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Sculpture sur bois décorative ancienne de 6 000 ans

Sculpture sur bois décorative ancienne de 6 000 ans

Les archéologues ont fait une découverte incroyable dans la vallée de Rhondda, au Pays de Galles - un morceau de bois vieux de 6 000 ans avec des décorations élaborées sculptées. L'âge de l'artefact est incroyable étant donné que les premières sociétés sédentaires n'ont émergé qu'en 5 500 avant JC en Mésopotamie, et c'est des milliers d'années plus tard que Stonehenge a été construit en Grande-Bretagne.

L'importance de cette découverte est significative puisqu'elle prouve que la sophistication en termes d'œuvres d'art existait au Pays de Galles à cette époque, à la fin du Mésolithique. Le morceau de bois trouvé mesurait 1,7 m de long et portait des motifs gravés des deux côtés. Selon les archéologues, il aurait été utilisé pour marquer une zone ou un site sacré. D'autres fouilles n'ont révélé aucun autre artefact jusqu'à présent, ce qui rend ce morceau de bois encore plus unique.

Il semble clair d'après tant de découvertes que ce que l'archéologie et l'histoire pensent du passé de l'humanité pourrait être totalement faux. La mythologie est rejetée comme fausse, même si des preuves ont prouvé que les événements mythologiques sont vrais, et toute tentative de modifier les «faits acceptés» de l'évolution humaine est rejetée comme un non-sens. Le temps viendra où les preuves soutenant le niveau avancé de connaissances et de compétences de nos anciens ancêtres l'emporteront de loin sur les idées conventionnelles selon lesquelles les sociétés anciennes sont composées de primitifs.


    Histoire de la sculpture sur bois

    La sculpture sur bois existe probablement depuis aussi longtemps que l'homme est sur la terre. Ainsi, l'histoire de la sculpture sur bois commence au début. L'homme a toujours utilisé et manipulé le bois. Adam était probablement le premier sculpteur sur bois. Il a dû utiliser le bois comme l'un de ses premiers outils, peut-être pour un bâton ou une canne. Il aurait même pu attacher une pierre à un bâton de bois et s'en servir comme marteau. Lorsqu'il a trouvé un moyen de fabriquer un instrument suffisamment tranchant pour chasser, une pointe de flèche ou une tête de lance a peut-être été la première, mais si c'était le cas, le couteau n'aurait pas pu être loin derrière. Que pensez-vous qu'un homme avec un couteau vivant dans la forêt ou la jungle qui est entouré d'arbres debout et tombés ferait pour passer son temps ? La sculpture sur bois vient de commencer. La date a-t-elle été inscrite dans un livre ? Il n'y avait probablement pas de livres. En plus, la sculpture était tellement amusante qui prendrait le temps de l'écrire. Il a probablement commencé par tailler ou peut-être sculpter d'autres outils ou ustensiles dans le bois. Au bout d'un moment, il dut découvrir qu'il pouvait sculpter ou fabriquer à peu près tout ce qu'il voulait en bois. La sculpture aurait pu être son passe-temps favori, du moins jusqu'à l'arrivée d'Eve.

    Le bois étant un matériau qui ne résistera pas à l'épreuve du temps, les sculptures sur bois doivent être protégées et entretenues pour durer. Contrairement aux sculptures sur pierre ou aux sculptures qui pourraient être enterrées pendant des milliers d'années et survivre, imaginez ce qui arriverait à une sculpture sur bois ou à une sculpture sur bois dans ces conditions. Entre les éléments et les insectes, en peu de temps il ne resterait plus rien. Il existe un pays où les conditions sont suffisamment favorables pour que le bois puisse survivre pendant de longues périodes sans les meilleurs soins. Le climat en Egypte est le seul climat où cela pourrait se produire. En 1860, onze panneaux de bois ont été trouvés qui avaient été conservés sous les sables pendant plus de 4000 ans. Chacun de ces panneaux mesurait deux pieds sur un pied et demi. Ces panneaux sont ce que nous, les sculpteurs sur bois modernes, appellerions des sculptures en relief. Ils ont été trouvés dans la tombe du pharaon Hesy-Ra. On pense que la première figure tridimensionnelle jamais trouvée a été sculptée vers 2500 av. La sculpture mesure trois pieds de haut et est dans la pose égyptienne habituelle, marchant en avant avec les deux pieds à plat sur le sol et tenant un bâton dans une main. Le bois n'était pas abondant en Egypte et l'acacia et le sycomore étaient les seuls arbres qui poussaient convenablement pour la sculpture. Ces arbres étaient si rares qu'ils étaient considérés comme sacrés. Bien qu'il y ait des indications que dans presque tous les pays, les gens pratiquaient l'art de la sculpture sur bois, les sculptures n'ont pas survécu comme en Égypte.

    La sculpture sur bois est mentionnée dans la Bible dans le livre de l'Exode, chapitre 35 qui a probablement été écrit par Moïse. Il se lit comme suit :

    29 Les enfants d'Israël apportèrent une offrande volontaire à l'Éternel, tout homme et femme, dont le cœur les rendait disposés à apporter pour toutes sortes d'ouvrages que l'Éternel avait commandé de faire par la main de Moïse. 30 Et Moïse dit aux enfants d'Israël : Voyez, l'Éternel a appelé par son nom Be-zal’e-el, le fils de U’e-ri, le fils de Hur, de la tribu de Juda. 31 Et il l'a rempli du esprit de Dieu, en sagesse, en intelligence, et en connaissance, et dans toutes sortes d'ouvrages 32 Et pour inventer des œuvres curieuses, pour travailler l'or, et l'argent, et l'airain, 33 Et dans la taille des pierres, pour eux, et dans la sculpture du bois, pour faire toute sorte de travail astucieux

    Remarquez comment la Bible dit que Dieu a donné à ces gens la sagesse, la compréhension et la connaissance pour faire ce travail. Toute sagesse, compétence ou talent que nous avons n'est pas dû à notre propre grandeur, mais sont des dons de Dieu et nous devons le remercier pour eux.

    Pendant l'âge des ténèbres, la sculpture sur bois a connu des hauts et des bas. En Europe, l'art de la sculpture sur bois était à peu près confiné aux monastères car c'était le seul endroit où il était suffisamment sûr de le pratiquer. De nombreuses guerres et actes de barbarie ont eu lieu à cette époque. D'environ 700 après JC à environ 900 après JC, l'art ou la pratique de faire des images était strictement interdit dans certaines parties de l'Europe. Cela comprenait des images de toutes sortes telles que des sculptures sur bois et même des peintures. Cela a été provoqué par des artistes qui copiaient des sculptures romaines de dieux païens, des emblèmes et des symboles païens. De nombreux artistes sont partis pour d'autres parties de l'Europe où les monastères employaient des artisans et des artistes de toutes sortes pour travailler sur les monastères eux-mêmes. Les sculptures sur bois réalisées dans ces monastères étaient principalement des sculptures en relief réalisées dans des portes et des panneaux de bois. Les sculptures réalisées dans chaque pays d'Europe étaient remarquablement similaires, ce qui peut être attribué au fait que les sculpteurs voyageaient de monastère en monastère pour exercer leur métier.

    Après l'an 1000, les artistes se sont sentis plus libres et ont commencé à s'ouvrir avec leur travail. Les sculpteurs sur bois ont été influencés par les sculptures sur pierre et ont basé une partie de leur travail sur des vestiges découverts dans certaines parties de l'Europe comme l'Italie. En Angleterre, les sculptures étaient également basées sur les gravures sur pierre. Ces sculptures n'étaient généralement pas des statues mais des sculptures décoratives. Certains d'entre eux semblent être basés sur des sculptures réalisées au Danemark et en Norvège. Des siècles plus tard, les sculpteurs sur bois scandinaves semblent avoir été influencés par les sculptures sur pierre réalisées en Angleterre. Certaines sculptures réalisées entre 1000 et 1200 après JC peuvent encore être trouvées dans de vieilles églises en Angleterre. Ces sculptures sur bois étaient naturellement protégées des éléments, sinon elles n'auraient pas pu survivre. De nombreuses sculptures sur bois au fil des ans ont été détruites par négligence. D'autres ont été intentionnellement détruits par des guerres et des actes contre les églises. Beaucoup ont également été détruits au nom de l'amélioration, comme le remplacement de sculptures plus anciennes.

    Au fil des siècles, la sculpture sur bois a subi de nombreux changements mais n'est jamais morte. Comme au commencement quand l'homme était seul dans le jardin avec son couteau, tant qu'il y aura du bois et qu'il y aura de l'homme, il y aura des sculptures sur bois.

    Je vous encourage à faire plus de recherches sur l'histoire de la sculpture sur bois si cela vous intéresse. Il existe de nombreuses ressources imprimées et en ligne que vous pourriez trouver utiles. Si vous avez aimé cet article, vous pourriez être intéressé par un autre article que j'ai écrit, History of Chip Carving.


    Histoire de la sculpture sur bois

    Le travail du bois au Népal est florissant depuis les premières années de la période Licchavi (300-879 après JC), bien que les restes de ce travail n'aient pas été récupérés. Il ne reste aucun monument physique de cette époque au Népal pour prouver leur création, à l'exception du fait qu'il est mentionné dans des documentaires. Un voyageur chinois Wang Hsuan tse, qui a décrit le royaume de Licchavi dans son carnet de voyage, a clairement mentionné les beaux objets d'artisanat du bois, les sculptures en bois et les décorations utilisées par les Licchavis.

    La menuiserie est restée au sein de la bourgeoisie pendant la période de transition (879-1200). Bien qu'il n'y ait aucun vestige de l'artisanat du bois de cette époque, la beauté de ces boiseries est documentée dans de nombreuses références à cette époque. La plupart des boiseries d'origine ont été détruites lors de catastrophes telles que des incendies, des tremblements de terre et des invasions étrangères, puis reconstruites. L'un de ces monuments en bois, un site architectural traditionnel nommé Kasthamandapa, un manoir en bois près de Hanuman Dhoka, à Katmandou, est toujours debout. Kasthamandapa a été construit avant 1143 comme abri pour les voyageurs sur la route commerciale. Il a dû être reconstruit à plusieurs reprises au cours des années suivantes, mais l'état actuel indique fortement à quoi devait ressembler le premier Kasthamanadapa. Les boiseries et les sculptures montrent l'avancement de l'artisanat du bois pendant la période de transition. Les indications de ce site sont qu'il aurait fallu beaucoup de temps pour que de telles compétences dans l'artisanat et le travail du bois soient générées. Par conséquent, il devait s'agir d'un ancien métier qui était soigneusement pratiqué avant même la période de transition. Les archives de Gopalaraja Vamsavali mentionnent que le temple Yodyam construit par le roi Somesvaradeva était magnifiquement décoré de boiseries. Très peu de boiseries de cette période ont pu subsister jusqu'à présent mais certaines des boiseries anciennes retrouvées sont datées de la période Malla (XIIIe-XVIIIe siècle).

    Dès le début de la période Malla, l'artisanat du bois et l'architecture ont commencé à prospérer et ont atteint leur apogée lorsque la vallée a été divisée en trois royaumes. Alors que les trois rois rivalisaient pour améliorer la magnificence du pays, de plus beaux métiers ont été créés pour surpasser les autres. La plupart des boiseries et des sculptures sur bois accompagnant l'architecture sous différentes formes datent de la période Malla. Par exemple, le roi Pratap Malla de Katmandou, aimant le Viswarupa du Seigneur Vishnu, le fit créer en bois et le plaça sur le Hanuman Dhoka dans son palais. Ces embarcations ont survécu à de nombreuses calamités ou ont été rapidement reconstruites après leur destruction. Chacun des trois royaumes a son propre Durbar Square, qui était le plus décoré de tous les endroits des royaumes et chacun avait un temple érigé pour la déesse Taleju car elle était la divinité personnelle des rois.

    Les artefacts en bois de cette époque sont généralement des sculptures de divinités, de démons et d'animaux, des tudals (petites colonnes pour soutenir le toit en surplomb mais exclusivement décorées), des fenêtres sculptées et en treillis révélant des motifs complexes et des paons, et des portes, des piliers ainsi que d'autres. Les boiseries de Katmandou semblent indépendantes des influences extérieures à l'exception du fait que les dessins de ces boiseries étaient essentiellement basés sur l'Écriture Sainte, des structures mythiques stylisées, liées aux peintures de différents textes, ou des dessins conventionnels tels que des courbes, des lotus, des fleurs et des Feu. Certaines des anciennes sculptures en bois trouvées sont (a) Vasundhara, épouse de Jambhala, dieu de la richesse, XVe siècle, Musée de Bhaktapur (b) Fille dansante habillée en reine, XVe siècle, Musée de Bhaktapur (c) Gnome comme être, ou Yaksha , XVIIe siècle, Bhaktapur Museum (d) Ganesh, XVIIe siècle, Bhaktapur Museum(e) rouet, XVIIIe siècle, charpente en bois sculpté, Musée du Népal, Katmandou. Certaines des boiseries utilisées sur les sites architecturaux pendant la période Malla sont: (a) les fenêtres à croisillons (b) la fenêtre du paon, Bhaktapur, (c) les tudals de différents palais (d) les piliers décorés (e) les portes.

    Pendant et après la période Malla, les maisons construites à Katmandou utilisaient le bois comme matériau de construction très important. Le bois était largement utilisé pour les portes, les fenêtres, les piliers et les tudals. Les boiseries de Katmandou sont plus présentes dans ces matériaux de construction que dans les idoles en bois. Parfois, les visages étaient sculptés sur du bois et martelés sur une plaque de métal pour former une image sur le métal. Par exemple, la grande image en métal de Swet Bhairav ​​offerte par Rana Bahadur Shah près de Hanuman Dhoka a été produite de cette façon. En tant qu'artisans de la pierre et du métal, les menuisiers ont également leur atelier au rez-de-chaussée de leurs maisons. Ce système de travail a permis aux générations de perpétuer leurs savoir-faire ancestraux. L'art du bois peut être vu dans presque toutes les maisons traditionnelles, les temples et les maisons-abris construits avec une architecture ancienne autour de la vallée. Cela montre à quel point les gens étaient enthousiastes et qualifiés dans l'artisanat du bois. Même pendant les régimes successifs de Shah et de Rana, ces anciennes traditions ont été préservées et sont encore visibles aujourd'hui.
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    L'artisanat du bois est un autre art qui retrace la culture népalaise. Ces œuvres d'art sculptées en bois peuvent être vues sur des statues de bouddha, des statues de bodisattva, une fenêtre de paon, une fenêtre de kumari et d'autres stuatus de dieu hindou, etc. depuis ses débuts jusqu'aux temps modernes. Les sculpteurs sur bois ou les artisans du bois hautement qualifiés et compétents du Népal continuent aujourd'hui d'utiliser des techniques et des outils inchangés au fil des siècles en utilisant différents outils de sculpture sur bois en plus de leurs mains artistiques. La plupart des sculptures sur bois qui ont survécu à travers le Népal autour des temples et d'autres sites du patrimoine datent de la période Malla du XIIIe au XVIIIe siècle. Les clans de Newars, les &ldquoold people&rdquo de Katmandou, Lalitpur, Bhaktapur, ont transmis leurs compétences de sculpture sur bois de générations en générations. générations. Au Népal, les Shilpakars fabriquent du bois et c'est un processus qui prend du temps et qui ne permet pas une production d'art en grande quantité. Ils sculptent des statues de Bouddha hindou et d'autres divinités bouddhistes sur les portes, les fenêtres, les toits des temples, les tables, les chaises et d'autres matériaux de décoration. Aujourd'hui encore, vous pouvez trouver des Shilpakars de Katmandou, au Népal, qui sont dévoués à leur don ancien et culturel qui a été transmis eux par leurs ancêtres. Le travail du bois sculpté à la main a été si parfait que les matériaux fabriqués par les Shilplakars sont très appréciés dans le monde entier. L'excellence de leur travail se retrouve dans la plupart des parties de la vallée de Katmandou, qui ont attiré de nombreux touristes depuis l'Antiquité. Visitez notre boutique

    La sculpture sur bois au Népal est par excellence un art newari. La langue newari comprend un riche vocabulaire de termes de sculpture sur bois dans lesquels chaque élément d'un modèle traditionnel et chaque détail technique de l'artisanat ont un nom, et parfois plusieurs noms dans différentes parties de la vallée. Parmi ces clans de sculpteurs sur bois Newari, les Silpakars.

    Une augmentation de l'implication des jeunes, en particulier les Newars dans la sculpture sur bois à la main, a assuré que l'art de la sculpture sur bois traditionnelle survivra et même s'améliorera au fil du temps. Les produits en bois sculptés à la main ont été si parfaits que les statues et autres matériaux de décoration qu'ils fabriquent sont très appréciés du monde entier. Leur merveilleux morceau d'exemples peut être trouvé dans la plupart des parties de la vallée de Katmandou, qui ont attiré de nombreux touristes depuis les temps anciens.

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    Culte en bois
    Les artisans népalais de Silpakar perpétuent une tradition séculaire à travers des sculptures de divinités de temple, des portails de palais et des ornements domestiques
    Dans le royaume hindou du Népal, il n'est pas nécessaire de chercher longtemps pour en déduire qu'il s'agit d'un pays avec un penchant pour les travaux du bois. Surtout dans la capitale, Katmandou, il est difficile de trouver une structure sans pour autant des designs exquis en bois, que ce soit dans les portes, les fenêtres, les montants de toit, une balustrade ou une véranda. Les temples et palais royaux à plusieurs niveaux de style pagode sont les principaux dépositaires de sculptures complexes, bien que toutes les maisons et toutes les entreprises affichent des embellissements ornés dans une certaine mesure, selon leurs moyens. L'artisanat lui-même, encore perpétué par des artisans héréditaires, est l'un des atouts culturels les plus précieux de ce pays.

    La sculpture sur bois au Népal a été particulièrement développée dans la vallée de Katmandou, qui comprend les districts de Katmandou, Bhaktapur et Lalitpur. Ces trois maisons abritent l'art en bois le plus rare au monde. Peut-être nulle part ailleurs dans le monde les sculptures ne sont-elles aussi sophistiquées, dramatiques et largement intégrées à la construction. Même le nom, "Kathmandu", indique l'objectif unique de cette zone. Dérivé du mot sanskrit kastamandap, qui est la conjonction de kasta, signifiant bois et mandapa, signifiant temple ou salle, Katmandou signifie "temple en bois".

    À l'extrémité ouest de la place Durbar de Katmandou, on trouve la structure connue sous le nom de Kastamandap, la plus ancienne structure en bois de la vallée, ses trois niveaux de toit en pagode s'élevant à cinquante pieds au-dessus d'une longue véranda. La structure remonte à 800 ans, et la légende raconte comment elle a été entièrement construite à partir du tronc d'un seul sal arbre (Shorea robusta). Pourtant, avec l'étendue des temples en bois et de l'iconographie à travers Katmandou et ses environs, une définition plus précise de "Kathmandu" serait "la ville des temples en bois".

    Les piliers du temple, les icônes de la divinité et les portails du palais affichent la quintessence du savoir-faire local en matière de sculpture. En dehors de cela, l'utilisation prédominante de boiseries élaborées est dans les portes et les fenêtres des riches, bien que même les ménages ordinaires s'efforcent d'embellir leurs structures. Habituellement, les cadres des portes et des fenêtres sont en bois dur, un travail minutieux. Les bois durs sont d'abord séchés pendant un certain nombre d'années afin que les portes et les fenêtres puissent durer des siècles. Les cadres sont principalement sculptés de motifs floraux. Les portes elles-mêmes sont généralement en bois résineux et sculptées d'images de dieux et de déesses. Mais partout où les portes sont exposées à des conditions difficiles, elles sont également en bois dur. Certains sont décorés des yeux de Bouddha. D'autres ont des dessins du pot d'eau religieux traditionnel, kalash, poissons et fleurs, tous symboles de bonne fortune.

    Les Népalais ont développé des fenêtres sculptées sur bois comme aucune autre culture [voir à l'intérieur de la couverture]. Outre de nombreuses options standard, les motifs ornementaux préférés sont les fenêtres de lotus, les fenêtres à mailles, les chars, les paons et les oriels. Les fenêtres au Népal remplissent une fonction supérieure à celles de l'architecture occidentale. Ce ne sont pas de simples entrées d'air et de lumière, mais des portails de paix et de beauté. Sculptées sur eux, des images de dieux et de déesses sont censées protéger les résidents des forces du mal. Certaines fenêtres ne sont même pas conçues pour regarder à travers. Leur fonction principale est artistique et symbolique. En tant que tel, de nombreux styles de fenêtre ne s'ouvrent pas. L'option de regarder à l'extérieur se trouve principalement dans les fenêtres des balcons, à travers lesquelles les femmes modestes et réservées peuvent voir les événements de la ville sans s'impliquer. De telles fenêtres sont des symboles du statut social et économique plus élevé de ces personnes.

    Les outils de sculpture sur bois népalais sont simples et traditionnels : ciseau, herminette, scie à main, maillet en bois et rabot. Les artisans embellissent le bois aussi bien pour la décoration intérieure que pour l'extérieur. Pendant des siècles, une caste particulière parmi les Néwars népalais, appelée « Silpakar », a consciencieusement préservé le patrimoine de sculpture sur bois du pays. Dernièrement, cependant, des peuples d'autres castes ont rejoint l'occupation. Soutenu et encouragé à l'origine par les rois Malla, l'art est aujourd'hui principalement soutenu par les achats effectués par les touristes occidentaux.

    La plupart des Silpakars s'engagent encore dans divers aspects de l'industrie de la sculpture sur bois. Les Silpakars sont très présents à Jombahal, à Lalitpur, et sur 700 familles Silpakar à Bugmati, 300 exploitent leur propre atelier de sculpture sur bois. Om Krishna Silpakar, 45 ans, propriétaire d'Om Wood Carving à Patan Industrial Estate, appartient à l'une de ces familles. Selon lui, l'industrie de la sculpture sur bois était monopolisée par les hommes jusqu'à il y a 15 ans. Dernièrement, les femmes ont fortement montré leur habileté. Sur les 22 employés de Krishna, 6 sont des femmes. Il prétend préférer les femmes aux hommes car les femmes ont tendance à rester plus longtemps dans la profession. Il désigne Nani Maiya, qui travaille avec lui depuis 22 ans, et Lakshmi Shakya, avec lui depuis 20 ans. Jusqu'à présent, il a pu former 400 à 500 apprentis sculpteurs sur bois. Il déclare que le salaire des menuisiers varie entre 75 cents et 5,00 $ US par jour, selon la qualité du travail. Selon Krishna, les prix des fenêtres varient entre 15 $ modestes et 7 000 $ rentables. C'est la fenêtre de paon de renommée mondiale qui récupère le maximum de rendements.

    Om Krishna, comme la plupart des Silpakars, ressent un amour indéfectible et une responsabilité envers sa tradition. "Je suis fier d'avoir protégé l'industrie de la sculpture sur bois lancée par mes ancêtres", a-t-il déclaré. "J'ai pu faire découvrir le Népal à quelque 40 à 50 pays grâce à l'exportation de mes boiseries. Cela me donne une grande satisfaction. Pendant mon enfance, j'étais ravie quand les touristes visitaient. Je me souviens encore avec émotion de la visite du roi Tribhuvan et du Premier ministre indien Jawaharlal Nehru dans notre atelier.

    Dernièrement, la construction moderne a menacé d'usurper l'architecture traditionnelle. Pourtant, les sculptures à l'ancienne attirent toujours les touristes. Dans un effort pour préserver les œuvres anciennes existantes, la municipalité de Bhaktapur a strictement interdit la démolition de bâtiments traditionnels pour les remplacer par des bâtiments modernes.

    L'histoire raconte comment la sculpture sur bois au Népal s'est développée dans la vallée de Katmandou en grande partie pendant la dynastie Malla, fondée en 1350 par Jayasthiti Malla. La période Malla a duré près de 600 ans et a été une époque glorieuse dans l'histoire du Népal. Mallas a développé le commerce et le commerce, l'industrie, la religion et la culture. Ils ont atteint un haut niveau de perfection dans les domaines de l'art et de l'architecture. John Sanday dans son livre Monuments de la vallée de Katmandou écrit : « Les bâtiments traditionnels qui sont pour la plupart en évidence dans toute la vallée aujourd'hui représentent l'artisanat et l'architecture de la dynastie Malla, qui a commencé au XIVe siècle, a survécu au début de la période Shah, mais s'est rapidement fané pendant l'ère Rana. » La période Rana a commencé au Népal avec la montée de Jang Bahadur Rana en 1846 et l'effondrement du système en 1951. L'une des raisons pour lesquelles l'activité artistique et architecturale a prospéré pendant la période Malla était que les rois protégeaient cette activité. Quelle que soit l'architecture dont le Népal doit être fier aujourd'hui, elle n'est pas due à la construction moderne mais uniquement au bel art cultivé par le régime Malla.

    Aujourd'hui, tout n'est pas favorable pour les artisans népalais. Les sculpteurs sur bois ont leurs propres défis à relever. Ramlal Silpakar se plaint, "L'épuisement des forêts a créé une pénurie de sal arbres, qui mettent au moins cent ans à mûrir dans la forêt. Il n'est pas dans les moyens de bon nombre d'artisans de s'offrir la flambée des prix de sal bois. » Sita Maiya ajoute : « Le manque d'incitation de la part de l'État est également un problème sérieux. Dans le passé, l'industrie de la sculpture prospérait grâce à la protection de l'État. Mais maintenant, qui se soucie de l'industrie ? » Ram Bahadur, qui sculpte depuis des générations, déclare : « Nous devons nous débrouiller seuls et gagner notre vie. Les perspectives de formation sont limitées. De nombreuses familles d'artisans qui sculptaient des merveilles ont abandonné leur métier. » Et Shyam Sakya, un éminent homme d'affaires de la sculpture sur bois, dit que le marché intérieur a été réduit aux seuls riches.

    Un succès unique est l'hôtel Dwarikas, qui est l'œuvre de la vie de feu Dwarika Das Shrestha. L'hôtel est la manifestation de son effort pour restaurer et préserver une culture et un patrimoine. Shrestha a sauvé d'anciennes sculptures des sites de démolition et a commandé de nouvelles œuvres à des artisans locaux, qui sont toutes entretenues et exposées dans l'hôtel, qu'il a créé pour être un "musée vivant". épouse, Ambica, qui est également la directrice générale de Kathmandu Travels and Tours.

    Dwarika est une rare exception. L'industrie, considérée par certains comme en difficulté, est principalement soutenue par les centres d'artisanat dirigés par des hommes d'affaires privés. Les artisans qui, il y a longtemps, n'avaient jamais à se soucier de la commercialisation, sont maintenant confrontés à la nécessité de se tailler une place dans l'économie népalaise en pleine évolution.

    Zone industrielle de Bhaktapur,
    Byasi-15, Bhaktapur, Népal

    Téléphone: 977-1-6619188
    Fax: 977-1-6612607


    La sculpture sur chêne vieille de 6 000 ans est l'une des plus anciennes d'Europe

    /> />Un bois de chêne vieux de 6 000 ans sculpté d'un motif ovale concentrique et de lignes en zigzag, récemment découvert dans la RhonddaValley, au centre du Pays de Galles, est considéré comme l'une des plus anciennes sculptures en bois décoratives connues d'Europe.

    Trouvé par Heritage Recording Services Wales lors de la construction d'un parc éolien près de Maerdy, le bois de 1,7 m de long avait été conservé dans un gisement de tourbe gorgé d'eau, avec 11 autres morceaux de bois non marqués.

    Avec une extrémité apparemment délibérément arrondie et l'autre légèrement effilée, le bois a été interprété comme un poteau, marquant peut-être un site d'importance locale ou une limite tribale, ou représentant une offrande votive. La datation au radiocarbone l'a placé vers 4270-4000 avant JC, à la fin du Mésolithique ou au début du Néolithique.

    "La plupart des découvertes de cette période consistent en des outils en pierre, donc avoir une sculpture décorative, sur du bois rien de moins, est très excitant", a déclaré l'archéologue principal Richard Scott Jones. «Nous avons tous misé sur son âge, et les gens ont suggéré l'âge des ténèbres, l'âge du fer – mais personne n'imaginait qu'il reviendrait sous forme mésolithique. Nous l'avons depuis montré à un certain nombre d'experts du néolithique et du mésolithique, et ils disent que c'est une découverte unique.

    /> Il a ajouté : « Cette période marque la transition entre les groupes de chasseurs-cueilleurs mobiles et les établissements sédentaires. Le bois a été trouvé au bord d'un ruisseau sur un petit plateau plat, et s'il s'agit d'un poteau, il marquait probablement quelque chose, peut-être un site sacré, ou une piscine, ou un terrain de chasse à proximité - il y a un ancien lit de lac, qui aurait pu animaux attirés, à quelques pas de là - ou une sorte de limite.

    Des motifs abstraits similaires sont connus de la poterie néolithique et des pierres dressées telles que celles de la tombe du passage de Gavrinis en Bretagne, ou, plus près de chez nous, à Barclodiad y Gawres, Anglesey, a déclaré Richard.

    En raison de la rareté de telles décorations survivant sur des bois anciens, cependant, l'équipe a envoyé le bois de chêne à des experts de l'Université du Pays de Galles Trinity St David et Glamorgan-Gwent Archaeological Trust, pour confirmer que les marques étaient d'origine humaine.

    "Nous nous sommes demandé si les lignées auraient pu être créées par les larves de scolytes du chêne, mais après consultation avec des paléoentomologistes, nous sommes heureux qu'il ne s'agisse pas de canaux fouisseurs", a déclaré Richard.

    Il a ajouté: «Comme le bois a environ 100 ans de plus que le gisement dans lequel il a été trouvé, cela peut suggérer que le bois de chêne avait été délibérément amené sur place, et peut-être sculpté sur place. Si c'est le cas, cela représente beaucoup d'énergie à dépenser, ce qui peut indiquer que les marques ont un but particulier, plutôt qu'un rognage occasionnel.’

    Le bois de chêne est actuellement en cours de conservation avec York Archaeological Trust, où il devrait rester jusqu'en 2014.


    Sculpture chinoise

    La sculpture est l'un des plus anciens métiers développés par l'humanité. Les fouilles archéologiques et les sources littéraires montrent que les premières sociétés primitives avaient déjà appris à fabriquer des objets utilitaires ou décoratifs à partir de matériaux facilement disponibles dans la nature, tels que le jade, la pierre, le bambou, le bois, l'ivoire, la corne et l'os. Différents matériaux, composés de propriétés variables, nécessitent différentes manières d'appliquer le travail au couteau. Parmi les divers arts de la sculpture chinois, ceux du bambou, du bois, de l'ivoire, de la corne et du noyau de fruit ont le plus en commun et sont étroitement liés. Depuis le milieu de la dynastie Ming au XVIe siècle, ils ont émergé et se sont développés en une catégorie d'arts unique et indépendante.

    L'origine des arts et de l'artisanat remonte à très loin, mais l'image lointaine avant l'époque de la dynastie Yin-Shang (1600-1046 avant notre ère) est vague. Dans la dynastie Zhou qui a suivi (1046-221 av. Par la suite, au cours des différentes dynasties, le secteur officiel du commerce connut des hauts et des bas, tandis que les opérations privées se poursuivaient avec une certaine progression régulière. Les souverains mongols de la dynastie Yuan (1271-1368) ont démantelé tout cela. Un nouveau système de registre a été mis en place, composé de trois types différents de « Ménages artisanaux (匠户) » ). Il y avait aussi des agences gouvernementales nommées en charge des artisans enregistrés. La gestion centralisée et la convergence de talents divers ont ainsi donné lieu à l'inspiration ainsi qu'à la stimulation dans tous les métiers.

    La dynastie Ming (1368-1644) a hérité et a adhéré au registre Yuan des ménages d'artisans, interdisant tout changement. Le statut d'artisan enregistré était donc inscrit dans les livres et héréditaire, cependant, les individus de distinction particulière pouvaient toujours devenir des fonctionnaires du gouvernement, ou détenir des titres de fonction équivalents, si leurs talents étaient largement reconnus par l'empereur. Il y avait aussi des membres de la classe savante de Ming, bien qu'au plus haut rang de la hiérarchie sociale traditionnelle chinoise de quatre classes (savants, agriculture, artisanat et commerce, dans cet ordre), qui ne pensaient pas qu'il était indigne d'eux-mêmes de s'engager dans & #8220projets artisanaux”. À l'époque de la fin des Ming, certains artisans avaient non seulement bâti une bonne affaire et une fortune grâce à leurs spécialités artisanales, mais avaient également atteint un statut d'égalité avec les lettrés. L'ancien registre de classe rigide à moitié mort, les familles d'artisans ambitieuses s'efforçant d'améliorer leur propre statut social, et les personnes cultivées et éclairées accordant leur approbation et leur admiration en conséquence, tout cela a contribué à la disparition d'un système qui était devenu inutile il y a longtemps. Le 19 mai 1645, le nouveau tribunal de Mandchourie ordonna l'élimination du système de « Maison Artisanale ».

    Back in mid-Ming, with their identity being confined, the artisans with outstanding talents could still gain recognition from the emperors and appointments to high offices. People who felt motivated to achieve thus saw opportunities for betterment. Quite a number of professional artisans in the Ming period were well-read, earnestly seeking acceptance by the literati. Yet still, to socialize with the latter group, for these aspiring initiates, retaining their own specialties of crafts was the entry ticket as critical as having good learning. As a result, with the emperors and the literati playing enthusiastic advocates, and through the effort of the motivated artisans themselves, carving and all other crafts experienced a new and robust period of advancements after mid-Ming.

    In the Qing dynasty (1644–1911), throughout the reigns of Kangxi, Yongzheng, and Qianlong, with the emperors as sponsors the carving artisans who served at the Workshops of the Imperial Household Department brought their originality and ingenuity into full play. Outside the palace, the private studios also made their unceasing effort and contribution thanks to the patronage of the literati gentry and rich businessmen. All these combined to take the carving arts to an unprecedented finesse and sophistication. At the Qing court, the unique specialties of the Canton ivory artisans (linked chains, “live” patterns, floss weaving, and the layered concentric ball) even earned an appellation of “Celestial Feat (仙工)”.

    In summary, after mid-Ming when the Chinese carving arts as a whole had claimed an independent status in its own right, under the support and patronage both from within and without the court, the carving artisans continued to further their ingenuity and refine their skills, eventually winning themselves the extolled status of “Celestial” workmanship.


    Ancient Greek and Roman Molds

    Since Greek and Roman Antiquity, plaster has been a fundamental medium in the long-standing history of replicating artworks, especially marble and bronze sculptures in the round and sculptural reliefs. For those of you who skipped Art History 101, “in the round” refers to a freestanding sculpture, while “relief” is a technique in which the sculpted elements remain attached to a solid background of the same material, so the sculpted material is raised above the background plane.

    The earliest large-scale Greek bronze sculptures were simple in form and shaped from a hammer, separate parts of which were sometimes attached with rivets. From there, artists moved on to the technique of hollow lost wax casting in order to make large freestanding bronzes. They were typically cast in several pieces, one for each body part to be depicted (remember our earlier explanation of piece molding?). Here, the sculptor would have made a clay core in the rough size and shape of the statue. An armature made of iron rods would next stabilize this core, which was then coated with wax. To attain an even casting, there would have also been vents to facilitate the flow of molten metal and for gases to escape. The model was next covered in an outer layer of clay and heated to remove the wax, creating a hollow mold. After reheating, the clay hardened and burned out the wax residue, all ready to be filled with metal!

    Greek statues were still highly prized during Roman rule. Roman artists created marble and bronze copies of them, by making plaster casts that could be shipped to workshops throughout the Empire. In addition to the domestic settings of the wealthy, these works were used to fill niches to decorate a range of public spaces such as theaters and publics baths. In fact, these Roman copies are of vital importance to understanding history today. Because a large number of Greek statues were melted down, Roman marble and bronze copies are the only surviving evidence of them.

    Donatello’s Davidin bronze and a plaster cast of it at the Victoria and Albert Museum, London. Photo credit: Ketrin1407 via Visual Hunt / CC BY and seier+seier via Visual Hunt / CC BY


    Early History of Pyrography

    By using the charcoal that remained from their fires early man discovered they could create patterns, designs, and drawings on their walls. The natural progression of man’s intuition aided their progression from using stone (or much later – metal). They discovered that scraping off the burnt black surface allowed the underlying natural wood to show through.

    This inspired the creation of designs and patterns in a different form.

    Unfortunately, this method did not create permanent works of art. Much later in mans evolution in technology – the employment of metal implements meant that basic pyrography tools were manufactured. When looking back into the history of pyrography, you will find more permanent artworks having been burnt onto leather, wood and even bone.

    Using heated metal objects directly from the fire to burn their preferred medium, meant permanent art was created.

    This very simple, but effective method was in use until Medieval times.


    Ancient Tools of the Trade

    Tools are like windows to the past. They allow us to view the civilizations that created them. Obviously, the more wooden objects a society produces, the more tools it needs and uses.

    In some instances, societies advanced slowly or even regressed when it came to the development and use of woodworking tools. For instance, the Roman joiner had a larger tool chest than his medieval counterpart.

    Axes and adzes were among the first tools created. Woodworkers used the axe to fell trees, and the adze, whose blade was turned 90 degrees, to dress timber.

    The Minoan civilization of Crete used a combination axe-adze and invented the double-headed axe. The ax-adze was popular with Roman carpenters.

    The handsaw was used in Egypt as far back as 1500 B.C. It had a broad blade, some as long as 20 inches, curved wooden handles, and irregular metal teeth. Since the blades were copper, a soft metal, they had to be pulled, not pushed. Because the carpenter could not bear down on the cutting stroke, sawing wood must have been a slow, tedious process.

    The Romans improved the handsaw in two ways. They used iron for the blades, making them stiffer, and they set the teeth of the saw to project alternately right and left. This made the saw cut slightly wider than the blade and allowed a smoother movement.


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    The Romans also invented the frame saw and the stiffened back saw, with s blade that is reinforced at the top to afford straight-through cuts. The frame saw uses a narrow blade held in a wooden frame and is kept taut by tightening a cord. The principle of the frame saw lives on in the modern hacksaw.

    Roman builders used the try square (also known as the carpenter’s square), the plumb line, and the chalk line, tools developed by the ancient Egyptians. Egyptian woodworkers also used wooden pegs instead of nails and made the holes with a bow drill, which they moved back and forth.

    Since the bow drill is ineffective for heavy drilling and wastes energy, the Romans came up with a better tool: the auger. The auger has a short wooden cross-handle attached to a steel shaft whose tip is a spoon-shaped bit. It enabled the woodworker to apply great rotational force and heavy downward pressure.

    Woodworkers in the Middle Ages created a breast auger for drilling deep holes in ships’ timbers. It is topped by a broad pad on which the carpenter rested his entire body weight.

    The Romans improved upon the Egyptian’s wooden pegs by inventing forged iron nails. They also created another dual-purpose tool: the claw hammer.

    In addition, the Romans invented the rule, the smooth plane, and several other types of planes. One historian has called the wood plane “the most important advance in the history of woodworking tools.”

    Chisels are more ancient tools. Bronze Age carpenters used them with both integral handles and socketed wooden handles for house and furniture construction.

    The first mallets, shaped like bowling pins, were pounded across the grain and didn’t last long. Eventually, a handle was fitted to a separate head. These made a more durable hammering surface.

    Discovering preserved ancient wooden artifacts thrills modern archaeologists. It gives them – and us – a special glimpse into the past and provides a tangible link between us and the people of past societies. Unfortunately, countless objects made of wood did not last as long as ones made from clay or metal.

    Wood is naturally very durable and capable of lasting for thousands of years without significant change if kept in moderate, sheltered environments. When the wood is exposed to fungi (molds and mildews), insects, termites, light, excessive heat, and excessive moisture, however, it is doomed to suffer biological deterioration. This is what happened to many of the wooden objects created centuries ago.

    Moisture can be one of the most difficult conditions to control. Wood takes on moisture in high relative humidity conditions and releases it when the humidity is lower.

    Excessively high moisture conditions can cause wood to swell. This can result in crushed components along with finish and glue failure. Excessively low moisture conditions can damage the wood, too, resulting in splitting, gaps in joints, and lifting veneers and inlays.

    Because the dimensions of wood can change when exposed to moisture and heat, the skilled woodworker must be able to anticipate these variations so as to maintain the integrity of the finished piece. Failing to take moisture content into account is a recipe for disaster.

    One tool that ancient man never had the good fortune to possess is the moisture meter. Wagner Meters engineered the first practical and portable electromagnetic wave moisture meters in the 1990s. Since that time, other companies have started manufacturing pinless moisture meters.

    The Wagner moisture meters were designed to cancel out surface moisture. IntelliSense™ technology allows its wood moisture meters to measure the percent of moisture dans the wood instead of au the wood, solving the major drawback of most pinless moisture meters.

    Wagner meters also are designed to enable woodworkers and flooring installers to “scan” many board feet of wood easily and quickly. This is handy when having to check a large volume of wood samples or for simply doing a quick check of current conditions.

    Because Wagner meters have no pins, they do not damage wood surfaces, as do pin meters. They also read moisture content ranging from 5% to 30%. The Orion meter, Wagner’s most popular model, is ideal for measuring moisture in all wood species – hardwoods, softwoods, and even exotic tropical woods. It offers moisture measurement to the tenth-of-a-percent precision.

    The Wagner Meters Orion moisture meter, ideal for hobbyists, is useful for wood flooring and woodworking applications that specify common softwood and hardwood species that do not require moisture measurement to the tenth-of-a-percent precision.

    While many ancient tools lacked durability, Wagner meters are built to last. It’s why they come with an industry-leading 7-year warranty and complete customer satisfaction guarantee.


    A brief history of chip carving

    Chip carving has been practiced in many countries over many centuries, and examples of chip carvings have been found all around the world. For instance, ceremonial tool handles and boat paddles have been found in the South Pacific Islands which were carved with repetitive deep cuts. They were likely done with pieces of sea shells, bits of bone or even shark teeth.

    Chip carving, as we know it today, owes much to the northern countries of Europe, including England and Ireland. Churches in Northern Germany which were built in the 8th century have examples of this type of carvings done in stone. The stone mason was second to none during the Gothic period from the late 1100s through the early 1500s . The art of wood carving thrived but took a backseat to stone masonry. Great cathedrals were built during this period there were no architects in those days to calculate the angles and draw up the plans. All they had were what they called master planners. The stone masons took the master planner’s plans and interpreted them in their own way. The craftsmen came from many miles around to help construct the great buildings. There were lodges provided for the multitude of stone masons and craftsmen to stay in. These lodges were the origins of Masonic Lodges of today. When a great building was completed, the craftsmen would move on to another one in another location.

    At the beginning of the Gothic period, the interior decorations in cathedrals were done almost completely in stone. Later, wood was introduced to the construction. The wood carvers imitated the carvings which had been done in stone. As time went on, the wood carvers realized that they were not as limited in what they could do as the stone masons were. The properties of wood offered a medium in which intricate designs and patterns could be carved quickly. This was something that could not be done in stone. Examples of this can be seen in the elaborate decorative carvings on pulpits, choir stalls, alters and other church fixtures. The wood carvers had become experts in their field and the carvings continued to become more and more elaborate. At this point, the art had made an 180-degree turn and now the stone carvers were trying to imitate the wood carvers. Even today, the architecture of the Gothic period serves as an almost limitless bank of ideas for the modern chip carver.

    In Sweden during the 1700s and 1800s chip carving was commonly used to decorate chairs, tables, clocks and other household furniture. The influence of chip carving spread throughout the world through immigration, and schools were set up to teach the subject. Modern day chip carvers benefit from the wealth of information that has been accumulated over the centuries and from experience that has been passed down from carver to apprentice, and from carver to student. This is a continuing process of teaching and sharing experience and ideas.

    I encourage you to do more research on the history of chip carving if you are interested. There are many resources in print and online that you might find of value. If you liked this article you might be interested in another article that I wrote, the History of Wood Carving.


    Carving Yap’s History

    It was there that they discovered and began mining the aragonite stone that was carved into the heavy discs that are still in use today as one of the world’s most unique forms of currency aptly called “stone money.” The same basic principles of carving wood were used to form the donut-shaped wheels up to 12 feet in diameter that can be seen throughout Yap’s main island today.

    The storyboard relates the tale of the men who began the treacherous journey across the open, shark-infested ocean, beginning with carving the canoes and embarking on the journey, to quarrying and carving the stone and finally towing the discs back to Yap on bamboo rafts tied to the backs of the canoes.

    One panel shows lightning striking one of the canoes and a raging storm with men being tossed overboard. Many lost their lives. The value of stone money is not in its size but in the voyages and the perils along the way.

    The final panel of the storyboard tells of the sailors’ triumphant return, welcomed by those they left behind, sometimes for months or even years, with the loud blow of the conch shell to announce their return. Two men tell the chief about their journey and a widow and child stand nearby being consoled by a fellow villager after hearing of the drowning of the woman’s husband during the voyage.

    Find more information on the island of Yap here: https://www.visityap.com/getting-here/

    Author’s Bio: Joyce McClure is a freelance writer and photographer who moved to the remote island of Yap in the western Pacific Ocean in August 2016 as a Peace Corps Response Volunteer after a long career in public relations. At the end of her service, she decided to remain in Yap to continue writing and working with community organizations.


    Voir la vidéo: 1912 - Sculpture sur bois - Woodcarving (Octobre 2021).