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Alfred Hitchcock - Histoire

Alfred Hitchcock - Histoire

Alfred Hitchcock

1899- 1980

Réalisateur

Le réalisateur légendaire Sir Alfred Hitchcock est né le 13 août 1899 à Leyonstone en Angleterre. Sa maîtrise du suspense à l'écran est la seule dans l'histoire du cinéma. Il réalise également le premier « film parlant » en Angleterre en 1929. Ses films, tels que L'homme qui en savait trop (1934), Les trente-neuf étapes (1935), Rébecca (1940), Des étrangers dans un train (1951), vertige (1958) et psychopathe (1960), parmi tant d'autres, a captivé et terrifié les cinéphiles du monde entier.

Hitchcock a également produit une émission télévisée hebdomadaire dans les années 1950 et 1960. Bien que nominé cinq fois, Hitchcock n'a jamais remporté d'Oscar. Néanmoins, Hitchcock reste la référence par rapport à laquelle se mesurent tous les réalisateurs du genre suspense.


Biographie

Alfred Hitchcock est né à Leytonstone, en Angleterre, le 13 août 1899. Il était le plus jeune des trois enfants de William et Emma Jane Hitchcock.

Après avoir fréquenté une école technique à 15 ans, Hitchcock a passé les premières années de sa carrière en tant que dessinateur, concepteur publicitaire et écrivain. Un intérêt pour la photographie l'a amené à travailler dans l'industrie cinématographique de Londres, d'abord en tant que concepteur de cartes de titre pour des films muets et, cinq ans plus tard, en tant que réalisateur.

En 1926, Hitchcock épousa sa directrice adjointe, Alma Reville, et en 1928, ils eurent une fille, Patricia.

Hitchcock a rapidement acquis une notoriété en tant que réalisateur qui a livré du suspense, des fins de torsion et des sujets sombres. Sa propre personnalité et son humour de potence ont été ancrés dans la culture populaire à travers des interviews, des bandes-annonces et des apparitions dans ses propres films. Il était populaire auprès du public au pays et à l'étranger, et en 1939, la famille Hitchcock s'installa à Hollywood. Au cours des trois décennies qui ont suivi, il a cimenté son héritage en dirigeant et en produisant ses œuvres les plus réussies et les plus durables. Son anthologie télévisée, Alfred Hitchcock Presents, a été diffusée de 1955 à 1965 et a fait de lui un nom bien connu.

Au cours de sa carrière, il a créé plus de cinquante longs métrages dans une carrière qui a vu non seulement le développement du style de réalisateur distinctif d'Hitchcock, mais aussi des innovations marquantes dans le cinéma. En 1929, Blackmail est son premier long métrage sonore et en 1948, son premier film en couleur est Rope. Hitchcock lui-même a été crédité d'avoir mis au point de nombreuses techniques de caméra et de montage pour les pairs et les aspirants réalisateurs à imiter.

Hitchcock a reçu de nombreuses distinctions professionnelles, dont deux Golden Globes, huit Laurel Awards et cinq récompenses pour l'ensemble de sa carrière. Il a été cinq fois nominé aux Oscars du meilleur réalisateur et en 1940, son film Rebecca a remporté l'Oscar du meilleur film. En 1980, il a reçu le titre de chevalier de la reine Elizabeth II.

Mari, père, réalisateur et maître du suspense, Sir Alfred Hitchcock est décédé le 29 avril 1980.


Anthologie d'Alfred Hitchcock

Anthologie d'Alfred Hitchcock (AHA) était une collection saisonnière d'histoires courtes pleines de suspense et passionnantes réimprimées à partir de Le magazine mystère d'Alfred Hitchcock. Produite de 1977 à 1989, l'anthologie contient des histoires d'auteurs tels que : Patricia Highsmith, Robert Bloch, Bill Pronzini, Isaac Asimov et Lawrence Block. L'anthologie est commercialisée comme tout ce que vous "attendriez du maître du suspense", bien qu'Hitchcock n'ait jamais été directement impliqué dans les publications.

Anthologie d'Alfred Hitchcock
CatégoriesFiction policière, roman policier
La fréquenceSaisonnier
Année de fondation1977
Dernier numéro
Nombre
1989
Tome 27
SociétéDavis Publications (broché)
Appuyez sur le numéro (couverture rigide)
PaysÉtats Unis
Située àNew York, État de New York
LangueAnglais
OCLC2985567

  • Anthologie d'Alfred Hitchcock - Tome 1
  • Anthologie d'Alfred Hitchcock - Tome 2
  • Anthologie d'Alfred Hitchcock - Tome 3
  • Anthologie d'Alfred Hitchcock - Tome 4
  • Anthologie d'Alfred Hitchcock - Tome 5

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Filmographie

Voir la page principale Filmographie pour d'autres travaux

  • Le jardin d'agrément (1925)
  • L'aigle des montagnes (1926)
  • The Lodger : une histoire du brouillard londonien (1927)
  • L'anneau (1927)
  • Une descente (1927)
  • Champagne (1928)
  • Vertu facile (1928)
  • La femme du fermier (1928)
  • Chantage (1929)
  • Le Manxman (1929)
  • Junon et le coq (1930)
  • Meurtre! (1930)
  • Le jeu de peau (1931)
  • Riche et étrange (1931)
  • Numéro dix-sept (1932)
  • Valses de Vienne (1934)
  • L'homme qui en savait trop (1934)
  • Les 39 étapes (1935)
  • Agent secret (1936)
  • Sabotage (1936)
  • Jeune et innocent (1937)
  • La dame disparaît (1938)
  • Auberge de la Jamaïque (1939)
  • Rébecca (1940)
  • Correspondant à l'étranger (1940)
  • M. & Mme Smith (1941)
  • Soupçon (1941)
  • Saboteur (1942)
  • Ombre d'un doute (1943)
  • Canot de sauvetage (1944)
  • Envoûté (1945)
  • Célèbre (1946)
  • L'affaire Paradine (1947)
  • Corde (1948)
  • Sous le Capricorne (1949)
  • Trac (1950)
  • Des étrangers dans un train (1951)
  • J'avoue (1953)
  • Composez M pour meurtre (1954)
  • Fenêtre arrière (1954)
  • Attraper un voleur (1955)
  • Le problème avec Harry (1955)
  • L'homme qui en savait trop (1956)
  • Le mauvais homme (1956)
  • vertige (1958)
  • du Nord au nord-ouest (1959)
  • psychopathe (1960)
  • Les oiseaux (1963)
  • Marnie (1964)
  • Rideau déchiré (1966)
  • Topaze (1969)

Alfred Hitchcock

Le réalisateur et producteur Alfred Hitchcock a popularisé à la fois le terme "MacGuffin" et la technique, avec ses films Numéro dix-sept (1932) et Les 39 étapes (1935) étant les premiers exemples du concept.

Selon certaines sources, on pense que l'écrivain Angus MacPhail a inventé le terme à l'origine.

Hitchcock a expliqué le terme « MacGuffin » dans une conférence de 1939 à l'Université Columbia :

[Nous] avons un nom dans le studio, et nous l'appelons le "MacGuffin". C'est l'élément mécanique qui revient généralement dans toute histoire. Dans les histoires d'escrocs, c'est presque toujours le collier et dans les histoires d'espionnage, c'est le plus souvent les papiers.

En 1944, TEMPS a rapporté Hitchcock en disant: "Le McGuffin est la chose que le héros poursuit, la chose dont parle l'image. c'est très nécessaire" avant de continuer à expliquer: [1]

En aucun cas original avec Hitchcock, le McGuffin est une vieille blague britannique sur un homme transportant des colis dans un train rencontrant un autre homme, qui s'enquiert :
« Qu'y a-t-il dans le colis ?
"Un McGuffin."
« Qu'est-ce qu'un McGuffin ?
"Un McGuffin est un petit animal avec une longue queue jaune tachetée, utilisé pour chasser les tigres à New York."
"Mais il n'y a pas de tigres à New York."
"Ah, mais ce n'est pas un vrai McGuffin."

Le mois suivant, TEMPS a publié une lettre de Jack Moffitt de Warner Bros. : [2]

Le réalisateur Alfred Hitchcock est un arriviste britannique sans aucune connaissance de la langue hollywoodienne. La chose que le héros poursuit n'est pas un McGuffin, mais un wenie et ce depuis l'époque de Mack Sennett. Les perles volées ont été placées dans un wenie. Le wenie a été volé par un chien. Et le chien a été poursuivi par tout le monde, y compris les Keystone Cops. Ils le poursuivent toujours.

Interviewé en 1966 par François Truffaut, Alfred Hitchcock a illustré le terme « MacGuffin » avec cette histoire :

Ce pourrait être un nom écossais, tiré d'une histoire à propos de deux hommes dans un train. Un homme dit : « C'est quoi ce paquet là-haut dans le porte-bagages ? Et l'autre répond : 'Oh, c'est un McGuffin.' Le premier demande « Qu'est-ce qu'un McGuffin ? » 'Eh bien' dit l'autre homme, 'C'est un appareil pour piéger les lions dans les Highlands écossais.' Le premier homme dit : « Mais il n'y a pas de lions dans les Highlands écossais », et l'autre répond « Eh bien, ce n'est pas McGuffin ! » Alors vous voyez, un McGuffin n'est rien du tout.


Sorties DVD

Les versions DVD officielles suivantes contiennent des épisodes de L'heure Alfred Hitchcock:

The Alfred Hitchcock Hour: The Complete First Season - Madman Entertainment (Australie, 2013)
PAL 1.33:1
contient 32 épisodes
The Alfred Hitchcock Hour: The Complete Second Season - Madman Entertainment (Australie, 2013)
PAL 1.33:1
contient 32 épisodes
The Alfred Hitchcock Hour : The Complete Third Season - Madman Entertainment (Australie, 2013)
PAL 1.33:1
contient 29 épisodes
Alfred Hitchcock Zeigt : Teil 2 - Koch Media Home Entertainment (Allemagne, 2008)
PAL 1.33:1
contient 10 épisodes
Alfred Hitchcock Zeigt : Teil 1 - Koch Media Home Entertainment (Allemagne, 2008)
PAL 1.33:1
contient 10 épisodes
Alfred Hitchcock Présente : La Série TV, Les Épisodes en VOST - Universal (France, 2006) - sortie le 14/Fév/2006
PAL 1.33:1
contient "J'ai tout vu"


Hitchcock présente : Une brève histoire des émissions d'Hitchcock étranges et sauvages qui dominaient autrefois la télévision

En 1960, Alfred Hitchcock était partout. L'un des véritables chefs-d'œuvre du réalisateur, "Psycho", est sorti cette année-là, dans la foulée de "North by Northwest" l'année précédente, qui avait suivi "Vertigo" et "The Wrong Man" et "The Man Who Knew Too Much". " "Les Oiseaux" se trouvaient devant lui.

Le réalisateur de 60 ans, qui avait toujours été une figure familière pour certains à cause de ses camées sournoises dans ses films, était devenu un nom connu à travers ses films et son émission télévisée, "Alfred Hitchcock Presents". La série d'anthologies d'une demi-heure a commencé en 1955 et a duré 10 ans, y compris les années où elle a été étendue et rebaptisée « L'heure Alfred Hitchcock ».

Ajoutez à cela « Alfred Hitchcock's Mystery Magazine », qui avait commencé en 1956 par un accord de licence du nom du réalisateur, ainsi qu'une série de collections de thrillers et d'histoires à suspense, et la renommée d'Hitchcock en tant que réalisateur était sans comparaison jusqu'à ce que Steven Spielberg devienne un nom de famille dans les années 1970.

Les détails de la vie d'Hitchcock, parfois sordides et horribles, en particulier en ce qui concerne les rapports de son comportement déshumanisant envers les femmes, y compris certaines qui ont joué dans ses films, sont devenus le fourrage de nombreuses biographies.

Aujourd'hui, cependant, un regard sur les émissions de télévision qui portaient son nom et qu'il a animées avec ce qui ressemble à un délectation macabre.

Pouvez-vous nommer une célébrité ces jours-ci qui est facilement identifiable à partir d'une caricature de son profil ? Le profil d'Hitchcock - dessiné en neuf traits par le réalisateur lui-même, selon l'histoire - et l'ombre faisaient partie du générique d'ouverture de la majeure partie de la série.

C'est une marque de l'ordre du symbole du glyphe de Prince.

Lorsque « Alfred Hitchcock Presents » a fait sa première sur CBS en 1955, la télévision n'était même pas encore à l'adolescence. Alors que 47 millions de foyers disposaient d'un téléviseur en 1955, ce nombre a commencé à augmenter au cours des années suivantes, atteignant près de 53 millions en 1960 et plus de 200 millions dans les années 1990.

Dans les décennies qui ont précédé les chaînes câblées et payantes comme HBO, la plupart des téléspectateurs n'écoutaient que trois réseaux, CBS inclus, et une ou deux stations locales. Le simple manque de choix a aidé les téléspectateurs à se tourner vers des émissions comme celles produites par Hitchcock. De nombreux téléspectateurs se sont connectés chaque semaine et ont entendu sa marque de fabrique «Bonsoir» et ses inspirations entre les phrases.

L'apparition de la silhouette d'Hitchcock, sur la "Marche funèbre d'une marionnette" de Charles Gounod et les introductions pleines d'esprit et souvent horribles du réalisateur taquinaient ce qui allait arriver dans chaque épisode : une pièce de moralité - une pièce d'immoralité, vraiment - un peu comme ce comique les lecteurs de livres ont vu d'EC Comics avant d'être chassés du marché. Contrairement à EC, cependant, le spectacle Hitchcock n'était pas destiné aux jeunes.

La série a duré une demi-heure pendant la majeure partie de sa diffusion, offrant des histoires intelligentes et rapides avec de superbes castings. Hitchcock n'a réalisé qu'une douzaine d'épisodes et demi de la série, mais son image et sa prestation amusante en haut et en bas de chacun des 361 épisodes, en comptant les deux séries, ont renforcé son statut de culte.

Malgré Rod Serling et sa série « Twilight Zone », un contemporain de la série Hitchcock, ou les films de M. Night Shyamalan et leurs rebondissements à venir, la série d'Hitchcock construit et renforce continuellement la personnalité publique du réalisateur et de l'animateur.

Les meilleurs scénaristes et réalisateurs—et le jeune Robert Redford

En parlant de "The Twilight Zone", il y a un épisode particulièrement horrible de 1964 appelé "The Jar", dans lequel un rustre country joué par Pat Buttram devient obsédé par une chose non identifiable mais… ressemblant à une tête dans un bocal dans un spectacle de carnaval. Buttram achète le pot et le rapporte dans sa petite ville, où il devient le toast du petit bourg. Ensuite, tout va horriblement mal.

Mais attendez… "The Jar" n'est pas un épisode de "Twilight Zone". Il s'agit d'un épisode de « L'heure Alfred Hitchcock » de 1964, et c'est une histoire beaucoup plus horrible que la plupart des écrivains d'Hitchcock. Et "The Jar" est, légendairement, une heure de télévision que la plupart des gens croient à tort être un épisode de "The Twilight Zone".

Mais alors que les émissions d'Hitchcock étaient généralement plus sobres que "The Twilight Zone", la série avait plus que sa part d'épisodes, d'écrivains et de réalisateurs mémorables.

Sydney Pollack, qui a réalisé des films par excellence comme "Tootsie", "Trois jours du condor" et "Absence of Malice", a réalisé deux épisodes d'Hitchcock. L'un d'eux, "Diagnostic: Danger", a été diffusé en 1963 mais semble effrayant à ce moment-là, alors que les enquêteurs de la santé publique de Los Angeles tentent de suivre et d'arrêter la propagation de l'anthrax dans la ville.

"Off Season", un épisode de 1965, ressemble à une réunion "Psycho". Il est écrit par Robert Bloch, l'auteur qui a créé Norman Bates et sa mère dans un roman de 1959. La star est John Gavin, qui a joué dans "Psycho". Il y a même un motel au bord de la route et un commis de motel un peu effrayant. Mais au lieu d'Hitchcock derrière la caméra, c'était William Friedkin, qui, quelques années plus tard, réalisera ce qui pourrait être le meilleur film d'horreur de tous les temps, "L'Exorciste".

Certains épisodes de la série Hitchcock sont comme de petits mini-chefs-d'œuvre et se comparent favorablement à l'étalon-or, "The Twilight Zone". Certains semblent un peu précipités ou incluent une torsion pour l'amour de la torsion.

Mais où d'autre pouvez-vous trouver Robert Redford et Gig Young en tant que frères dans une partie de poker à enjeux élevés contre des gangsters aux doigts de gâchette qui démangent ? Eh bien, dans "A Piece of the Action", le premier épisode d'une heure, de 1962.

Tropes et un redémarrage, bien sûr

Je n'essaierais pas de faire valoir que Hitchcock et toutes ces entreprises avaient le genre de synergie que Disney fait aujourd'hui, faisant des films qui passent au service de streaming Disney +, qui à son tour génère des abonnements.

Mais l'opération commerciale qui tournait autour d'Hitchcock et de tous ces projets était remarquablement serrée. "Psycho" a été déposé chez Revue Studios, société de production de la série télévisée d'Hitchcock, en utilisant l'équipe de la série télévisée.

Selon un article de 1964 paru dans le Palm Beach Post, la série avait pour la première fois les droits de filmer des histoires du "Alfred Hitchcock Mystery Magazine". (Le magazine a été fondé à New York en 1956, mais ses bureaux ont déménagé en Floride en 1959.) Henry Slesar, un célèbre écrivain de la série Hitchcock, a vu ses premières histoires publiées dans le magazine, qui est toujours aussi fort.

Soyez avisé: certains épisodes de la série télévisée sont très d'époque, avec des blagues jetables qui n'étaient même pas politiquement correctes à l'époque, et des intrigues qui reposaient un peu trop sur le trope de la femme en danger. L'actrice Phyllis Thaxter, qui était la première Lois Lane dans la série télévisée "Les aventures de Superman", est apparue neuf fois dans la série Hitchcock. Il semble que dans chaque épisode dans lequel je l'ai vue, elle a joué une femme émotionnellement endommagée, ce qui était probablement plus proche du stéréotype télévisé des femmes à l'époque que l'audacieuse fonceuse Lois.

L'association d'Hitchcock avec la télévision et l'émission portant son nom s'est poursuivie après sa mort en 1980. Pendant quatre saisons et 76 épisodes à partir de 1985, NBC et USA ont diffusé une version refaite de "Alfred Hitchcock Presents" qui comprenait certaines des introductions du réalisateur de l'original séries. Cela faisait partie d'une tendance télévisée des années 1980 et au-delà des séries d'anthologies et des reprises de séries comme "The Twilight Zone".

Mais le redémarrage d'Hitchcock n'est plus qu'une réflexion après coup, tandis que la série originale - ou deux séries - continue d'être diffusée sur des chaînes de télévision par câble comme MeTV, qui "dépouille" l'émission dans une fente de fin de soirée la plupart des soirs de la semaine.

Le maître du macabre se sentirait comme chez lui aux alentours de minuit.


Maître du Suspense

Hitchcock a fréquenté l'école jésuite St. Ignatius College avant de suivre des cours d'art à l'Université de Londres. Il a finalement obtenu un emploi en tant que dessinateur et concepteur publicitaire pour la société de câblodistribution Henley&aposs. C'est en travaillant chez Henley&aposs qu'il a commencé à écrire, soumettant de courts articles pour la publication interne. Dès sa première pièce, il a utilisé des thèmes de fausses accusations, d'émotions conflictuelles et de dénouements avec une habileté impressionnante. En 1920, Hitchcock est entré dans l'industrie cinématographique avec un poste à temps plein à la Famous Players-Lasky Company, concevant des cartes de titre pour des films muets. Quelques années plus tard, il travaille comme assistant réalisateur.

En 1925, Hitchcock réalise son premier film et commence à réaliser les "thrillers" pour lesquels il est devenu connu dans le monde entier. Son film de 1929 Chantage est dit être le premier "talkie britannique." Dans les années 1930, il a réalisé des films à suspense classiques tels que L'homme qui en savait trop (1934) et Les 39 étapes (1935).


Contenu

Jeunesse : 1899–1919 Modifier

Petite enfance et éducation Modifier

Hitchcock est né le 13 août 1899 dans l'appartement au-dessus de l'épicerie louée de ses parents au 517 High Road, Leytonstone, à la périphérie de l'est de Londres (alors partie de l'Essex), le plus jeune de trois enfants : William Daniel (1890-1943) , Ellen Kathleen ("Nellie") (1892-1979) et Alfred Joseph (1899-1980). Ses parents, Emma Jane Hitchcock ( née Whelan 1863-1942, et William Edgar Hitchcock (1862-1914), étaient tous deux catholiques romains, avec des racines partielles en Irlande [12] [13] William était un marchand de légumes comme son père l'avait été. [14]

Il y avait une grande famille élargie, dont l'oncle John Hitchcock avec sa maison victorienne de cinq chambres sur Campion Road, Putney, avec femme de chambre, cuisinière, chauffeur et jardinier. Chaque été, John louait une maison au bord de la mer pour la famille à Cliftonville, Kent. Hitchcock a déclaré qu'il était d'abord devenu conscient de sa classe, remarquant les différences entre les touristes et les habitants. [15]

Se décrivant comme un garçon bien élevé – son père l'appelait son « petit agneau sans tache » – Hitchcock a déclaré qu'il ne se souvenait pas d'avoir jamais eu un camarade de jeu.[16] L'une de ses histoires préférées pour les enquêteurs concernait son père l'envoyant au poste de police local avec une note quand il avait cinq ans. Le policier a regardé la note et l'a enfermé dans une cellule pendant quelques minutes, en disant : ce que nous faisons aux vilains garçons." L'expérience l'a laissé, a-t-il dit, avec une peur permanente des policiers en 1973, il a dit à Tom Snyder qu'il avait "très peur de quoi que ce soit à voir avec la loi" et qu'il ne conduirait même pas de voiture au cas où il aurait une contravention de stationnement. . [17]

Quand il avait six ans, la famille a déménagé à Limehouse et a loué deux magasins au 130 et au 175 Salmon Lane, qu'ils exploitaient respectivement comme magasin de poisson-frites et poissonniers. Ils vivaient au-dessus du premier. [18] Hitchcock a fréquenté sa première école, le couvent de Howrah House à Poplar, où il est entré en 1907, à l'âge de 7 ans. [19] Selon le biographe Patrick McGilligan, il est resté à Howrah House pendant au plus deux ans. Il fréquenta également une école de couvent, la Wode Street School « pour les filles de messieurs et de petits garçons », dirigée par les Fidèles Compagnons de Jésus. Il a ensuite fréquenté une école primaire près de chez lui et a été pendant une courte période pensionnaire au Collège salésien de Battersea. [20]

La famille déménagea à nouveau quand il avait 11 ans, cette fois à Stepney, et le 5 octobre 1910, Hitchcock fut envoyé au St Ignatius College de Stamford Hill, Tottenham (maintenant dans le quartier londonien de Haringey), un lycée jésuite réputé pour sa discipline. . [22] Les prêtres utilisaient une canne en caoutchouc dur sur les garçons, toujours à la fin de la journée, de sorte que les garçons devaient s'asseoir pendant les cours en anticipant la punition s'ils avaient été écrits pour cela. Il a dit plus tard que c'est là qu'il a développé son sentiment de peur. [23] Le registre de l'école indique que son année de naissance est 1900 plutôt que 1899, le biographe Donald Spoto dit qu'il a été délibérément inscrit à l'âge de 10 ans parce qu'il avait un an de retard dans sa scolarité. [24]

Alors que le biographe Gene Adair rapporte qu'Hitchcock était « un élève moyen, ou légèrement supérieur à la moyenne », [25] Hitchcock a déclaré qu'il était « généralement parmi les quatre ou cinq premiers de la classe » [26] à la fin de sa première année, son travail en latin, anglais, français et éducation religieuse a été noté. [27] Son sujet préféré était la géographie et il s'est intéressé aux cartes et aux horaires de chemin de fer et de bus selon John Russell Taylor, il pouvait réciter tous les arrêts sur l'Orient Express. [28] Il a dit à Peter Bogdanovich : « Les jésuites m'ont appris l'organisation, le contrôle et, dans une certaine mesure, l'analyse. [25]

Henley's Modifier

Hitchcock a dit à ses parents qu'il voulait être ingénieur [26] et le 25 juillet 1913 [29], il a quitté St Ignatius et s'est inscrit à des cours du soir à la London County Council School of Engineering and Navigation à Poplar. Dans un livre-entretien en 1962, il raconta à François Truffaut qu'il avait étudié « la mécanique, l'électricité, l'acoustique et la navigation ». [26] Puis, le 12 décembre 1914, son père, qui souffrait d'emphysème et d'une maladie rénale, décède à l'âge de 52 ans. travail, pour 15 shillings par semaine (73 £ en 2017), [31] en tant que commis technique à la Henley Telegraph and Cable Company à Blomfield Street près de London Wall. [32] Il a continué des cours du soir, cette fois dans l'histoire de l'art, la peinture, l'économie et la science politique. [33] Son frère aîné dirigeait les magasins familiaux, tandis que lui et sa mère continuaient à vivre à Salmon Lane. [34]

Hitchcock était trop jeune pour s'enrôler lorsque la Première Guerre mondiale éclata en juillet 1914, et lorsqu'il atteignit l'âge requis de 18 ans en 1917, il reçut une classification C3 (« indemne de maladie organique grave, capable de supporter les conditions de service dans les garnisons à domicile . convient uniquement au travail sédentaire"). [35] Il a rejoint un régiment de cadets des Royal Engineers et a participé à des séances d'information théoriques, à des exercices de fin de semaine et à des exercices. John Russell Taylor a écrit que, lors d'une séance d'exercices pratiques à Hyde Park, Hitchcock devait porter des molletons. Il n'a jamais réussi à les enrouler autour de ses jambes, et elles sont tombées à plusieurs reprises autour de ses chevilles. [36]

Après la guerre, Hitchcock s'intéresse à l'écriture créative. En juin 1919, il devint rédacteur en chef fondateur et directeur commercial de la publication interne de Henley, Le télégraphe Henley (six pence la copie), auquel il a soumis plusieurs nouvelles. [37] [d] Henley l'a promu au département de publicité, où il a écrit la copie et a dessiné des graphiques pour des publicités pour le câble électrique. Il aimait le travail et resterait tard au bureau pour examiner les preuves qu'il disait à Truffaut que c'était son "premier pas vers le cinéma". [26] [45] Il aimait regarder des films, en particulier le cinéma américain, et dès l'âge de 16 ans, il lisait les journaux commerciaux, il regardait Charlie Chaplin, D. W. Griffith et Buster Keaton, et aimait particulièrement Fritz Lang Der müde Tod (1921). [26]

Carrière de l'entre-deux-guerres : 1919-1939 Modifier

Joueurs célèbres-Lasky Modifier

Alors qu'il était encore chez Henley, il a lu dans un journal commercial que Famous Players-Lasky, la branche de production de Paramount Pictures, ouvrait un studio à Londres. [46] Ils prévoyaient de filmer Les Douleurs de Satan par Marie Corelli, il a donc réalisé quelques dessins pour les cartons de titre et a envoyé son travail à l'atelier. [47] Ils l'ont embauché et en 1919, il a commencé à travailler pour Islington Studios à Poole Street, Hoxton, en tant que concepteur de cartes de titre. [46]

Donald Spoto a écrit que la plupart des employés étaient des Américains avec des spécifications de travail strictes, mais les travailleurs anglais ont été encouragés à s'essayer à n'importe quoi, ce qui signifie que Hitchcock a acquis de l'expérience en tant que co-scénariste, directeur artistique et directeur de production sur au moins 18 cinéma. [48] Les temps écrit en février 1922 à propos du "département des titres d'art spéciaux du studio sous la supervision de M. A. J. Hitchcock". [49] Son travail comprenait Numéro 13 (1922), également connu sous le nom Mme Peabody il a été annulé à cause de problèmes financiers — les quelques scènes terminées sont perdues [50] — et Dites toujours à votre femme (1923), que lui et Seymour Hicks ont terminé ensemble alors que Hicks était sur le point d'abandonner. [46] Hicks a écrit plus tard qu'il avait été aidé par "un gros jeune qui était en charge de la salle des biens. [n]un autre qu'Alfred Hitchcock". [51]

Gainsborough Photos et travail en Allemagne Modifier

Lorsque Paramount s'est retiré de Londres en 1922, Hitchcock a été embauché comme assistant réalisateur par une nouvelle entreprise dirigée au même endroit par Michael Balcon, plus tard connu sous le nom de Gainsborough Pictures. [46] [53] Hitchcock a travaillé sur Femme à Femme (1923) avec le réalisateur Graham Cutts, conception du décor, écriture du scénario et production. Il a déclaré: "C'était le premier film sur lequel j'avais vraiment mis la main." [53] L'éditeur et "script girl" sur Femme à Femme était Alma Reville, sa future épouse. Il a également travaillé comme assistant de Cutts sur L'ombre blanche (1924), L'aventure passionnée (1924), Le Blackguard (1925), et La chute de Prude (1925). [54] Le Blackguard a été produit aux Babelsberg Studios à Potsdam, où Hitchcock a regardé une partie du tournage du film de F. W. Murnau Le dernier rire (1924). [55] Il a été impressionné par le travail de Murnau et a utilisé plus tard plusieurs de ses techniques pour la scénographie dans ses propres productions. [56]

À l'été 1925, Balcon demande à Hitchcock de réaliser Le jardin d'agrément (1925), avec Virginia Valli, une coproduction de Gainsborough et de la firme allemande Emelka au studio Geiselgasteig près de Munich. Reville, alors la fiancée d'Hitchcock, était assistant réalisateur-monteur. [57] [50] Bien que le film ait été un flop commercial, [58] Balcon a aimé le travail d'Hitchcock un Express quotidien titre l'appelait le "Jeune homme avec un esprit de maître". [59] Fabrication de Le jardin d'agrément rencontré des obstacles dont Hitchcock apprendrait plus tard : à son arrivée au col du Brenner, il a omis de déclarer son film à la douane et il a été confisqué une actrice n'a pas pu entrer dans l'eau pour une scène parce qu'elle était en période de dépassement de budget signifiait qu'il avait emprunter de l'argent aux acteurs. [60] Hitchcock avait aussi besoin d'un traducteur pour donner des instructions aux acteurs et à l'équipe. [60]

En Allemagne, Hitchcock a observé les nuances du cinéma et du cinéma allemands qui l'ont beaucoup influencé. [61] Quand il ne travaillait pas, il visitait les galeries d'art, les concerts et les musées de Berlin. Il rencontrerait également des acteurs, des scénaristes et des producteurs pour établir des liens. [62] Balcon lui a demandé de réaliser un deuxième film à Munich, L'aigle des montagnes (1926), basé sur une histoire originale intitulée Craignez Dieu. [63] Le film est perdu et Hitchcock l'a appelé "un très mauvais film". [59] [64] Un an plus tard, Hitchcock écrit et réalise L'anneau bien que le scénario ait été crédité uniquement à son nom, Elliot Stannard l'a aidé à l'écriture. [65] L'anneau a recueilli des critiques positives le Bioscope le critique de magazine l'a qualifié de "le plus magnifique film britannique jamais réalisé". [66]

À son retour en Angleterre, Hitchcock est l'un des premiers membres de la London Film Society, nouvellement formée en 1925. et Vsevolod Poudovkine. Il socialiserait également avec d'autres cinéastes anglais Ivor Montagu et Adrian Brunel, et Walter C. Mycroft. [68]

La chance d'Hitchcock est venue avec son premier thriller, The Lodger : une histoire du brouillard londonien (1927), à propos de la traque d'un tueur en série, vêtu d'une cape noire et portant un sac noir, assassine de jeunes femmes blondes à Londres, et uniquement le mardi. [69] Une logeuse soupçonne que son locataire est le tueur, mais il s'avère être innocent. Pour donner l'impression que des pas étaient entendus depuis un étage supérieur, Hitchcock a fait fabriquer un sol en verre afin que le spectateur puisse voir le locataire faire les cent pas dans sa chambre au-dessus de la propriétaire. [70] Hitchcock avait voulu que l'homme principal soit coupable, ou que le film se termine au moins de manière ambiguë, mais la star était Ivor Novello, une idole naissante, et le « star system » signifiait que Novello ne pouvait pas être le méchant. Hitchcock a dit à Truffaut : « Vous devez l'épeler clairement en grosses lettres : 'Il est innocent.' » (Il a eu le même problème des années plus tard avec Cary Grant dans Soupçon (1941).) [71] Sorti en janvier 1927, Le locataire a été un succès commercial et critique au Royaume-Uni. [72] [73] Hitchcock a dit à Truffaut que le film était le premier à être influencé par l'expressionnisme allemand : « En vérité, on pourrait presque dire que Le locataire était ma première photo." [74] Il a fait ses premières apparitions dans le film, il a été représenté assis dans une salle de rédaction, et dans la seconde, debout dans une foule alors que l'homme principal est arrêté. [75] [76]

Mariage Modifier

Le 2 décembre 1926, Hitchcock épouse la scénariste anglo-américaine Alma Reville (1899-1982) à l'Oratoire Brompton de South Kensington. [77] Le couple a passé sa lune de miel à Paris, au lac de Côme et à Saint-Moritz, avant de retourner à Londres pour vivre dans un appartement loué aux deux derniers étages du 153 Cromwell Road, Kensington. [78] Reville, qui est née quelques heures seulement après Hitchcock, [79] s'est convertie du protestantisme au catholicisme, apparemment sur l'insistance de la mère d'Hitchcock, elle a été baptisée le 31 mai 1927 et confirmée à la cathédrale de Westminster par le cardinal Francis Bourne le 5 juin. [80]

En 1928, lorsqu'ils ont appris que Reville était enceinte, les Hitchcock ont ​​acheté "Winter's Grace", une ferme Tudor située sur 11 acres sur Stroud Lane, Shamley Green, Surrey, pour 2 500 £. [81] Leur fille et enfant unique, Patricia Alma Hitchcock, est née le 7 juillet de la même année. [82]

Reville est devenue le plus proche collaborateur de son mari, Charles Champlin a écrit en 1982 : « La touche Hitchcock avait quatre mains, et deux étaient celles d'Alma. [83] Lorsque Hitchcock a accepté le AFI Life Achievement Award en 1979, il a dit qu'il voulait mentionner "quatre personnes qui m'ont donné le plus d'affection, d'appréciation et d'encouragement, et une collaboration constante. Le premier des quatre est un monteur de films, la seconde est scénariste, la troisième est la mère de ma fille Pat, et la quatrième est une cuisinière aussi fine qu'elle n'a jamais fait de miracles dans une cuisine domestique. Et ils s'appellent Alma Reville. [84] Reville a écrit ou co-écrit sur de nombreux films d'Hitchcock, y compris Ombre d'un doute, Soupçon et Les 39 étapes.

Premiers films sonores Modifier

Hitchcock a commencé à travailler sur son dixième film, Chantage (1929), lorsque sa société de production, British International Pictures (BIP), a converti ses studios d'Elstree au son. Le film a été le premier "talkie" britannique, ce qui a suivi le développement rapide des films sonores aux États-Unis, de l'utilisation de brefs segments sonores dans Le chanteur de jazz (1927) à la première fonctionnalité sonore complète Les lumières de New York (1928). [4] Chantage a commencé la tradition Hitchcock d'utiliser des monuments célèbres comme toile de fond pour des séquences de suspense, le point culminant ayant lieu sur le dôme du British Museum. [85] Il présente également l'une de ses plus longues apparitions en camée, qui montre qu'il est dérangé par un petit garçon alors qu'il lit un livre sur le métro de Londres. [86] Dans la série PBS Les hommes qui ont fait les films, Hitchcock a expliqué comment il a utilisé les premiers enregistrements sonores comme élément spécial du film, en insistant sur le mot "couteau" dans une conversation avec la femme soupçonnée de meurtre. [87] [ éclaircissements nécessaires ] Pendant cette période, Hitchcock réalise des segments pour une revue BIP, Appel d'Elstree (1930), et a réalisé un court métrage, Une affaire élastique (1930), mettant en scène deux Film hebdomadaire lauréats des bourses. [88] Une affaire élastique est l'un des films perdus. [89]

En 1933, Hitchcock signe un contrat multi-films avec Gaumont-British, travaillant à nouveau pour Michael Balcon. [90] [91] Son premier film pour l'entreprise, L'homme qui en savait trop (1934), fut un succès son deuxième, Les 39 étapes (1935), a été acclamé au Royaume-Uni et lui a valu une reconnaissance aux États-Unis. Il a également établi la « blonde Hitchcock » anglaise par excellence (Madeleine Carroll) comme modèle pour sa succession de grandes dames glaciales et élégantes. Le scénariste Robert Towne a déclaré : « Il n'est pas vraiment exagéré de dire que tout divertissement d'évasion contemporain commence par Les 39 étapes". [92] Ce film a été l'un des premiers à introduire le dispositif d'intrigue "MacGuffin", un terme inventé par le scénariste anglais Angus MacPhail. [93] Le MacGuffin est un objet ou un objectif que le protagoniste poursuit, un qui a autrement aucune valeur narrative dans Les 39 étapes, le MacGuffin est un ensemble volé de plans de conception. [94]

Hitchcock a sorti deux thrillers d'espionnage en 1936. Sabotage était vaguement basé sur le roman de Joseph Conrad, L'agent secret (1907), à propos d'une femme qui découvre que son mari est un terroriste, et Agent secret, basé sur deux histoires dans Ashenden : Ou l'agent britannique (1928) par W. Somerset Maugham. [e]

À cette époque, Hitchcock est également devenu célèbre pour ses farces contre les acteurs et l'équipe. Ces blagues allaient de simples et innocentes à folles et maniaques. Par exemple, il a organisé un dîner où il a teint toute la nourriture en bleu parce qu'il a affirmé qu'il n'y avait pas assez d'aliments bleus. Il a également fait livrer un cheval dans la loge de son ami, l'acteur Gérald du Maurier. [95] Hitchcock a poursuivi avec Jeune et innocent en 1937, un thriller policier basé sur le roman de 1936 Un shilling pour les bougies par Joséphine Tey. [96] Mettant en vedette Nova Pilbeam et Derrick De Marney, le film était relativement agréable à faire pour les acteurs et l'équipe. [96] Pour répondre aux besoins de distribution en Amérique, la durée d'exécution du film a été coupée et cela a inclus le retrait d'une des scènes préférées d'Hitchcock : un goûter pour les enfants qui devient menaçant pour les protagonistes. [97]

Le prochain grand succès d'Hitchcock fut La dame disparaît (1938), "l'un des plus grands films de train de l'âge d'or du genre", selon Philip French, dans lequel Miss Froy (May Whitty), une espionne britannique se faisant passer pour une gouvernante, disparaît lors d'un voyage en train à travers le pays européen fictif de Bandrika. [98] Le film a vu Hitchcock recevoir le New York Film Critics Circle Award en 1938 pour le meilleur réalisateur. [99] Benjamin Crisler du New York Times écrivait en juin 1938 : « Trois institutions uniques et précieuses que les Britanniques possèdent que nous n'avons pas en Amérique : la Magna Carta, le Tower Bridge et Alfred Hitchcock, le plus grand réalisateur de mélodrames à l'écran au monde. [100]

En 1938, Hitchcock savait qu'il avait atteint son apogée en Grande-Bretagne. [101] Il avait reçu de nombreuses offres de producteurs aux États-Unis, mais il les a toutes refusées parce qu'il n'aimait pas les obligations contractuelles ou pensait que les projets étaient répulsifs. [102] Cependant, le producteur David O. Selznick lui a proposé une proposition concrète de réaliser un film basé sur le naufrage du RMS Titanesque, qui a finalement été abandonné, mais Selznick a persuadé Hitchcock de venir à Hollywood. En juillet 1938, Hitchcock s'envola pour New York et découvrit qu'il était déjà une célébrité, qu'il figurait dans des magazines et donnait des interviews à des stations de radio. [103] À Hollywood, Hitchcock a rencontré Selznick pour la première fois. Selznick lui a offert un contrat de quatre films, environ 40 000 $ pour chaque image (équivalent à 735 414 $ en 2020). [103]

Les premières années d'Hollywood : 1939-1945 Modifier

Contrat Selznick Modifier

Selznick a signé Hitchcock pour un contrat de sept ans commençant en avril 1939, [104] et les Hitchcocks ont déménagé à Hollywood. [105] Les Hitchcock vivaient dans un appartement spacieux sur Wilshire Boulevard et se sont lentement acclimatés à la région de Los Angeles. Lui et sa femme Alma ont gardé un profil bas et n'étaient pas intéressés à assister à des fêtes ou à être des célébrités. [106] Hitchcock a découvert son goût pour la cuisine raffinée à West Hollywood, mais a toujours continué son mode de vie depuis l'Angleterre. [107] Il a été impressionné par la culture cinématographique d'Hollywood, les budgets expansifs et l'efficacité, [107] par rapport aux limites qu'il avait souvent rencontrées en Grande-Bretagne. [108] En juin de la même année, La vie le magazine l'a qualifié de « plus grand maître du mélodrame de l'histoire du cinéma ». [109]

Même si Hitchcock et Selznick se respectaient, leurs modalités de travail étaient parfois difficiles. Selznick souffrait de problèmes financiers constants et Hitchcock était souvent mécontent du contrôle créatif et de l'interférence de Selznick sur ses films. Selznick était également mécontent de la méthode d'Hitchcock consistant à filmer exactement ce qui était dans le script, et rien de plus, ce qui signifiait que le film ne pouvait pas être coupé et refait différemment par la suite.[110] En plus de se plaindre de la "putain de coupe de puzzle" d'Hitchcock, [111] leurs personnalités étaient incompatibles : Hitchcock était réservé alors que Selznick était flamboyant. [112] Finalement, Selznick a généreusement prêté Hitchcock aux plus grands studios de cinéma. [113] Selznick n'a fait que quelques films chaque année, comme l'a fait son collègue producteur indépendant Samuel Goldwyn, donc il n'a pas toujours eu de projets pour Hitchcock à diriger. Goldwyn avait également négocié avec Hitchcock sur un éventuel contrat, pour être surenchéri par Selznick. Dans une interview ultérieure, Hitchcock a déclaré: "[Selznick] était le grand producteur. Le producteur était roi. La chose la plus flatteuse que M. Selznick ait jamais dite à mon sujet - et cela vous montre le degré de contrôle - il a dit que j'étais le" réalisateur », il « ferait confiance à un film ». [114]

Hitchcock s'est approché du cinéma américain avec prudence, son premier film américain se déroule en Angleterre, dans lequel « l'américanité » des personnages est fortuite : [115] Rébecca (1940) se déroule dans une version hollywoodienne de Cornwall en Angleterre et est basé sur un roman de la romancière anglaise Daphne du Maurier. Selznick a insisté sur une adaptation fidèle du livre et était en désaccord avec Hitchcock avec l'utilisation de l'humour. [116] [117] Le film, mettant en vedette Laurence Olivier et Joan Fontaine, concerne une jeune femme naïve sans nom qui épouse un aristocrate veuf. Elle vit dans sa grande maison de campagne anglaise et lutte contre la réputation persistante de sa première épouse élégante et mondaine, Rebecca, décédée dans des circonstances mystérieuses. Le film a remporté le prix du meilleur film à la 13e cérémonie des Oscars, la statuette a été remise au producteur Selznick. Hitchcock a reçu sa première nomination pour le meilleur réalisateur, sa première de cinq nominations. [5] [118]

Le deuxième film américain d'Hitchcock était le thriller Correspondant à l'étranger (1940), se déroulant en Europe, d'après le livre de Vincent Sheean Histoire personnelle (1935) et produit par Walter Wanger. Il a été nominé pour le meilleur film cette année-là. Hitchcock se sentait mal à l'aise de vivre et de travailler à Hollywood alors que la Grande-Bretagne était en guerre. Son inquiétude a abouti à un film qui soutenait ouvertement l'effort de guerre britannique. [119] Tourné en 1939, il a été inspiré par les événements en évolution rapide en Europe, tels que couverts par un journaliste américain joué par Joel McCrea. En mélangeant des images de scènes européennes avec des scènes filmées sur un backlot d'Hollywood, le film a évité les références directes au nazisme, à l'Allemagne nazie et aux Allemands, pour se conformer au Code de production cinématographique de l'époque. [120] [ échec de la vérification ]

Les premières années de guerre Modifier

En septembre 1940, les Hitchcock achetèrent le Cornwall Ranch de 200 acres (0,81 km 2 ) près de Scotts Valley, en Californie, dans les montagnes de Santa Cruz. [121] Leur résidence principale était une maison de style anglais à Bel Air, achetée en 1942. [122] Les films d'Hitchcock étaient divers au cours de cette période, allant de la comédie romantique M. & Mme Smith (1941) au sombre film noir Ombre d'un doute (1943).

Soupçon (1941) a marqué le premier film d'Hitchcock en tant que producteur et réalisateur. Il se déroule en Angleterre. Hitchcock a utilisé la côte nord de Santa Cruz pour la séquence du littoral anglais. Le film est le premier des quatre dans lesquels Cary Grant a été choisi par Hitchcock, et c'est l'une des rares occasions où Grant joue un personnage sinistre. Grant incarne Johnnie Aysgarth, un escroc anglais dont les actions suscitent des soupçons et de l'anxiété chez sa jeune épouse anglaise timide, Lina McLaidlaw (Joan Fontaine). [123] Dans une scène, Hitchcock a placé une lumière à l'intérieur d'un verre de lait, peut-être empoisonné, que Grant apporte à sa femme la lumière assure que l'attention du public est sur le verre. Le personnage de Grant est en fait un tueur, comme écrit dans le livre, Avant le fait par Francis Iles, mais le studio a estimé que l'image de Grant en serait ternie. Hitchcock s'est donc contenté d'un final ambigu, même s'il aurait préféré en finir avec le meurtre de la femme. [124] [f] Fontaine a remporté la meilleure actrice pour sa performance. [126]

Saboteur (1942) est le premier des deux films réalisés par Hitchcock pour Universal Studios au cours de la décennie. Hitchcock a été contraint par Universal d'utiliser le joueur sous contrat Universal Robert Cummings et Priscilla Lane, une pigiste qui a signé un contrat avec le studio, tous deux connus pour leur travail dans les comédies et les drames légers. [127] L'histoire dépeint une confrontation entre un saboteur présumé (Cummings) et un véritable saboteur (Norman Lloyd) au sommet de la Statue de la Liberté. Hitchcock a effectué une tournée de trois jours à New York pour rechercher Saboteur lieux de tournage. [128] Il a également dirigé As-tu entendu? (1942), une dramatisation photographique pour La vie magazine des dangers des rumeurs en temps de guerre. [129] En 1943, il écrit une histoire mystérieuse pour Voir magazine, "The Murder of Monty Woolley", [130] une séquence de photographies sous-titrées invitant le lecteur à trouver des indices sur l'identité du meurtrier Hitchcock a présenté les interprètes comme eux-mêmes, tels que Woolley, Doris Merrick et le maquilleur Guy Pearce. [ citation requise ]

De retour en Angleterre, la mère d'Hitchcock, Emma, ​​était gravement malade. Elle est décédée le 26 septembre 1942 à l'âge de 79 ans. Hitchcock n'a jamais parlé publiquement de sa mère, mais son assistant a dit qu'il l'admirait. [131] Quatre mois plus tard, le 4 janvier 1943, son frère William est décédé d'une overdose à l'âge de 52 ans. [132] Hitchcock n'était pas très proche de William, [133] mais sa mort a rendu Hitchcock conscient de ses propres habitudes alimentaires et de consommation d'alcool. . Il était en surpoids et souffrait de maux de dos. Sa résolution du Nouvel An en 1943 était de prendre son régime au sérieux avec l'aide d'un médecin. [134] En janvier de la même année, Ombre d'un doute a été publié, dont Hitchcock avait de bons souvenirs. [135] Dans le film, Charlotte "Charlie" Newton (Teresa Wright) soupçonne son oncle bien-aimé Charlie Oakley (Joseph Cotten) d'être un tueur en série. Hitchcock a beaucoup tourné sur place, cette fois dans la ville de Santa Rosa en Californie du Nord. [136]

Chez 20th Century Fox, Hitchcock a approché John Steinbeck avec une idée de film, qui a enregistré les expériences des survivants d'une attaque de sous-marin allemand. Steinbeck a commencé à travailler sur le script qui allait devenir le Canot de sauvetage (1944). Cependant, Steinbeck n'était pas satisfait du film et a demandé que son nom soit retiré du générique, en vain. L'idée a été réécrite comme une nouvelle par Harry Sylvester et publiée dans Collier's en 1943. Les séquences d'action ont été tournées dans un petit bateau dans le réservoir d'eau du studio. Le lieu a posé des problèmes pour l'apparition traditionnelle de camée d'Hitchcock, il a été résolu en faisant apparaître l'image d'Hitchcock dans un journal que William Bendix lit dans le bateau, montrant le réalisateur dans une publicité avant et après pour "Reduco-Obesity Slayer". [137] Il dit à Truffaut en 1962 :

À l'époque, je suivais un régime intense, passant péniblement de trois cents à deux cents livres. J'ai donc décidé d'immortaliser ma perte et de prendre ma part en posant pour des photos "avant" et "après". . J'ai été littéralement submergé par des lettres de grosses personnes qui voulaient savoir où et comment ils pouvaient obtenir Reduco. [138]

Le dîner typique d'Hitchcock avant sa perte de poids était un poulet rôti, du jambon bouilli, des pommes de terre, du pain, des légumes, des condiments, une salade, un dessert, une bouteille de vin et du cognac. Pour perdre du poids, son régime alimentaire se composait de café noir pour le petit-déjeuner et le déjeuner, et de steak et de salade pour le dîner [134], mais il était difficile de le maintenir. Donald Spoto a écrit que son poids avait considérablement fluctué au cours des 40 années suivantes. Fin 1943, malgré la perte de poids, l'Occidental Insurance Company de Los Angeles refuse sa demande d'assurance-vie. [139]

Films de non-fiction de guerre Modifier

Hitchcock est retourné au Royaume-Uni pour une visite prolongée à la fin de 1943 et au début de 1944. Pendant qu'il y a réalisé deux courts métrages de propagande, bon voyage (1944) et Aventure Malgache (1944), pour le ministère de l'Information. En juin et juillet 1945, Hitchcock a servi de « conseiller en traitement » sur un documentaire sur l'Holocauste qui utilisait des images des forces alliées de la libération des camps de concentration nazis. Le film a été monté à Londres et produit par Sidney Bernstein du ministère de l'Information, qui a fait appel à Hitchcock (un de ses amis). Il était à l'origine destiné à être diffusé aux Allemands, mais le gouvernement britannique l'a jugé trop traumatisant pour être montré à une population d'après-guerre choquée. Au lieu de cela, il a été transféré en 1952 des coffres-forts du British War Office à l'Imperial War Museum de Londres et est resté inédit jusqu'en 1985, date à laquelle une version modifiée a été diffusée en tant qu'épisode de PBS. Première ligne, sous le titre que l'Imperial War Museum lui avait donné : Mémoire des camps. La version intégrale du film, Enquête factuelle sur les camps de concentration allemands, a été restauré en 2014 par des chercheurs de l'Imperial War Museum. [141] [142] [143]

Années hollywoodiennes d'après-guerre : 1945-1953 Modifier

Films ultérieurs de Selznick Modifier

Hitchcock a de nouveau travaillé pour David Selznick lorsqu'il a réalisé Envoûté (1945), qui explore la psychanalyse et présente une séquence de rêve conçue par Salvador Dalí. [144] La séquence de rêve telle qu'elle apparaît dans le film est de dix minutes plus courte que ce qui avait été imaginé à l'origine. Selznick l'a éditée pour la faire "jouer" plus efficacement. [145] Gregory Peck incarne le Dr Anthony Edwardes, amnésique, sous le traitement de l'analyste Dr Peterson (Ingrid Bergman), qui tombe amoureuse de lui en essayant de débloquer son passé refoulé. [146] Deux prises de vue en point de vue ont été réalisées en construisant une grande main en bois (qui semblerait appartenir au personnage dont la caméra a pris le point de vue) et des accessoires surdimensionnés pour qu'elle puisse tenir : un verre de la taille d'un seau de lait et un gros pistolet en bois. Pour plus de nouveauté et d'impact, le coup de feu culminant était coloré à la main en rouge sur certaines copies du film en noir et blanc. La partition musicale originale de Miklós Rózsa utilise le thérémine, et une partie a ensuite été adaptée par le compositeur dans le Concerto pour piano op. 31 (1967) pour piano et orchestre. [147] [ échec de la vérification ]

Le film d'espionnage Célèbre a été suivi en 1946. Hitchcock a déclaré à François Truffaut que Selznick l'avait vendu, lui, Ingrid Bergman, Cary Grant et le scénario de Ben Hecht, à RKO Radio Pictures en tant que "package" pour 500 000 $ (équivalent à 6 635 666 $ en 2020) en raison de dépassements de coûts sur Selznick's Duel au soleil (1946). [ citation requise ] Célèbre met en vedette Bergman et Grant, tous deux collaborateurs d'Hitchcock, et présente une intrigue sur les nazis, l'uranium et l'Amérique du Sud. Son utilisation prémonitoire de l'uranium comme complot l'a conduit à être brièvement placé sous surveillance du Federal Bureau of Investigation. [148] Selon Patrick McGilligan, en mars 1945 ou vers cette date, Hitchcock et Hecht ont consulté Robert Millikan du California Institute of Technology au sujet du développement d'une bombe à l'uranium. Selznick s'est plaint que la notion était « de la science-fiction », seulement pour être confronté à la nouvelle de la détonation de deux bombes atomiques sur Hiroshima et Nagasaki au Japon en août 1945. [149]

Photos transatlantiques Modifier

Hitchcock a formé une société de production indépendante, Transatlantic Pictures, avec son ami Sidney Bernstein. Il réalise deux films avec Transatlantic, dont l'un est son premier film en couleur. Avec Corde (1948), Hitchcock expérimente la mobilisation du suspense dans un environnement confiné, comme il l'avait fait plus tôt avec Canot de sauvetage. Le film apparaît comme un nombre très limité de prises de vue en continu, mais il a en fait été tourné en 10 allant de 4 à 1 × 2 à 10 minutes chacune. . Certaines transitions entre les bobines ont été masquées en ayant un objet sombre remplissant tout l'écran pendant un moment. Hitchcock a utilisé ces points pour masquer la coupe et a commencé la prise suivante avec la caméra au même endroit. Le film met en vedette James Stewart dans le rôle principal et a été le premier des quatre films que Stewart a réalisés avec Hitchcock. Il s'inspire de l'affaire Léopold et Loeb des années 1920. [150] La réponse critique à l'époque était mitigée. [151]

Sous le Capricorne (1949), qui se déroule dans l'Australie du XIXe siècle, utilise également la technique éphémère des prises de vue longues, mais dans une mesure plus limitée. Il utilise à nouveau le Technicolor dans cette production, puis revient au noir et blanc pendant plusieurs années. Transatlantic Pictures est devenu inactif après les deux derniers films. [152] [153] Hitchcock filmé Trac (1950) aux studios d'Elstree en Angleterre, où il avait travaillé pendant son contrat avec British International Pictures de nombreuses années auparavant. [154] Il a jumelé l'un des Warner Bros.' stars les plus populaires, Jane Wyman, avec l'actrice allemande expatriée Marlene Dietrich et a utilisé plusieurs acteurs britanniques de premier plan, dont Michael Wilding, Richard Todd et Alastair Sim. [155] C'était la première vraie production d'Hitchcock pour Warner Bros., qui avait distribué Corde et Sous le Capricorne, car Transatlantic Pictures connaissait des difficultés financières. [156]

Son thriller Des étrangers dans un train (1951) était basé sur le roman du même nom de Patricia Highsmith. Hitchcock a combiné de nombreux éléments de ses films précédents. Il a approché Dashiell Hammett pour écrire le dialogue, mais Raymond Chandler a pris le relais, puis a laissé des désaccords avec le réalisateur. Dans le film, deux hommes se rencontrent avec désinvolture, dont l'un spécule sur une méthode infaillible pour assassiner, il suggère que deux personnes, chacune souhaitant se débarrasser de quelqu'un, devraient chacune commettre le meurtre de l'autre. Le rôle de Farley Granger était celui de la victime innocente du stratagème, tandis que Robert Walker, auparavant connu pour ses rôles de "garçon d'à côté", jouait le méchant. [157] J'avoue (1953) se déroule au Québec avec Montgomery Clift comme prêtre catholique. [158]

Années de pointe : 1954-1964 Modifier

Composez M pour meurtre et Fenêtre arrière Éditer

J'avoue a été suivi de trois films en couleurs avec Grace Kelly : Composez M pour meurtre (1954), Fenêtre arrière (1954), et Attraper un voleur (1955). Dans Composez M pour meurtre, Ray Milland incarne le méchant qui tente d'assassiner sa femme infidèle (Kelly) pour son argent. Elle tue le tueur à gages en légitime défense, alors Milland manipule les preuves pour les faire passer pour un meurtre. Son amant, Mark Halliday (Robert Cummings) et l'inspecteur de police Hubbard (John Williams) la sauvent de l'exécution. [159] Hitchcock a expérimenté la cinématographie 3D pour Composez M pour meurtre. [160]

Hitchcock a déménagé à Paramount Pictures et a filmé Fenêtre arrière (1954), avec à nouveau James Stewart et Grace Kelly, ainsi que Thelma Ritter et Raymond Burr. Le personnage de Stewart est un photographe appelé Jeff (d'après Robert Capa) qui doit temporairement utiliser un fauteuil roulant. Par ennui, il commence à observer ses voisins de l'autre côté de la cour, puis devient convaincu que l'un d'eux (Raymond Burr) a assassiné sa femme. Jeff parvient finalement à convaincre son copain policier (Wendell Corey) et sa petite amie (Kelly). Comme avec Canot de sauvetage et Corde, les personnages principaux sont représentés dans des quartiers confinés ou exigus, en l'occurrence le studio de Stewart. Hitchcock utilise des gros plans du visage de Stewart pour montrer les réactions de son personnage, "du voyeurisme comique dirigé contre ses voisins à sa terreur impuissante à regarder Kelly et Burr dans l'appartement du méchant". [161]

Alfred Hitchcock présente Éditer

De 1955 à 1965, Hitchcock est l'animateur de la série télévisée Alfred Hitchcock présente. [162] Avec sa prestation drôle, son humour de potence et son image iconique, la série a fait d'Hitchcock une célébrité. Le titre-séquence de l'émission dépeint une caricature minimaliste de son profil (il l'a dessiné lui-même, il n'est composé que de neuf traits), que sa vraie silhouette a ensuite rempli. [163] La mélodie du thème de la série était Marche funèbre d'une marionnette du compositeur français Charles Gounod (1818-1893). [164]

Ses présentations comportaient toujours une sorte d'humour ironique, comme la description d'une récente exécution à plusieurs personnes entravée par une seule chaise électrique, tandis que deux sont montrées avec un panneau « Deux chaises, pas d'attente ! Il a réalisé 18 épisodes de la série, diffusée de 1955 à 1965. Elle est devenue L'heure Alfred Hitchcock en 1962, et NBC a diffusé le dernier épisode le 10 mai 1965. Dans les années 1980, une nouvelle version de Alfred Hitchcock présente a été produit pour la télévision, en utilisant les introductions originales d'Hitchcock sous une forme colorisée. [162]

Le succès d'Hitchcock à la télévision a donné naissance à un ensemble de recueils de nouvelles en son nom, notamment Anthologie d'Alfred Hitchcock, Des histoires qu'ils ne me laisseraient pas faire à la télévision, et Contes que ma mère ne m'a jamais racontés. [165] En 1956, HSD Publications a également autorisé le nom du directeur à créer Le magazine mystère d'Alfred Hitchcock, un condensé mensuel spécialisé dans le crime et la fiction policière. [165] Les séries télévisées d'Hitchcock étaient très rentables et ses versions de livres en langue étrangère rapportaient des revenus allant jusqu'à 100 000 $ par an (équivalent à 874 803 $ en 2020). [166]

De Attraper un voleur à vertige Éditer

En 1955, Hitchcock est devenu citoyen américain. [167] La ​​même année, son troisième film de Grace Kelly, Attraper un voleur, est sorti, il se déroule sur la Côte d'Azur et met en vedette Kelly et Cary Grant. Grant incarne le voleur à la retraite John Robie, qui devient le principal suspect d'une série de vols sur la Riviera. Une héritière américaine en quête de sensations fortes jouée par Kelly devine sa véritable identité et tente de le séduire. "Malgré la disparité d'âge évidente entre Grant et Kelly et une intrigue légère, le script plein d'esprit (chargé de double sens) et le jeu d'acteur bon enfant ont été un succès commercial." [168] C'était le dernier film d'Hitchcock avec Kelly, elle épousa le prince Rainier de Monaco en 1956 et mit fin à sa carrière cinématographique par la suite. Hitchcock a ensuite refait son propre film de 1934 L'homme qui en savait trop en 1956. Cette fois, le film mettait en vedette James Stewart et Doris Day, qui ont chanté la chanson thème "Que Sera, Sera", qui a remporté l'Oscar de la meilleure chanson originale et est devenue un grand succès. Ils incarnent un couple dont le fils est kidnappé pour les empêcher de s'immiscer dans un assassinat. Comme dans le film de 1934, le point culminant a lieu au Royal Albert Hall. [169]

Le mauvais homme (1957), le dernier film d'Hitchcock pour Warner Bros., est une production discrète en noir et blanc basée sur un cas réel d'erreur d'identité rapporté dans La vie revue en 1953.C'était le seul film d'Hitchcock mettant en vedette Henry Fonda, jouant un musicien du Stork Club pris pour un voleur de magasin d'alcools, qui est arrêté et jugé pour vol pendant que sa femme (Vera Miles) s'effondre émotionnellement sous la tension. Hitchcock a déclaré à Truffaut que sa peur de la police pendant toute sa vie l'avait attiré vers le sujet et était incrustée dans de nombreuses scènes. [170]

Tout en réalisant des épisodes pour Alfred Hitchcock présente au cours de l'été 1957, Hitchcock a été admis à l'hôpital pour une hernie et des calculs biliaires, et a dû subir une ablation de la vésicule biliaire. Après une opération chirurgicale réussie, il est immédiatement retourné au travail pour préparer son prochain projet. [171] [151] Le prochain film d'Hitchcock, vertige (1958) a de nouveau joué James Stewart, avec Kim Novak et Barbara Bel Geddes. Il avait voulu que Vera Miles joue le rôle principal, mais elle était enceinte. Il a confié à Oriana Fallaci : "Je lui offrais un gros rôle, la chance de devenir une belle blonde sophistiquée, une vraie comédienne. On aurait dépensé des tas de dollars là-dessus, et elle a le mauvais goût de tomber enceinte. Je déteste les femmes enceintes, parce qu'alors elles ont des enfants." [172]

Dans vertige, Stewart incarne Scottie, un ancien enquêteur de police souffrant d'acrophobie, qui développe une obsession pour une femme qu'il a été embauché pour suivre (Novak). L'obsession de Scottie mène à la tragédie, et cette fois Hitchcock n'opte pas pour une fin heureuse. Certains critiques, dont Donald Spoto et Roger Ebert, conviennent que vertige est le film le plus personnel et le plus révélateur du réalisateur, traitant de la Pygmalion-comme les obsessions d'un homme qui transforme une femme en la femme qu'il désire. vertige explore plus franchement et plus longuement son intérêt pour la relation entre le sexe et la mort, que toute autre œuvre de sa filmographie. [173]

vertige contient une technique de caméra développée par Irmin Roberts, communément appelée zoom dolly, qui a été copiée par de nombreux cinéastes. Le film a été présenté en avant-première au Festival international du film de San Sebastián et Hitchcock a remporté le prix Silver Seashell. [174] vertige est considéré comme un classique, mais il a attiré des critiques mitigées et des recettes médiocres au box-office à l'époque [175] le critique de Variété magazine a estimé que le film était « trop lent et trop long ». [176] Bosley Crowther du New York Times pensait que c'était "diaboliquement tiré par les cheveux", mais a loué les performances des acteurs et la direction d'Hitchcock. [177] L'image était aussi la dernière collaboration entre Stewart et Hitchcock. [178] Dans le 2002 Vue et son sondages, il s'est classé juste derrière Citoyen Kane (1941) dix ans plus tard, dans le même magazine, les critiques l'ont choisi comme le meilleur film jamais réalisé. [8]

Du Nord au nord-ouest et psychopathe Éditer

Après vertige, le reste de 1958 avait été une année difficile pour Hitchcock. Lors de la pré-production de du Nord au nord-ouest (1959), qui était un processus « lent » et « angoissant », sa femme Alma a reçu un diagnostic de cancer. [179] Pendant qu'Alma était à l'hôpital, Hitchcock s'occupait de son travail à la télévision et lui rendait visite tous les jours. Alma a subi une intervention chirurgicale et s'est complètement rétablie, mais Hitchcock a imaginé, pour la première fois, la vie sans elle. [179]

Hitchcock a enchaîné avec trois autres films à succès, qui sont également reconnus comme parmi ses meilleurs : du Nord au nord-ouest, psychopathe (1960) et Les oiseaux (1963). Dans du Nord au nord-ouest, Cary Grant dépeint Roger Thornhill, un publicitaire de Madison Avenue qui est pris pour un agent secret du gouvernement. Il est poursuivi à travers les États-Unis par des agents ennemis, dont Eve Kendall (Eva Marie Saint). Au début, Thornhill croit que Kendall l'aide, mais se rend ensuite compte qu'elle est un agent ennemi, il apprend qu'elle travaille sous couverture pour la CIA. Au cours de sa première diffusion de deux semaines au Radio City Music Hall, le film a rapporté 404 056 $ (équivalent à 3 587 150 $ en 2020), établissant un record dans le brut hors vacances de ce cinéma. [180] Temps le magazine a qualifié le film de « lisse à la truelle et très divertissant ». [181]

psychopathe (1960) est sans doute le film le plus connu d'Hitchcock. [182] D'après le roman de Robert Bloch de 1959 psychopathe, qui a été inspiré par le cas d'Ed Gein, [183] ​​le film a été produit avec un budget serré de 800 000 $ (équivalent à 6 998 425 $ en 2020) et tourné en noir et blanc sur un plateau de rechange en utilisant des membres d'équipe de Alfred Hitchcock présente. [184] La violence sans précédent de la scène de la douche, [h] la mort prématurée de l'héroïne et les vies innocentes éteintes par un meurtrier perturbé sont devenues les caractéristiques d'un nouveau genre de film d'horreur. [186] Le film s'est avéré populaire auprès du public, avec des files d'attente à l'extérieur des théâtres alors que les téléspectateurs attendaient la prochaine projection. Il a battu des records de box-office au Royaume-Uni, en France, en Amérique du Sud, aux États-Unis et au Canada et a connu un succès modéré en Australie pendant une brève période. [187] [ page nécessaire ]

psychopathe a été le plus rentable de la carrière d'Hitchcock, et il a personnellement gagné plus de 15 millions de dollars (équivalent à 131,22 millions de dollars en 2020). Il a par la suite cédé ses droits à psychopathe et son anthologie télévisée pour 150 000 actions de MCA, faisant de lui le troisième actionnaire et son propre patron chez Universal, en théorie du moins, même si cela ne les a pas empêchés de s'immiscer avec lui. [187] [ page nécessaire ] [188] Suite au premier film, psychopathe est devenu une franchise d'horreur américaine : Psychose II, Psychose III, Motel Bates, Psycho IV : le début, et un remake couleur 1998 de l'original. [189]

Interview Truffaut Modifier

Le 13 août 1962, jour du 63e anniversaire d'Hitchcock, le réalisateur français François Truffaut entame une interview de 50 heures d'Hitchcock, filmée pendant huit jours aux Studios Universal, au cours de laquelle Hitchcock accepte de répondre à 500 questions. Il a fallu quatre ans pour transcrire les bandes et organiser les images qu'il a publiées sous la forme d'un livre en 1967, que Truffaut a surnommé le "Hitchbook". Les bandes audio ont servi de base à un documentaire en 2015. [190] [191] Truffaut a sollicité l'interview parce qu'il était clair pour lui qu'Hitchcock n'était pas simplement l'artiste du marché de masse que les médias américains prétendaient être. Il était évident d'après ses films, écrit Truffaut, qu'Hitchcock avait "plus réfléchi au potentiel de son art que n'importe lequel de ses collègues". Il a comparé l'entretien à « la consultation de l'oracle par Odipe ». [192]

Les oiseaux Éditer

Le spécialiste du cinéma Peter William Evans a écrit que Les oiseaux (1963) et Marnie (1964) sont considérés comme des « chefs-d'œuvre incontestés ». [151] Hitchcock avait l'intention de filmer Marnie d'abord, et en mars 1962, il a été annoncé que Grace Kelly, princesse Grace de Monaco depuis 1956, sortirait de sa retraite pour y jouer. [193] Lorsque Kelly a demandé à Hitchcock de reporter Marnie jusqu'en 1963 ou 1964, il recrute Evan Hunter, auteur de La jungle du tableau noir (1954), pour développer un scénario basé sur une nouvelle de Daphné du Maurier, "Les Oiseaux" (1952), qu'Hitchcock avait rééditée dans son Mes favoris en suspens (1959). Il a engagé Tippi Hedren pour jouer le rôle principal. [194] C'était son premier rôle, elle avait été mannequin à New York quand Hitchcock la vit, en octobre 1961, dans une publicité télévisée NBC pour Sego, une boisson diététique : [195] « Je l'ai signée parce qu'elle est une beauté classique . Les films n'en ont plus. Grace Kelly était la dernière." Il a insisté, sans explication, pour que son prénom soit écrit entre guillemets simples : « Tippi ». [je]

Dans Les oiseaux, Melanie Daniels, une jeune mondaine, rencontre l'avocat Mitch Brenner (Rod Taylor) dans un magasin d'oiseaux Jessica Tandy joue sa mère possessive. Hedren lui rend visite à Bodega Bay (où Les oiseaux a été filmé) [196] portant en cadeau une paire de tourtereaux. Soudain, des vagues d'oiseaux commencent à se rassembler, à regarder et à attaquer. La question : « Que veulent les oiseaux ? reste sans réponse. [198] Hitchcock a réalisé le film avec du matériel de Revue Studio, qui a fait Alfred Hitchcock présente. Il a dit que c'était son film le plus techniquement difficile, utilisant une combinaison d'oiseaux entraînés et mécaniques sur fond d'oiseaux sauvages. Chaque plan a été esquissé à l'avance. [196]

Un téléfilm HBO/BBC, La fille (2012), a décrit les expériences de Hedren sur le plateau, elle a déclaré qu'Hitchcock était devenu obsédé par elle et l'avait harcelée sexuellement. Il l'aurait isolée du reste de l'équipage, l'aurait fait suivre, lui aurait murmuré des obscénités, aurait fait analyser son écriture et aurait fait construire une rampe depuis son bureau privé directement dans sa caravane. [199] [200] Diane Baker, sa co-vedette dans Marnie, a déclaré: "[R]ien n'aurait pu être plus horrible pour moi que d'arriver sur ce plateau de tournage et de la voir être traitée comme elle l'était." [201] Pendant le tournage de la scène de l'attaque dans le grenier – qui a pris une semaine à filmer – elle a été placée dans une pièce en cage pendant que deux hommes portant des gants de protection jusqu'aux coudes lui jetaient des oiseaux vivants. Vers la fin de la semaine, pour empêcher les oiseaux de s'envoler trop tôt, une patte de chaque oiseau était attachée par du fil de nylon à des élastiques cousus à l'intérieur de ses vêtements. Elle est tombée en panne après qu'un oiseau lui a coupé la paupière inférieure et le tournage a été interrompu sur ordre du médecin. [202]

Marnie Éditer

En juin 1962, Grace Kelly a annoncé qu'elle avait décidé de ne pas apparaître dans Marnie (1964). Hedren avait signé un contrat exclusif de sept ans et 500 $ par semaine avec Hitchcock en octobre 1961 [203] et il a décidé de la choisir dans le rôle principal aux côtés de Sean Connery. En 2016, décrivant la performance de Hedren comme « l'une des plus grandes de l'histoire du cinéma », Richard Brody a qualifié le film d'« histoire de violence sexuelle » infligée au personnage joué par Hedren : « Le film est, pour le dire simplement, malade , et c'est parce qu'Hitchcock était malade. Il souffrit toute sa vie d'un désir sexuel furieux, souffrit de l'absence de sa gratification, souffrit de l'incapacité de transformer le fantasme en réalité, puis continua et le fit virtuellement, par le biais de son de l'art." [204] Un 1964 New York Times la critique de film l'a qualifié de "film le plus décevant depuis des années" d'Hitchcock, citant le manque d'expérience de Hedren et Connery, un scénario amateur et "des arrière-plans en carton manifestement faux". [205]

Dans le film, Marnie Edgar (Hedren) vole 10 000 $ à son employeur et s'enfuit. Elle postule pour un emploi dans l'entreprise de Mark Rutland (Connery) à Philadelphie et y vole aussi. Plus tôt, on lui a montré une crise de panique pendant un orage et craignant la couleur rouge. Mark la traque et la fait chanter pour qu'elle l'épouse. Elle explique qu'elle ne veut pas être touchée, mais pendant la "lune de miel", Mark la viole. Marnie et Mark découvrent que la mère de Marnie avait été une prostituée quand Marnie était enfant, et que, alors que la mère se battait avec un client pendant un orage - la mère croyait que le client avait essayé d'agresser Marnie - Marnie avait tué le client pour sauver sa mère. Guérie de ses peurs lorsqu'elle se souvient de ce qui s'est passé, elle décide de rester avec Mark. [204] [206]

Hitchcock a déclaré au directeur de la photographie Robert Burks que la caméra devait être placée aussi près que possible de Hedren lorsqu'il a filmé son visage. [207] Evan Hunter, le scénariste de Les oiseaux qui écrivait Marnie aussi, a expliqué à Hitchcock que, si Mark aimait Marnie, il la réconforterait, pas la violerait. Hitchcock aurait répondu : "Evan, quand il le lui colle, je veux cette caméra directement sur son visage !" [208] Lorsque Hunter a soumis deux versions du script, une sans la scène de viol, Hitchcock l'a remplacé par Jay Presson Allen. [209]

Années ultérieures : 1966-1980 Modifier

Films finaux Modifier

Une santé défaillante a réduit la production d'Hitchcock au cours des deux dernières décennies de sa vie. Le biographe Stephen Rebello a affirmé qu'Universal lui avait imposé deux films, Rideau déchiré (1966) et Topaze (1969), dont ce dernier est basé sur un roman de Leon Uris, en partie situé à Cuba. [210] Les deux étaient des thrillers d'espionnage avec des thèmes liés à la guerre froide. Rideau déchiré, avec Paul Newman et Julie Andrews, a précipité la fin amère de la collaboration de 12 ans entre Hitchcock et le compositeur Bernard Herrmann. [211] Hitchcock était mécontent du score de Herrmann et l'a remplacé par John Addison, Jay Livingston et Ray Evans. [212] À la libération, Rideau déchiré a été un échec au box-office, [213] et Topaze a été détesté par les critiques et le studio. [214]

Hitchcock est retourné en Grande-Bretagne pour réaliser son avant-dernier film, Frénésie (1972), d'après le roman Au revoir Piccadilly, adieu Leicester Square (1966). Après deux films d'espionnage, l'intrigue marque un retour au genre du thriller-meurtre. Richard Blaney (Jon Finch), un barman instable avec des antécédents de colère explosive, devient le principal suspect dans l'enquête sur les "Meurtres à la cravate", qui sont en fait commis par son ami Bob Rusk (Barry Foster). Cette fois, Hitchcock fait de la victime et du méchant des parents plutôt que des opposés comme dans Des étrangers dans un train. [215]

Dans Frénésie, Hitchcock a autorisé la nudité pour la première fois. Deux scènes montrent des femmes nues, dont l'une est violée et étranglée [151] Donald Spoto a qualifié cette dernière de "l'un des exemples les plus répugnants d'un meurtre détaillé dans l'histoire du cinéma". Les deux acteurs, Barbara Leigh-Hunt et Anna Massey, ont refusé de faire les scènes, donc des modèles ont été utilisés à la place. [216] Les biographes ont noté qu'Hitchcock avait toujours repoussé les limites de la censure cinématographique, réussissant souvent à tromper Joseph Breen, le chef du Motion Picture Production Code. Hitchcock y ajouterait de subtiles allusions à des irrégularités interdites par la censure jusqu'au milieu des années 1960. Pourtant, Patrick McGilligan a écrit que Breen et d'autres se rendaient souvent compte qu'Hitchcock insérait un tel matériel et étaient en fait amusés, ainsi qu'alarmés par les « déductions inévitables » de Hitchcock. [217]

Parcelle Familiale (1976) est le dernier film d'Hitchcock. Il raconte les frasques de "Madame" Blanche Tyler, interprétée par Barbara Harris, une spiritualiste frauduleuse, et son amant chauffeur de taxi Bruce Dern, vivant de ses faux pouvoirs. Tandis que Parcelle Familiale était basé sur le roman de Victor Canning Le motif Rainbird (1972), le ton du roman est plus sinistre. Le scénariste Ernest Lehman a initialement écrit le film, sous le titre provisoire Deception, avec un ton sombre mais a été poussé à un ton plus léger et plus comique par Hitchcock où il a pris le nom Deceit, puis finalement, Family Plot. [218]

Chevalerie et mort Modifier

Vers la fin de sa vie, Hitchcock travaillait sur le scénario d'un thriller d'espionnage, La courte nuit, en collaboration avec James Costigan, Ernest Lehman et David Freeman. Malgré des travaux préliminaires, il n'a jamais été filmé. La santé d'Hitchcock déclinait et il s'inquiétait pour sa femme, qui avait subi un accident vasculaire cérébral. Le scénario a finalement été publié dans le livre de Freeman Les derniers jours d'Alfred Hitchcock (1999). [219]

Ayant refusé un CBE en 1962, [220] Hitchcock a été nommé chevalier commandeur de l'Ordre le plus excellent de l'Empire britannique (KBE) dans les honneurs du nouvel an de 1980. [11] [221] Il était trop malade pour voyager à Londres — il avait un stimulateur cardiaque et recevait des injections de cortisone pour son arthrite — donc le 3 janvier 1980, le consul général britannique lui a présenté les papiers aux studios Universal. Interrogé par un journaliste après la cérémonie pour savoir pourquoi cela avait pris autant de temps à la reine, Hitchcock a plaisanté: "Je suppose que c'était une question de négligence." Cary Grant, Janet Leigh et d'autres ont ensuite assisté à un déjeuner. [222] [223]

Sa dernière apparition publique a eu lieu le 16 mars 1980, lorsqu'il a présenté le lauréat de l'année suivante du prix de l'American Film Institute. [222] Il meurt d'insuffisance rénale le mois suivant, le 29 avril, dans sa résidence de Bel Air. [122] [224] Donald Spoto, l'un des biographes d'Hitchcock, a écrit que Hitchcock avait refusé de voir un prêtre, [225] mais selon le prêtre jésuite Mark Henninger, lui et un autre prêtre, Tom Sullivan, ont célébré la messe au domicile du cinéaste, et Sullivan a entendu sa confession. [226] Hitchcock laisse dans le deuil sa femme et sa fille. Ses funérailles ont eu lieu à l'église catholique Good Shepherd à Beverly Hills le 30 avril, après quoi son corps a été incinéré. Ses restes ont été dispersés dans l'océan Pacifique le 10 mai 1980. [227]

Style et thèmes Modifier

La carrière de production cinématographique d'Hitchcock a évolué de films muets à petite échelle à des films sonores financièrement importants. Hitchock a fait remarquer qu'il était influencé par les premiers cinéastes George Méliès, D.W. Griffith et Alice Guy-Blaché. [228] Ses films muets entre 1925 et 1929 étaient du genre crime et suspense, mais comprenaient aussi des mélodrames et des comédies. Alors que la narration visuelle était pertinente à l'ère du muet, même après l'arrivée du son, Hitchcock s'appuyait toujours sur les visuels au cinéma. En Grande-Bretagne, il a perfectionné son art de sorte qu'au moment où il a déménagé à Hollywood, le réalisateur avait perfectionné son style et ses techniques de caméra. Hitchcock dira plus tard que son travail britannique était la « sensation du cinéma », alors que la phase américaine était celle où ses « idées étaient fécondées ». [229] L'érudit Robin Wood écrit que les deux premiers films du réalisateur, Le jardin d'agrément et L'aigle des montagnes, ont été influencés par l'expressionnisme allemand. Par la suite, il découvre le cinéma soviétique et les théories du montage de Sergueï Eisenstein et Vsevolod Poudovkine. [67] Années 1926 Le locataire a été inspiré par l'esthétique allemande et soviétique, des styles qui ont solidifié le reste de sa carrière. [230] Bien que le travail d'Hitchcock dans les années 1920 ait rencontré un certain succès, plusieurs critiques britanniques ont critiqué les films d'Hitchcock pour leur manque d'originalité et leur vanité. [231] Raymond Durgnat a estimé que les films d'Hitchcock étaient soigneusement et intelligemment construits, mais pensait qu'ils pouvaient être superficiels et présenter rarement une "vision du monde cohérente". [232]

Gagnant le titre "Master of Suspense", le réalisateur a expérimenté des moyens de générer de la tension dans son travail. [231] Il a dit : « Mon travail de suspense vient de la création de cauchemars pour le public. Et je jouer avec un public. Je les fais haleter, les surprendre et les choquer. Lorsque vous faites un cauchemar, c'est terriblement vif si vous rêvez que vous êtes conduit à la chaise électrique. Ensuite, vous êtes aussi heureux que possible lorsque vous vous réveillez parce que vous êtes soulagé. » [233] Pendant le tournage de du Nord au nord-ouest, Hitchcock a expliqué les raisons pour lesquelles il a recréé le décor de Mount Rushmore : "Le public réagit proportionnellement à votre réalisme.L'une des raisons dramatiques de ce type de photographie est de lui donner un aspect si naturel que le public s'implique et croit, pour le moment, ce qui se passe là-haut à l'écran. » [233]

Les films d'Hitchcock, de l'ère muette à l'ère sonore, contenaient un certain nombre de thèmes récurrents pour lesquels il est célèbre. Ses films explorent le public en tant que voyeur, notamment dans Fenêtre arrière, Marnie et psychopathe. Il a compris que les êtres humains apprécient les activités de voyeurisme et y a fait participer le public à travers les actions du personnage. [234] De ses cinquante-trois films, onze tournaient autour d'histoires d'identité erronée, où un protagoniste innocent est accusé d'un crime et poursuivi par la police. Dans la plupart des cas, il s'agit d'une personne ordinaire, ordinaire, qui se retrouve dans une situation dangereuse. [235] Hitchcock a dit à Truffaut : « C'est parce que le thème de l'innocent accusé, je pense, donne au public un plus grand sentiment de danger. Il leur est plus facile de s'identifier à lui qu'à un coupable en fuite. [235] L'un de ses thèmes constants était la lutte d'une personnalité tiraillée entre « l'ordre et le chaos » [236] connue sous le nom de « double », qui est une comparaison ou un contraste entre deux personnages ou objets : le double représentant un ou du mauvais côté. [151]

Selon Robin Wood, Hitchcock avait des sentiments mitigés envers l'homosexualité malgré le fait qu'il ait travaillé avec des acteurs homosexuels au cours de sa carrière. [237] Donald Spoto suggère que l'enfance sexuellement répressive d'Hitchcock peut avoir contribué à son exploration de la déviance. [237] Au cours des années 1950, le Motion Picture Production Code interdisait les références directes à l'homosexualité, mais le réalisateur était connu pour ses références subtiles, [238] et repoussant les limites des censeurs. De plus, Ombre d'un doute a un double thème d'inceste à travers le scénario, exprimé implicitement à travers des images. [239] L'auteur Jane Sloan soutient qu'Hitchcock était attiré par l'expression sexuelle tant conventionnelle que non conventionnelle dans son travail, [240] et que le thème du mariage était généralement présenté d'une manière « sombre et sceptique ». [241] Ce n'est également qu'après la mort de sa mère en 1942, qu'Hitchcock a dépeint les figures maternelles comme des "mères-monstres notoires". [131] La toile de fond de l'espionnage et les meurtres commis par des personnages aux tendances psychopathiques étaient également des thèmes communs. [242] Dans la description de Hitchcock des méchants et des meurtriers, ils étaient généralement charmants et amicaux, forçant les téléspectateurs à s'identifier à eux. [243] L'enfance stricte du réalisateur et son éducation jésuite peuvent avoir conduit à sa méfiance à l'égard de personnalités autoritaires telles que les policiers et les politiciens, un thème qu'il a exploré. [151] En outre, il a utilisé le « MacGuffin » – l'utilisation d'un objet, d'une personne ou d'un événement pour faire avancer l'intrigue même si elle n'était pas essentielle à l'histoire. [244] Certains exemples incluent le microfilm dans du Nord au nord-ouest et les 40 000 $ d'argent volés dans psychopathe.

Hitchcock apparaît brièvement dans la plupart de ses propres films. Par exemple, on le voit lutter pour faire monter une contrebasse dans un train (Des étrangers dans un train), sortir les chiens d'une animalerie (Les oiseaux), réparer l'horloge d'un voisin (Fenêtre arrière), comme une ombre (Parcelle Familiale), assis à une table sur une photographie (Composez M pour meurtre), et prendre un bus (du Nord au nord-ouest, Attraper un voleur). [86]

Représentation des femmes Modifier

La représentation des femmes par Hitchcock a fait l'objet de nombreux débats universitaires. Bidisha a écrit dans Le gardien en 2010 : "Il y a le vamp, le clochard, le vif d'or, la sorcière, le slink, le double-crosser et, le meilleur de tous, la maman démon. Ne vous inquiétez pas, ils finissent tous par être punis." [245] Dans un essai largement cité en 1975, Laura Mulvey a introduit l'idée du regard masculin la vue du spectateur dans les films d'Hitchcock, a-t-elle soutenu, est celle du protagoniste masculin hétérosexuel. [246] « Les personnages féminins de ses films reflétaient toujours les mêmes qualités », écrivait Roger Ebert en 1996. « Ils étaient blonds. Ils étaient glacials et distants. Ils étaient emprisonnés dans des costumes qui alliaient subtilement mode et fétichisme. Ils fascinait les hommes, qui avaient souvent des handicaps physiques ou psychologiques. Tôt ou tard, chaque femme Hitchcock était humiliée. [247] [j]

Les victimes en Le locataire sont toutes blondes. Dans Les 39 étapes, Madeleine Carroll est menottée. Ingrid Bergman, que Hitchcock a dirigée trois fois (Envoûté, Célèbre, et Sous le Capricorne), est blond foncé. Dans Fenêtre arrière, Lisa (Grace Kelly) risque sa vie en pénétrant par effraction dans l'appartement de Lars Thorwald. Dans Attraper un voleur, Francie (également Kelly) propose d'aider un homme qu'elle croit être un cambrioleur. Dans vertige et du Nord au nord-ouest respectivement, Kim Novak et Eva Marie Saint incarnent les héroïnes blondes. Dans psychopathe, le personnage de Janet Leigh vole 40 000 $ et est assassiné par Norman Bates, un psychopathe reclus. Tippi Hedren, une blonde, semble être au centre des attentats en Les oiseaux. Dans Marnie, le personnage principal, encore une fois joué par Hedren, est un voleur. Dans Topaze, les actrices françaises Dany Robin en épouse de Stafford et Claude Jade en fille de Stafford sont des héroïnes blondes, la maîtresse était interprétée par la brune Karin Dor. La dernière héroïne blonde d'Hitchcock était Barbara Harris en tant que voyante bidon devenue détective amateur dans Parcelle Familiale (1976), son dernier film. Dans le même film, le contrebandier de diamants joué par Karen Black porte une longue perruque blonde dans plusieurs scènes.

Ses films mettent souvent en scène des personnages aux prises avec leurs relations avec leur mère, comme Norman Bates dans psychopathe. Dans du Nord au nord-ouest, Roger Thornhill (Cary Grant) est un homme innocent ridiculisé par sa mère pour avoir insisté sur le fait que des hommes sombres et meurtriers le poursuivent. Dans Les oiseaux, le personnage de Rod Taylor, un homme innocent, trouve son monde attaqué par des oiseaux vicieux et lutte pour se libérer d'une mère collante (Jessica Tandy). Le tueur dans Frénésie déteste les femmes mais idolâtre sa mère. Le méchant Bruno dans Des étrangers dans un train déteste son père, mais a une relation incroyablement étroite avec sa mère (jouée par Marion Lorne). Sébastien (Claude Rains) dans Célèbre a une relation clairement conflictuelle avec sa mère, qui se méfie (à juste titre) de sa nouvelle épouse, Alicia Huberman (Ingrid Bergman). [249]

Relation avec les acteurs Modifier

Hitchcock s'est fait connaître pour avoir remarqué que « les acteurs doivent être traités comme du bétail ». [251] [k] Pendant le tournage de M. & Mme Smith (1941), Carole Lombard a amené trois vaches sur le plateau portant les badges de Lombard, Robert Montgomery et Gene Raymond, les stars du film, pour le surprendre. [251] Dans un épisode de Le spectacle de Dick Cavett, diffusé à l'origine le 8 juin 1972, Dick Cavett a déclaré que Hitchcock avait autrefois appelé les acteurs du bétail. Hitchcock a répondu en disant qu'à un moment donné, il avait été accusé d'avoir traité les acteurs de bétail. "J'ai dit que je ne dirais jamais une chose aussi insensible et grossière à propos des acteurs. Ce que j'ai probablement dit, c'est que tous les acteurs devraient être traités comme du bétail. D'une belle manière bien sûr. Il a ensuite décrit la blague de Carole Lombard, avec le sourire. [252]

Hitchcock pensait que les acteurs devaient se concentrer sur leurs performances et laisser le travail sur le scénario et le personnage aux réalisateurs et aux scénaristes. Il a dit à Bryan Forbes en 1967 : "Je me souviens d'avoir discuté avec un acteur de la méthode de la façon dont il avait été enseigné et ainsi de suite. Il a dit :" On nous enseigne en utilisant l'improvisation. nous voulons.' J'ai dit 'Ce n'est pas jouer. C'est écrire.' « [125]

Rappelant leurs expériences sur Canot de sauvetage pour Charles Chandler, auteur de Ce n'est qu'un film : Alfred Hitchcock Une biographie personnelle, Walter Slezak a déclaré qu'Hitchcock « en savait plus sur la façon d'aider un acteur que n'importe quel réalisateur avec qui j'ai jamais travaillé », et Hume Cronyn a rejeté l'idée qu'Hitchcock ne se souciait pas de ses acteurs comme étant « totalement fallacieux », décrivant longuement le processus de répétition. et filmer Canot de sauvetage. [253]

Les critiques ont observé que, malgré sa réputation d'homme qui n'aimait pas les acteurs, les acteurs qui travaillaient avec lui donnaient souvent de brillantes performances. Il a utilisé les mêmes acteurs dans plusieurs de ses films Cary Grant et James Stewart ont tous deux travaillé avec Hitchcock à quatre reprises, [254] et Ingrid Bergman et Grace Kelly trois fois. James Mason a déclaré qu'Hitchcock considérait les acteurs comme des "accessoires animés". [255] Pour Hitchcock, les acteurs faisaient partie du décor du film. Il a déclaré à François Truffaut : « La principale condition requise pour un acteur est la capacité de ne rien faire de bien, ce qui n'est pas aussi facile qu'il y paraît. Il doit être prêt à être utilisé et totalement intégré dans l'image par le réalisateur et la caméra. . Il doit permettre à la caméra de déterminer l'emphase appropriée et les points forts dramatiques les plus efficaces." [256]

Écriture, storyboards et production Modifier

Hitchcock a planifié ses scripts en détail avec ses scénaristes. Dans Écrire avec Hitchcock (2001), Steven DeRosa a noté que Hitchcock les a supervisés à travers chaque brouillon, leur demandant de raconter l'histoire visuellement. [257] Hitchcock a dit à Roger Ebert en 1969 :

Une fois le scénario terminé, je ferais aussi bien de ne pas faire le film du tout. Tout le plaisir est terminé. J'ai un esprit fortement visuel. Je visualise une image jusqu'aux coupes finales. J'écris tout cela dans les moindres détails dans le script, et puis je ne regarde pas le script pendant le tournage. Je le sais par cœur, tout comme un chef d'orchestre n'a pas besoin de regarder la partition. C'est mélancolique de prendre une photo. Une fois le scénario terminé, le film est parfait. Mais en le tirant, vous perdez peut-être 40 pour cent de votre conception originale. [258]

Les films d'Hitchcock ont ​​été largement scénarisés dans les moindres détails. Il a été rapporté qu'il n'aurait même jamais pris la peine de regarder dans le viseur, car il n'en avait pas besoin, bien que sur des photos publicitaires, il ait été montré en train de le faire. Il a également utilisé cela comme une excuse pour ne jamais avoir à changer ses films de sa vision initiale. Si un studio lui demandait de changer un film, il prétendrait qu'il a déjà été tourné d'une seule manière, et qu'il n'y avait pas de prises alternatives à envisager. [259]

Cette vision d'Hitchcock comme un réalisateur qui s'appuyait davantage sur la pré-production que sur la production elle-même a été contestée par Bill Krohn, le correspondant américain du magazine de cinéma français. Cahiers du cinéma, dans son livre Hitchcock au travail. Après avoir enquêté sur les révisions du scénario, les notes à d'autres membres du personnel de production écrites par ou à Hitchcock et d'autres documents de production, Krohn a observé que le travail d'Hitchcock s'écartait souvent de la façon dont le scénario avait été écrit ou de la façon dont le film était initialement envisagé. [260] Il a noté que le mythe des storyboards par rapport à Hitchcock, souvent régurgité par des générations de commentateurs sur ses films, était en grande partie perpétué par Hitchcock lui-même ou par la branche publicitaire des studios. Par exemple, la célèbre séquence de pulvérisation des cultures de du Nord au nord-ouest n'était pas du tout scénarisé. Après le tournage de la scène, le département de la publicité a demandé à Hitchcock de faire des storyboards pour promouvoir le film, et Hitchcock à son tour a embauché un artiste pour faire correspondre les scènes en détail. [261] [ vérification nécessaire ]

Même lorsque les storyboards ont été réalisés, les scènes tournées en différaient considérablement. L'analyse de Krohn de la production de classiques d'Hitchcock comme Célèbre révèle qu'Hitchcock était suffisamment flexible pour changer la conception d'un film au cours de sa production. Un autre exemple, note Krohn, est le remake américain de L'homme qui en savait trop, dont le calendrier de tournage a commencé sans un script terminé et a de plus dépassé le calendrier, ce qui, comme le note Krohn, n'était pas rare sur de nombreux films d'Hitchcock, y compris Des étrangers dans un train et Topaze. Bien qu'Hitchcock ait fait beaucoup de préparation pour tous ses films, il était pleinement conscient que le processus de réalisation d'un film s'écartait souvent des plans les mieux conçus et était flexible pour s'adapter aux changements et aux besoins de la production car ses films n'étaient pas libre des tracas normaux rencontrés et des routines courantes utilisées lors de nombreuses autres productions cinématographiques. [261] [ vérification nécessaire ]

Le travail de Krohn met également en lumière la pratique d'Hitchcock consistant à tourner généralement dans l'ordre chronologique, qui, note-t-il, a envoyé de nombreux films au-delà du budget et du calendrier et, plus important encore, différait de la procédure d'exploitation standard d'Hollywood à l'époque du Studio System. Tout aussi importante est la tendance d'Hitchcock à tourner des prises de vues alternatives. Cela différait de la couverture en ce que les films n'étaient pas nécessairement tournés sous différents angles afin de donner au monteur la possibilité de façonner le film comme il l'avait choisi (souvent sous l'égide du producteur). [262] [ échec de la vérification ] Ils représentaient plutôt la tendance d'Hitchcock à se donner des options dans la salle de montage, où il donnait des conseils à ses éditeurs après avoir visionné un premier montage de l'œuvre.

Selon Krohn, ceci et beaucoup d'autres informations révélées par ses recherches sur les papiers personnels d'Hitchcock, les révisions de script et autres réfutent la notion d'Hitchcock en tant que réalisateur qui contrôlait toujours ses films, dont la vision de ses films n'était pas changement au cours de la production, qui, note Krohn, est resté le mythe central de longue date d'Alfred Hitchcock. Sa minutie et son souci du détail se sont également retrouvés dans chaque affiche de film de ses films. Hitchcock préférait travailler avec les meilleurs talents de son époque, des concepteurs d'affiches de films tels que Bill Gold [263] et Saul Bass, qui produisaient des affiches représentant fidèlement ses films. [261]

Prix ​​et distinctions Modifier

Hitchcock a été intronisé au Hollywood Walk of Fame le 8 février 1960 avec deux étoiles : une pour la télévision et une seconde pour ses films. [264] En 1978, John Russell Taylor l'a décrit comme "la personne la plus universellement reconnaissable au monde" et "un Anglais simple de la classe moyenne qui s'est avéré être un génie artistique". [223] En 2002 Cinéaste l'a nommé le réalisateur le plus influent de tous les temps, [265] et un 2007 Le télégraphe quotidien un sondage des critiques l'a classé comme le plus grand réalisateur britannique. David Gritten, le critique de cinéma du journal, a écrit : « Incontestablement le plus grand cinéaste à émerger de ces îles, Hitchcock a fait plus que n'importe quel réalisateur pour façonner le cinéma moderne, qui serait totalement différent sans lui. Son flair était pour la narration, retenant cruellement des informations cruciales. (de ses personnages et de nous) et en engageant les émotions du public comme personne d'autre." [266] En 1992, le Vue et son Le Top Ten Poll des critiques a classé Hitchcock au 4e rang de sa liste des « 10 meilleurs réalisateurs » de tous les temps. [267] En 2002, Hitchcock a été classé 2e dans les dix meilleurs sondages des critiques et 5e dans les dix meilleurs sondages du réalisateur dans la liste des plus grands réalisateurs de tous les temps compilée par le même magazine. Hitchcock a été élu « le plus grand réalisateur du 20e siècle » dans un sondage mené par le magazine de cinéma japonais cinéma Junpo.

Il a remporté deux Golden Globes, huit Laurel Awards et cinq prix pour l'ensemble de sa carrière, dont le premier BAFTA Academy Fellowship Award [268] et, en 1979, un AFI Life Achievement Award. [11] Il a été nommé cinq fois pour un Oscar du meilleur réalisateur. Rébecca, nominé pour 11 Oscars, a remporté l'Oscar du meilleur film de 1940, un autre film d'Hitchcock, Correspondant à l'étranger, a également été nominé cette année-là. [269] En 2018, huit de ses films avaient été sélectionnés pour être conservés par le National Film Registry des États-Unis : Rébecca (1940 intronisé 2018), Ombre d'un doute (1943 intronisé 1991), Célèbre (1946 intronisé en 2006), Fenêtre arrière (1954 intronisé 1997), vertige (1958 intronisé 1989), du Nord au nord-ouest (1959 intronisé 1995), psychopathe (1960 intronisé 1992), et Les oiseaux (1963 intronisé 2016). [9]

En 2012, Hitchcock a été sélectionné par l'artiste Sir Peter Blake, auteur des Beatles' Sgt. Groupe du club Pepper's Lonely Hearts couverture de l'album, pour apparaître dans une nouvelle version de la couverture, avec d'autres personnalités culturelles britanniques, et il a été présenté cette année-là dans une série BBC Radio 4, Les nouveaux élisabéthains, comme quelqu'un "dont les actions pendant le règne d'Elizabeth II ont eu un impact significatif sur la vie dans ces îles et compte tenu de l'âge de son caractère". [270] En juin 2013, neuf versions restaurées des premiers films muets d'Hitchcock, dont Le jardin d'agrément (1925), ont été présentés au Harvey Theatre de la Brooklyn Academy of Music connu sous le nom de "The Hitchcock 9", l'hommage itinérant a été organisé par le British Film Institute. [271]

Archives Modifier

La collection Alfred Hitchcock est conservée à l'Academy Film Archive à Hollywood, en Californie. Il comprend des films personnels, des films 16 mm tournés sur le plateau de Chantage (1929) et Frénésie (1972) et les premières images en couleur connues d'Hitchcock. L'Academy Film Archive a conservé plusieurs de ses films personnels. [272] Les papiers d'Alfred Hitchcock sont conservés à la bibliothèque Margaret Herrick de l'Académie. [273] Les collections David O. Selznick et Ernest Lehman conservées au Harry Ransom Humanities Research Center à Austin, Texas, contiennent du matériel lié aux travaux d'Hitchcock sur la production de L'affaire Paradine, Rébecca, Envoûté, du Nord au nord-ouest et Parcelle familiale. [274]

Les représentations d'Hitchcock Modifier

Films Modifier

  • Dites toujours à votre femme (court) (1923)
  • Le jardin d'agrément (1925)
  • L'aigle des montagnes (1926) (perdu)
  • The Lodger : une histoire du brouillard londonien (1927)
  • L'anneau (1927)
  • Une descente (1927)
  • La femme du fermier (1928)
  • Vertu facile (1928)
  • Champagne (1928)
  • Le Manxman (1929)
  • Chantage (1929)
  • Junon et le coq (1930)
  • Meurtre! (1930)
  • Appel d'Elstree (1930)
  • Le jeu de peau (1931)
  • Marie (1931)
  • Riche et étrange (1931)
  • Numéro dix-sept (1932)
  • Valses de Vienne (1934)
  • L'homme qui en savait trop (1934)
  • Les 39 étapes (1935)
  • Agent secret (1936)
  • Sabotage (1936)
  • Jeune et innocent (1937)
  • La dame disparaît (1938)
  • Auberge de la Jamaïque (1939)
  • Rébecca (1940)
  • Correspondant à l'étranger (1940)
  • M. & Mme Smith (1941)
  • Soupçon (1941)
  • Saboteur (1942)
  • Ombre d'un doute (1943)
  • Canot de sauvetage (1944)
  • Envoûté (1945)
  • Célèbre (1946)
  • L'affaire Paradine (1947)
  • Corde (1948)
  • Sous le Capricorne (1949)
  • Trac (1950)
  • Des étrangers dans un train (1951)
  • J'avoue (1953)
  • Composez M pour meurtre (1954)
  • Fenêtre arrière (1954)
  • Attraper un voleur (1955)
  • Le problème avec Harry (1955)
  • L'homme qui en savait trop (1956)
  • Le mauvais homme (1956)
  • vertige (1958)
  • du Nord au nord-ouest (1959)
  • psychopathe (1960)
  • Les oiseaux (1963)
  • Marnie (1964)
  • Rideau déchiré (1966)
  • Topaze (1969)
  • Frénésie (1972)
  • Parcelle Familiale (1976)

Remarques Modifier

  1. ^ Selon Gene Adair (2002), Hitchcock a réalisé 53 longs métrages. [2] Selon Roger Ebert en 1980, il était de 54. [3]
  2. ^ Les films sélectionnés pour le Registre national du film sont Rébecca (1940), Ombre d'un doute (1943), Célèbre (1946), Fenêtre arrière (1954), vertige (1958), du Nord au nord-ouest (1959), psychopathe (1960), et Les oiseaux (1963). [9]
  3. ^ Alfred Hitchcock (North American Newspaper Alliance, 16 juillet 1972) : « Mon préféré est Ombre d'un doute. Vous ne l'avez jamais vu ? Ah. Il a été écrit par Thornton Wilder. C'est une étude de personnage, un thriller à suspense. La beauté du film était qu'il a été tourné dans la ville réelle." [10]
  4. ^ Dans son premier récit, "Gas" (juin 1919), publié dans le premier numéro, une jeune femme est agressée par une foule d'hommes à Paris, pour découvrir qu'elle a des hallucinations dans le fauteuil du dentiste. [38] Cela a été suivi par "The Woman's Part" (septembre 1919), qui décrit un mari regardant sa femme, une actrice, se produire sur scène. [39] "Sordide" (février 1920) entoure une tentative d'achat d'une épée chez un antiquaire, avec une autre fin de torsion. [40] "Et il n'y avait pas d'arc-en-ciel" (septembre 1920) trouve Bob pris en flagrant délit avec la femme d'un ami. [41] Dans "Qu'est-ce qui est qui ?" (décembre 1920), la confusion règne lorsqu'un groupe d'acteurs se font passer pour lui. [42] "L'histoire de la consommation de pois" (décembre 1920) est une satire sur la difficulté de manger des pois. [43] Son dernier morceau, "Fedora" (mars 1921) décrit une femme inconnue : "petite, simple, modeste et silencieuse, pourtant elle commande une attention profonde de tous les côtés". [44]
  5. ^ En 2017, un Temps libre sondage magazine classé Sabotage comme le 44e meilleur film britannique de tous les temps. [85]
  6. ^ Hitchcock a déclaré à Bryan Forbes en 1967 : « Ils avaient parcouru le film en mon absence et supprimé toutes les scènes qui indiquaient la possibilité que Cary Grant était un meurtrier. Il n'y avait donc aucun film du tout. C'était ridicule. Néanmoins, j'avais Ce que je voulais faire, c'est que la femme savait qu'elle allait être assassinée par son mari, alors elle a écrit une lettre à sa mère disant qu'elle était très amoureuse de lui, elle n'a pas ne plus vouloir vivre, elle allait être tuée mais la société doit être protégée. Elle soulève donc ce verre de lait fatal, le boit et avant elle dit : " Veux-tu poster cette lettre à maman ? " Puis elle boit le lait et meurt. Vous avez alors juste une scène finale d'un Cary Grant joyeux allant à la boîte aux lettres et postant la lettre. . Mais cela n'a jamais été autorisé en raison de l'erreur de base dans le casting. " [125]
  7. ^ Un sondage du British Film Institute en 2012 a classé vertige comme le plus grand film jamais réalisé. [8]
  8. ^ Un documentaire sur psychopathe scène de douche, 78/52, est sorti en 2017, réalisé par Alexandre O. Philippe, le titre fait référence aux 78 réglages de caméra et aux 52 montages de la scène. [185]
  9. ^ Thomas McDonald (Le New York Times, 1er avril 1962) : "Les vedettes du film sont Rod Taylor, Suzanne Pleshette, Jessica Tandy et 'Tippi' Hedren. Hitchcock a signé un contrat avec Miss Hedren, un mannequin new-yorkais, après l'avoir vue dans une publicité télévisée. Il a insisté qu'elle met son prénom entre guillemets simples, mais qu'elle n'explique pas pourquoi." [196][197]
  10. ^ En 1967, Hitchcock a dit à Truffaut : « Je pense que les femmes les plus intéressantes, sexuellement, sont les femmes anglaises. et les femmes françaises. Le sexe ne devrait pas être annoncé. Une fille anglaise, ressemblant à une institutrice, est susceptible de monter dans un taxi avec vous et, à votre grande surprise, elle ouvrira probablement le pantalon d'un homme. . . [S]ans l'élément de surprendre les scènes n'ont plus de sens. Il n'y a aucune possibilité de découvrir sexe. [248]
  11. ^ Hitchcock a dit à Fallaci en 1963 : « Quand ils [les acteurs] ne sont pas des vaches, ce sont des enfants : c'est autre chose que j'ai souvent dit. Et tout le monde sait qu'il y a de bons enfants, de mauvais enfants et des enfants stupides. les acteurs, pourtant, sont des enfants stupides. Ils se querellent toujours, et ils se donnent beaucoup d'airs. Moins je les vois, plus je suis heureux. J'ai eu beaucoup moins de mal à diriger quinze cents corbeaux qu'un seul acteur. Je "J'ai toujours dit que Walt Disney avait la bonne idée. Ses acteurs sont en papier quand il ne les aime pas, il peut les déchirer." [172]

Références Modifier

  1. ^"Le guide des collectionneurs d'Alfred Hitchcock : Les années britanniques imprimées". Film de Brenton. 13 août 2019. Archivé de l'original le 21 août 2019 . Récupéré le 22 octobre 2019 .
  2. ^Adair 2002, p. 9.
  3. ^
  4. Ebert, Roger (1er mai 1980). "Le Maître du Suspense est Mort". Chicago Sun-Times. Archivé de l'original le 26 décembre 2017 . Consulté le 26 décembre 2017 .
  5. ^ uneb
  6. "Le chantage (1929)". Institut britannique du cinéma. Archivé de l'original le 31 décembre 2017 . Consulté le 1er janvier 2018. voir aussi White & Buscombe 2003, p. 94 Allen & Ishii-Gonzalès 2004, p. xv
  7. ^ uneb
  8. "La 13e cérémonie des Oscars, 1941". Académie des arts et des sciences du cinéma. Archivé de l'original le 3 mars 2012 . Consulté le 30 décembre 2017 .
  9. ^Bois 2002, p. 62.
  10. ^
  11. "Les 100 plus grands films américains de tous les temps d'AFI". Institut américain du cinéma. Archivé de l'original le 19 mai 2019 . Récupéré le 8 septembre 2018.
  12. ^ unebc
  13. Christie, Ian (septembre 2012). "Les 50 plus grands films de tous les temps". Vue et son. Archivé de l'original le 1er mars 2017 . Consulté le 29 décembre 2017 . regarde aussi
  14. "Top 100 des critiques". Institut britannique du cinéma. 2012. Archivé de l'original le 7 février 2016 . Consulté le 29 décembre 2017 .
  15. ^ uneb
  16. "L'inscription complète du Registre national du film". Bibliothèque du Congrès. Archivé de l'original le 31 octobre 2016 . Consulté le 21 décembre 2018.

Pour l'interview de Snyder : Snyder, Tom (1973). "Entretien d'Alfred Hitchcock", Demain, NBC, 00:01:55 Archivé le 3 janvier 2020 à la Wayback Machine.


Récompenses, chevalerie et mort d'Hitchcock

Bien qu'il ait été nominé cinq fois pour le meilleur réalisateur, Hitchcock n'a jamais remporté l'Oscar. En acceptant le Irving Thalberg Memorial Award aux Oscars de 1967, il a simplement dit : « Merci.

En 1979, l'American Film Institute a décerné à Hitchcock son Life Achievement Award lors d'une cérémonie à l'hôtel Beverly Hilton. Il a plaisanté en disant qu'il devait être sur le point de mourir bientôt.

En 1980, la reine Elizabeth II a fait chevalier Hitchcock. Trois mois plus tard, Sir Alfred Hitchcock mourut d'une insuffisance rénale à l'âge de 80 ans dans sa maison de Bel Air. Ses restes ont été incinérés et dispersés dans l'océan Pacifique.


Voir la vidéo: Alfred Hitchcock - The Dark Ages (Octobre 2021).