères la rendait nerveuse. &ldquoEn les voyant, vous avez fait un changement mental vers la guerre du Vietnam. Toutes les choses positives que nous vivions étaient profondément liées à une opposition à la guerre. J'avais protesté en tant que lycéen. Ces hélicoptères m'ont relié à ce que nous avons vu tous les soirs aux informations. Cela a également informé le moment de Woodstock.&rdquo

&ldquoLes gens étaient venus célébrer une musique qui avait un message. C'était une époque de grandes promesses : paix, rébellion, droits civiques, amour, renforcement du filet de sécurité sociale, campagnes anti-ordures, prendre soin de votre frère, même de vos voisins du monde, tout cela. Tant de groupes disaient ces choses, et avec l'expérimentation. Je veux dire, le rock acide, c'est ce qu'on appelle pour une raison. C'était un moment où l'expérimentation était sociale, mais aussi chimique. Cela faisait partie de l'ambiance.&rdquo

Les sœurs étaient au courant de la culture de la drogue et de ce qui était jugé assez sûr, même si c'était une décision très individuelle. &ldquoIl faisait partie de cette génération. Il y avait différentes manières d'entrer dans une conscience supérieure. L'herbe circulait. Des produits chimiques circulaient. Le vin, la bière et la nourriture aussi, et vous deviez décider si vous vouliez participer. Vous deviez décider et vous faisiez confiance à vos pairs. Étant jeune, je n'allais pas basculer dans une dimension vraiment inconnue. Personne n'a jugé à moins que vous n'ayez été impoli ou que vous ayez pris de la drogue, et le plus souvent, ces personnes ont été guidées vers la tente médicale. Nous ne nous sommes jamais inquiétés quand nous nous sommes endormis, sauf qu'il pourrait pleuvoir à nouveau. Je pense que les gens me considéraient comme un peu désemparés, et maintenant que j'y pense, ils étaient protecteurs envers moi et s'assuraient que j'étais avec mon peuple. J'ai senti que les gens venaient à Woodstock avec les meilleures intentions.&rdquo

&ldquoIl y a la vieille blague, &lsquo vous vous souvenez de Woodstock, alors vous n'y étiez probablement&rsquot.&rsquo Vous glissiez dans la boue ? J'étais plus un observateur car j'avais des changements limités de vêtements. J'allais aussi me déshabiller et sauter dans l'eau. J'étais une personne aussi libre. Pour moi, il s'agissait de la musique.&rdquo

Avec toute la pluie, le programme avait été repoussé à lundi. Jimi Hendrix a clôturé le festival avec un set époustouflant qui a commencé à 9 heures du matin &ldquoHendrix a transcendé la course, et tout le monde a adoré sa musique. Hendrix était un vétérinaire, et donc sa performance de &lsquoStar-Spangled Banner&rsquo est devenue plus poignante en tant que déclaration douloureuse et courageuse à la fois d'aimer et de servir un pays sans être d'accord avec les politiques actuelles sur la guerre.&rdquo Elle s'arrête, soudainement incertaine. &ldquoQuand Hendrix a-t-il joué ? Pas sûr à cent pour cent, mais ça devait être la nuit ?»

Rentrer à la maison après le concert pour affronter ses parents était aussi délicat qu'on pourrait l'imaginer. &ldquoC'est drôle comment les choses changent de trois jours de paix, d'amour et de musique à voir les visages sévères de nos parents et nous réalisons que notre couverture a été soufflée.&rdquo Son père a dit à sa sœur, Annie, qu'ils étaient déçus d'elle, mais ils ont dit à Christine qu'en fait, ils s'attendaient à quelque chose comme ça d'elle. Elle a pris cela comme un point de fierté.

&ldquoNous avons été punis pendant, je suppose, un mois, mais nous n'étions pas inquiets. Nous avions des moyens d'aller au-delà des limites du foyer comme bon nous semblait. Mes deux parents ont rejoint les ancêtres, malheureusement, mais ils ne l'ont tout simplement pas compris.

Cinquante ans plus tard, loin de cette jeune fille de dix-sept ans, elle s'interroge sur le sens de Woodstock. &ldquoEn pensant à ma dernière année, je me voyais déménager.» Elle a cessé de traîner avec des amis qui n'étaient pas à l'écoute des problèmes sociaux. Maintenant, elle les considérait comme un peu superficielles. Elle a ajouté des & lunettes de grand-mère & rdquo et de gros cheveux à ses bas de cloche et à ses vestes militaires. Elle a pris un congé après le lycée pour voyager en Europe avec le gars du voyage à Woodstock qui n'avait pas été son petit ami mais qui l'était maintenant. &ldquoNotre expérience de Woodstock nous avait rapprochés.&rdquo

"C'était les années 60 après tout", plaisante-t-elle.

Elle a réfléchi profondément à ses prochains mouvements et a déterminé qu'ils n'étaient pas liés à une carrière ou à l'argent. &ldquoC'était vraiment une question de culture et d'expériences, et c'était peut-être une autre partie de la génération des années 60. Nous n'étions pas trop pragmatiques, et il s'agissait vraiment d'améliorer qui vous étiez en tant que personne et de découvrir comment vous vous intégriez dans le schéma plus large des choses.

Le monde semblait beaucoup plus global après Woodstock. &ldquoNous étions la génération pour faire la différence. Vous vous êtes lancé dans l'activisme, la politique ou le droit. Un professeur d'université pourrait faire la différence. Les étudiants se sont battus pour la mise en place de programmes d'études ethniques.» Kreamer s'arrête un instant pour réfléchir. &ldquoMaintenant au Musée national d'art africain, mon travail se concentre sur la narration d'histoires à travers des objets. Peut-être que le fait que ces moments fondateurs comme Woodstock ont ​​inspiré tant d'histoires et de façons de raconter signifie que j'en emporte une partie avec moi, que cela m'a ouvert à un monde beaucoup plus large de connexions et d'expériences.

&ldquoUne partie de la promesse de cette génération et j'espère vraiment que la jeune génération d'aujourd'hui reprendra : c'est votre monde. Vous en héritez, et c'est un peu le bordel à bien des égards. C'est le moment de penser au plus grand bien, de penser au-delà de l'individu, de réfléchir à la façon dont nous pouvons faire une différence collectivement. Pour moi, était les années soixante. C'était l'esprit de Woodstock à bien des égards.&rdquo

&ldquoAlors peut-être que Woodstock a joué un rôle dans mon avenir, mais j'ai certainement passé un bon moment.&rdquo

&ldquoLe message secret communiqué à la plupart des jeunes aujourd'hui par la société qui les entoure est qu'ils ne sont pas nécessaires, que la société fonctionnera assez bien jusqu'à ce qu'ils - à un moment lointain dans le futur - prennent le pouvoir. Pour la société, tenter de résoudre ses problèmes désespérés sans la pleine participation même des très jeunes est imbécile.»
—Alvin Toffler, écrivain, futuriste

Charlie Weber est le directeur des médias au Center for Folklife and Cultural Heritage.

Afrolatinidad : Art & Identité à D.C. est une série d'entretiens mettant en lumière la vitalité de la communauté afro-latinx locale. Avant que le terme Afro-Latinx n'entre dans le discours populaire, les Latino-Américains de la diaspora partageaient leurs histoires à travers des manifestations artistiques en ligne et dans des espaces communautaires à travers le district. Leurs perspectives sont de nature intersectionnelle et existent entre les espaces de Blackness et de Latinidad.

Vie folklorique est un magazine numérique de musique, de nourriture, d'artisanat et de culture. Nous racontons des histoires inoubliables sur des personnes, des idées et un large éventail d'arts et de traditions qui nous aident à explorer d'où nous venons et où nous allons. Nous plongeons dans la vie complexe des individus et des communautés pour trouver ce qui inspire et motive les gens lorsqu'ils répondent à des questions animées au centre de la vie contemporaine.


Ce n'est pas la révolution de gauche de ton père

(Photo AP/Josh Edelson)

Les radicaux aux yeux étoilés des années 1960 et 1970 rêvaient qu'ils allaient soit s'emparer de l'Amérique, soit la détruire.

L'une de leurs devises préférées était "Changez-le ou perdez-le", alors même que les manifestations se concentraient sur la drogue, la musique, la race, la classe, le sexe, la mode - presque tout et n'importe quoi.

Les radicaux des années 60 ont enseigné à l'Amérique des lunettes à monture métallique à cheveux longs qui étaient une traînée, un carré, une déception et qui étaient branchés, cool, groovy, moelleux et farfelus. La plupart de ces révolutionnaires idiots n'étaient pas des tueurs de Weathermen ou des communistes potentiels du SDS, mais juste des adolescents pour la bonne humeur.

Avec la fin du projet en 1972, la fin de la guerre du Vietnam, les embargos pétroliers et la détérioration de l'économie, la révolution des années 81760 s'est évanouie. Les cyniques ont affirmé que la révolution concernait principalement les étudiants de la classe moyenne aux cheveux longs qui se détachaient pendant le pic du boom d'après-guerre, se livrant à leur appétit et s'assurant qu'ils ne finiraient pas au Vietnam.

Il n'est même pas vrai que les années 󈨀 ont au moins assuré la réforme nécessaire. Le mouvement des droits civiques et l'égalité des droits pour les femmes et les homosexuels étaient déjà nés avant les hippies, tout comme les chansons folkloriques et la musique rock ancienne.

Au lieu de cela, la révolution des années 󈨀 a accéléré ces tendances — mais aussi les radicaliser, les manipuler et les grossir.

Les "yuppies" captivants des années 1980 étaient les successeurs naturels des hippies à tout faire. #8221 impliquait souvent l'auto-indulgence et l'évitement de la responsabilité.

En 1981, la révolution Reagan a mis fin aux impasses de la génération Woodstock. La plupart ont finalement grandi. Ils ont redémarré leurs pulsions égocentriques de drogue, de sexe et de fête en des fixations sur l'argent, le statut et les choses matérielles.

Les manifestants des années 60 ont mis en avant le divorce, l'avortement à la demande, la promiscuité, la consommation de drogue et les foyers monoparentaux. Mais à la fin des années 1970 et dans les années 1980, la plupart des révolutionnaires culturels vétérans s'étaient mariés, élevaient une famille, achetaient une maison, trouvaient un emploi et gagnaient de l'argent.

Cette fois-ci, l'assaut de gauche de leur progéniture est différent et bien plus inquiétant. Les petits-enfants réveillés des anciens étrangers sont maintenant des initiés systématiques plus impitoyables. Le nouvel établissement réveillé et branché sait comment utiliser l'argent et le pouvoir pour faire renaître l'Amérique comme quelque chose que les fondateurs et la plupart des Américains actuels n'avaient jamais envisagé.

Nommez une institution principale que la gauche réveillée ne contrôle pas maintenant et ne déforme pas. Les média? Le campus? Silicon Valley ? Sport professionnel ? La salle du conseil d'administration ? Fondations? L'établissement d'enseignement K-12 ? La hiérarchie militaire ? L'État profond du gouvernement ? L'échelon supérieur du FBI ?

La gauche les a tous absorbés. Mais cette fois-ci, les membres de la gauche croient vraiment que "par tous les moyens nécessaires" n'est pas un simple slogan. Au lieu de cela, c'est un modèle sur la façon de perturber ou de détruire les coutumes, les traditions et les valeurs américaines.

Les révolutionnaires éveillés ne sont pas des mendiants, des gens de la rue ou des groupies Grateful Dead. Ce ne sont même pas quelques terroristes fous et meurtriers de l'Armée de libération de Symbione qui luttent contre "l'homme".

Nos révolutionnaires du 21e siècle sont des multimilliardaires avec des tongs, des T-shirts tie-dye et des anneaux de nez, mais avec le pouvoir absolu et le désir de censurer la façon dont la moitié du pays communique ou de les annuler complètement.

Ils n'affluent pas vers les zones de liberté d'expression du campus, ce sont les administrateurs du campus qui interdisent la liberté d'expression.

Ils ne font pas de piquetage à l'extérieur du Pentagone, ils sont à l'intérieur du Pentagone.

Ils ne chantent pas "mangez les riches" ce sont les riches qui mangent à la blanchisserie française de Napa Valley.

Ils ne protestent pas contre les valeurs « tendues » parce qu'ils sont plus intolérants et puritains que n'importe quel victorien.

Ils ne croient pas aux quotas raciaux basés sur une « représentation proportionnelle », car ce sont des racistes qui exigent la sous-représentation des « mauvais » groupes raciaux et la surreprésentation des « bons » groupes. La couleur de notre peau est leur évangile, pas le contenu de notre caractère.

Ce sont des révolutionnaires de haut en bas. Aucun de leurs programmes, de l'ouverture des frontières et de la modification de la Constitution à la théorie critique de la race et à l'interdiction des combustibles fossiles à combustion propre, n'est jamais favorisé par la majorité de la population.

Leur principe directeur est de ne jamais laisser une crise se perdre. Ce n'est qu'en période de pandémie, de quarantaine nationale ou de relations raciales volatiles que les nouveaux révolutionnaires de gauche haut de gamme peuvent utiliser la peur pour faire adopter des politiques que personne en temps calme ne pourrait estomac.

Nos révolutionnaires détestent la dissidence. Ils détruisent tous ceux qui remettent en question leurs canulars médiatiques.

La vérité est leur ennemi et la peur est leur arme. Les révolutionnaires paranoïaques des années 60 ont mis en garde contre George Orwell �, ”, mais nos révolutionnaires sont �.”

Bien que cette révolution élitiste de gauche soit plus dangereuse que son prédécesseur bâclé des années, elle est également plus vulnérable, compte tenu de son appareil odieux et lourd, mais seulement si les proverbiaux "les gens disent enfin à leur folie, & #8220Assez, c'est assez.”

Victor Davis Hanson est un classique et historien de la Hoover Institution, de l'Université de Stanford, et l'auteur de "The Second World Wars: How the First Global Conflict Was Fought and Won", de Basic Books. Vous pouvez le joindre en envoyant un e-mail à [email protected] .


Papa aimait Richie Havens. À tel point qu'il a nommé son émission de longue date d'après l'un de ses disques. Et ils étaient amis. Richie nous a donné un texte de présentation sympa pour notre livre Woodstock. Le message d'aujourd'hui est un extrait, écrit par mon père, de notre livre, RETOUR AU JARDIN. N'hésitez pas à me contacter via les commentaires si vous en aimez une copie, je vous ferai une bonne affaire. .

Il est 17h07. le vendredi 15 août 1969. Vous êtes debout sur la scène au fond de l'amphithéâtre naturel de l'alpage. Le décor est planté et vous pouvez sentir le bois frais utilisé pour sa construction récente. Lorsque vous regardez devant vous, une mer de têtes agitées s'étend sur des kilomètres. C'est une vague d'humanité unique dans les annales de l'histoire enregistrée. Certes, la foule est inhabituelle pour sa taille et plus encore pour la raison apparente pour laquelle tous ces gens sont ici - pour un type unique de musique américaine d'à peine quatorze ans appelée rock 'n' roll. Si vous acceptez l'estimation de la foule de cinq cent mille personnes, cela en fait la deuxième plus grande ville de New York.

Richie Havens : Nous étions de retour à l'hôtel. J'étais censé terminer cinquième et il n'y avait aucun moyen d'y amener quelqu'un. Il n'y aurait pas de Woodstock, pour vous dire la vérité. Cela allait être la plus grande émeute du monde, car à sept miles de là se trouvaient tous les musiciens dans deux hôtels, et ils ne pouvaient pas du tout se rendre sur le site - aucune route pour s'y rendre. Et personne ne pouvait transporter des tonnes d'amplis et d'équipements jusqu'à la scène à sept milles de distance.

Michel Lang : Il s'agissait de savoir qui nous pouvions monter le plus rapidement, qui était prêt, et qui avait besoin du moins de préparation et du moins de matériel. Tim Hardin était une idée. Il n'était pas prêt. Tim, je pense, était un peu blitzé, un peu trop blitzé. C'était un ami, et j'espérais que jouer à Woodstock le ramènerait, car il avait été bombardé pendant un certain temps. Et j'ai pensé que ce serait une bonne occasion pour lui de se ressaisir et de se redresser assez longtemps au moins pour obtenir une certaine reconnaissance publique. Mais il n'était pas prêt.

Richie Havens : Tim Hardin était là, mais il a décidément refusé de passer le premier. Il ne sortait pas de dessous la scène.

Chip Monck : Tim était absolument incapable de comprendre ou de gérer le fait d'ouvrir le spectacle. Il ne pouvait pas être présenté sans aide. Alors il a poliment décliné.

Richie Havens : Tout d'un coup, ils ont dit : « Richie ! Nous avons un gars avec un hélicoptère qui va venir. Vous avez le moins d'instruments, alors vous passerez en premier. J'ai dit: "D'accord, très bien." Puis il est revenu et a dit : « Non, il ne vient pas », puis « Oui ! Il arrive!" Maintenant, le concert a déjà trois heures de retard et dans l'allée de l'Holiday Inn arrive ce petit hélicoptère juste devant ma fenêtre et j'entends ce bruit, alors nous sortons en courant avec nos deux tambours conga, deux guitares et nous trois, et nous penchons dans cet hélicoptère bulle et ils nous ont pris en charge.

Michel Lang : Eh bien, Richie avait peur, franchement, si je me souviens bien. Mais je pense que c'était une sorte de réaction naturelle à regarder une foule de cette taille. Mais il n'en a pas fait un problème.

Richie Havens : En fait, j'avais peur de continuer en premier. Je savais que le concert était en retard et que ce serait peut-être un peu fou. Je ne voulais pas être piétiné par un milliard de personnes. Alors j'ai dit : « Ne me fais pas ça, Michael. Je ne suis qu'un gars. Mon bassiste n'est même pas là.

Le bassiste de Richie, Eric Oxendine, s'est retrouvé pris dans les embouteillages menant au site et a décidé de parcourir à pied les quinze ou vingt milles de l'endroit où la circulation a été arrêtée jusqu'à la scène. Il serait arrivé à temps pour le set de Richie si l'ordre n'avait pas changé, mais ce n'était pas censé être le cas. Lang a continué à mendier, plaider et cajoler. Richie a cédé et est sorti sur scène.

Chip Monck: Et soudain, c'était l'heure du spectacle. J'ai dit : « Asseyez-vous, levez-vous, faites ce que vous voulez, mais nous sommes prêts à commencer maintenant et je parie que vous en êtes satisfait. Et, mesdames et messieurs—s'il vous plaît—M. Richie Havens.

Il avait vingt-huit ans, magnifiquement vêtu d'un pantalon blanc et d'un long caftan orange fluide. Richie Havens est né le 21 janvier 1941 à Brooklyn, New York. Il était un produit du quartier difficile et difficile de Bedford-Stuyvesant de cet arrondissement qui a en quelque sorte échappé au destin sans issue de bon nombre de ses pairs et camarades de classe en partie à cause de son dévouement à la musique et aux arts. Il a déménagé à Greenwich Village à l'aube des années 60 et a gagné sa vie en tant que portraitiste et poète. Pendant un certain temps, il a vécu dans le couloir de Noel Paul Stookey qui se produisait en tant que musicien-comédien solo dans les clubs du village avant de s'associer à Peter Yarrow et Mary Travers et de réécrire l'histoire de la musique américaine en tant que trio folk Peter, Paul and Mary. . Stookey s'est lié d'amitié avec Richie et l'a encouragé à fléchir ses muscles musicaux. Ils sont restés amis pour la vie.

Richie a suivi les conseils et a commencé à transformer ses poèmes en chansons, qu'il a interprétées avec un grand succès et un public croissant tout au long de la décennie. Un facteur majeur qui a aidé Richie à gagner une audience était le changement qui se produisait à la radio FM. Lorsque la radio FM a vu le jour, chaque station AM utilisait simplement la FM pour diffuser simultanément sa programmation. Mais en 1966, la FCC a exigé que le signal FM diffuse quelque chose de différent. Cela a conduit à des stations plus créatives et progressives jouant la musique la plus branchée du jour et adaptant leur programmation de forme libre à une foule résolument plus jeune. L'un des premiers favoris de ces stations dites de « modulation de freak-quency » était Richie Havens. Son invitation à se produire à Woodstock était une évidence.

Josh White : Richie Havens était très populaire à cette époque. Il était un chanteur folk dans la tradition de Leadbelly et Josh White, l'autre Josh White. Il était un favori sur les stations de radio de forme libre. C'était un très bon chanteur passionné, et il fut l'un des premiers chanteurs noirs à avoir acquis une crédibilité auprès de ce public blanc. Le public l'aimait.

Mike Jahn : L'une des raisons pour lesquelles j'ai décidé d'aller à Woodstock était que Richie Havens allait y être. Richie et moi étions amis, et j'ai pensé que s'il devait être là, je pourrais être là. Je l'ai connu en 1966. Quelqu'un m'a donné un exemplaire de Mixed Bag et j'ai adoré. Je l'ai contacté et je l'ai rencontré dans son appartement de l'East Village. Il m'a emmené au Slug's, un club de jazz légendaire, et j'étais probablement le seul homme blanc de l'endroit. Il y avait une certaine animosité avec le gars à la porte. Il ne voulait pas me laisser entrer, mais Richie a dit: "Il est cool", alors il m'a laissé entrer. Nous sommes donc allés ensemble pour voir Sun Ra. Richie était tellement adorable.

Stan Schnier : Quand Richie faisait des spectacles au Fillmore, il n'avait pas d'équipe de route. Il y avait un gars nommé Dino qui jouait de la guitare d'appoint, et Dino avait l'habitude de venir dans notre appartement tout le temps et de jammer avec nous. C'était alors un tout petit monde. Assez drôle, la plupart du temps quand lui et Richie étaient sur scène, vous ne pouviez même pas entendre Dino, parce que Richie chantait et jouait tellement fort et fort et Dino était un peu à l'arrière, en train de tourner. Ce n'était pas une relation rythmique définie. C'était juste quelque chose qu'ils avaient entre eux qui maintenait Richie enfermé. Je n'ai jamais vu personne comme Richie auparavant, et je n'ai vu personne depuis. Il était totalement unique.

Tom Law : Je l'ai rencontré par Albert Grossman. Je le voyais quand je travaillais pour Peter, Paul et Mary. Je pense qu'il est l'une des personnes les plus émouvantes de la planète, je l'ai mis en tête de liste.

Billy Altman : J'ai vu Richie Havens ouvrir pour Cream à l'automne 1967. C'était quelqu'un que je connaissais. Un grand interprète. Son énergie était impressionnante. Il utilisait un accordage où sa guitare était accordée sur un accord et cela lui permettait de faire toutes ces belles choses rythmiques. Et cela a fait de lui l'acteur parfait pour ce point à Woodstock.Il a réussi à faire entrer les gens dans la musique physiquement, à cause de la rythmique, et ce n'est pas quelque chose que beaucoup de gens auraient pu faire.

Mike Jahn : En tant qu'interprète, Richie était magnétique et charismatique. Il avait un son incroyablement riche, et il utilisait cet accordage en Mi ouvert sur sa guitare et ça sonnait juste incroyable. Il avait des mains énormes. Mains de pianiste. Vous ne pouvez pas passer votre pouce sur les cordes de basse et barrer les cordes à moins d'avoir des mains immenses. Sa voix est très expressive. Voici une comparaison que la plupart des rockeurs détesteront, mais entendre Richie jouer "San Francisco Bay Blues" était au niveau d'entendre le rendu de Streisand de "Happy Days Are Here Again". Prendre un vieux air joyeux et en faire quelque chose de complètement différent. Cela m'a bluffé. C'est un talent merveilleux.

Vous ne pouvez pas parler de Richie Havens sans discuter de sa capacité à interpréter des reprises, à interpréter le matériel d'autres artistes. À une époque où la plupart de ses contemporains démantelaient l'idée de se voir confier les chansons d'autres personnes à enregistrer et à interpréter par l'homme A&R (artistes et répertoire) de la maison de disques, Richie avait clairement les deux sens.

Billy Altman : C'était un grand chanteur et un grand interprète aussi. Il n'y a pas beaucoup de gens qui peuvent faire Bob Dylan aussi bien que Bob Dylan, ou même moitié moins que Bob Dylan, et il est l'une des rares personnes qui a toujours été capable de faire un excellent travail avec le matériel de Dylan. Et je dis cela avec le plus grand respect. C'est la même chose avec les Beatles. Même avec des chansons que vous ne penseriez pas nécessairement être ouvertes à ce genre d'interprétation comme "Here Comes the Sun". Il est capable de trouver des choses dans les chansons et de se les approprier. C'est ce que fait Richie Havens.

Il n'était pas l'acte d'ouverture, il était le "acte-cident" d'ouverture. Le porte-bonheur. Le présage qu'espéraient d'une certaine manière tout le monde au festival dans les coulisses, sur scène et devant la scène pouvait vous faire croire que tout allait bien se passer. Il a fait son travail et il l'a fait magnifiquement. Il était le candidat parfait pour allumer la flamme pour allumer le feu qui brûlerait brillamment et de manière tangible pendant près de quatre jours consécutifs. Son attitude pacifique et son jargon enfantin ont définitivement donné le ton à tout le week-end du hippie chic :

Richie Havens depuis la scène le 15 août 1969 : Cent millions de chansons vont être chantées ce soir. Tous vont chanter sur la même chose, et j'espère que tous ceux qui sont venus sont venus entendre, vraiment. Et tout tourne autour de vous – en fait – et de moi et de tout le monde autour de la scène et de tous ceux qui ne sont pas venus ici, et des gens qui vont lire sur vous demain. Oui! Et à quel point vous étiez vraiment groovy - partout dans le monde, si vous pouvez creuser où c'est - c'est vraiment là que ça se passe vraiment !

La légèreté de son message parlé contrastait directement avec la puissance implacable de sa musique et de son message. Il a fait « High Flying Bird », le morceau principal de son superbe premier album Verve-Forecast, Mixed Bag. Il a fait "I Can't Make It Anymore" de Gordon Lightfoot. Il a interprété une trilogie de chansons classiques des Beatles, « With a Little Help from My Friends », « Strawberry Fields Forever » et « Hey Jude ».

Richie avait largement dépassé les vingt minutes qu'il s'attendait à jouer, mais même après avoir doublé ce temps, puis triplé ce temps, il n'y avait toujours aucun signe que quelqu'un voulait qu'il quitte la scène. Personne ne lui donnait frénétiquement le signe "couper", alors il supposa, à juste titre, que son suivi n'était pas encore prêt. Il a persévéré. Littéralement.

Son interprétation fulgurante de la chanson anti-guerre « Handsome Johnny », coécrite avec le chanteur folk de l'époque, aujourd'hui acteur primé aux Oscars Lou Gossett Jr., a de nouveau soulevé la foule. Ayant acquis suffisamment de connaissances en show-business pour les laisser en redemander, Richie a tenté, une fois pour toutes, de quitter la scène. Il ne devait pas être. Repoussé une fois de plus pour faire face à la foule rugissante, Richie a regardé droit dans les yeux un moment de vérité auquel peu d'artistes dans aucun des arts n'ont jamais été confrontés. Et puis cela lui est venu – un exemple de créativité d'un autre monde qui défie tout simplement les attentes, mais pas l'imagination.

Richie Havens : Deux heures et demie—deux heures et quarante-cinq minutes plus tard, alors que je m'éloignais pour la huitième fois, ils ont dit : « Non, il n'y a encore personne, retournez. » [Rires.] Pour la septième fois. J'ai décidé que je ne savais pas quoi chanter d'autre, tu sais, c'est comme tout ce à quoi je pouvais penser, tu sais ? Donc, j'ai vraiment eu une inspiration. J'ai regardé le public, dont je n'ai pas pu voir la fin parce que ce que la plupart des gens ne voient pas dans le film, c'est, pour autant qu'on puisse voir les gens sur la photo qu'ils montrent, quand je suis sur scène, là était l'autre côté de cette colline qui était tout aussi grande. Et les gens de ce côté de la colline n'ont même jamais vu la scène, ils se sont simplement allongés dans le champ et ont écouté, et c'était probablement le meilleur son. On pouvait l'entendre à quinze milles de distance en fait. Le meilleur son que j'ai jamais joué en extérieur, dans ce sens. Mais le fait est que j'étais sur scène et que je ne savais pas quoi chanter, alors j'ai—j'ai regardé dehors et j'ai dit, vous savez : "La liberté n'est pas ce qu'ils nous ont même fait penser. Nous l'avons déjà. Il ne nous reste plus qu'à l'exercer. Et c'est ce que nous faisons ici. » Alors j'ai juste commencé à jouer, vous savez, des notes - en essayant de décider ce que je vais chanter et le mot est sorti, "Freedom", vous savez. J'ai commencé à chanter "Freedom". Et puis, bien sûr, "Motherless Child", que je n'avais pas chanté depuis probablement sept ans - six ou sept ans, est sorti. Et puis il y avait une autre partie d'un cantique que j'avais l'habitude de chanter quand j'avais environ quinze ans et qui est sortie au milieu. "Il y a un téléphone dans ma poitrine et je peux l'appeler de mon cœur." Et c'est ainsi que tout s'est réuni.

Arthur Lévy : Il avait l'habitude de jouer les yeux fermés. Je ne savais pas s'il faisait ça parce que la quantité de sueur qu'il générait lui piquait les yeux ou s'il devait simplement bloquer le public. C'était certainement la plus grande foule avec laquelle il avait jamais joué. Cela aurait pu être très intimidant et intimidant de jouer devant ce nombre de personnes. "Freedom" est l'un des grands moments transcendantaux de l'histoire du rock.

Bob Santelli : Havens a sauvé la mise. La manière dont Richie joue, des accords durs, des accords ouverts qui lui permettraient de jouer de la guitare comme s'il s'agissait d'une sorte d'arme, comme si les notes et les accords qui sortiraient de sa guitare étaient destinés à neutraliser les sceptiques. . C'est le genre de musique acoustique qui était idéale pour un décor extérieur, surtout pour lancer le festival. Il s'est montré à la hauteur. Regardez l'intensité dans le visage de Richie Havens et associez-la à l'intensité de son jeu de guitare, puis aux rythmes de son joueur de conga. C'était un groupe de rock puissant et entraînant, et il le créait avec une guitare qui semblait avoir en tête la vengeance d'une manière ou d'une autre. C'était une performance puissante et c'était très chanceux que cela se produise car il n'y avait pas grand-chose d'autre aussi convaincant ou aussi intense vendredi que Richie Havens.

Cela ne pouvait pas mieux commencer. De nombreux personnages de toutes les facettes du festival ont revendiqué ou reçu le titre de « père de Woodstock ». Certains sont certainement dignes du sobriquet. Mais, plus que la plupart, Richie Havens peut porter ce manteau avec fierté, dignité et humilité. Au moment d'écrire ces lignes, il est toujours la plus grande incarnation vivante de la philosophie de Woodstock.

À l'occasion de cette étape importante du quarantième anniversaire, Richie continue d'enregistrer, toujours en tournée, toujours en peinture, toujours en scène et toujours en train de faire entendre sa voix sur une variété de questions alors qu'il termine sa septième décennie sur la planète. Je voudrais illustrer sa générosité et son engagement par une observation personnelle. Dans les années 1980, après la mort de l'auteur-compositeur-interprète Harry Chapin, j'ai co-organisé une collecte de fonds annuelle de vingt-quatre heures aux Nations Unies pour l'Année mondiale de la faim [maintenant WHY HUNGER], l'organisation caritative cofondée par Harry et mon ami Bill Ayres. . L'après-midi de l'émission, Richie est venu se produire et donner un coup de main avant un concert prévu ce soir-là à Long Island. Il a chanté, il a parlé, il a joué, puis il est parti pour son concert. C'était ça. Je l'ai mis hors de ma tête et je suis passé à l'invité suivant. Vers trois heures du matin, les heures vraiment mortes d'un Hungerthon de vingt-quatre heures, il y a eu un coup inattendu à la porte de l'ONU. C'était Richie ! Il avait emporté une collection pour l'Année mondiale de la faim lors du concert et avait rapporté les bénéfices avec lui dans la ville après le spectacle ! C'est la philosophie de Woodstock !

La performance de Richie a cristallisé et clarifié la véritable raison sous-jacente pour laquelle ces un demi-million de personnes se sont rassemblées ici dans l'appel de clairon à un mot répété encore et encore, et

lui a crié la foule : « Liberté ! Liberté! Liberté! Liberté! Liberté . . . !"


La naissance de Woodstock

Pour coïncider avec le 50e anniversaire de Woodstock, le co-fondateur de l'événement, Michael Lang, avait voulu organiser un festival commémoratif du 16 au 18 août près du site d'origine. La programmation devait présenter des artistes du rassemblement il y a 50 ans aux côtés d'actes plus récents tels que Halsey et Chance the Rapper. (On imagine les baby-boomers demander « Qui ? » Et leur progéniture répondant : « Non, le Who n'est pas sur la facture, grand-père. ») Mais plusieurs demandes de permis ont été refusées, forçant M. Lang à envisager un nouveau lieu, dans le Maryland. Cependant, de nombreux musiciens n'étaient pas intéressés à se produire sur un site si peu original par rapport à l'original. Finalement, le festival a été annulé. Il y a un demi-siècle, M. Lang a dû faire face à des difficultés similaires en essayant d'organiser un concert.

En 1967, lui et sa cohorte Artie Kornfeld, ancien vice-président de Capitol Records, ont décidé de créer un studio d'enregistrement près de Woodstock, New York. Ils avaient le soutien financier de l'héritier d'une société pharmaceutique et d'un jeune capital-risqueur. Deux ans plus tard, les quatre hommes ont décidé d'organiser un festival de musique et d'arts sur le site du studio d'enregistrement proposé. Mais les habitants ont rejeté l'idée. Deux autres sites ont été envisagés, mais les autorités ont refusé de délivrer des permis. La situation était désespérée. Le festival avait déjà été annoncé dans des publications telles que le New York Times. Au cours d'une promenade à travers Béthel avec un agent immobilier local, M. Lang a descendu une route secondaire devant la ferme laitière de Max Yasgur et a repéré le lieu idéal : une prairie en forme de bol. C'était en juillet. Ils n'avaient qu'un mois pour préparer le site.

À quelques jours de l'événement, l'équipe de M. Lang était confrontée à un choix difficile compte tenu de ses effectifs et de son temps limités. Ils pouvaient soit construire la scène, soit ériger des clôtures et des guichets autour du terrain du festival. Ils ont choisi la mise en scène. Le festival avait pré-vendu 186 000 billets par correspondance. Sans clôture, les organisateurs devraient laisser entrer gratuitement les personnes supplémentaires qui se sont présentées. Ils en attendaient 15 000. Leurs prédictions n'étaient fausses que de 200 000. Les organisateurs ont fini par s'endetter lourdement.

L'« Exposition du Verseau », comme on l'appelait, a exploité un mouvement de contre-culture qui balayait les États-Unis. Deux ans plus tôt, en 1967, le magazine Time avait publié un article de couverture sur les hippies. Les organisateurs de Woodstock ne l'ont apparemment pas lu, ou s'ils l'ont lu, ils n'étaient pas au courant du nombre de hippies, de pacifistes, d'amateurs de rock et d'autres qui seraient attirés par une prairie du nord de l'État de New York.

"En 1965, selon certaines estimations, il y avait environ un millier de hippies prototypes vivant dans la région de la baie", explique l'anthropologue culturel Grant McCracken, auteur de "Chief Culture Officer". « En 1969, vous avez un demi-million de personnes qui se présentent pour se divertir dans un champ ouvert. C'est donc une accélération extrêmement rapide. Et je pense que l'une des façons d'y parvenir, culturellement parlant, est que les gens se définissent simplement en opposition très prudente au modèle culturel qui était en place au milieu des années 50. »

Cette période d'après-guerre a été une période de croissance économique remarquable, incarnée par l'essor des banlieues et ce qu'elles symbolisaient pour le confort matériel et la compétition pour le statut social. Comme le disait une publicité télévisée de Ford des années 50 : pourquoi avoir une seule voiture, quand on peut en avoir deux ? Mais de nombreux membres de la génération non-conformiste des années 60 ont rejeté le statut et la compétition individualiste en faveur de l'égalitarisme et de la solidarité sociale.

« Passer un week-end dans un champ boueux semblait être une bonne idée, pour commencer, car cela affirmait ainsi l'égalité de toutes ces personnes », explique M. McCracken. "Tout dans les vêtements et les cheveux était assez délibérément un effort pour effacer les différences."

Mais qu'est-ce qui se cache derrière l'attirance soudaine de la jeunesse pour les Human Be-Ins (une version soi-disant humaniste des anciens sit-in), le mysticisme oriental et la drogue ? Et pourquoi certains enfants de fleurs ont-ils fait preuve d'un mépris pour les vêtements qui feraient rougir même le casting de « Hair » ?

C'était un désir d'autonomisation et d'expression personnelle. Les générations précédentes croyaient que si vous viviez en accord avec les mœurs sociales de votre communauté, vous seriez heureux. Mais les baby-boomers ont rechigné à cette idée. D'abord, ont-ils dit, suivez votre bonheur. Deuxièmement, trouvez une communauté dans laquelle vous vous situez.

Cette soi-disant redéfinition de la liberté de la génération Me comprenait un rejet du conservatisme de leurs parents et de la moralité de la classe moyenne. Les bouleversements politiques – les assassinats de Martin Luther King Jr. et de deux Kennedy, les émeutes raciales et la peur de la conscription – n'ont fait qu'alimenter leur désaffection. Ils ont défié l'autorité, se sont battus pour les droits civils et les droits des femmes et ont embrassé la libération sexuelle. À l'époque, les messagers les plus puissants du changement étaient les musiciens.


60 photos des années ླྀ qui montrent comment le monde changeait

Les années 1960 sont une décennie le plus souvent associée aux hippies vêtus de tie-dye, à l'expérimentation psychédélique et aux icônes du rock'n'roll comme les Beatles et Jimi Hendrix. Mais sous le pouvoir des fleurs, l'extérieur de l'amour libre, les années 60 ont été une période de changements sociaux et politiques radicaux, non seulement aux États-Unis mais dans le monde entier. La décennie a été caractérisée par une multitude de juxtapositions de colère et de peur face à l'injustice et à des conditions politiques difficiles, vécues aux côtés des notions d'éveil musical et d'harmonie pacifiste.

Au cours des années 1960, les craintes se sont concentrées sur les crises internationales alimentées par le communisme entre les États-Unis, l'Union soviétique et Cuba. Pendant ce temps, l'implication de la nation dans la guerre du Vietnam, également alimentée par l'objectif inébranlable de l'Amérique de freiner la propagation du communisme dans le monde, a donné lieu à des protestations et à des actes de rébellion anti-guerre, notamment un système de presse clandestin et l'incendie de cartes de vœux.

En ce qui concerne les libertés civiles et les libertés individuelles, les années 60 étaient une époque où les communautés marginalisées et privées de leurs droits exigeaient un changement. Des militants comme Martin Luther King, Jr. et Malcolm X ont ouvert la voie à l'activisme pour les droits civiques alors que la lutte pour l'égalité et les droits des Noirs aux États-Unis atteignait un niveau record. Pendant ce temps, les femmes voyaient de nouveaux développements dans leur autonomisation, comme l'introduction de la pilule contraceptive, qui a contribué à façonner le mouvement de libération sexuelle et à remodeler les normes et les attentes de genre.

Les photographies de la décennie 1960-1970 capturent non seulement ces moments historiques, mais aussi la vaste gamme d'émotions et d'attitudes qui accompagnent ces changements. Une scène paisible de festivaliers pendant l'été de l'amour, par exemple, brosse un portrait totalement différent de l'époque par rapport à un plan effréné d'une attaque de guérilla Viet Cong au Sud-Vietnam.

Ces photos montrent également la vitesse à laquelle les temps évoluaient. Une photographie de 1960 du président John F. Kennedy se tenant fièrement avec sa femme après avoir été élu président, par exemple, a été prise trois ans seulement avant une photo obsédante de l'assassinat du leader bien-aimé au Texas.

Pour mettre en évidence les principaux tournants de la décennie, Stacker a rassemblé des images emblématiques des années 1960 qui brossent un tableau du monde en évolution. Faites défiler pour découvrir les images clés qui ont défini la décennie et les moments historiques qu'elles ont capturés.

L'élection de 1960 a marqué un changement important dans la façon dont le public américain se connectait aux candidats et à leurs campagnes, car il s'agissait de la première campagne de l'histoire où les débats entre les candidats étaient télévisés. Ce n'est pas étonnant, cependant, étant donné que seulement 11% des foyers américains avaient des téléviseurs en 1950, ce nombre a grimpé à 88% en 1960.

Lorsque l'ancien sénateur John F. Kennedy a remporté les élections, il est devenu le premier président catholique du pays, ainsi que le plus jeune homme jamais élu à ce poste. Kennedy a abordé un certain nombre de questions clés de politique étrangère - par exemple, la guerre au Vietnam, la crise des missiles cubains - avant que sa présidence ne soit tragiquement écourtée en 1963 lorsqu'il a été assassiné à Dallas, au Texas.

[Photo : John F. Kennedy se tient entre sa femme et sa mère sur une scène à Hyannis, Massachusetts, après avoir été élu président en 1960.]

Alors que certaines méthodes de contrôle des naissances existaient bien avant les années 1960 – les préservatifs remontent au début du XIXe siècle – le premier contraceptif oral approuvé par la FDA, Enovid, est entré en scène en 1960. Peu de temps après, les inquiétudes concernant les effets secondaires de cette première version de la pilule contraceptive a conduit à de futures itérations contenant des niveaux inférieurs d'œstrogène, y compris des comprimés de Zorane, illustrés sur cette photo.

Au moment où les contraceptifs oraux ont été introduits, le contrôle des naissances n'était légal que lorsqu'il était utilisé par des couples mariés. Cependant, la pilule a contribué à stimuler une conversation et une attitude changeantes sur le contrôle des naissances, et en 1972, le contrôle des naissances est devenu légal pour tous les citoyens par ordonnance de la Cour suprême.

[Sur la photo : Gros plan sur des comprimés de Zorane, une série de pilules contraceptives à faible teneur en œstrogènes.]

Lorsque "The Flintstones" a été créé en 1960, il s'agissait de la première émission d'animation diffusée à la télévision aux heures de grande écoute. La popularité massive de l'émission a fait du studio de production Hanna-Barbera - également le studio derrière "Scooby-Doo" - l'un des plus grands de son temps, et a également fait de l'émission populaire l'une des émissions d'animation les plus prolifiques de l'histoire.

"The Flintstones" a diffusé 166 épisodes entre 1960 et 1966, le plus haut de tous les dessins animés aux heures de grande écoute jusqu'à ce que "The Simpsons" arrive en 1997 et lui vole le tonnerre. Bien qu'il se déroule à l'époque préhistorique, "The Flintstones" a capturé plusieurs changements dans les normes sociales qui se produisaient dans les années 60, notamment en étant l'une des premières émissions de télévision à montrer un couple marié partageant le même lit.

[Sur la photo : Barney Rubble et Fred Flintstone dans un des premiers épisodes.]

Construit en 1961, le mur de Berlin a été construit pour séparer Berlin-Est et Berlin-Ouest pendant la guerre froide dans le but d'empêcher les idéaux démocratiques de l'Ouest de s'infiltrer dans la partie orientale du pays et de menacer le communisme. L'effet ultime, cependant, a été que le mur a gardé ceux de l'Est piégés et incapables de faire défection vers l'Ouest pour la plupart, bien qu'au moins 5 000 civils est-allemands aient réussi à traverser la frontière au moment où elle est finalement tombée en 1989.

Le mur, qui a résisté pendant 28 ans, est aujourd'hui considéré comme un précurseur d'autres frontières de ce type - à la fois physiques et simplement politiques ou idéologiques - qui sont apparues dans les années suivantes, y compris le mur de béton pour délimiter la zone démilitarisée entre la Corée du Nord et la Corée du Sud. et le mur frontalier proposé par Trump aux États-Unis

[Photo : habitants de Berlin devant le mur nouvellement érigé.]

En 1961, Audrey Hepburn a joué dans le film emblématique "Breakfast at Tiffany's", dans lequel elle a joué Holly Golightly, une fille de la société de café excentrique à New York. Alors que le film primé aux Oscars est considéré aujourd'hui comme l'un des rôles les plus mémorables de Hepburn, son héritage est largement lié à sa redéfinition de ce que signifiait être une jeune femme célibataire au milieu des années 1900. Pour la plupart, les femmes des années précédant la sortie du film étaient classées en deux catégories distinctes : il y avait le type de femme au foyer saine et à l'emporte-pièce et le type sensuel et hypersexualisé. L'excentrique et libre d'esprit Golightly, cependant, a introduit un nouveau terrain d'entente.

[Sur la photo : Audrey Hepburn dans son célèbre rôle de Holly Golightly.]

Reconnue comme l'une des confrontations directes les plus importantes entre les États-Unis et l'Union soviétique pendant la guerre froide, la crise des missiles de Cuba a été une impasse de 13 jours qui a suivi le placement par les Soviétiques de missiles nucléaires à Cuba. Bien que les tensions de la guerre froide aient augmenté depuis deux ans à ce stade, le blocus naval du président John F. Kennedy autour de Cuba a exacerbé les tensions et fait craindre qu'une guerre nucléaire totale ne soit plus proche que jamais. Un tel résultat a été évité lorsque l'Union soviétique a accepté de retirer les missiles en échange de la promesse américaine de ne pas envahir Cuba et de retirer ses propres missiles de la Turquie.

[Sur la photo : le président John F. Kennedy annonçant le blocus stratégique de Cuba.]

Peu de temps avant qu'Helen Gurley Brown ne devienne rédactrice en chef du magazine Cosmopolitan en 1965 - un rôle qu'elle occupera pendant les trois décennies suivantes - l'écrivaine et éditrice est devenue célèbre pour son livre "Sex and the Single Girl". C'était une lecture révolutionnaire pour les femmes de l'époque, car c'était l'une des premières à encourager les jeunes femmes non mariées en Amérique non seulement à avoir des relations sexuelles avant le mariage, mais à en profiter. En seulement trois semaines, le livre s'est vendu à 2 millions d'exemplaires.

[Sur la photo : Helen Gurley Brown dans son bureau du magazine Cosmopolitan.]

Le film français "À bout de souffle", écrit et réalisé par Jean-Luc Godard, a été l'un des premiers exemples d'un mouvement clé de l'histoire du cinéma connu sous le nom de Nouvelle Vague française. La nouvelle approche du cinéma se caractérise notamment par une conscience de soi dans laquelle le réalisateur fait des choix stylistiques destinés à rappeler constamment au spectateur qu'il est en train de regarder un film.

Les principales caractéristiques des films de la Nouvelle Vague française comprenaient les prises de vue longues, les coupes sautées, les caméras portatives et la prise de vue avec la lumière disponible à l'époque. Atteignant son apogée dans les années 60, la Nouvelle Vague française allait influencer le travail d'innombrables cinéastes à venir, dont Quentin Tarantino.

[Sur la photo : Jean Seberg et Jean-Paul Belmondo dans « À bout de souffle ».]

L'actrice Marilyn Monroe a joué dans un certain nombre de films au cours de sa carrière, dont « Gentlemen Prefer Blondes » (1953), « The Seven Year Itch » (1955) et « Some Like It Hot » (1959). Alors que l'on se souvient souvent de Monroe pour son rôle de sex-symbol dans le Hollywood des années 60, sa renommée était très importante à d'autres égards.

Monroe a été l'une des premières femmes à normaliser les nouvelles normes d'image corporelle, car sa silhouette était notamment plus courbée que de nombreuses femmes célèbres à l'époque. En plus de cela, Monroe était connue pour son activisme politique, y compris son soutien avide aux efforts pour les droits civils et les droits des femmes. En 1962, l'actrice a été retrouvée morte dans sa maison de Los Angeles, sa mort étant plus tard déclarée suicide par overdose.

[Sur la photo : Marilyn Monroe sur le tournage de son dernier film inachevé, "Something's Gotta Give", 1962.]

En 1962, le premier film de ce qui allait devenir l'une des franchises cinématographiques les plus lucratives de l'histoire est sorti. "Dr. Non" a présenté au monde James Bond, qui dans ses débuts au cinéma a été joué par Sean Connery mais a depuis été interprété par un total de huit acteurs dont Roger Moore et Daniel Craig.

Bond a maintenu sa pertinence au fil des décennies, en grande partie grâce à l'alignement du personnage sur les problèmes politiques et sociaux contemporains au moment de la sortie de chaque film. Connery's Bond, par exemple, est arrivé à un moment où les gens cherchaient à se libérer des tensions et de la paranoïa de l'ère de la guerre froide, tandis que les films de Craig ont fait écho au stress international concernant le terrorisme.

[Sur la photo : Ursula Andress et Sean Connery dans "Dr. No."]

Motown Records a officiellement ouvert ses bureaux à Détroit à l'hiver 1959, et il ne faudrait pas longtemps avant que le studio détenu et géré par les Black ne produise des singles soul populaires qui ont grimpé dans les charts Billboard. Le premier single n°1 de Motown - "Please Mr. Postman" du groupe d'adolescentes The Marvelettes - a atteint le sommet des charts en 1961, juste un an après que le studio a sorti sa première chanson à succès à un million de ventes, "Shop Around, ” par The Miracles. Atteignant la popularité au plus fort du mouvement des droits civiques, Motown est devenu un acteur majeur pour connecter les gens à travers les divisions raciales grâce à une musique qui a attiré les masses.

[Sur la photo : la vice-présidente de Motown Records, Esther Gordy Edwards, discute avec l'artiste de Motown Smokey Robinson en 1967 à Detroit, Michigan.]

Dans l'après-midi du 22 novembre 1963, le président John F. Kennedy a été assassiné dans le centre-ville de Dallas, au Texas. Le président a été abattu alors qu'il traversait Dealey Plaza dans un cortège de voitures décapotables avant une allocution prévue. À l'époque, le tireur Lee Harvey Oswald était déterminé à être le seul coupable de l'assassinat et a été arrêté. Dans les années qui ont suivi, cependant, un certain nombre de théories du complot se sont emparées de l'imagination américaine, beaucoup pensant que les liens d'Oswald avec le communisme, Cuba et l'Union soviétique auraient pu jouer un rôle dans les événements qui se sont produits.

[Sur la photo : Funérailles de John F. Kennedy, 35e président des États-Unis, en 1963.]

Aujourd'hui, on se souvient des Beach Boys comme l'un des groupes de rock les plus emblématiques de l'histoire, mais en 1961, le groupe, alors composé des frères Brian, Carl et Dennis Wilson, ainsi que de leur cousin Mike Love et de leur ami Al Jardine commençant. Le groupe californien a commencé avec des airs qui restaient purement dans la voie du surf rock, mais il ne fallut pas longtemps avant que leur son ne s'étende à un espace plus sérieux, en particulier avec la sortie de l'album "Pet Sounds" en 1966. Cet album -bien qu'il ait rencontré une réponse moins que stellaire à sa sortie-a été considéré comme le tournant pour le groupe alors qu'ils se dirigeaient vers le "vrai" rock'n'roll, selon l'expert en histoire de la musique Gregory E. Weinstein, Ph.D.

Aujourd'hui, les Beach Boys, qui ont gagné leur place dans le Rock and Roll Hall of Fame en 1988 et se produisent toujours aujourd'hui, sont surtout connus pour leurs tubes tels que "Good Vibrations" et "Wouldn't It Be Nice".

[Sur la photo : les Beach Boys posent avec un break "Woody" d'époque en août 1962 à Los Angeles.]

Gloria Steinem était une journaliste indépendante inconnue de 28 ans lorsqu'elle a eu l'opportunité d'aller sous couverture au Playboy Club de New York en 1963. À l'époque, le fondateur du club, Hugh Hefner, avait travaillé à construire une image de la libération sexuelle autour de son établissement, auquel il a même fait allusion, avait des liens avec le mouvement des droits civiques dans sa série "The Playboy Philosophy".

En s'infiltrant, Steinem a découvert que les employées du club étaient, comme elle s'y attendait, plus exploitées qu'elles n'étaient libérées, la plupart des femmes gagnant beaucoup moins que ce qui leur avait été promis en acceptant des emplois au club. L'exposé de Steinem, qui a été publié dans un magazine appelé Show, pourrait être considéré comme un exemple antérieur du journalisme gonzo non objectif qui est plus souvent associé à Hunter S. Thompson.

[Sur la photo : Gloria Steinem portant un costume de lapin Playboy.]

En 1963, Martin Luther King, Jr. a prononcé son discours emblématique « I Have a Dream » devant le Lincoln Memorial. Le discours a été prononcé lors de la marche sur Washington en août, au cours de laquelle plus de 250 000 Américains se sont réunis pour soutenir les politiques progressistes des droits civiques sous le président Kennedy, ainsi que pour faire avancer encore plus les libertés civiles des Afro-Américains, en particulier les droits économiques et l'emploi. Opportunités.

Dans son discours désormais historique, King a fait appel aux émotions de ses auditeurs avec un discours mi-scénarisé, mi-improvisé qui décrivait à la fois l'expérience afro-américaine en Amérique et exprimait la vision pleine d'espoir de King pour l'avenir de la nation, dans laquelle la couleur de la peau jouerait. aucune part aux libertés accordées à aucun citoyen.

[Sur la photo : Martin Luther King, Jr. au Lincoln Memorial, à Washington D.C., où il a prononcé son discours « I Have A Dream ».]

Alors que la popularité des Beach Boys à travers les États-Unis pourrait être attribuée à l'ambiance de groupe de garçons entièrement américains du groupe, la popularité aux États-Unis du groupe rival les Beatles indiquait un tout autre niveau de renommée internationale. Bien que les Fab Four n'aient pas connu un succès instantané en Amérique - alors même que le groupe britannique est devenu une superstar dans leur Royaume-Uni natal, les maisons de disques américaines ont manifesté peu d'intérêt à les signer - la renommée américaine du groupe a finalement connu un essor en 1963, quelques mois seulement. suite à l'assassinat de JFK. La renommée du groupe allait finalement déclencher le phénomène d'invasion britannique qui est venu caractériser la contre-culture américaine des années 1960.

[Sur la photo : les Beatles saluent la foule alors qu'ils sont aux États-Unis pour leurs premiers concerts aux États-Unis, en février 1964.]

Les Swinging Sixties à Londres ont été une période marquée par un changement énergique par rapport aux années de guerre généralement sombres. Du nouveau féminisme axé sur la mode (par exemple, la montée de la minijupe) au rock'n'roll en passant par le mouvement de l'amour libre, l'époque a été marquée par des tendances qui incarnaient un sentiment de libération dans tous les aspects de la vie. Alors que les normes britanniques émergentes se sont propagées au-delà des frontières du pays pour influencer d'autres régions du monde - l'invasion britannique aux États-Unis n'était qu'un exemple de la façon dont ces tendances se sont implantées à l'échelle internationale - cette période en Angleterre est devenue une période extrêmement importante pour la culture au niveau mondial. .

[Sur la photo : des mannequins lors d'un shooting de mode pour le magazine Mademoiselle, 1965.]

Lyndon B. Johnson, qui a assumé la présidence après l'assassinat de JFK, n'a pas perdu de temps lorsqu'il s'est agi de faire avancer le programme de Kennedy visant à faire promulguer un nouveau projet de loi sur les droits civiques. Johnson s'est rendu au Congrès cinq jours seulement après l'assassinat de l'ancien président et a expliqué en quoi l'adoption du projet de loi, pour lequel Kennedy s'était battu si durement, serait le moyen ultime d'honorer la mémoire de l'ancien président. Peu de temps après, en juillet 1964, Johnson a signé le Civil Rights Act de 1964, qui interdisait la discrimination raciale dans les domaines de l'emploi et de l'éducation, ainsi que la ségrégation raciale dans les espaces publics.

[Sur la photo : le président Lyndon B. Johnson signe le Civil Rights Act en 1964.]

Bien que l'implication des États-Unis dans la guerre du Vietnam s'est intensifiée au milieu des années 1960, la nation était empêtrée dans le conflit depuis son début. De la politique du président Harry Truman de 1947 déclarant que les États-Unis soutiendraient n'importe quel pays dans la lutte contre le communisme, au soutien américain du leader catholique du Sud-Vietnam, Ngo Dinh Diem en 1954, les troubles politiques et la violence au Vietnam ont vu l'implication américaine pendant plus d'une décennie avant les années 1960. Ce n'est qu'en mars 1965, cependant, que les premières troupes de combat américaines sont officiellement entrées dans le Sud-Vietnam et que les États-Unis ont lancé l'opération Rolling Thunder, une campagne de bombardements de trois ans destinée à neutraliser les dirigeants communistes du Nord-Vietnam.

[Photo : Forces sud-vietnamiennes et conseillers américains attaqués par les guérilleros Viet Cong, Sud Vietnam, 1964.]

En mars 1965, des manifestants en Alabama, dont Martin Luther King, Jr., ont parcouru le trajet de 54 milles de Selma à Montgomery alors qu'ils réclamaient l'égalité des électeurs. La marche historique a finalement ouvert la voie à la loi sur les droits de vote de 1965, mais ce n'était pas un chemin facile pour y arriver. Au cours du voyage, les manifestants ont été confrontés à la violence des justiciers blancs et des forces de l'ordre. L'un des affrontements les plus violents - "Bloody Sunday", comme on l'a appelé - a fait d'innombrables manifestants blessés et hospitalisés.

[Sur la photo : le Dr Martin Luther King (deuxième à droite) dirige une marche de protestation des électeurs, Selma, Alabama, 9 mars 1965.]

Avant que les Beatles ne conquièrent le cœur et les oreilles du peuple américain, les groupes de filles connaissaient une grande apogée à travers le pays. Des Ronettes (« Will You Love Me Tomorrow ? ») à The Paris Sisters (« All Through the Night »), les premières années des années 1960 ont été marquées par une tendance radicale de groupes de filles pop-centriques qui chantaient de tout, de l'amour et le chagrin d'une grossesse chez les adolescentes (« Comment puis-je dire à ma mère et à mon père » des Lovelites). Avec le début de l'invasion britannique en 1965, la plupart des groupes de filles se sont retrouvés à l'arrière-plan. Les Supremes, composés de Florence Ballard, Mary Wilson et Diana Ross, étaient l'un des rares groupes à pouvoir rester populaires, même avec les Beatles en compétition pour le devant de la scène.

[Sur la photo : les Supremes se produisent dans l'émission musicale "Hullabaloo" sur NBC le 26 janvier 1965.]

Le renouveau de la musique folk américaine a commencé dès les années 1940, mais c'est dans les années 1960 qu'il a véritablement atteint son apogée et a commencé à combiner les nouvelles tendances de la musique folk avec les plus anciennes, notamment le blues et le style cajun. Caractérisé par une musique à la fois originale et recréée, le renouveau folk des années 1960 a été mené par des artistes comme Joan Baez, Dave Van Ronk et Bob Dylan. Pendant ce temps, le renouveau folk a été autant stimulé par un désir de collectionner de la musique qui représentait les communautés à travers le pays que de réfléchir et de commenter les problèmes sociaux et politiques contemporains. À cette fin, il y avait des chansons qui ont émergé au cours de cette période qui commentaient tout, de la guerre du Vietnam ("Turn! Turn! Turn!" de The Byrds) aux droits civiques ("We Shall Overcome" de Joan Baez).

[Photo : Joan Baez et Bob Dylan lors d'un duo au Newport Folk Festival, Rhode Island, 1963.]

Activiste célèbre et défenseur vigoureux des droits civiques, Malcolm X faisait partie d'un groupe connu sous le nom de Nation of Islam, un groupe de nationalistes noirs qui voyaient des liens entre leur cause et les enseignements de l'islam. Né Malcolm Little, Malcolm X a abandonné son nom de famille et l'a remplacé par un « X » dans le cadre d'une tradition au sein de la Nation of Islam pour représenter la perte d'identité qui était un sous-produit de l'esclavage. Malcolm X a agi en tant que porte-parole de la Nation of Islam entre les années 50 et 60, et on lui doit beaucoup de mérite pour la croissance de l'organisation au cours de cette période. Il s'est finalement séparé de l'organisation dans des circonstances tendues et, le 21 février 1965, a été assassiné par trois membres de Nation of Islam alors qu'il prononçait un discours à Manhattan.

[Photo : Les funérailles de Malcolm X.]

The Mamas and the Papas était un groupe folk-rock populaire qui mélangeait harmonieusement les voix de ses membres masculins et féminins pour créer un son doux qui est devenu une signature du mouvement de la contre-culture dans les années 60. Le plus grand titre de gloire du groupe est peut-être leur tube de 1965 "California Dreamin'", que les membres du groupe John et Michelle Phillips ont écrit à New York alors qu'ils aspiraient à la côte ouest.

Après avoir rencontré leurs futurs compagnons de groupe, Mama Cass Elliot et Denny Doherty, le quatuor a finalement enregistré la chanson en Californie, et la chanson est devenue une sorte d'hymne pour le Golden State. Avant que les Mamas and the Papas n'enregistrent eux-mêmes le single, ils ont simplement chanté en renfort sur la piste pour Barry McGuire, qui a été le premier à l'enregistrer.

[Sur la photo : Denny Doherty, John Phillips, Michelle Phillips et Cass Elliot.]

Avec la montée du féminisme et la libération des femmes qui se sont installées dans les années 60, les femmes ont également vu des changements drastiques dans leur garde-robe. L'un des plus grands changements de mode qui s'est produit pendant cette période a été la normalisation d'un nouvel ourlet audacieux : la minijupe. Mary Quant, une créatrice de mode britannique pionnière de l'époque, est largement reconnue pour avoir popularisé la tendance, qu'elle considérait comme une déclaration d'indépendance et de rébellion. Comme l'a déclaré le créateur dans une interview en 2014 : « C'était dans l'air, une mini-jupe était une façon de se rebeller. Il représentait la sensualité et le sexe. En porter un était un moyen infaillible de contrarier vos parents."

[Sur la photo : Mary Quant porte une mini-robe lors d'une conférence de presse.]

Lorsque la mannequin britannique Lesley Hornby, mieux connue sous son surnom de Twiggy, est devenue célèbre en 1967, elle n'avait que 17 ans. Pourtant, le jeune mannequin a créé un nouveau look mod qui a rapidement façonné l'esthétique du jour à Londres et au-delà. Avec une coupe de cheveux courte et androgyne et une forme nettement élancée, Twiggy a défié la féminité traditionnelle. Cela correspondait bien aux attitudes rebelles des femmes contemporaines qui cherchaient une rupture avec le conventionnel. L'influence de Twiggy sur la mode et la beauté s'est étendue au-delà des frontières britanniques, faisant d'elle la première femme à être surnommée mannequin internationale.

[Sur la photo : Twiggy pose pour Vogue en 1967.]

Publié à l'origine sous forme de série en quatre parties dans "The New Yorker" en 1965 avant d'être compilé dans un livre en 1966, "In Cold Blood" de Truman Capote raconte les détails horribles des meurtres de la famille Clutter en 1959 au Kansas. Le travail était une incursion intéressante dans le journalisme pour Capote, qui était romancier et dramaturge de profession et avait des œuvres dans son répertoire comme "Breakfast at Tiffany's", qui a inspiré plus tard le film du même nom. Bien qu'il s'écarte de son approche traditionnelle de l'écriture, "In Cold Blood" est devenu l'une des œuvres les plus acclamées de Capote, en grande partie parce qu'il s'agissait du premier "roman de non-fiction" dans lequel une histoire vraie était racontée sous forme de roman.

[Sur la photo : une vitrine pour "In Cold Blood" à New York, le 17 février 1966.]

La fondation du Black Panther Party a été alimentée par l'assassinat de Malcolm X et d'autres cas d'agression contre des Noirs à travers le pays, notamment un incident de 1966 au cours duquel la police de San Francisco a tiré sur un adolescent noir non armé, Matthew Johnson. L'idée derrière la nouvelle organisation était qu'on ne pouvait pas faire confiance aux forces de police pour protéger les communautés noires, ce qui nécessitait donc un groupe capable de surveiller les activités d'application de la loi. Les Black Panthers, qui se considéraient en grande partie comme un groupe politique, ont travaillé à la mise en œuvre de programmes sociaux qui luttaient contre la brutalité policière et contribuaient à garantir l'égalité d'accès à l'emploi et au logement pour les Noirs.

[Sur la photo : des membres du Black Panther Party sont rencontrés sur les marches du Capitole de l'État à Sacramento, le 2 mai 1967.]

À l'été 1967, des milliers de personnes ont afflué dans la région de la baie de Californie pour ce qui serait plusieurs mois de vie « hippie » de style utopique enracinée dans le mouvement de contre-culture des années 1960. Les gens sont venus de tout le comté dans le quartier de Haight Ashbury à San Francisco, où ils ont abandonné les normes et les valeurs conservatrices pour adopter des choses comme l'amour libre, l'expérimentation de drogues, l'environnementalisme et la vie en communauté. L'un des plus grands moments forts du Summer of Love a été le Monterey Pop Festival, qui servirait en quelque sorte de modèle pour les festivals de musique ultérieurs comme Woodstock.

[Sur la photo : un homme peint le visage d'une femme pendant le Summer of Love à Haight Ashbury, San Francisco, 1967.]

La montée de la contre-culture hippie et du « flower power » sont en grande partie enracinées dans l'opposition à la guerre du Vietnam. Alors que les frustrations à l'égard de la politique étrangère américaine augmentaient dans tout le pays, les gens ont commencé à adopter une attitude de rébellion. En plus des tenues colorées tie-dye, de la consommation de drogues psychédéliques et des sensibilités autour des arbres qui sont souvent associées à la culture hippie de la décennie, les années 1960 ont vu une montée des sentiments pacifistes qui prônaient la paix plutôt que la guerre.

Le Flower Power a été créé par le poète Allen Ginsberg au milieu des années 60 pour protester contre la destruction de la guerre du Vietnam. Les fleurs sont finalement devenues un symbole d'opposition à la violence et à la guerre.

[Sur la photo : un jeune homme colle des œillets dans des canons d'armes à feu lors d'une manifestation anti-guerre au Pentagone en 1967.]

Plusieurs facteurs ont joué dans l'évolution des attitudes et des valeurs qui ont stimulé la révolution sexuelle des années 1960. L'invention de la pilule contraceptive et les conversations ouvertes sur la libération sexuelle des femmes ont encouragé la normalisation des relations sexuelles extraconjugales et occasionnelles. De plus, les recherches d'experts comme Wilhelm Reich et Alfred Kinsey ont donné lieu à des arguments sur les implications dommageables des mœurs trop contraignantes et de la répression sexuelle qui en découle.

[Sur la photo : des mannequins se font peindre le corps pour une « peinture » ​​à Los Angeles, 1967.]

Les Rolling Stones étaient encore un autre groupe de renommée internationale qui a surfé sur la vague de l'invasion britannique jusqu'à la célébrité. Contrairement aux Beatles, cependant, les "mauvais garçons" maussades qui composaient les Rolling Stones - Charlie Watts, Bill Wyman, Brian Jones, Mick Jagger et Keith Richards - étaient particulièrement durs sur les bords, souvent associés à un sentiment de délinquance plutôt qu'à une ambiance cool mais sûre.

[Sur la photo : les Rolling Stones en 1968. Dans le sens horaire à partir du haut à gauche : Charlie Watts, Bill Wyman, Brian Jones, Mick Jagger et Keith Richards.]

L'Amérique avait des liens étroits avec la guerre du Vietnam avant même son implication directe. Cependant, lorsque la présence militaire du pays s'est intensifiée vers la fin des années 1960, elle s'est heurtée à une augmentation simultanée de l'opposition nationale aux États-Unis. Des étudiants des campus universitaires qui promouvaient les idéaux de gauche aux «hippies» qui incarnaient le slogan «Make Love Not War» qui en est venu à représenter le mouvement anti-guerre, la paix est devenue le centre d'intérêt des civils à la maison pendant que la guerre faisait rage à l'étranger. En plus des manifestations et des marches, les activités de la contre-culture anti-guerre comprenaient un système de presse clandestin et des expositions publiques de gravures de cartes de vœux.

[Sur la photo : des manifestants anti-guerre brandissent des pancartes vers avril 1969 à San Francisco.]

Le premier Super Bowl, qui était sur le point d'être surnommé "The Big One" avant qu'il ne porte son nom, a été joué le 15 janvier 1967. Le match de championnat a été créé lorsque les deux ligues de football qui existaient à l'époque - le football américain League et la National Football League – fusionnés pour créer une seule entité. Les Packers de Green Bay ont défait les Chiefs de Kansas City, 35-10. Lors de ce premier match de championnat du Super Bowl, les estimations suggèrent qu'il y avait plus de joueurs afro-américains sur le terrain que dans l'histoire de n'importe quel sport à cette époque.

[Sur la photo : Elijah Pitts #22 des Green Bay Packers court avec le ballon pendant le Super Bowl I.]

Il y a eu plusieurs actes de rébellion ou de résistance qui sont venus représenter le mouvement anti-guerre des années 1960, l'un étant la montée de la gravure de cartes de vœux. Alors qu'un nombre croissant de jeunes hommes exprimaient leur opposition à la guerre du Vietnam et à la conscription, la destruction des cartes de conscription en vint à être considérée comme un mode de protestation symbolique. En 1965, cependant, le gouvernement du président Lyndon Johnson a adopté la Draft Card Mutilation Act, faisant de la gravure de cartes de vœux une infraction punissable en vertu de la loi. Le 15 octobre 1965, le pacifiste de 22 ans David Miller est devenu le premier à être poursuivi en justice.

[Sur la photo : Goddard C. Graves, un ancien étudiant de l'Université du Wisconsin, brûle sa carte de service sélectif.]

Les drogues étaient une grande partie des années 1960, à la fois en ce qui concerne l'usage récréatif mais aussi la recherche médicale. L'expérimentation de psychédéliques et d'autres drogues était une grande partie de la contre-culture hippie alors que les utilisateurs préconisaient les hallucinogènes comme moyen d'élargir l'esprit. L'un des exemples les plus notables de consommation de drogues à des fins récréatives dans les années 60 était la série de soirées drogue et musique connues sous le nom d'Acid Tests, où les gens prenaient du LSD et regardaient des spectacles en direct de groupes de rock'n'roll.

De l'autre côté du spectre, Timothy Leary était un professeur qui défendait la valeur médicinale des psychédéliques, bien qu'il ait finalement perdu son emploi à Harvard lorsqu'il est apparu qu'il effectuait des tests sur ses étudiants de premier cycle.

[Sur la photo : une jeune femme danse à l'Avalon Ballroom à San Francisco, où des musiciens tels que Janis Joplin ont acquis leur renommée, 1967.]

L'esthétique signature des années 1960 de tie-dye et d'imprimés tourbillonnants colorés a marqué l'ère de la mode d'inspiration psychédélique. Des couleurs vives et des imprimés spectaculaires jouant avec des formes fluides et organiques ont été rendus populaires par les icônes du rock de l'époque comme Jimi Hendrix. C'était également le reflet d'autres tendances qui se produisaient simultanément, y compris l'utilisation du LSD qui crée souvent une vision déformée de la réalité, qui se compose de formes semblables à des gouttes et de teintes intenses.

[Sur la photo : des mannequins portant des mini-robes métalliques aux couleurs vives en 1966.]

L'un des thèmes les plus récurrents des années 1960 était un sentiment de rébellion, qu'il s'agisse de structures politiques ou de normes sociales de longue date. Dans le cas du film "The Graduate" de 1967, avec Dustin Hoffman et Anne Bancroft, le film a connu un haut niveau de popularité car il représentait une rébellion contre les attentes parentales et les conventions communes. Le film, qui fait suite à la récente liaison d'un diplômé universitaire avec une femme plus âgée, a également rendu célèbre la chanson "Mrs. Robinson" de Simon et Garfunkel.

[Sur la photo : Anne Bancroft au lit avec Dustin Hoffman dans une scène du film « The Graduate », 1967.]

Lorsque les Doors ont sorti leur premier album en 1967, le groupe de rock'n'roll a radicalement changé le ton de la musique qui est venue définir la contre-culture des années 60. Alors que d'autres artistes de l'espace folk et rock 'n' roll avaient en grande partie créé de la musique avec une énergie optimiste et quelque peu optimiste, les artistes de "Break On Through (To The Other Side)" chantaient sur l'état du monde avec un air plus sombre. et un ton beaucoup moins indulgent. Pour beaucoup, les Doors ont marqué le début d'une nouvelle ère légèrement divisée dans le rock'n'roll, où les idéalistes étaient assis d'un côté et les réalistes de l'autre.

[Sur la photo : Les portes dans une séance photo, 1967.]

Bien qu'il soit né à Seattle, Jimi Hendrix a eu sa grande chance à Londres après que Chas Chandler, membre fondateur des Animals, a entendu le musicien jouer dans un club à New York et l'a ramené en Angleterre. Une fois sur place, Hendrix s'est associé au batteur Mitch Mitchell et au bassiste Noel Redding pour créer le trio connu sous le nom de Jimi Hendrix Experience.

Le groupe a commencé à enregistrer quelques semaines seulement après s'être réunis, et en 1967, le groupe a sorti deux de ses trois albums au total : "Are You Experienced" et "Axis: Bold as Love". Malgré les influences du R&B et le fait d'avoir une forte base de fans noirs, Hendrix a souvent été critiqué pour avoir trop attiré le public blanc. Le musicien a soutenu sa musique, cependant, et a plaidé pour une approche universelle où les genres ne sont pas brisés par les divisions raciales.

[Sur la photo : Mitch Mitchell, Jimi Hendrix, Noel Redding de l'expérience Jimi Hendrix en Allemagne, 1967.]

Alors que les années 60 transformaient les normes et les conventions concernant le comportement social, les opinions politiques et la musique, la décennie a également apporté des changements à d'autres formes d'art, y compris le théâtre. L'ouverture de la comédie musicale risquée "Hair" dans le West End de Londres a pris bon nombre des nouvelles réalités révolutionnaires de l'époque et, pour la première fois, les a mises en scène. En plus de représenter des scènes de consommation de drogue et de manifestations anti-guerre, la comédie musicale a repoussé les limites encore plus loin en décrivant la nudité totale sur scène ainsi que la bisexualité et l'homosexualité, qui étaient toutes considérées comme particulièrement choquantes à l'époque.

[Sur la photo : une répétition de la comédie musicale à succès "Hair" avant son ouverture dans le West End de Londres, 1968.]

Le Monterey Pop Festival a été l'un des moments forts du Summer of Love qui a eu lieu à San Francisco en 1967. Le premier festival de musique du genre, qui a ouvert la voie à des successeurs comme Woodstock, s'est déroulé sur trois jours et a suivi un modèle à but non lucratif, où les artistes ont accepté de faire des spectacles gratuitement et de faire don du produit de la vente de billets. Les artistes de la programmation du festival comprenaient Janis Joplin, The Byrds, The Mamas and the Papas, Simon and Garfunkel, The Doors et Smokey Robinson. Pour de nombreux artistes, dont Otis Redding et The Who, le Monterey Pop Festival a été un tournant dans leur carrière qui a contribué à leur popularité au cours des années suivantes.

[Photo : Janis Joplin, avec Big Brother & Holding Co., Festival de Monterey 1968, 1968.]

En 1967, les lois interdisant les relations interraciales ont été officiellement levées aux États-Unis par la décision de la Cour suprême dans Loving v. Virginia. Quelques mois à peine après la publication de cette décision, le film "Devine qui vient dîner", avec Spencer Tracy, Sidney Poitier et Katharine Hepburn, est sorti. Ce film était l'un des rares à dépeindre des relations interraciales ou un mariage. Selon une critique de "Variety" par A.D. Murphy, dès sa sortie, le film était considéré comme "un point de repère dans son introduction de bon goût de matériel sensible à l'écran".

[Sur la photo : Katharine Houghton et Sidney Poitier.]

Un favori culte encore à ce jour, le drame de 1967 "Valley of the Dolls" a été un succès au box-office lors de sa sortie. Basé sur le best-seller du même nom de Jacqueline Susann, le film, avec Sharon Tate, Barbara Parkins et Patty Duke, offrait un divertissement à travers des intrigues et des personnages superficiels et tropiques. Le film était important dans sa repousse des limites acceptables, compte tenu de sa race pour l'époque et de sa mode fastueuse qui a contribué à façonner les tendances futures.

[Sur la photo : Barbara Parkins, Sharon Tate et Patty Duke dans une photo du film "Valley of the Dolls".]

Au moment où les Beatles ont sorti « Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band » en 1967, le groupe avait déjà enregistré et sorti sept albums studio. Malgré la longue feuille de route des disques de studio, cependant, le groupe a surpris les fans et les critiques en créant un album caractérisé par un son inattendu pour le groupe qui, comme l'a dit Bob Dylan, était jusqu'à présent resté "mignon".

L'album, que beaucoup ont appelé le premier "album concept", a marqué un tournant dans la trajectoire du groupe, alors que les Beatles sont passés à un son plus "adulte" et se sont éloignés de la scène pour devenir un groupe purement studio. La musique qu'ils ont créée à partir de ce moment, y compris "Abbey Road" en 1969, est devenue l'une des plus transformatrices du rock'n'roll et une partie emblématique de la carrière des Beatles.

[Sur la photo : les Beatles célèbrent l'achèvement de leur nouvel album, "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band", en 1967.]

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Alors que le mariage interracial était légal dans la majorité du pays dans les années 1960, il y avait encore plusieurs États où le métissage était interdit par la loi, l'un de ces États étant la Virginie. En 1958, un couple interracial - le mari, Richard Loving, était blanc et la femme, Mildred Jeter, était afro-américaine et amérindienne - qui vivait en Virginie mais s'était marié à Washington DC a été arrêté et condamné pour avoir violé l'interdiction de l'État. sur les mariages mixtes.

Les Lovings ont passé les années suivantes à faire appel devant les tribunaux au niveau de l'État avant de porter leur affaire devant la Cour suprême en 1967. La décision de 1968 dans l'affaire a non seulement statué en faveur des Lovings et a annulé leur condamnation de près d'une décennie plus tôt, mais il a officiellement rendu le mariage interracial légal dans tout le pays.

[Sur la photo : Mildred Jeter et Richard Loving.]

Après avoir été élu au Sénat à la suite de l'assassinat de son frère John F. Kennedy, Robert Kennedy s'est présenté lui-même à la présidence en 1968. Le candidat était considéré par beaucoup à l'époque comme l'une des meilleures chances de rétablir un sentiment d'unité dans un pays qui était devenu gravement divisé à la suite de manifestations anti-guerre et de conflits pour les droits civiques.

Le jour de la primaire californienne, cependant, l'espoir démocrate a été abattu alors qu'il quittait l'hôtel Ambassador. Le coupable, Sirhan Sirhan, un Palestinien de 24 ans, aurait tiré sur Kennedy en raison du soutien du politicien à Israël, en particulier pendant la guerre des Six Jours, dont le jour de l'assassinat marquait le premier anniversaire.

[Sur la photo : le sénateur Robert Kennedy s'adressant à une salle de bal bondée, peu de temps avant d'être abattu.]

Bien que la présidence à deux mandats de Richard Nixon ait connu plusieurs faits saillants - la création de l'Agence de protection de l'environnement et la législation qui a conduit à la fin de la guerre froide, par exemple - l'héritage dont il se souvient le plus n'est pas si grand. La présidence de Nixon a finalement été écourtée en 1974 par le scandale du Watergate.

Après qu'une enquête a révélé que le président avait abusé de son pouvoir et dissimulé des activités illégales dans le cadre de sa campagne de réélection, Nixon a démissionné de ses fonctions – le premier président de l'histoire à le faire – afin d'éviter la destitution. Ce fut un tournant dans la politique américaine, car cela marqua le début d'un niveau de contrôle plus élevé avec lequel le peuple américain en est venu à considérer son gouvernement et ses dirigeants.

[Sur la photo : le candidat républicain Richard Nixon fait le signe de la victoire à New York en novembre 1968.]

Martin Luther King, Jr. était l'un des leaders américains des droits civiques les plus influents. À la fin des années 1960, le discours de King lors de la marche sur Washington et sa participation aux marches de Selma à Montgomery avaient tous deux marqué des tournants dans la lutte pour l'égalité à travers le pays. Le soir du 4 avril 1968, King a été mortellement abattu à Memphis, Tennessee, par le fugitif évadé James Earl Ray, juste un jour après avoir prononcé son puissant discours « J'ai été au sommet de la montagne ». Après l'assassinat de King, des émeutes ont éclaté dans plus de 100 villes à travers le pays, dont Wilmington, Delaware, où le National Gaurd a été envoyé pour maintenir la paix.

[Photo : Les parents et la veuve du Dr Martin Luther King, Jr. lors d'un mémorial le 9 avril 1968.]

Une comédie de situation NBC qui a duré trois ans, de 1968 à 1971, "Julia" a été la première émission de télévision en Amérique à suivre la vie d'une femme professionnelle noire (Diahann Carroll) - dans ce cas, une mère célibataire travaillant comme infirmière et élever seul un jeune fils après le décès de son mari. Alors que l'émission a marqué un moment important de l'histoire en ce qu'elle a brisé les barrières raciales en termes de ce que les gens s'attendaient à voir à la télévision, les critiques de l'époque ont noté son approche par ailleurs sûre de sujets qui pourraient être jugés trop avant-gardistes ou agressifs. Comme l'a écrit le critique du New York Times, Jack Gould, la série avait une façon de « tourner sur la pointe des pieds autour de tout ce qui était trop controversé ».

[Sur la photo : Diahann Carroll dans une scène de la série télévisée « Julia ».]

L'usine était le studio légendaire d'Andy Warhol à New York où il a fait son art - des peintures aux films - et a collaboré avec d'autres créatifs et artistes inadaptés. Lorsque Warhol a été approché par l'écrivain et activiste Valerie Solanas et lui a demandé de produire une pièce qu'elle avait écrite, l'artiste a refusé le projet, le jugeant trop obscène et extrême, même pour lui.

Furieux du rejet, Solanas a finalement tourné Warhol dans son studio. Bien qu'elle finirait par recevoir un diagnostic de schizophrénie, ce n'était pas avant qu'elle plaide coupable pour son crime et qu'elle soit condamnée à trois ans. Bien que les coups de feu n'aient pas tué Warhol, ils étaient suffisamment graves pour qu'il soit obligé de porter un corset chirurgical pour le reste de sa vie.

[Sur la photo : Andy Warhol est assis pour un portrait à New York, vers 1967.]

"The Mod Squad" a été créé en 1968 en tant que drame policier ciblant la contre-culture qui a suivi un trio de jeunes délinquants devenus des flics infiltrés. Le spectacle était révolutionnaire dans son sujet pour un certain nombre de raisons. En plus d'être la première série télévisée à présenter de jeunes flics infiltrés, elle s'est également penchée sur des sujets controversés et sérieusement risqués pour la télévision, notamment l'avortement, le militantisme noir et les manifestations anti-guerre. Malgré ce qui aurait pu facilement apparaître comme dangereusement progressif ou menaçant, la série s'est cachée derrière un bouclier de campagnard branché qui l'a empêchée de paraître trop politique.

[Sur la photo : Michael Cole, Clarence Williams III et Peggy Lipton de la série télévisée « The Mod Squad », vers 1968.]

Considéré comme l'un des films d'horreur les plus emblématiques de tous les temps, "Rosemary's Baby" était révolutionnaire pour plusieurs raisons.Premièrement, la prémisse du film – une femme est enceinte d'un enfant qu'elle craint (mais ne confirme jamais) d'être l'Antéchrist – a ouvert la voie à tout un genre de films qui tomberaient dans la catégorie de l'horreur satanique.

À l'époque, c'était un nouveau sujet choquant pour les téléspectateurs. En plus de cela, il y a eu ceux qui ont qualifié le film de particulièrement féministe en ce sens qu'il remettait en question les normes de genre et les rôles traditionnels des femmes d'une manière plus figurative. Plus précisément, le concept d'une femme dont la grossesse «se retourne contre elle» est un concept qui, selon les critiques de cinéma, pourrait représenter le rôle du film dans la défiance de la maternité en décrivant la grossesse comme une invasion désagréable du corps d'une femme.

[Sur la photo : Mia Farrow dans son rôle de Rosemary Woodhouse.]

Lorsque "Sesame Street" a été diffusée pour la première fois le 10 novembre 1969, l'émission est devenue une pionnière des programmes télévisés éducatifs. Créée par Joan Ganz Cooney, l'émission créerait des programmes et des segments télévisés destinés à éduquer les enfants d'âge préscolaire tout en s'assurant qu'ils soient divertis dans le processus.

Pour Cooney, le spectacle était un moyen simple et accessible d'aider les enfants défavorisés à acquérir une base éducative solide avant la maternelle sans avoir besoin de s'inscrire à un programme préscolaire ou à la garderie. Non seulement l'émission est entrée dans l'histoire en étant le premier exemple de télévision éducative pour enfants, mais elle a également brisé les barrières avec une distribution diversifiée qui a agi aux côtés d'une distribution de marionnettes emblématiques - ou Muppets - créées par Jim Henson.

[Sur la photo : membres de la distribution de l'émission télévisée « Sesame Street », 1969.]

À la manière du Monterey Pop Festival du Summer of Love, Woodstock était un festival de musique de trois jours en 1969, organisé dans une ferme laitière du nord de l'État de New York. Avec une fréquentation d'environ 500 000 festivaliers, l'événement était alors appelé « l'exposition du Verseau ». Comme les précédents rassemblements hippies, ou « be-ins », de la décennie, l'objectif principal de Woodstock était de créer un espace de paix et d'amour libre. Cela était particulièrement important étant donné que l'année qui a précédé le festival a été particulièrement violente en Amérique.

Les artistes présents au festival comprenaient Joan Baez, The Grateful Dead, Janis Joplin et Johnny Winter. Jimi Hendrix a clôturé le festival en mettant le feu à sa guitare.

[Sur la photo : des fans à la Woodstock Music & Art Fair qui s'est tenue à la ferme laitière de Max Yasgur en août 1969.]

En 1968, en Californie, Charles Manson a commencé à attirer un groupe d'adeptes qui allait former un culte connu sous le nom de Manson Family. Connu pour son intense force de persuasion, les capacités de Manson ont extrêmement bien fonctionné sur les jeunes vulnérables, y compris les fugueurs qui étaient souvent de jeunes femmes blanches instruites à la recherche d'une évasion de leur vie privilégiée mais ennuyeuse.

En 1969, sur ordre du chef de la secte, des membres de la famille Manson ont fait irruption dans la maison du réalisateur de "Rosemary's Baby" Roman Polanski et ont tué la femme enceinte de Polanski - l'actrice de "Valley of the Dolls" Sharon Tate - avec le célèbre coiffeur Jay Sebring, le café l'héritière Abigail Folger, l'écrivain Wojciech Frykowski et un ami de la famille, Steven Parent. Sur les lieux du meurtre brutal, l'un des partisans de Manson a griffonné le mot « PIGS » sur la porte d'entrée dans le sang de Tate. Cela visait à conduire les policiers vers les Black Panthers, ce qui jouerait dans l'objectif ultime de Manson de déclencher une guerre raciale totale.

[Sur la photo : les membres de la famille Manson, Susan Atkins, Patricia Krenwinkel et Leslie van Houten.]

En 1961, le président Kennedy a adressé un « message spécial au Congrès sur les besoins nationaux urgents » dans lequel il a mis au défi la NASA d'envoyer un homme sur la lune et de le ramener sain et sauf sur Terre avant la fin de la décennie. Bien que le défi historique ait été le premier du genre et qu'il s'agissait d'un défi de taille, la NASA a réussi en 1969 lorsque Neil Armstrong, voyageant avec Buzz Aldrin et Michael Collins dans le cadre de la mission Apollo 11, est devenu la première personne de l'histoire à mettre le pied sur la Lune.

[Sur la photo : l'astronaute Edwin E. « Buzz » Aldrin Jr. marchant sur la surface de la lune, le 20 juillet 1969.]

À l'été 1969, des émeutes ont éclaté au Stonewall Inn lorsque les clients du club gay populaire se sont affrontés avec la police qui était venue faire une descente dans le lieu. Bien que le Stonewall Inn ait fonctionné illégalement, commettant des infractions telles que servir de l'alcool sans permis d'alcool, la police avait acquis la réputation de harceler les clients homosexuels et d'accepter des pots-de-vin lors de leurs raids prétendument justifiés.

Ce soir-là, des policiers se sont barricadés dans le club lorsque des émeutiers ont commencé à manifester à l'extérieur alors qu'ils se trouvaient sur les lieux. Pendant six jours, les policiers se sont affrontés avec les manifestants, arrêtant finalement 21 personnes mais ne faisant aucun blessé mortel. Les émeutes et les manifestations ont marqué un point important dans la lutte historique pour les droits LGBTQ+.

[Photo : The Stonewall Inn à Greenwich Village, New York, 1969.]

Encore un autre exemple du cinéma des années 1960 qui a repoussé les limites des normes sociales et offert des commentaires sociaux artistiquement, "Midnight Cowboy" de 1969 était comme le conte original de la bromance. Chronique de la formation d'une amitié improbable entre un cow-boy devenu gigolo (Jon Voight) et un escroc (Dustin Hoffman), le film est finalement celui qui fait des trous dans le rêve américain, dont de nombreux Américains étaient sceptiques à ce stade de l'histoire.

Le film est également lié aux thèmes de l'isolement et du sentiment d'être un paria ou un inadapté, qui est devenu un sous-produit normal, quoique légèrement triste, du mouvement de libération dans les années 60 où les gens essayaient de "se trouver" et d'embrasser leur indépendance.

[Sur la photo : Dustin Hoffman et Jon Voight sur le tournage de « Midnight Cowboy ».]

Bien que "The Brady Bunch" soit sans doute l'une des émissions les plus mémorables des années 60, elle s'est rarement classée en tête des charts au cours de ses près de cinq ans. Pourtant, la comédie saine était importante dans son introduction des familles recomposées à la culture populaire. Après le mariage de deux parents célibataires et des six enfants combinés du couple, l'émission a présenté à l'Amérique à quoi ressemblait la fusion de deux familles en une seule lorsque les parents se sont remariés. Au-delà de cela, cependant, l'émission a gardé les choses assez sûres et a évité les sujets controversés, ce qui en fait l'un des moins révolutionnaires – même s'il reste largement agréable – à émerger de la décennie.

[Sur la photo : le casting de « Brady Bunch » dans le premier épisode de la série.]


Woodstock 50 : ce qui n'a pas fonctionné avant et maintenant

Si l'Amérique est aujourd'hui polarisée et sans direction, c'est en partie à cause de la révolution culturelle qui a émané de Woodstock. La solution n'est pas de recréer Woodstock cinquante ans plus tard, mais de le rejeter comme le désastre culturel et moral qu'il fut.

Woodstock représentait ce que l'Amérique allait devenir : une société brisée et dysfonctionnelle. Il montre ce qui se passe lorsque « vous faites votre propre truc » sans retenue.

Parmi les festivals de rock des années 60, la Woodstock Music and Art Fair était de loin le plus célèbre. Organisé dans une ferme laitière de 600 acres près de Bethel, dans l'État de New York, du 15 au 17 août 1969, le festival est la représentation emblématique de la culture droguée et de la révolution sexuelle qui a bouleversé la vie américaine. Ce mois d'août marque le cinquantième anniversaire de cet événement déterminant. Certains ont appelé à célébrer avec un autre concert.

L'occasion n'est guère un motif de célébration – tant de changements culturels après Woodstock ont ​​eu des conséquences catastrophiques. La plupart ne savent pas que le concert a été un désastre, même d'un point de vue organisationnel.

Qu'est ce qui ne s'est pas bien passé

Tout ce qui aurait pu mal tourner s'est mal passé.

Les organisateurs ont prévu un événement pour 200 000 personnes. Près de 400 000 personnes ont franchi les portes, où elles ont demandé et obtenu une entrée gratuite. La sécurité s'est effondrée. Les autoroutes étaient encombrées de voitures essayant de se rendre à l'événement. De fortes pluies ont créé une mer de boue qui s'est mélangée à la promiscuité, à la drogue et à la marijuana qui ont dominé le festival.

John Fogerty, du groupe de rock Creedence Clearwater Revival, a décrit une scène tôt le matin comme "une sorte de peinture d'une scène de Dante, juste des corps de l'enfer, tous entrelacés et endormis, recouverts de boue".

Sauver Woodstock

L'établissement que les hippies ont condamné a sauvé Woodstock. Les professionnels s'étaient déjà arrangés pour attirer les spectateurs en promettant une distribution de stars comprenant Jimi Hendrix, The Who, Santana, les Grateful Dead, Janis Joplin et le Jefferson Airplane. Un média sympathique a transformé le désastre logistique et moral en une légende hippie en reconditionnant l'événement en "trois jours de paix et de musique". Lorsque l'ordre a été rompu, le gouvernement est intervenu avec le personnel de la base aérienne voisine de Stewart. Ils ont fait venir des artistes et ont mis des hommes au sol pour éviter que les choses ne sombrent dans le désordre total.

Capitalisant sur le cinquantième anniversaire de Woodstock, les promoteurs espéraient recréer la « magie » du festival original. Il semble qu'ils n'aient réussi qu'à recréer la catastrophe. Comme en 1969, tout a mal tourné. Cependant, cette fois, l'établissement n'est pas venu à la rescousse. Même les médias étaient introuvables. Prévu du 16 au 18 août, Woodstock 50 a été brutalement annulé le 31 juillet.[*]

Woodstock, un symbole de ce qui n'a pas fonctionné dans les années 60

Woodstock est symbolique de tout ce qui a mal tourné dans les années soixante. La fête de la boue du sexe, de la drogue et de la musique a représenté une révolution culturelle qui a détruit la morale, les coutumes et les manières. Ce qui s'est passé à Woodstock sera plus tard généralisé à travers l'Amérique de sorte qu'aujourd'hui le comportement radical qui s'y manifeste est généralisé et accepté.

L'atmosphère de nudité et d'indécence au festival, par exemple, préfigurait la destruction de la pudeur et de la bienséance vue dans les modes d'aujourd'hui. Les passions débridées déchaînées à Woodstock ont ​​repoussé les limites de ce qui fait scandale si bien qu'aujourd'hui plus rien ne semble choquer.

Cependant, le pire fut l'esprit de Woodstock qui s'imprégna bientôt partout. Sa génération hippie fuit les choses raisonnées, structurées et systématisées au profit de tout ce qui est spontané, insouciant et impulsif. La civilisation de l'image et du sensationnalisme ont remplacé l'effort intellectuel et la pensée abstraite. Les gens ont rejeté la discipline et la retenue et ont appelé à la fin de toutes les règles.

« Il est interdit d'interdire ! » ont crié les manifestants étudiants à l'Université de la Sorbonne en France en 1968.

De l'autre côté de l'Atlantique, dans les champs jonchés d'ordures de Woodstock, une génération a adopté une culture du tout-aller où vous pouviez «faire votre propre truc».

Le Woodstock Illusion

Le mythe de Woodstock prétendait que l'événement était une nouvelle ère de liberté, d'amour et de paix. Sans les contraintes de la morale chrétienne et des structures sociales, les gens pourraient « imaginer » un monde parfait et vivre ensemble en harmonie sans propriété, sans autorité et sans Dieu.

Cependant, comme dans tous les fantasmes utopiques, la réalité s'écrase sur les illusions. Un monde de Woodstock est un cauchemar. En effet, sans courtoisie et sans bienséance, la société devient pleine de frictions et de discorde. Quand tout est spontané et indéfini, il ne peut y avoir de certitudes et de convictions. Là où il n'y a pas de retenue, règne la tyrannie des passions débridées.

Woodstock représentait ce que l'Amérique allait devenir : une société brisée et dysfonctionnelle. Cela montre ce qui se passe lorsque « vous faites votre propre truc » sans retenue.

Pourquoi Woodstock 50 n'est plus

Ainsi, la logique de Woodstock rend prévisible l'annulation de son anniversaire. Woodstock 50 a échoué parce qu'une société de Woodstock ne peut pas fonctionner dans le monde réel. Le festival ne pouvait pas s'imaginer exister.

Dans un monde de bricolage, Woodstock 50 a souffert de la difficulté à susciter l'intérêt au-delà de ces choses qui absorbent la vie individuelle des gens.

Entre baby-boomers nostalgiques et millenials curieux, les promoteurs espéraient une audience intergénérationnelle de 150 000 personnes. Les organisateurs de l'événement ont dépensé plus de 32 millions de dollars pour réserver plus de 80 actes. Ils ont payé grassement les plus grands noms : Jay-Z, Miley Cyrus, Santana, Imagine Dragons et d'autres devaient se produire. Même certains des groupes de rock présents en 1969 ont accepté de se joindre à nous.

Une affaire de bricolage

Cependant, à l'instar de l'événement original, les plans se sont rapidement effondrés lorsque personne n'a voulu prendre les engagements nécessaires pour que cela fonctionne. Les bailleurs de fonds et les partenaires du festival se sont retirés de l'accord. Les promoteurs n'ont pas réussi à obtenir les permis municipaux nécessaires. Le lieu a changé trois fois. Personne ne voulait toucher à l'événement.

Les responsables municipaux de deux petites villes du nord de l'État de New York se sont opposés aux plans, craignant d'être submergés par des cauchemars logistiques comme ceux qui se sont produits lors du premier événement. Il est vite devenu évident que Woodstock ne pouvait plus être détenu à New York. Une salle plus petite a finalement été sécurisée au Merriweather Post Pavilion à Columbia, dans le Maryland.

Avec la salle plus petite si loin du site d'origine, les meilleures stars qui attirent le grand public ont abandonné un événement de taille réduite qui ne correspondait pas à la taille de leur ego gonflé. Bientôt, des actes moins importants ont également commencé à quitter le navire.

Même une tentative de dernière minute pour transformer l'affaire en avantage pour HeadCount, une organisation à but non lucratif qui enregistre les électeurs lors des concerts, a lamentablement échoué.

L'establishment n'est pas venu à la rescousse de la reconstitution vouée à l'échec.

En fin de compte, l'apathie et l'individualisme l'ont emporté sur la paix et l'amour.

L'échec de Woodstock

Woodstock et Woodstock 50 ont échoué parce que les promesses de paix et d'amour étaient vides et dénuées de sens. En tant qu'événement original, la promotion de la révolution sexuelle par Woodstock a été un désastre malgré les efforts de l'establishment pour la sauver. La société s'est effondrée parce que faire votre propre chose a un coût pour les autres, y compris les bébés à naître, et la rupture des relations familiales et des communautés saines. Surtout, Woodstock a nié Dieu et a consacré l'individu comme un dieu.

Si l'Amérique est aujourd'hui polarisée et sans direction, c'est en partie à cause de la révolution culturelle qui a émané de Woodstock. La solution n'est pas de recréer Woodstock cinquante ans plus tard, mais de le rejeter comme le désastre culturel et moral qu'il fut.

Le conservateur imaginatif applique le principe d'appréciation à la discussion sur la culture et la politique alors que nous abordons le dialogue avec magnanimité plutôt qu'avec une simple civilité. Nous aiderez-vous à rester une oasis rafraîchissante dans l'arène de plus en plus controversée du discours moderne ? Veuillez envisager de faire un don maintenant.

Note de l'éditeur : l'image présentée est une photo prise près de Woodstock en août 1969 par Ric Manning et est sous licence Creative Commons 3.0.

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Au moment où nous sommes arrivés à Wallkill…

Lorsque l'idée d'un festival de rock a été évoquée pour la première fois par les organisateurs, on pensait qu'il attirerait 50 000 personnes. Lorsque Woodstock Ventures, la société créée par les quatre gars qui ont eu l'idée d'un festival, ils ont loué un terrain dans le nord de l'État de New York à Wallkill, c'était un parc industriel Mills de 300 acres, qui offrait un excellent accès aux autoroutes et très surtout, l'eau et l'électricité déjà sur le site.

Les quatre d'entre eux avaient commencé avec l'idée des références zodiacales d'une «exposition du Verseau» et ont décidé que les deux jouaient bien ensemble dont ils avaient besoin pour commencer à diffuser des publicités pour l'événement dans la presse, ils ont également bavardé avec les écrivains de Rolling Stone et Village Voix pour accentuer leurs références branchées pour l'organisation du festival. Ils avaient également besoin d'une affiche pour commencer à faire de la publicité. image Le problème était que les habitants de Wallkill n'étaient pas enthousiastes à l'idée qu'un «groupe de hippies» prenne le contrôle de leur ville. Lors d'une réunion le 15 juillet 1969, pour le plus grand plaisir des résidents, la commission d'appel du zonage de Wallkill a interdit le festival de Woodstock dans leur ville. C'était potentiellement un désastre ou était-ce?

Elliot Tiber, le propriétaire du complexe hôtelier Tiber’s White Lake, a lu les nouvelles et y a vu une opportunité de sauver son complexe hôtelier en difficulté. Il savait qu'il avait quelque chose de vital pour le succès de l'entreprise, un permis pour organiser un festival de musique de la ville de Béthel. Tiber a eu Michael Lang, l'un des organisateurs, au téléphone et le lendemain, l'entrepreneur du rock était dans sa voiture en route pour White Lake. Quand il est arrivé, sa première réaction a été la déception que le site marécageux de 15 acres était loin d'être assez grand. C'est là que Max Yasgur fait son entrée triomphale ou plus au point que Tiber leur suggère d'aller voir le fermier journalier qui possédait environ 600 acres qui serait parfait. Au départ, Yasgur avait été sceptique au téléphone avec Tiber – il était habitué aux projets de festival ratés de son ami, mais finalement, il a accepté de rencontrer Lang, qui s'est rendu sur le site en pente désormais célèbre qui était presque parfait pour un grand concert.

Un accord a été rapidement conclu. Il y avait la question de traiter avec les gens qui vivaient à Bethel qui partageaient largement les mêmes points de vue que les résidents de Wallkill. Au cœur de cela se trouvait la position de Woodstock Ventures de ne jamais dire qu'il y aurait plus de 50 000 personnes qui se présenteraient pour le week-end – malgré leur certitude qu'il y en aurait. M. Yasgur, bien sûr, remorquait la ligne du parti, car il voulait obtenir les 75 000 $ de frais de location, tandis qu'Elliot Tiber voulait juste remplir ses 80 chambres.

Ils avaient juste besoin d'une nouvelle affiche… Le graphiste Arnold Skolnik a créé la désormais célèbre affiche aussi emblématique des années 60 que n'importe quelle image. Rendu encore plus par le rédacteur publicitaire qui a proposé la ligne désormais célèbre. « Trois jours de paix et de musique ».


Michael Lang sur le festival de Woodstock

Oon pourrait s'attendre à ce que l'homme connu comme la force motrice du festival de musique le plus célèbre de tous les temps ait été élevé dans une famille musicale.

"Pas terriblement", dit Michael Lang, né à Brooklyn. "Mon père travaillait dans la construction et le chauffage, mes parents n'étaient pas très passionnés par la musique. Ils ont cependant possédé une boîte de nuit latine pendant un certain temps. Quand j'étais adolescent, j'adorais le rock 'n' roll des débuts. J'étais accro. Et je l'étais encore quand j'allais à NYU et que j'étudiais les affaires et la psychologie. "

Ces trois éléments – un amour du rock 'n' roll, une sensibilité commerciale et un sens aigu de la psychologie – serviront bien Lang en 1969 quand, à l'âge de 24 ans, il co-créa et supervisa l'événement culturel qui a défini une génération : le Festival de Woodstock, qui, 50 ans plus tard, est au centre de Woodstock, un nouveau livre de photographies du festival historique assemblé par Lang. Le festival de Woodstock n'était pas la première incursion de Lang dans la promotion de concerts, mais il était encore nouveau dans le jeu lorsque l'idée d'une « exposition aquatique » de trois jours est née.

"Il était temps de retourner dans la région de New York, et je voulais vivre dans une petite communauté créative qui ressemblait à Coconut Grove mais plus près de la ville", dit-il. "Je connaissais déjà Woodstock pour visiter la ville avec mes parents quand j'étais enfant. Et je savais que Bob Dylan et Paul Butterfield étaient ici. Et The Band [dont le premier album, Musique de Big Pink, redéfinissait alors le monde de la musique] étaient là. Je les ai rencontrés très tôt."

Alors qu'il participait à l'un des mini-festivals Sound-Out qui se tenait à la ferme de la matrone des arts Pan Copeland juste à l'extérieur de Woodstock de 1966 à 1970, une idée est entrée dans l'esprit de Lang. « 1968 a été une année terrible, avec les assassinats de Martin Luther King et de Bobby Kennedy, et le Vietnam et la violence à la Convention démocrate de Chicago», dit Lang. "J'ai juste pensé à quel point c'était agréable pour quelqu'un d'être assis à la belle étoile en été, de fumer un joint et d'écouter de la musique. Je me suis dit : 'Je me demande si quelque chose comme ça, mais plus gros, pourrait fonctionner ici.'"

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Lang et un partenaire, le producteur de disques Artie Kornfeld, se sont associés à des investisseurs et ont commencé à rechercher des lieux à proximité pour ce qu'ils appelaient la Woodstock Music & Art Fair, qui, en plus de nombreux autres grands groupes rock et folk, serait titré par un trinité des plus grands noms du jour : Jimi Hendrix, Janis Joplin et les Grateful Dead. Après avoir exclu Winston Farm à Saugerties comme physiquement inapproprié, la nouvelle organisation Woodstock Ventures a déménagé son site dans le parc industriel Mills à Walkill, où ils attendaient 50 000 personnes. Mais lors d'une réunion civique controversée, un groupe d'habitants s'est prononcé contre la menace perçue d'un trésor hippie imminent et a empêché l'événement (toujours nommé d'après la ville qui définit l'air du temps au nord qui l'avait inspiré) d'avoir lieu localement.

"Certains des anciens regardaient notre équipe de gars aux cheveux longs grandir pendant que nous travaillions sur le site", explique Lang, qui admet qu'il n'aimait pas le parc industriel stérile au départ. "Et je suppose qu'ils pensaient que nous allions voler leur bétail ou quelque chose du genre." À ce stade, le 15 juillet 1969, la date d'ouverture du festival national à croissance rapide et générateur de buzz, était dans exactement un mois.

Les reportages sur l'événement désormais sans-abri ont attiré des dizaines d'appels téléphoniques avec des offres de nouveaux lieux, et Lang et son équipe ont suivi chacun d'entre eux. Après avoir visité une colonie de bungalows délabrée et marécageuse qui a été immédiatement éliminée, ils sont tombés sur leur domaine de rêves : la ferme de Max Yasgur dans la ville de Bethel, dans le comté de Sullivan, à environ 100 kilomètres de la ville de Woodstock. "[A] un bol vert parfait", se souvient Lang dans La route de Woodstock, le livre de 2010 qu'il a coécrit avec l'auteure locale Holly George-Warren. "Il y a à sa base une montée qui n'attend que notre scène."

Plutôt qu'un voyou craignant les étrangers, Yasgur s'est avéré être une figure honnête et un homme d'affaires astucieux, sympathique à la situation critique des jeunes organisateurs. Il a accepté de leur louer le terrain et une propriété supplémentaire comme lieu pour leur « foire de la musique ». Avant de rencontrer Yasgur, soutient Lang, il semblait que Woodstock n'arriverait pas.

Mais, comme le monde le sait maintenant, cela s'est produit. À une échelle beaucoup plus grande que, on peut le dire, n'importe qui, y compris Lang, aurait pu s'y attendre. Ce qui était prévu au premier jour du festival à un total de 150 000 personnes, les rapports à ce jour varient, entre 400 000 et 600 000, à l'époque, à peu près égal à la population de plusieurs des plus grandes villes de l'État de New York.

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Le premier jour, après que près de 186 000 billets aient été vendus et que des milliers de festivaliers affluent toujours, l'événement est désormais déclaré gratuit. Rejoindre Hendrix, Joplin, les morts et des groupes à la mode comme Jefferson Airplane, Creedence Clearwater Revival, Canned Heat, The Who et The Band était une paire de nouveaux arrivants moins connus dont la star à Woodstock ferait leur carrière: Crosby, Stills, Nash et Young, dans leur deuxième apparition en direct en tant que groupe Santana, un ajout de dernière minute et Joe Cocker, dont la performance passionnée de "With a Little Help from My Friends" des Beatles fait partie des temps forts emblématiques du festival préservés. via le documentaire du concert de 1970 Woodstock.

"L'un des moments préférés pour moi a été lorsque j'ai finalement convaincu Richie Havens [prenant la place des ouvreurs retardés Sweetwater] de continuer et d'ouvrir le festival - et le PA a fonctionné!" dit Lang avec un rire de soulagement. "Freedom" écrit spontanément par Havens était un autre segment de star et l'interprétation enflammée de "The Star-Spangled Banner" par Hendrix sont deux autres Woodstock scènes historiques du film. (Reproduit dans le nouveau livre de Lang est une trouvaille déchirante : une lettre d'Apple Records des Beatles datée du mois avant le festival offrant les services du Plastic Ono Band de John Lennon, James Taylor et Billy Preston qui s'est en quelque sorte perdu dans le remaniement.)

Mais, vraiment, Woodstock était bien plus que la musique. Poussé par le sentiment croissant du public contre la guerre du Vietnam et son projet imposé, la poussée pour les droits civiques, l'effort environnemental et le désir de nombreux jeunes de se débarrasser de ce qu'ils considéraient comme les contraintes sociales restrictives des générations précédentes, le mouvement hippie était passé d'un phénomène de San Francisco à celui qui s'est propagé beaucoup plus loin que la plupart n'auraient jamais pu l'imaginer. Mais alors, juste là, s'étendant à perte de vue devant le monde entier, se trouvaient environ un demi-million de ses membres. Et non seulement cela, mais ils prenaient soin les uns des autres et d'eux-mêmes et incarnaient, dans un rassemblement tribal massif, le message de compassion et d'unité qui était le thème de l'événement - un thème qui serait repris et amplifié désormais.

En raison de retards de pluie provoquant de la boue et d'autres problèmes logistiques, l'événement s'est étendu des trois jours prévus à quatre, se terminant le 18 août à 9 heures par Hendrix. Quand tout fut terminé, la soi-disant nation Woodstock était née et la culture populaire avait été changé à jamais. Il en était de même pour Lang. "Ce fut une expérience tellement incroyable d'être immergé dans cette fête de l'amour totale, si incroyablement puissante et enrichissante", a déclaré le résident du comté d'Ulster, bien connu comme un éternel pilier de calme dans les situations les plus tendues. "Mais j'avais voyagé à 1 000 milles à l'heure pendant longtemps et tout à coup j'ai eu l'impression d'être en chute libre. J'ai réalisé que je devais m'éloigner des festivals pendant un certain temps. Parce que tout ce que je ferais allait être injustement par rapport à Woodstock."

Il a ensuite créé un label, Just Sunshine, et s'est lancé dans la production de films et la gestion d'artistes, en travaillant avec Joe Cocker, Rickie Lee Jones, Willie DeVille et d'autres. Mais le promoteur né ne pouvait pas rester en dehors du jeu pour toujours. Vingt-cinq ans après l'événement Bethel, sur le site du festival original Saugerties, il a co-organisé Woodstock '94, qui mettait en vedette Bob Dylan, Metallica, les Red Hot Chili Peppers et d'autres. Il souligne qu'il a été très peu impliqué dans Woodstock '99 ("MTVStock", il l'appelle avec dérision), qui s'est déroulé plus loin dans le nord de l'État, à Rome, et a été entaché de violence et de vandalisme.

Partout dans l'actualité ces derniers mois a été la saga de Woodstock 50, l'incarnation de trois jours d'anniversaire d'or du festival de 1969 que Lang préparait depuis quelques années. Malheureusement, les choses ne se sont pas bien passées pour l'événement en proie à des problèmes, qui devait inclure Jay-Z, Miley Cyrus, Robert Plant et les Killers parmi ses têtes d'affiche programmées. En juillet, après avoir déjà perdu son emplacement prévu de Watkins Glen International Speedway avec les investisseurs Dentsu, Inc. et les producteurs d'événements Superfly, la société de Lang s'est vu refuser l'autorisation d'organiser le festival sur le lieu alternatif de Vernon Downs Racino dans le comté d'Oneida.

Cela a incité le remplaçant de Superfly, Virgin Produced, à se retirer également. Les propriétaires de Lang et de Vernon Downs ont à nouveau demandé un permis au comté et ont de nouveau été refusés par les autorités, qui, faisant écho aux craintes des résidents de Walkill en 1969, n'étaient pas convaincus que la région pourrait gérer le grand nombre de festivaliers. Un accord a ensuite été conclu avec Washington, DC, les promoteurs I.M.P. Des concerts pour organiser l'événement au Merriweather Post Pavilion à Columbia, Maryland, et en faire un festival gratuit. Néanmoins, des actes clés ont commencé à baisser la facture, plusieurs d'entre eux citant le déplacement géographique éloigné de Woodstock 50 comme facteur. Finalement, Lang et son groupe ont décidé d'annuler le festival. Un résultat pour le moins décourageant.

Mais s'il y a une chose à apprendre sur Lang lors du rassemblement monumental de 1969 que lui et sa troupe ont organisé à Yasgur's Farm avec moins d'un mois de délai, c'est que l'entrepreneur éternellement jeune ne devrait pas encore être radié. Lorsqu'on lui a demandé s'il avait déjà pensé qu'il n'organiserait jamais un autre festival de Woodstock après être descendu des hauteurs du premier, Lang a plaisanté: "Ne dites jamais jamais."

Woodstock est publié par Reel Art Press. Reelartpress.com.

Mettre à jour: Le mercredi 31 août, Michael Lang a annoncé qu'il annulait l'événement Woodstock 50 après l'échec des plans pour déplacer l'événement gratuit dans le Maryland.

La version imprimée originale de cet article était intitulée :
"Nous étions forts d'un demi-million"


Par Emily DiAlbert, rédactrice en chef

Le 9 mars, près de 50 ans après avoir fait leurs débuts dans la musique, J.D. Hutchison et le Realbilly Jive ont rassemblé une foule d'habitants d'Athènes, dans l'Ohio, dans une galerie d'art locale pour une performance évoquant la pure fierté des Appalaches. Ce soir-là, le public du groupe n'était pas simplement une autre foule d'étrangers. Le répertoire Americana de Realbilly Jive a rassemblé la salle en une communauté de chant et de danse qui connaît - et est fière de - ses racines musicales.

Aujourd'hui, la musique d'Athènes est enracinée dans des styles, des types et des genres de toutes les époques. Cependant, l'époque qui semblait vraiment préparer le terrain pour la culture musicale omniprésente actuelle d'Athènes était celle des années 70 et 80. Alors, démarrez votre machine à remonter le temps et préparez-vous pour un retour dans le passé.

Mimi Hart, la chanteuse de Realbilly Jive, a fait ses débuts sur la scène athénienne à la fin des années 1960 lorsqu'elle a commencé ses études à l'Université de l'Ohio. Au fil des ans, elle a voyagé dans le nord-est des États-Unis et en Europe, produisant de la musique avec plusieurs groupes différents, se produisant à la Maison Blanche et avec NPR en cours de route.

Malgré son énorme succès, Hart réside toujours dans sa petite ville d'Athènes, où elle se produit régulièrement pour unir sa communauté aux sons de la ville qu'elle a vu évoluer au cours des 50 dernières années.

« La musique a toujours eu pour objectif de rassembler la communauté », a déclaré Hart.

Dans les années 1970 et 1980, la communauté d'Athènes, tout comme aujourd'hui, était composée à la fois de « citadins » (résidents nés à Athènes et y résidant toujours) et d'étudiants de l'Université de l'Ohio qui avaient tous un amour pour la ville pittoresque et ses culture.

« [Athènes] était une communauté assez hippie de Woodstock », a décrit David Smeltz, chanteur du groupe de reggae I-Tal, qui a joué à Athènes au début des années 1980. Smeltz a mentionné que la communauté fournissait de la musique, des gens, de la bière amusante et toujours à flot, en particulier dans le quartier chic.

"La plupart des [uptown] n'étaient que des bars", a déclaré Karen Muench, ancienne de l'Université de l'Ohio, une résidente d'Athènes de 1978 à 1988.

Les bars étaient là pour une raison, bien sûr. Au début des années 1980, l'âge de la consommation d'alcool dans l'Ohio était de 18 ans. Il est ensuite passé à 19 ans en 1984 et à 21 ans en 1987, où l'âge est resté depuis. En raison de l'âge réduit pour boire, les étudiants affluaient souvent dans les bars pour boire et écouter de la musique au cours des années 1970 et au début des années 1980, même un jour d'école normal, a expliqué Muench.

En 1980, il y avait un total de 27 bars à Athènes, selon l'annuaire de l'Université de l'Ohio de l'année correspondante, “Spectrum Green.” Entre les 27, les mélomanes avaient de nombreuses options pour s'adonner à leurs genres préférés. .

Les incontournables de Court Street comprenaient M. Bojangles, qui était connu pour le jazz the Junction, qui était connu pour jouer du "rock droit" et du Swanky" 8217s, qui était connu pour avoir ajouté "une touche de bizarre" 8221 à la culture musicale d'Athènes, selon "Spectrum Green". leurs racines en tant que puissances communautaires.

David Smeltz de I-Tal effectuant à Swanky’s.

Smeltz a joué au Swanky à plusieurs reprises au début des années 1980, avant que le bar ne ferme ses portes en 1982 lorsqu'un incendie a endommagé son emplacement.

“[Swanky’s] était toujours plein à craquer », se souvient Smeltz. "Nous commencerions à jouer et ce serait comme une fête de l'amour", a-t-il ajouté avec un petit rire. "C'était vraiment amusant de voir des gens transpirer et sourire."

Les bars ont créé des espaces pour que les «townies» et les étudiants se réunissent pour profiter de la musique, mais l'université a également fourni de nombreuses occasions aux résidents de célébrer la musique en tant que communauté.

Selon les archives de l'Université de l'Ohio, la Frontier Room appartenant à l'université, aujourd'hui Front Room Coffeehouse, était un restaurant populaire qui permettait aux musiciens locaux de montrer leur talent lors de la soirée Open Stage. Bien qu'il ait été converti exclusivement en café en 1989, sa tradition de donner une scène aux talents locaux est restée avec le Front Room Coffeehouse.

De plus, au cours de l'époque, l'Université a présenté un certain nombre d'artistes grand public lors de sa série de concerts annuels. Le Convocation Center de 13 080 places, où se tenaient généralement les concerts de musique grand public, était généralement plein lorsque de grands noms venaient à Athènes, a déclaré Muench.

Au début des années 1970, l'université a accueilli de grands noms dont Ike & Tina Turner, qui a joué au Memorial Auditorium en 1972, Bruce Springsteen et The Eagles qui ont joué au Ohio University Music Festival au Convocation Center en 1973 et The Beach Boys qui a titré J- Prom au Convocation Center également en 1973, selon les annuaires de l'Université de l'Ohio.

Au cours des dernières années, l'Université a également accueilli d'autres stars classiques telles que The Doobie Brothers en 1978, Billy Joel en 1980, Hall & Oates en 1984 et The Hooters en 1989.

Malgré des concerts de renom, l'Université a également organisé des Green Fests à plus petite échelle au cours des années 1970 et au début des années 1980. Les fests ont eu lieu sur différents greens (Est, Ouest et Sud) chaque week-end de mai, menant finalement au summum de la saison des festivals : Spring Fest à la fin du semestre.

Bien différents des festivals d'aujourd'hui, les Green Fests et Spring Fest étaient tous parrainés par l'Université et comprenaient des groupes, des activités et de la bière, en grande partie. Avant 1989, l'Université de l'Ohio autorisait les étudiants à boire lors des événements universitaires en raison de l'âge alors abaissé de la consommation d'alcool, ce qui entraînait une forte participation à chaque festival.

Selon les archives de l'Université de l'Ohio, les fêtards envahiraient les terrains de loisirs avec des couvertures et des chaises tandis que d'autres regardaient et écoutaient depuis des radeaux dans la rivière Hocking ou de l'autre côté de la rivière sur Bong Hill à Spring Fest.

Les membres des organisations étudiantes organiseraient également différents mini-festivals pour encourager leurs pairs à s'intéresser à leur travail. En 1984, le Sénat étudiant a parrainé “RegFest,” un festival de musique qui a également fourni aux étudiants des outils pour s'inscrire pour voter, selon les annuaires de l'Université de l'Ohio.

Finalement, l'Université a interdit la consommation d'alcool lors d'événements sanctionnés par l'école en 1989, ce qui a manifestement entraîné de faibles taux de participation à tous les festivals parrainés par l'école. Spring Fest a pris fin la même année, puis a été remplacé par Palmer Fest dans les années 1990, selon les archives de l'Université de l'Ohio.

Entre autres facteurs, des lois d'occupation plus strictes, une application plus stricte des lois sur la consommation d'alcool et de nouvelles politiques universitaires ont rendu la culture musicale qui a mis en évidence les années 1970 et 80 presque impossible à reproduire. Quoi qu'il en soit, la musique qui a défini l'époque reste omniprésente à Athènes aujourd'hui, que ce soit à travers une chanson classique jouée dans un bar du centre-ville ou des musiciens locaux envoûtant les membres du public avec des sons nostalgiques lors de concerts communautaires. De plus, tous ceux qui ont vécu à cette époque vibrante ont encore des souvenirs à partager.

"Je n'ai rien vécu de tel depuis longtemps", s'est souvenu Smeltz de la culture musicale d'Athènes dans les années 1980. "Je n'aurais rien changé."


Voir la vidéo: Woodstock: comment ce festival mythique a failli tourner au fiasco (Octobre 2021).