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Vaison-La-Romaine murmure l'histoire à chaque coin de rue

Vaison-La-Romaine murmure l'histoire à chaque coin de rue

La région française historique de la Provence est célèbre pour sa beauté, sa culture et son style de vie détendu. L'une des plus belles et des plus anciennes villes est Vaison-la-Romaine, avec un héritage à la fois romain et médiéval.

La longue histoire de Vaison-la-Romaine

Les fouilles ont montré qu'il y avait un règlement sur le site depuis au moins l'âge du bronze. Dans le 2 sd et 1 st siècle avant JC , la ville était une colonie fortifiée celtique et était l' une des capitales de la tribu Vocontii . Bien qu'ils aient finalement été subjugués par les Romains, ils ont conservé une grande autonomie.

Du 1 st Siècle avant JC, la Gaule a connu une longue ère de paix et de prospérité. Lorsque Vaison s'est romanisée, l'élite locale a adopté la pratique culturelle de ses dirigeants avec de nombreux membres de l'élite Vocontii construisant des villas et des maisons de style romain. Deux aqueducs fournissaient l'eau. La ville était l'une des plus importantes de la province de Gallia Narbonese, l'ancienne province romaine, qui est maintenant le Languedoc et la Provence, dans le sud de la France.

Ruines romaines de la ville de Vaison-la-Romaine, Provence, France ( lic0001 / Adobe Stock)

Au cours de la crise du IIIe siècle, période au cours de laquelle l'empire romain a failli s'effondrer, la ville qui s'était étendue sur une superficie de 75 acres a été saccagée par les envahisseurs germaniques. Il n'a jamais complètement récupéré.

Après la chute de l'Empire romain, la ville est devenue un important centre ecclésiastique. Vaison était contrôlée par les Bourguignons, une première tribu germanique, qui utilisa plus tard de nombreux sièges de l'amphithéâtre comme pierres tombales.

Les Ostrogoths sous Théodoric le Grand prirent la ville en 527 après JC. Plus tard, il a été ajouté au royaume des Francs et est finalement passé sous le contrôle des comtes de Provence. L'époque médiévale était violente, car les Catalans, les Bourguignons et d'autres cherchaient à contrôler la riche terre. Beaucoup d'habitants de Vaison se sont déplacés vers les hauteurs à la recherche d'une position défendable, ce qui était les débuts de la ville médiévale.

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Le pont romain de Vaison la Romaine avec la cité médiévale à droite ( Laurent / Adobe Stock)

Dans le 13 e siècle, la ville fut partagée entre les comtes de Provence et l'évêque local. Les violences qui s'ensuivirent conduisirent au déclin de Vaison. La Provence fait partie du Royaume de France 200 ans plus tard, et au 18 e siècle, les habitants se sont déplacés vers les plaines et ont construit des maisons là où la ville romaine s'était autrefois dressée.

En 1992, des parties de la ville moderne ont été dévastées par une crue soudaine et, malheureusement, il y a eu de nombreuses pertes en vies humaines.

Ruines de l'époque romaine à Vaison-la-Romaine.

Le pont romain qui date du 1 st siècle après JC se dresse fièrement au centre de la ville.

Les ruines romaines sont situées dans deux quartiers distincts de Vaison-la-Romaine. La Villasse abrite le forum qui servait de principal espace public de la ville. Plusieurs autres édifices romains tels que l'Office of Professional Guilds ont été découverts ainsi que des boutiques, des bains et des fontaines. Les ruines romaines les plus célèbres de Vaison-la-Romaine sont la Maison du Dauphin, qui était autrefois une somptueuse villa avec des chambres et des jardins ornés.

Le théâtre antique de Vaison La Romaine ( Olivier-Tuffé / Adobe Stock)

Le deuxième site romain, connu sous le nom de Puymin, est l'endroit où se trouvent les vestiges de grandes demeures ayant appartenu à l'élite locale. Un certain nombre de complexes de logements ont été identifiés, notamment la maison de l'Apollon laurier, la maison de la tonnelle et la maison du paon. Le théâtre romain qui pouvait accueillir 7000 personnes a été découvert en 1912.

Plusieurs des sculptures en marbre qui ont été déterrées à Vaison sont maintenant dans des musées en Amérique du Nord et ailleurs en Europe.

Château de la ville médiévale, cathédrales et plus

La majorité de la vieille ville médiévale est située sur les hauteurs qui surplombent l'ancienne ville romaine et les vues sont inspirantes.

La structure la plus impressionnante est peut-être la 11 e château du siècle ayant appartenu au comte de Toulouse, bien que la majorité ait été ajouté au 13 e siècle. En réalité, il s'agit d'un édifice fortifié plutôt que d'un véritable château et se compose d'un donjon et d'une cour.

Rue étroite de la vieille ville de Vaison-la-Romaine en France ( dudlajzov / Adobe Stock)

Un autre bâtiment médiéval majeur à Vaison est l'église Saint-Quentin avec une abside qui daterait des années 700 après JC. La plupart de l'église actuelle date du 15 e siècle et il contient de nombreux beaux exemples d'art religieux. L'église n'est plus utilisée pour célébrer des services religieux, mais en dessous se dresse une église romane qui date également du Moyen Âge, et c'est toujours un lieu de culte.

Le village possède de nombreuses rues médiévales pittoresques et sinueuses, bordées de bâtiments distinctifs construits en pierres locales. Il y a aussi de beaux passages voûtés dans la vieille ville. L'ancienne place du marché date du 15 e siècle et contient une fontaine très impressionnante.

Visiter Vaison-la-Romaine en France

La ville est un centre touristique populaire avec un célèbre marché en plein air, et bien sûr la nourriture est excellente. Il y a des transports en commun vers la ville et de nombreux logements. Des frais sont facturés pour visiter les ruines romaines et il y a beaucoup à voir.

Le paysage naturel autour de Vaison est spectaculaire et le château offre une vue magnifique sur le paysage provençal.


Sigiriya

Sigiriya ou Sinhagiri (Rocher du Lion Cinghalais : සීගිරිය , tamoul : சிகிரியா/சிங்ககிரி , prononcé see-gi-ri-yə) est une ancienne forteresse rocheuse située dans le nord du district de Matale, près de la ville de Dambulla, dans la province centrale du Sri Lanka. Le nom fait référence à un site d'importance historique et archéologique dominé par une énorme colonne rocheuse de près de 200 mètres (660 pieds) de haut. [ citation requise ]

Selon l'ancienne chronique sri-lankaise Culavamsa, ce site a été choisi par le roi Kashyapa (477 - 495 après JC) pour sa nouvelle capitale. Il a construit son palais au sommet de ce rocher et a décoré ses côtés de fresques colorées. Sur un petit plateau à peu près à mi-hauteur de ce rocher, il construisit une porte en forme de lion énorme. Le nom de ce lieu est dérivé de cette structure — Sīnhāgiri, le Rocher du Lion (une étymologie similaire à Sinhapura, le nom sanskrit de Singapour, la ville du lion).

La capitale et le palais royal sont abandonnés après la mort du roi. Il a été utilisé comme monastère bouddhiste jusqu'au 14ème siècle. [2] Sigiriya est aujourd'hui un site classé au patrimoine mondial de l'UNESCO. C'est l'un des exemples les mieux conservés de l'urbanisme ancien. [3]


Les origines de la tournée souterraine de Norwich

Il est désormais possible d'explorer l'un des sous-sols via une visite guidée. Cette visite, également connue sous le nom de visite de la «rue cachée», est organisée par la Missing Kind Charity, située à KindaKafe sur Castle Meadow.

KindaKafe est situé dans la rue Castle Meadow de Norwich.

À propos de KindaKafe

Cette entreprise sociale vise à lutter contre l'exclusion et la solitude au sein de la communauté locale. Ils ont un café qui gère un programme de « payer en avant » où vous pouvez donner un repas ou une boisson à quelqu'un dans le besoin.

Le lieu appartient à la Missing Kind Charity et ils facilitent les rencontres pour les groupes locaux. Certaines de ces communautés sont si populaires qu'il y a des listes d'attente, alors assurez-vous d'arriver tôt si vous êtes intéressé par un groupe ou un événement !

KindaKafe est une entreprise sociale qui facilite les rencontres locales.

Comme mentionné précédemment, avant de devenir le siège de cette entreprise sociale, le bâtiment qui abrite les Missing Kind et KindaKafe abritait le magasin de chaussures, Ponds. Quand ils ont pris le bâtiment, le sous-sol sous la rue l'accompagnait également.

KindaKafe a ouvert son sous-sol au public à la mi-2018. Cependant, la tournée souterraine de Norwich a suscité un tel intérêt qu'ils organisent désormais des tournées régulièrement pour répondre à la demande.

À quoi dois-je m'attendre d'une visite souterraine de Norwich ?

Après avoir rencontré votre groupe à KindaKafe, l'historienne locale Sarah Walker vous emmènera visiter la rue cachée de la boutique. Une partie du sous-sol aurait été une maison familiale et un atelier. C'était autrefois au niveau de la rue, avant que les fossés entourant le château de Norwich ne soient comblés.

La visite regorge de faits intéressants sur Norwich ainsi que sur la vie médiévale. Sarah explique tout sur les exécutions qui avaient lieu à proximité et comment ce sous-sol particulier a été utilisé pendant la guerre.

Sarah est une guide touristique extrêmement compétente!

Pas seulement une historienne, Sarah est aussi une conteuse professionnelle, alors attendez-vous à être émerveillée par ses histoires de musiciens disparus dans les tunnels ! Si vous êtes intéressé par la narration de Sarah, consultez sa page Facebook.

En plus de présenter de nombreuses histoires intéressantes sur la région, Sarah s'attaque également aux rumeurs. Il y a longtemps eu des rumeurs selon lesquelles certains des tunnels souterrains de Norwich sont des voies secrètes qui mènent au château, mais vous devrez faire le tour pour savoir si cela est vrai !

Le sous-sol a rempli de nombreuses fonctions depuis sa construction !

Même en tant que local, j'ai tellement appris sur Norwich lors de la visite souterraine et je le recommanderais à tous ceux qui cherchent à faire quelque chose d'un peu original ou à en découvrir plus sur l'histoire de la ville.

L'histoire cachée de Norwich s'étend !

Le succès de la tournée « Rue cachée » offerte par le Kindacafé a suscité un intérêt pour l'histoire locale de la région. Depuis le dévoilement de sa première tournée, KindaKafe a également lancé une autre expérience Hidden History Norwich, qui emmène les visiteurs autour de Tombland.

Si vous aimez votre tournée Underground Norwich, vous pouvez vous lancer dans la toute nouvelle tournée Hidden History !


Guildes

Les guildes de Tyrie se sont développées et étendues, malgré la destruction des Battle Isles. Balthazar a aidé à élever un nouveau temple à l'Arche du Lion, marchant sur la pierre de foyer de la construction et y ouvrant une porte vers les Brumes, afin que les héros de chaque monde puissent s'affronter. Mais ces guildes ne sont pas racialement alignées comme elles l'étaient dans le passé - ne se limitent plus aux humains, elles acceptent les héros de toutes les sociétés dans leurs salles.

Les Asuras s'intègrent facilement dans le système de guilde, utilisant les guildes comme n'importe quelle autre confrérie conçue pour une tâche. Pour les Charrs, les guildes sont comme des bandes de guerre. Ils ne remplacent pas la loyauté des Charrs envers leur légion, mais leur offrent plutôt des opportunités uniques d'afficher la force de leur race et d'accroître leur réputation personnelle en tant que combattants féroces. Les Norns sont toujours avides de se battre, et leur loyauté envers leurs amis en fait une bénédiction pour toute force de combat. Les Sylvari apportent des forces uniques et imprévisibles à une guilde et sont impatients de courir n'importe quel danger simplement pour en faire l'expérience.

Les guildes sont une force de premier plan en Tyrie, relevant des défis que les aventuriers individuels craignent de relever et bravant même les adversaires les plus dangereux. On dit que s'il y a un espoir pour les races de Tyrie de trouver la paix, cela viendra des guildes et de leur atmosphère de coopération et d'unité.


Vaucluse : le cœur battant de la Provence

Le Vaucluse regorge de jolis villages, comme Aurel, surplombant ses superbes affleurements rocheux et ses champs de lavande. Crédit photo © Shutterstock

Le charme intemporel du département méridional du Vaucluse vous fera revenir encore et encore, écrit Jennifer Ladonne sur ce coin préféré de la Provence

Le Vaucluse, c'est tout ce que les voyageurs ont appris à aimer sur cette terre enchanteresse. Au moment où les portes du train s'ouvrent à Avignon sur l'air provençal frais, doux et lumineux, vous savez que vous avez atterri dans un monde plus doux. Depuis Avignon, à seulement trois heures en TGV de Paris, les voyageurs peuvent prendre une voiture dans l'une des demi-douzaine de loueurs qui font face à la gare et choisir parmi un embarras de richesses à moins de 90 minutes : Arles, 45 minutes plein sud Aix -en-Provence, à une heure au sud-est de Marseille, à 30 minutes au sud d'Aix et des villages de pêcheurs au pastel paresseux qui bordent le littoral méditerranéen à l'est de Marseille.

Le célèbre Pont d'Avignon. Crédit photo © Shutterstock

Avignon est aussi la porte d'entrée du Vaucluse, terre de contrastes vifs et, à mon sens, le cœur battant de la Provence. S'étendant de la vallée du Rhône à l'ouest et du Luberon massif à l'est, tout au nord jusqu'aux vertigineuses Hautes-Alpes - frontière naturelle entre le Vaucluse et la Drôme provençale plus sauvage - cette belle et généreuse terre est un patchwork de vergers, d'oliveraies et de vignobles vallonnés entrecoupés de montagnes déchiquetées et incroyablement pittoresque villages perchés au sommet des collines.

Au printemps - une période glorieuse pour être ici - les fleurs d'amandier, de cerisier et d'abricot flottent comme de la neige dans les rafales de Mistral, et au début de l'été, les champs s'embrasent de lavande bleu électrique, de tournesols éblouissants et de coquelicots écarlates. En automne, alors que les vignes prennent une teinte dorée, le soleil reste suffisamment chaud pour se prélasser aux terrasses des cafés des places du village jusqu'en novembre.

Le saut de village est simple car les distances sont courtes et les villes assez petites pour se promener en une heure ou deux. Pris en grappes, vous pouvez facilement en voir une douzaine au cours d'un long week-end, ou peut-être suivre les jours de marché, qui s'échelonnent entre les villages.

Les amateurs de vins découvriront l'une des régions viticoles les plus prometteuses de France. Entre les appellations crues bien connues des Côtes du Rhône méridionales de Gigondas, Beaumes-de-Venise, Vacqueyras et Châteauneuf-du-Pape, les plus petits vignobles des Côtes du Luberon et du Ventoux produisent des vins passionnants – beaucoup naturels – qui sont mûrs pour la découverte . De plus en plus de vignobles accueillent les visiteurs et les routes des vins sont bien balisées.

Fraises fraîches au marché. Crédit photo © Shutterstock

Pour les gourmands, la Route des Saveurs du Vaucluse indique où trouver les délices de la région, des fraises de Carpentras parfumées, cerises de Venasque et figues noires de Caromb, au nougat, miel, fromages et safran. Les marchés des grandes villes et villages - Apt et Carpentras le samedi matin et Vaison-La-Romaine le mardi matin - offrent une grande variété, mais vous trouverez des producteurs plus petits dans le plus petit des villages.

Un réseau de sentiers emmène les promeneurs à travers les forêts, autour des vignobles et des terres agricoles, dans les montagnes boisées et dans les herbes parsemées garrigue le tout se terminant par un bien mérité repas. La bonne cuisine est partout. Recherchez l'appellation Bib Gourmand (avec Prix ​​fixe menus à 32 € et moins, classés par ville sur le site Michelin) ou suivez les étoiles Michelin pour un repas soufflé.

Ceux qui veulent toute l'expérience de luxe du vin, de la nourriture et de l'hébergement dans un forfait luxueux peuvent garer la voiture dans un hôtel de domaine viticole et laisser le reste à eux. Bien que les prix puissent être élevés, ils ne représentent qu'une fraction de ce que vous paieriez à Paris et avec tout à portée de main : sentiers pédestres et cyclables, dégustation de vins et cours de cuisine, repas gastronomiques, soins de spa et belles chambres et vues.

Ménerbes est un Plus Beau Village de France. Crédit photo © Shutterstock

Il faut un village

Culminant à 1 125 m d'altitude, le Luberon Massifles paysages spectaculaires de parois rocheuses abruptes et de canyons, de forêts, de champs parsemés de fleurs et de broussailles garrigue sont aimés des randonneurs, des grimpeurs et des ornithologues amateurs (ses falaises abritent au moins six espèces d'oiseaux en voie de disparition, dont plusieurs rapaces et le minuscule bruant ortolan, un délice culinaire chassé jusqu'à la quasi-extinction par les épicuriens). Le robuste massif abrite également deux chaînes de villes au sommet d'une colline incroyablement pittoresques sur ses côtés nord et sud, toutes situées à quelques kilomètres l'une de l'autre.

Du côté nord de la chaîne, commencez par la minuscule ville perchée d'Oppède-le-Vieux, autrefois abandonnée, dont les jardins, l'église du XIIe siècle et les ruines du château ont été restaurés après la Seconde Guerre mondiale. A un kilomètre de distance, Plus Beau Village Ménerbes, où la photographe Dora Maar a passé les dernières décennies de sa vie après son histoire d'amour désastreuse avec Picasso, respire l'élégance. En été, les visiteurs peuvent profiter de la vue depuis sa maison de ville. Au sommet du village, à la Maison de la Truffe et du Vin du Luberon, vous pourrez déguster et acheter les spécialités et les crus locaux tout en profitant d'une vue panoramique depuis le jardin du sommet.

émerveillez-vous devant la beauté médiévale de Ménerbes. Crédit photo © Shutterstock

Lacoste, toujours dominé par les ruines du château familial du marquis de Sade, accueille un festival de théâtre d'été populaire fondé par le designer Pierre Cardin. À cinq minutes en voiture, les magnifiques remparts bien conservés de Bonnieux, les tours du XIIe siècle et l'église au sommet d'une colline offrent de belles vues. Mais pour une vue plongeante sur la quasi-totalité du Luberon et au-delà, direction la Forêt des Cèdres, à quelques minutes en voiture au-dessus du village.

Les 750 acres de cèdres de l'Atlas vieux de 150 ans du parc offrent des kilomètres de sentiers et d'ombre pour une promenade rafraîchissante ou un pique-nique. Côté gastronomie, le restaurant éponyme du chef doublement étoilé Édouard Loubet, étape majeure du circuit gourmand, offre un cadre de rêve avec vue sur le Luberon massif.

Avec moins de 100 habitants, l'adorable Buoux est surtout connue pour les vestiges poétiques de son fort du XIIIe siècle, tandis que les deux églises médiévales bien conservées de Saignon, les ruines de son château et ses jolies places ombragées en font l'arrêt parfait pour un déjeuner rapide ou une pause café, tout en profitant de la vue sur Apt.

Assurez-vous de prévoir au moins quelques jours à Avignon, siège des papes au 14ème siècle. Crédit photo © Shutterstock

Considérée comme la capitale moderne du Luberon, la trépidante Apt est en fait l'une des plus anciennes villes du Vaucluse, fondée par les Romains en 45 av. Le marché animé d'Apt le samedi matin est l'un des meilleurs de Provence. Partez tôt pour une place de parking autour des remparts médiévaux de la ville et suivez les rues sinueuses bordées d'étals présentant des spécialités locales, telles que les fruits confits d'Apt, un délice autrefois réservé aux papes d'Avignon, qui est fabriqué à partir des abondants fruits à noyau de la région.

Apt est également connue pour ses distilleries de lavande et autres huiles essentielles d'herbes et de fleurs. La ville est également célèbre pour son marbré faïence, une belle céramique fabriquée à partir d'argiles locales richement colorées, fabriquée ici depuis le 18ème siècle.

Si un marché fermier plus intime est à votre goût, l'affaire du mardi matin de Saint-Saturnin-lès-Apt rassemble un certain nombre d'agriculteurs locaux, et la ville pittoresque a beaucoup à voir, y compris deux moulins à vent du XVIIe siècle et des vues panoramiques depuis l'ancien château ruines.

Promenez-vous dans le marché local intime de la jolie ville de Saint-Saturnin-lès-Apt, Ménerbes. Crédit photo © Shutterstock

Manger, rester, aimer

À 20 minutes à pied du pittoresque Saint-Saturnin, l'hôtel et domaine viticole du Domaine des Andéols, composé de pelouses bien entretenues, de vignes et d'oliveraies, dominé par d'élégants cyprès, ne pourrait pas être plus contrasté. Si vous le souhaitez, les clients peuvent jeter leurs clés de voiture dans un endroit chic armoire pour la durée de leur séjour dans une maison de vacances décorée d'œuvres d'art ou une suite moderne et élégante, car tout ce dont ils ont besoin - natation, marche, vélo, repas haut de gamme et, surtout, intimité - se trouve sur place. Les produits biologiques du bistrot intérieur-extérieur - dirigé par Maurice Alexis, chef de deux récents présidents français - proviennent des vastes jardins et vignobles du domaine. Pendant ce temps, la salle à manger gastronomique raffinée est présidée par l'étoile montante Julien Bontus.

Autre idylle de campagne autosuffisante, La Bastide de Marie a gagné une clientèle farouchement fidèle pour son cadre pittoresque au milieu de 57 hectares de vignes en activité, son élégant décor de ferme provençale (Picasso originaux inclus) et une table si exceptionnelle que les gastronomes locaux en dépendent. . Si vous pouvez vous en séparer, c'est une base idéale pour explorer les villages de la région et c'est à distance de marche ou à vélo de Ménerbes.

La vallée du Luberon. Crédit photo © Shutterstock

Le Domaine de Fontenille, près de Lauris, est également une base idéale pour découvrir la chaîne de villages du versant sud du Luberon : Lauris, Lourmarin, Cadenet, Ansouis et Cucuron. Fontenille coche toutes les cases de la quintessence du domaine provençal : des cèdres centenaires et des platanes centenaires dominant de larges terrasses extérieures, une pelouse décousu, des roseraies, une fontaine gargouillante et une grotte pittoresque, le tout au milieu d'hectares de vignes. Son décor élégant est l'œuvre de deux marchands d'art parisiens amoureux de la photographie contemporaine. Des vins primés et un chapeau étoilé au guide Michelin, une expérience complète et sophistiquée qui comprend une belle piscine au bord de la pelouse et des soins de spa à la demande. Les amateurs de vin peuvent visiter la cave et déguster les millésimes dans une salle de dégustation épurée.

A l'Auberge La Fenière, près de Lourmarin, c'est une ambiance campagnarde plus modeste qui règne – sauf en salle, où la chef étoilée Nadia Sammut élève la gastronomie sans produits laitiers et sans gluten au rang d'art. Vous ne le sauriez pas grâce à ses plats exquis, mais ceux pour qui cela compte peuvent manger sans aucun souci. Bien que Sammut soit très recherché dans le monde entier pour enseigner l'agriculture durable et la cuisine sans gluten et sans produits laitiers, vous ne mangerez jamais un repas à La Fenière qui n'est pas cuisiné par la chef elle-même.

Les antiquités occupent toujours le devant de la scène à L'Isle-sur-la-Sorgue, mais en dehors de ses 350 magasins d'antiquités, «la Venise provençale» propose toujours d'excellentes expositions d'art au Campredon Arts Center et à la Fondation Villa Datris.

Depuis 1808, la Sorgue a aidé Brun de Vian-Tiran à produire certains des plus beaux lainages de France. Dans le chic nouveau Filaventure (aventures en fil), les visiteurs sont emmenés à travers le processus fascinant de fabrication de l'entreprise luxe produits en cachemire, alpaga, mohair et plus, tandis que la boutique propose sa magnifique literie, ses plaids et ses écharpes. Ensuite, rendez-vous à la Pâtisserie Jouvaud pour une gamme époustouflante de pâtisseries fines, de chocolats et de spécialités sucrées, notamment des abricots et des fraises locaux en conserve. Si un verre de vin local est plus à votre goût, le 17 Place aux Vins est délicieux à l'intérieur comme à l'extérieur.

Ruines du château de Buoux. Crédit photo © Shutterstock

Histoire ancienne

Depuis L'Isle-sur-la-Sorgue, ne négligez pas l'amas de petits villages, perchés ou non, dans un rayon de huit kilomètres. La charmante Venasque possède une église et un baptistère exceptionnels datant de l'époque romaine Saint-Didier a un marché animé le lundi matin et du nougat artisanal, une spécialité locale et Pernes-Les-Fontaines, qui compte pas moins de 40 fontaines. Si vous êtes à la recherche d'un hôtel de luxe dans la région, l'ambiance et l'hospitalité de la boutique de cinq chambres Château la Roque, à La Roque-sur-Perne est difficile à battre.

Les sites antiques à visiter dans le Vaucluse remontent au paléolithique. Parmi eux, L'Abri du Pont de la Combette à Bonnieux, où ont été retrouvées des traces d'occupation néandertalienne remontant à 60 000 ans, et la Baume des Peyrards à Buoux, qui a commencé comme une halte de chasse avant de devenir un habitat permanent au Paléolithique moyen. .

L'amphithéâtre romain d'Orange. Crédit photo © Shutterstock

Mais la région est surtout connue pour ses extraordinaires ruines romaines. Le Théâtre Antique d'Orange, classé au patrimoine mondial de l'UNESCO, l'un des théâtres romains les mieux conservés au monde dans l'ancienne ville romaine d'Orange, est un incontournable. Selon le moment où vous y allez, vous aurez peut-être la chance d'assister à une reconstitution. La ville tentaculaire de Vaison-la-Romaine s'étend sur 2 000 ans d'histoire, avec les vestiges de ses remparts gallo-romains, ses thermes, ses demeures élégantes et son théâtre, et le magnifique pont romain menant à la vieille ville.

Commencer ou terminer votre voyage à Avignon est un must que vous restiez pour un long week-end - ce que nous vous recommandons - ou juste une journée, il y a beaucoup à explorer ici. Nichée à l'intérieur des remparts magnifiquement préservés d'Avignon, la vieille ville est un délice à parcourir et à découvrir. Outre le Palais des Papes, demeure des papes français pendant la majeure partie du XIVe siècle, Avignon est une capitale des arts par excellence, avec une douzaine de superbes musées et centres d'art à explorer, dont la Collection Lambert de classe mondiale (et son fabuleux restaurant en terrasse ) et le Musée Calvet, installé dans le magnifique Hôtel de Villeneuve-Martignan.

Avignon. Crédit photo © Shutterstock

Avignon est également un centre d'excellente gastronomie, de vins et d'hébergement, avec deux des meilleurs hôtels du Vaucluse, l'élégant La Mirande, un hôtel particulier à deux pas du Palais des Papes, et l'exquis quatre pièces La Divine Comédie, situé sur un hectare de jardins luxuriants, le plus grand jardin privé d'Avignon.

En juillet, le Festival d'Avignon et le Festival Off attirent les amateurs de théâtre du monde entier pour leur programmation diversifiée de 1 000 représentations par jour. Les œnophiles peuvent profiter de cours d'œnologie à l'École des Vins d'Inter-Rhône, qui peuvent être personnalisés spécialement pour vous, avec des professeurs de l'Université du Vin de Suze-la-Rousse. Et au Marché des Halles, qui est ouvert tous les jours sauf le lundi, vous pouvez trouver toute la générosité de la Provence dans un seul marché époustouflant.

Les téléphones intelligents sont géniaux, mais ne renoncez pas à l'office de tourisme local, où vous pouvez trouver du personnel parlant anglais et des brochures en anglais, même dans les plus petites villes. A Avignon, profitez de l'excellent centre touristique, à seulement trois minutes à pied de la Collection Lambert. Les amateurs de vin recevront les meilleures informations à jour sur les visites de vignobles, les dégustations et les événements à Inter Rhône, installé dans un manoir du XVIIIe siècle dans l'un des plus beaux quartiers de la vieille ville. Cela vaut la peine de lever un verre.

Du magazine France Aujourd'hui

Notre-Dame d'Aubune à Beaumes-de-Venise. Crédit photo © Shutterstock


Quiet Corner Whispers : Des efforts collectifs peuvent sauver nos forêts

Avant le jour de Noël, chaque organisation à but non lucratif qui a mon nom dans ses fichiers m'a envoyé une demande de contribution spéciale pour poursuivre le travail précieux de l'organisation dans le coin tranquille.

Je continuerai d'apporter ce que je peux, mais je me demande si ce légendaire hors-la-loi britannique du XIIIe siècle, Robin des Bois, dont il est dit qu'il « a volé les riches pour donner aux pauvres » ne serait pas plus convaincant pour réunir les fonds nécessaires.

Selon un article de l'Associated Press il y a dix ans, l'universitaire Julian Luxford venait de rapporter la découverte d'une note dans les marges d'un livre d'histoire ancienne écrit en latin par un moine médiéval qui datait d'environ 1460.&# xa0Le moine a écrit qu'un hors-la-loi appelé Robin Hood et ses complices infestaient la région de la forêt de Sherwood en Angleterre avec des "vols continus".

Selon Luxford, la note soutenait l'histoire selon laquelle Robin Hood était "un allié de bons chevaliers et yeoman, des gens du sel du monde", mais sa relation avec le clergé n'était pas si positive, et Robin Hood était un voleur persistant. .

Luxford a trouvé la note en cherchant dans la bibliothèque du prestigieux Eton College d'Angleterre.&# xa0Eton a été fondée en 1440 par le roi Henri VI.

Comme les forêts du coin tranquille, la forêt de Sherwood de Robin a une histoire de problèmes. La forêt de Sherwood couvrait autrefois environ 100 000 acres, mais de nos jours, son cœur est d'environ 450 acres avec des parcelles de forêt dans le reste du comté de Nottinghamshire. Au fil des siècles, la forêt a été découpée pour les fermes, les mines, les villes et l'exploitation forestière, et c'est le bois de Sherwood qui a été utilisé pour construire des navires médiévaux et même une partie de la célèbre cathédrale Saint-Paul de Londres. On dit que sa collection de chênes centenaires est encore l'une des plus importantes d'Europe.

Le Major Oak, considéré comme l'un des favoris de Robin des Bois et de ses amis, attire les visiteurs dans la forêt. L'arbre a une circonférence de 33 pieds et une largeur de 92 pieds. C'est le plus grand arbre de la forêt de Sherwood et on pense qu'il a entre 800 et 1 000 ans. Cependant, les ravages de l'âge et du changement climatique font des ravages. Robin ne reconnaîtrait pas l'endroit.


Les Géants — Neumann & Nash

Alors que de nombreux contributeurs occupent une place dans l'histoire de la théorie des jeux, il est largement admis que l'analyse moderne a commencé avec John von Neumann et que son cadre méthodologique a été fourni par John Nash.

Il est probable que la théorie des jeux n'existait pas de nom jusqu'à ce que John von Neumann publie l'article pour la première fois. Sur le Théorie des jeux de Stratégie (1928). Bien qu'il ne s'agisse pas de son opus magnum, cet article a considérablement fait avancer le domaine - sa signification est mieux comprise en examinant le projet théorème fondamental de la théorie des jeux contenu dans :

Le théorème fondamental de la théorie des jeux stipule que dans une large catégorie de jeux à deux personnes, il est toujours possible trouver un équilibre dont aucun des acteurs ne doit s'écarter unilatéralement. Un tel équilibre existe dans tout jeu à deux qui satisfait aux critères suivants :

  1. Le jeu est fini
  2. Le jeu est l'un des information complète
  3. C'est un somme nulle Jeu

Connu aujourd'hui sous le nom de théorème Minimax, il est toujours extrêmement pertinent et constitue un élément clé de tout cours de théorie des jeux 101. La publication suivante de Neumann, cependant, était & est toujours le Saint Graal de la théorie des jeux.

Théorie des jeux et comportement économique, publié en 1944 par John von Neumann et l'économiste Oskar Morgenstern, est considéré comme le texte révolutionnaire qui a officiellement établi la théorie des jeux comme domaine de recherche interdisciplinaire. En fait, dans l'introduction de son 60e anniversaire, Princeton University Press l'a décrit comme "l'ouvrage classique sur lequel la théorie des jeux moderne est basée".

Le deuxième contributeur prodigue n'est autre que John Nash de A Beautiful Mind. Récipiendaire du prix Nobel, la prétention de John Nash à la renommée de la théorie des jeux est venue de l'expansion de la définition précédemment définie de Neumann. deux personneséquilibre du jeu. Connu sous le nom d'équilibre de Nash et applicable à une plus grande variété de jeux, Nash a prouvé que tous n-joueur fini dans une somme non nulle (pas seulement une somme nulle à 2 joueurs) a une stratégie optimale clairement définie.


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Fondation et expansion Modifier

En 1186 après JC, Jayavarman VII s'est lancé dans un vaste programme de construction et de travaux publics. Rajavihara (« monastère du roi »), aujourd'hui connu sous le nom de Ta Prohm (« ancêtre Brahma »), fut l'un des premiers temples fondés conformément à ce programme. La stèle commémorative de la fondation date de 1186 après JC [4]

Jayavarman VII a construit Rajavihara en l'honneur de sa famille. L'image principale du temple, représentant Prajnaparamita, la personnification de la sagesse, a été modelée sur la mère du roi. Les temples satellites nord et sud de la troisième enceinte étaient dédiés respectivement au gourou du roi, Jayamangalartha [5] : 174 et à son frère aîné. En tant que tel, Ta Prohm a formé une paire complémentaire avec le monastère du temple de Preah Khan, dédié en 1191 après JC, dont l'image principale représentait le Bodhisattva de compassion Lokesvara et était calquée sur le père du roi. [6]

La stèle du temple indique que le site abritait plus de 12 500 personnes (dont 18 grands prêtres et 615 danseurs), avec 80 000 habitants supplémentaires dans les villages environnants travaillant pour fournir des services et des fournitures. La stèle note également que le temple a amassé des richesses considérables, notamment de l'or, des perles et de la soie. [7] Les expansions et les ajouts à Ta Prohm se sont poursuivis jusqu'au règne de Srindravarman à la fin du XVe siècle.

Abandon et restauration Modifier

Après la chute de l'empire khmer au XVe siècle, le temple de Ta Prohm a été abandonné et négligé pendant des siècles. Lorsque l'effort de conservation et de restauration des temples d'Angkor a commencé au début du 21ème siècle, l'École française d'Extrême-Orient a décidé que Ta Prohm serait laissé en grande partie tel qu'il avait été trouvé, comme une « concession au goût général pour le pittoresque." Selon Maurice Glaize, chercheur pionnier d'Angkor, Ta Prohm a été distingué parce qu'il était « l'un des [temples] les plus imposants et celui qui avait le mieux fusionné avec la jungle, mais pas encore au point d'en faire partie ». [8] Néanmoins, beaucoup de travail a été fait pour stabiliser les ruines, pour permettre l'accès et pour maintenir « cette condition de négligence apparente. [6]

En 2013, Archaeological Survey of India a restauré la plupart des parties du complexe du temple, dont certaines ont été construites à partir de zéro. [3] Des passerelles en bois, des plates-formes et des balustrades cordées ont été mises en place autour du site pour protéger le monument des dommages supplémentaires dus à l'afflux important de touristes.

Mise en page Modifier

La conception de Ta Prohm est celle d'un temple khmer "plat" typique (par opposition à un temple-pyramide ou à un temple-montagne, dont les niveaux intérieurs sont plus élevés que l'extérieur). Cinq murs d'enceinte rectangulaires entourent un sanctuaire central. Comme la plupart des temples khmers, Ta Prohm est orienté vers l'est, de sorte que le temple proprement dit est en retrait vers l'ouest le long d'un axe allongé est-ouest. Le mur extérieur de 1 000 mètres sur 650 mètres englobe une superficie de 650 000 mètres carrés qui, à un moment donné, aurait été le site d'une ville importante, mais qui est maintenant en grande partie boisée. Il y a des gopuras d'entrée à chacun des points cardinaux, bien que l'accès ne soit aujourd'hui possible que depuis l'est et l'ouest. Au XIIIe siècle, des tours de façade semblables à celles du Bayon ont été ajoutées aux gopuras. Certaines des tours de façade se sont effondrées. Autrefois, des douves se trouvaient à l'intérieur et à l'extérieur de la quatrième enceinte. La présence de deux douves a conduit certains historiens à spéculer que les restes 12/13 de Ta Prohm sont une extension d'un sanctuaire bouddhiste plus ancien sur le même site. [9]

Les trois enceintes intérieures du temple proprement dit sont en galerie, tandis que les tours d'angle de la première enceinte forment un quinconce avec la tour du sanctuaire central. Ce plan de base est compliqué pour le visiteur par l'accès détourné rendu nécessaire par l'état partiellement effondré du temple, ainsi que par le grand nombre d'autres bâtiments qui parsèment le site, dont certains représentent des ajouts ultérieurs. Les plus importants de ces autres bâtiments sont les bibliothèques dans les coins sud-est des première et troisième enceintes les temples satellites sur les côtés nord et sud de la troisième enceinte la salle des danseurs entre les troisième et quatrième gopuras orientales et une maison de feu à l'est du quatrième gopura oriental.


Histoire

Histoire ancienne

Les Amani étaient l'une des tribus de trolls qui ont surgi pour défier les Zandalari pour le territoire et le pouvoir. Α]

Lorsqu'un groupe de trolls réveilla Kith'ix, le C'Thrax considérait les nations trolls avec mépris et cherchait ainsi à les détruire avec l'aqir. Au début de l'Aqir et de la guerre des Trolls, de nombreuses tribus plus petites sont tombées avant l'Aqir. Les Amani étaient l'une des nombreuses tribus de trolls à rejoindre l'Empire de Zul, dans lequel les Zandalari ont assumé le rôle de commandant des armées de trolls. L'Empire de Zul força les aqir à battre en retraite et Kith'ix serait gravement blessé par les trolls et leurs alliés loa. Α]

Cherchant à mettre définitivement fin à la menace aqir, les Zandalari savaient qu'aucun recoin du continent ne pouvait être laissé sans surveillance, et les Zandalari ont donc convaincu les factions de trolls les plus avides de pouvoir d'établir de nouvelles forteresses permanentes à travers Kalimdor. Au premier rang de ces groupes se trouvaient les tribus Gurubashi, Amani et Drakkari. Après avoir complètement vaincu les aqir dans leurs nouvelles régions, ils pouvaient revendiquer sans conteste les terres fertiles intactes sur lesquelles ils vivaient maintenant. Les tribus ambitieuses écoutaient les Zandalari et acceptaient volontiers.

La tribu Amani était partie au nord-est, leur objectif de traquer et de détruire le chef aqir, Kith'ix. Ils ont suivi la piste du C'Thrax profondément dans les forêts du nord-est du continent, rencontrant une résistance de plus en plus féroce à mesure qu'ils se rapprochaient. Après avoir traversé des légions d'aqir, les Amani ont finalement atteint le général insectoïde lui-même. Dans une bataille sauvage et légendaire, pratiquement toute la tribu s'est jetée sur Kith'ix et ses forces restantes dans un assaut suicidaire. Le C'Thrax, bien que blessé lors des conflits précédents de la guerre, a personnellement massacré d'innombrables trolls. Seule une infime fraction de la tribu a survécu au terrible engagement, mais Kith'ix a finalement succombé à ses infatigables chasseurs. Bien que cela ait coûté cher à la tribu, la réputation des Amani est devenue légendaire parmi toutes les tribus de trolls pour leur acte héroïque. Au sommet du site où ils avaient tué les C'Thrax, les Amani ont établi une nouvelle colonie. Avec le temps, elle deviendra l'impressionnante ville-temple de Zul'Aman Β] et ​​avec elle, l'empire Amani est né.

Arrivée des hauts elfes

Lorsque les hauts elfes dirigés par Dath'Remar Haut-Soleil ont été exilés pour la première fois et ont débarqué à Lordaeron, ils ont rencontré de violents affrontements avec les trolls de la forêt, qui les considéraient comme une souillure de leur patrie. À l'époque de la fondation de Quel'Thalas, l'empire Amani était l'empire le plus puissant des royaumes de l'Est, ils détenaient encore une grande partie du nord de Lordaeron sous leur emprise territoriale.

Alors que les forces de Zul'Aman se battaient pour garder ces étrangers indésirables de leurs terres, les hauts elfes ont développé une profonde aversion pour les trolls vicieux et les ont tués à vue chaque fois qu'ils ont été rencontrés. Avec le temps, les hauts elfes fondèrent le royaume de Quel'Thalas et firent le serment de créer un puissant empire qui éclipserait celui de leurs cousins ​​kaldorei. Malheureusement, ils apprirent bientôt que Quel'Thalas avait été fondée sur une ancienne cité troll que les trolls tenaient toujours pour sacrée. Presque immédiatement, les trolls commencèrent à attaquer en masse les colonies elfes.

Les elfes têtus, ne voulant pas abandonner leur nouvelle terre, utilisèrent les magies qu'ils avaient glanées dans le Puits d'éternité et gardèrent les trolls sauvages à distance. Sous la direction de Dath'Remar, ils ont réussi à vaincre les bandes de guerre Amani qui les surpassaient en nombre dix contre un. Certains elfes, méfiants vis-à-vis des anciens avertissements des Kaldorei, pensaient que leur utilisation de la magie pourrait éventuellement attirer l'attention de la Légion ardente bannie. Par conséquent, ils ont décidé de masquer leurs terres dans une barrière protectrice qui leur permettrait toujours de travailler leurs enchantements. Ils ont construit une série de pierres runiques monolithiques à divers endroits autour de Quel'Thalas qui marquaient les limites de la barrière magique. Les pierres runiques masquaient non seulement la magie des elfes contre les menaces extra-dimensionnelles, mais aidaient également à effrayer les bandes de trolls superstitieux.

Au fil du temps, Quel'Thalas s'est épanouie dans une quantité brillante d'efforts et de prouesses magiques des hauts-elfes et pendant près de quatre mille ans, les hauts-elfes ont vécu paisiblement dans la sécurité isolée de leur royaume. Néanmoins, les trolls vindicatifs de Zul'Aman ne furent pas si facilement vaincus. Ils complotaient et complotaient dans les profondeurs des forêts et attendaient que le nombre de leurs troupes augmente. Enfin, une puissante armée de trolls a chargé des forêts ténébreuses et a de nouveau assiégé les flèches brillantes de Quel'Thalas. Γ]

La guerre des trolls

Alors que les hauts elfes dirigés par le Haut Roi Anasterian Haut-Soleil se battaient pour leur vie contre l'assaut féroce des trolls, les humains nomades dispersés de Lordaeron se battaient pour consolider leurs propres terres tribales. Les tribus de l'humanité primitive ont pillé les colonies les unes des autres sans se soucier de l'unification raciale ou de l'honneur. Pourtant, une tribu, connue sous le nom d'Arathi, a vu que les trolls devenaient une menace trop grande pour être ignorée. Les Arathi souhaitaient amener toutes les tribus sous sa domination afin qu'elles puissent fournir un front unifié contre les bandes de trolls.

Alors même que les Arathi déjouaient les manœuvres, battaient les tribus rivales et offraient la paix et l'égalité à ceux qu'ils conquéraient, gagnant ainsi la loyauté de ceux qu'ils avaient vaincus, les Trolls des forêts de Zul'Aman se sont révélés très efficaces contre les hauts elfes de Quel'Thalas. . En désespoir de cause, les ambassadeurs de Quel'Thalas se sont rendus à Strom, la capitale de la nation arathi d'Arathor, afin de parler au roi Thoradin.

Les elfes informèrent Thoradin que les armées de trolls étaient vastes et qu'une fois que les trolls auraient détruit Quel'Thalas, ils passeraient à l'attaque des terres du sud. Les elfes désespérés, ayant un besoin urgent d'aide militaire, acceptèrent à la hâte d'apprendre à certains humains sélectionnés à manier la magie en échange de leur aide contre les bandes de guerre. Thoradin, se méfiant de toute magie, accepta d'aider les elfes par nécessité. Presque immédiatement, des sorciers elfes arrivèrent à Arathor et commencèrent à instruire un groupe d'humains sur les voies de la magie.

Les elfes découvrirent que bien que les humains soient naturellement maladroits dans leur maniement de la magie, ils possédaient une affinité naturelle surprenante pour celle-ci. Cent hommes ont appris les bases mêmes des secrets magiques des elfes : pas plus que ce qui était absolument nécessaire pour combattre les trolls. Convaincus que leurs étudiants humains étaient prêts à les aider dans la lutte, les elfes quittèrent Strom et se dirigèrent vers le nord aux côtés des puissantes armées du roi Thoradin.

Les armées elfes et humaines unies se sont affrontées contre les écrasantes bandes de trolls au pied des montagnes d'Alterac. La bataille a duré plusieurs jours, mais les armées inlassables d'Arathor ne se sont jamais fatiguées ni n'ont cédé un pouce de terrain avant l'assaut des trolls. Les seigneurs elfes considérèrent que le moment était venu de libérer les pouvoirs de leur magie sur l'ennemi. La centaine de mages humains et une multitude de sorciers elfes appelèrent la fureur des cieux et enflammèrent les armées de trolls. Les feux élémentaires empêchaient les trolls de régénérer leurs blessures et brûlaient leurs formes torturées de l'intérieur vers l'extérieur.

Parmi les trolls, des murmures se répandent d'une lame envoûtée connue sous le nom de   [ Felo'melorn ] , doté de la magie des arcanes, non seulement pour tuer le plus redoutable et le plus rusé de ses ennemis, mais aussi pour abattre un nombre supérieur et irriguer les champs de bataille de leur sang. Les sorciers trolls se sont mis à lancer des sorts et des malédictions contre l'arme infâme, mais l'histoire montre que même le vaudou le plus sombre n'a pas fait grand-chose pour annuler l'efficacité de Felo'melorn pendant la guerre des trolls. « Il a été dit qu'un millier de trolls Amani sont tombés sous la fureur de Felo'melorn, répandant suffisamment de sang Amani pour faire déborder les murs de Zul'Aman. En tant que tel, il est devenu connu comme un tueur de trolls légendaire et un fléau des trolls. Δ]

Alors que les armées de trolls se brisaient et tentaient de fuir, les armées de Thoradin les renversèrent et massacrèrent jusqu'au dernier de leurs soldats. Les trolls ne se remettraient jamais complètement de leur défaite, et l'histoire ne verrait plus jamais les trolls s'élever comme une seule nation. Assurés que Quel'Thalas était sauvé de la destruction, les elfes ont fait un serment de loyauté et d'amitié à la nation d'Arathor et à la lignée de son roi, Thoradin. Les humains et les elfes entretiendraient des relations pacifiques pour les siècles à venir. Η]


Contenu

    – Roi de Bretagne
  • Comte de Gloucester
  • Comte de Kent - plus tard déguisé en Caius - Le fou de Lear
  • Edgar – Fils aîné de Gloucester – Fils illégitime de Gloucester – Fille aînée de Lear – Deuxième fille de Lear – Fille cadette de Lear
  • Duc d'Albany - mari de Goneril
  • Duc de Cornouailles - Le mari de Regan
  • Gentleman – assiste Cordélia
  • Oswald - le fidèle intendant de Goneril
  • Roi de France - prétendant et plus tard mari de Cordelia
  • Duc de Bourgogne - prétendant à Cordelia
  • Vieil homme – locataire de Gloucester
  • Curan – courtisan

Acte I Modifier

Le roi Lear de Bretagne, âgé et voulant se retirer des fonctions de la monarchie, décide de partager son royaume entre ses trois filles, et déclare qu'il offrira la plus grosse part à celle qui l'aime le plus. L'aînée, Goneril, parle la première, déclarant son amour pour son père en termes complets. Ému par sa flatterie, Lear accorde à Goneril sa part dès qu'elle a terminé sa déclaration, avant que Regan et Cordelia n'aient la possibilité de parler. Il attribue ensuite à Regan sa part dès qu'elle a parlé. Quand c'est enfin le tour de sa fille cadette et préférée, Cordelia, elle refuse d'abord de dire quoi que ce soit ("Rien, mon Seigneur") puis déclare qu'il n'y a rien à comparer à son amour, pas de mots pour l'exprimer correctement, dit-elle. honnêtement mais carrément qu'elle l'aime selon son lien, ni plus ni moins, et qu'elle réservera la moitié de son amour à son futur mari. Furieux, Lear déshérite Cordelia et partage sa part entre ses sœurs aînées.

Le comte de Gloucester et le comte de Kent observent qu'en divisant son royaume entre Goneril et Regan, Lear a attribué son royaume à parts égales aux pairies du duc d'Albany (mari de Goneril) et du duc de Cornouailles (mari de Regan) . Kent s'oppose au traitement injuste de Cordelia par Lear. Enragé par les protestations de Kent, Lear le bannit du pays. Lear convoque alors le duc de Bourgogne et le roi de France, qui ont tous deux proposé le mariage à Cordelia. Apprenant que Cordélia a été déshéritée, le duc de Bourgogne retire sa plainte, mais le roi de France est impressionné par son honnêteté et l'épouse néanmoins. Le roi de France est choqué par la décision de Lear car jusqu'à présent Lear n'a fait que louer et favoriser Cordelia (". elle qui encore mais maintenant était ton meilleur objet, / L'argument de ta louange, baume de ton âge, ."). [1] Pendant ce temps, Gloucester a présenté son fils illégitime Edmund à Kent.

Lear annonce qu'il vivra alternativement avec Goneril et Regan, et leurs maris. Il se réserve une suite de 100 chevaliers, à soutenir par ses filles. Goneril et Regan parlent en privé, révélant que leurs déclarations d'amour étaient fausses et qu'ils considèrent Lear comme un vieil homme stupide.

Le fils bâtard de Gloucester, Edmund, en veut à son statut illégitime et complote pour se débarrasser de son demi-frère aîné légitime, Edgar. Il trompe son père avec une fausse lettre, lui faisant penser qu'Edgar envisage d'usurper le domaine. Le comte de Kent revient d'exil déguisé (se faisant appeler Caius), et Lear l'engage comme serviteur. Chez Albany et Goneril, Lear et Kent se disputent avec Oswald, l'intendant de Goneril. Lear découvre que maintenant que Goneril a le pouvoir, elle ne le respecte plus. Elle lui ordonne de réduire le nombre de sa suite désordonnée. Enragé, Lear part pour la maison de Regan. Le Fou reproche à Lear sa folie de tout donner à Regan et Goneril et prédit que Regan ne le traitera pas mieux.

Acte II Modifier

Edmund apprend de Curan, un courtisan, qu'il y aura probablement une guerre entre Albany et Cornwall et que Regan et Cornwall doivent arriver chez Gloucester ce soir-là. Profitant de l'arrivée du duc et de Regan, Edmund feint une attaque d'Edgar, et Gloucester est complètement dupe. Il déshérite Edgar et le proclame hors-la-loi.

Portant le message de Lear à Regan, Kent rencontre à nouveau Oswald chez Gloucester, se querelle à nouveau avec lui et est mis dans les stocks par Regan et son mari Cornwall. Lorsque Lear arrive, il s'oppose aux mauvais traitements infligés à son messager, mais Regan est aussi méprisant envers son père que Goneril l'était. Lear est enragé mais impuissant. Goneril arrive et soutient l'argument de Regan contre lui. Lear cède complètement à sa rage. Il se précipite dans une tempête pour fulminer contre ses filles ingrates, accompagné du fou moqueur. Kent suit plus tard pour le protéger. Gloucester proteste contre les mauvais traitements infligés à Lear. Avec la suite de cent chevaliers de Lear dissoute, les seuls compagnons qui lui restent sont son fou et Kent. Errant sur la lande après la tempête, Edgar, sous les traits d'un fou nommé Tom o' Bedlam, rencontre Lear. Edgar babille follement tandis que Lear dénonce ses filles. Kent les conduit tous à l'abri.

Acte III Modifier

Edmund trahit Gloucester à Cornwall, Regan et Goneril. Il révèle des preuves que son père est au courant d'une invasion française imminente destinée à rétablir Lear sur le trône et en fait, une armée française a débarqué en Grande-Bretagne. Une fois qu'Edmund part avec Goneril pour avertir Albany de l'invasion, Gloucester est arrêté, et Regan et Cornwall arrachent les yeux de Gloucester. Pendant qu'ils font cela, un serviteur est submergé de rage par ce dont il est témoin et attaque Cornwall, le blessant mortellement. Regan tue le serviteur et dit à Gloucester qu'Edmund l'a trahi, puis elle le pousse à errer également dans la lande.

Acte IV Modifier

Edgar, sous son déguisement de fou, rencontre son père aveugle dans la bruyère. Gloucester, aveugle et ne reconnaissant pas la voix d'Edgar, le supplie de le conduire à une falaise à Douvres afin qu'il puisse sauter à sa mort. Goneril découvre qu'elle trouve Edmund plus attirant que son honnête mari Albany, qu'elle considère comme un lâche. Albany a développé une conscience - il est dégoûté par le traitement des sœurs de Lear et Gloucester - et dénonce sa femme. Goneril renvoie Edmund à Regan. Après avoir reçu des nouvelles de la mort de Cornwall, elle craint que sa sœur nouvellement veuve ne vole Edmund et lui envoie une lettre via Oswald. Désormais seul avec Lear, Kent le conduit à l'armée française, qui est commandée par Cordelia. Mais Lear est à moitié fou et terriblement embarrassé par ses premières folies. À l'instigation de Regan, Albany rejoint ses forces avec les siennes contre les Français. Les soupçons de Goneril sur les motivations de Regan sont confirmés et retournés, car Regan devine à juste titre le sens de sa lettre et déclare à Oswald qu'elle est un match plus approprié pour Edmund. Edgar fait semblant de conduire Gloucester à une falaise, puis change de voix et dit à Gloucester qu'il a miraculeusement survécu à une grande chute. Lear apparaît, maintenant complètement fou. Il hurle que le monde entier est corrompu et s'enfuit.

Oswald apparaît, toujours à la recherche d'Edmund. Sur les ordres de Regan, il essaie de tuer Gloucester mais est tué par Edgar. Dans la poche d'Oswald, Edgar trouve la lettre de Goneril, dans laquelle elle encourage Edmund à tuer son mari et à la prendre pour femme. Kent et Cordelia s'occupent de Lear, dont la folie passe rapidement. Regan, Goneril, Albany et Edmund rencontrent leurs forces. Albany insiste pour qu'ils combattent les envahisseurs français mais ne nuisent pas à Lear ou à Cordelia. Les deux sœurs convoitent Edmund, qui leur a fait des promesses. Il considère le dilemme et complote la mort d'Albany, Lear et Cordelia. Edgar donne la lettre de Goneril à Albany. Les armées se rencontrent au combat, les Britanniques battent les Français, et Lear et Cordelia sont capturés. Edmund envoie Lear et Cordelia avec des ordres conjoints secrets de sa part (représentant Regan et ses forces) et de Goneril (représentant les forces de son ex-mari, Albany) pour l'exécution de Cordelia.

Acte V Modifier

Les dirigeants britanniques victorieux se rencontrent et Regan, récemment veuve, déclare maintenant qu'elle épousera Edmund. Mais Albany expose les intrigues d'Edmund et de Goneril et proclame Edmund traître. Regan tombe malade, après avoir été empoisonnée par Goneril, et est escortée hors de la scène, où elle meurt. Edmund défie Albany, qui réclame un procès au combat. Edgar apparaît masqué et en armure et défie Edmund en duel. Personne ne sait qui il est. Edgar blesse mortellement Edmund, bien qu'Edmund ne meure pas immédiatement. Albany confronte Goneril avec la lettre qui devait être son arrêt de mort qu'elle fuit dans la honte et la rage. Edgar se révèle et rapporte que Gloucester est mort dans les coulisses du choc et de la joie d'apprendre qu'Edgar est vivant, après qu'Edgar se soit révélé à son père.

En coulisse, Goneril, ses plans contrecarrés, se suicide. Le mourant Edmund décide, bien qu'il admet que c'est contre son propre caractère, d'essayer de sauver Lear et Cordelia, mais sa confession arrive trop tard. Peu de temps après, Albany envoie des hommes pour contredire les ordres d'Edmund. Lear entre portant le cadavre de Cordélia dans ses bras, ayant survécu en tuant le bourreau. Kent apparaît et Lear le reconnaît maintenant. Albany exhorte Lear à reprendre son trône, mais comme pour Gloucester, les épreuves que Lear a traversées l'ont finalement submergé et il meurt. Albany demande alors à Kent et Edgar de prendre en charge le trône. Kent décline, expliquant que son maître l'appelle en voyage et qu'il doit le suivre. Enfin, Albany (dans la version in-quarto) ou Edgar (dans la version in-folio) implique qu'il deviendra désormais roi.

La pièce de Shakespeare est basée sur divers récits de la figure semi-légendaire Brythonic Leir de Grande-Bretagne, dont le nom a été lié par certains érudits [ qui? ] au dieu Brythonic Lir/Llŷr, bien qu'en réalité les noms ne soient pas étymologiquement liés. [2] [3] [4] La source la plus importante de Shakespeare est probablement la deuxième édition de Les Chroniques d'Angleterre, d'Ecosse et d'Irlande par Raphael Holinshed, publié en 1587. Holinshed lui-même a trouvé l'histoire dans le premier Historia Regum Britanniae par Geoffroy de Monmouth, qui a été écrit au 12ème siècle. Edmund Spenser La reine des fées, publié en 1590, contient également un personnage nommé Cordelia, qui meurt aussi de la pendaison, comme dans Le Roi Lear. [5]

D'autres sources possibles sont le jeu anonyme Roi Leir (publié en 1605) Le miroir des magistrats (1574), par John Higgins Le mécontent (1604), par John Marston Le prodigue de Londres (1605) de Montaigne Essais, qui ont été traduits en anglais par John Florio en 1603 Une description historique de l'île de Britaine (1577), par William Harrison Reste concernant Britaine (1606), par William Camden L'Angleterre d'Albion (1589), par William Warner et Une déclaration d'impostures papistes flagrantes (1603), par Samuel Harsnett, qui a fourni une partie du langage utilisé par Edgar alors qu'il feint la folie. [6] Le Roi Lear est également une variante littéraire d'un conte populaire, Love Like Salt, Aarne-Thompson type 923, dans lequel un père rejette sa plus jeune fille pour une déclaration d'amour qui ne lui plaît pas. [7] [8]

La source de l'intrigue secondaire impliquant Gloucester, Edgar et Edmund est un conte de Philip Sidney L'Arcadie de la comtesse de Pembroke (1580-1590), avec un roi aveugle de Paphlagonie et ses deux fils, Leonatus et Plexitrus. [9]

Changements par rapport au matériel source Modifier

Outre l'intrigue secondaire impliquant le comte de Gloucester et ses fils, la principale innovation que Shakespeare a apportée à cette histoire était la mort de Cordelia et Lear à la fin du récit de Geoffrey de Monmouth, Cordelia restaure Lear sur le trône et lui succède en tant que souverain après sa mort. Au XVIIe siècle, la fin tragique de Shakespeare a été très critiquée et des versions alternatives ont été écrites par Nahum Tate, dans lesquelles les personnages principaux ont survécu et Edgar et Cordelia se sont mariés (malgré le fait que Cordelia était auparavant fiancée au roi de France). Comme le déclare Harold Bloom : « La version de Tate a occupé la scène pendant près de 150 ans, jusqu'à ce qu'Edmund Kean rétablisse la fin tragique de la pièce en 1823. » [dix]

Il n'y a aucune preuve directe pour indiquer quand Le Roi Lear a été écrit ou joué pour la première fois. On pense qu'il a été composé entre 1603 et 1606. Une entrée du registre des papetiers note une performance avant Jacques Ier le 26 décembre 1606. La date de 1603 provient de mots dans les discours d'Edgar qui peuvent dériver de Samuel Harsnett's Déclaration d'impostures papistes flagrantes (1603). [11] Un problème important dans la datation de la pièce est la relation entre Le Roi Lear à la pièce intitulée La Vraie Chronique Histoire de la vie et de la mort du roi Leir et de ses trois filles, qui a été publié pour la première fois après son inscription dans le registre des papetiers du 8 mai 1605. Cette pièce a eu un effet significatif sur Shakespeare, et son étude approfondie suggère qu'il utilisait une copie imprimée, ce qui suggère une date de composition de 1605-1606. [12] A l'inverse, Frank Kermode, dans le Shakespeare au bord de la rivière, envisage la publication de Leir avoir été une réponse aux représentations de la pièce déjà écrite de Shakespeare notant un sonnet de William Strachey qui peut avoir des ressemblances verbales avec Léar, Kermode conclut que "1604-05 semble le meilleur compromis". [13]

Une ligne dans la pièce qui concerne "Ces éclipses tardives dans le soleil et la lune" [14] semble faire référence à un phénomène de deux éclipses qui se sont produites au-dessus de Londres à quelques jours d'intervalle - l'éclipse lunaire du 27 septembre 1605 et la éclipse solaire du 12 octobre 1605. Cette remarquable paire d'événements a suscité de nombreuses discussions parmi les astrologues. La ligne d'Edmund "Une prédiction que j'ai lue cet autre jour…" [15] se réfère apparemment aux pronostics publiés des astrologues, qui ont suivi les éclipses. Cela suggère que ces lignes de l'acte I ont été écrites quelque temps après les éclipses et les commentaires publiés. [16]

Le texte moderne de Le Roi Lear provient de trois sources : deux in-quartos, l'un publié en 1608 (Q1) et l'autre en 1619 (Q2), [a] et la version du Premier Folio de 1623 (F1). Q1 a "beaucoup d'erreurs et de confusions". [17] Q2 était basé sur Q1. Il a introduit des corrections et de nouvelles erreurs. [18] Q2 a également informé le texte du Folio. [19] Les textes Quarto et Folio diffèrent considérablement. Q1 contient 285 lignes non en F1 F1 contient environ 100 lignes pas dans Q1. En outre, au moins un millier de mots individuels sont modifiés entre les deux textes, chaque texte a des styles de ponctuation différents et environ la moitié des lignes de vers dans le F1 sont soit imprimés en prose, soit divisés différemment dans le Q1. Les premiers éditeurs, à commencer par Alexander Pope, ont amalgamé les deux textes, créant la version moderne qui a été couramment utilisée depuis. La version amalgamée est née de l'hypothèse que les différences entre les versions n'indiquent aucune réécriture par l'auteur que Shakespeare n'a écrit qu'un seul manuscrit original, qui est maintenant perdu et que les versions Quarto et Folio contiennent diverses distorsions de cet original perdu. D'autres éditeurs, tels que Nuttall et Bloom, ont suggéré que Shakespeare lui-même était peut-être impliqué dans le remaniement de passages de la pièce pour tenir compte des performances et d'autres exigences textuelles de la pièce. [20]

Dès 1931, Madeleine Doran a suggéré que les deux textes avaient des histoires indépendantes, et que ces différences entre eux étaient d'un intérêt critique. Cet argument, cependant, n'a pas été largement discuté jusqu'à la fin des années 1970, quand il a été relancé, principalement par Michael Warren et Gary Taylor, qui discutent d'une variété de théories, y compris l'idée de Doran que le Quarto peut avoir été imprimé à partir des papiers grossiers de Shakespeare, et que le Folio peut avoir été imprimé à partir d'un promptbook préparé pour une production. [21]

Le New Cambridge Shakespeare a publié des éditions séparées de Q et F. L'édition la plus récente de Pelican Shakespeare contient à la fois les textes 1608 Quarto et 1623 Folio ainsi qu'une version amalgamée de l'édition New Arden éditée par R.A. Foakes propose un texte amalgamé qui indique les passages que l'on ne trouve que dans Q ou F. Anthony Nuttall de l'Université d'Oxford et Harold Bloom de l'Université de Yale ont tous deux approuvé le point de vue selon lequel Shakespeare avait révisé la tragédie au moins une fois au cours de sa vie. [20] Comme Bloom l'indique : « À la fin de la version révisée de Shakespeare Le Roi Lear, un Edgar réticent devient roi de Bretagne, acceptant son destin mais avec les accents du désespoir. Nuttall spécule qu'Edgar, comme Shakespeare lui-même, usurpe le pouvoir de manipuler le public en trompant le pauvre Gloucester." [20]

Analyse et critique de Le Roi Lear au cours des siècles a été considérable.

Interprétations historicistes Modifier

John F. Danby, dans son La doctrine de la nature de Shakespeare - Une étude du roi Lear (1949), soutient que Léar dramatise, entre autres, les significations actuelles de « Nature ». Les mots "nature", "naturel" et "non naturel" apparaissent plus de quarante fois dans la pièce, reflétant un débat à l'époque de Shakespeare sur ce qu'était vraiment la nature, ce débat imprègne la pièce et trouve une expression symbolique dans l'attitude changeante de Lear envers Thunder. Il y a deux visions fortement opposées de la nature humaine dans la pièce : celle du parti Lear (Lear, Gloucester, Albany, Kent), illustrant la philosophie de Bacon et Hooker, et celle du parti Edmund (Edmund, Cornwall, Goneril, Regan ), semblable aux vues formulées plus tard par Hobbes, bien que ce dernier n'ait pas encore commencé sa carrière de philosophe quand Léar a été réalisée pour la première fois. En plus des deux vues de la Nature, la pièce contient deux vues de la Raison, mises en évidence dans les discours de Gloucester et Edmund sur l'astrologie (1.2). La rationalité du parti Edmund est celle avec laquelle un public moderne s'identifie plus facilement. Mais le parti Edmund pousse le rationalisme audacieux à des extrêmes tels qu'il devient folie : une folie de raison, la contrepartie ironique de la « raison dans la folie » de Lear (IV.6.190) et de la sagesse-dans-la-folie du Fou. Cette trahison de la raison est à l'origine de l'accent ultérieur de la pièce sur sentiment.

Les deux Natures et les deux Raisons impliquent deux sociétés. Edmund est l'Homme nouveau, membre d'une époque de compétition, de suspicion, de gloire, en contraste avec la société plus ancienne qui est descendue du Moyen Âge, avec sa croyance en la coopération, la décence raisonnable et le respect de l'ensemble comme plus grand que la partie. Le Roi Lear est donc une allégorie. La société plus ancienne, celle de la vision médiévale, avec son roi adorateur, tombe dans l'erreur, et est menacée par le nouveau machiavélisme elle est régénérée et sauvée par une vision d'un ordre nouveau, incarnée dans la fille rejetée du roi. Cordelia, dans le schéma allégorique, est triple : une personne un principe éthique (amour) et une communauté. Néanmoins, la compréhension de Shakespeare de l'Homme nouveau est si étendue qu'elle équivaut presque à de la sympathie. Edmund est la dernière grande expression dans Shakespeare de ce côté de l'individualisme de la Renaissance - l'énergie, l'émancipation, le courage - qui a apporté une contribution positive à l'héritage de l'Occident. « Il incarne quelque chose de vital qu'une synthèse finale doit réaffirmer. Mais il fait une affirmation absolue que Shakespeare ne soutiendra pas. Il est juste que l'homme sente, comme Edmund le fait, que la société existe pour l'homme, pas l'homme pour la société. droit d'affirmer le genre d'homme qu'Edmond érigerait à cette suprématie. » [23]

La pièce offre une alternative à la polarité féodale-machiavélique, alternative annoncée dans le discours de France (I.1.245-256), dans les prières de Lear et Gloucester (III.4. 28-36 IV.1.61-66), et dans la figure de Cordélia. Jusqu'à ce que la société décente soit atteinte, nous sommes censés prendre comme modèle (bien que qualifié par les ironies shakespeariennes) Edgar, "le machiavel de la bonté", [24] l'endurance, le courage et la "maturité". [23]

La pièce contient également des références aux différends entre le roi Jacques Ier et le Parlement. Aux élections de 1604 à la Chambre des communes, Sir John Fortescue, le chancelier de l'Échiquier, est battu par un membre de la noblesse du Buckinghamshire, Sir Francis Goodwin. [25] Mécontent du résultat, James a déclaré invalide le résultat des élections du Buckinghhamshire et a juré à Fortescue en tant que député du Buckinghamshire tandis que la Chambre des communes a insisté pour prêter serment à Goodwin, ce qui a conduit à un affrontement entre le roi et le Parlement sur qui avait le droit de décider qui siège à la Chambre des communes. [25] Le député Thomas Wentworth, le fils d'un autre député Peter Wentworth—souvent emprisonné sous Elizabeth pour avoir soulevé la question de la succession à la Chambre des communes—a été très énergique pour protester contre les tentatives de James de réduire les pouvoirs de la Chambre des communes, affirmant que le King ne pouvait pas simplement déclarer les résultats d'une élection invalides s'il n'aimait pas qui avait remporté le siège, car il insistait sur le fait qu'il le pouvait. [26] Le personnage de Kent ressemble à Peter Wentworth de la manière qui est sans tact et brutale en conseillant Lear, mais son point est valable que Lear devrait être plus prudent avec ses amis et conseillers. [26]

Tout comme la Chambre des communes avait fait valoir à James que leur loyauté était envers la constitution de l'Angleterre, et non envers le roi personnellement, Kent insiste sur le fait que sa loyauté est institutionnelle et non personnelle, car il est fidèle au royaume dont le roi est à la tête, pas à Lear lui-même, et il dit à Lear de mieux se comporter pour le bien du royaume. [26] En revanche, Lear avance un argument similaire à celui de Jacques selon lequel en tant que roi, il détient un pouvoir absolu et pourrait ignorer les vues de ses sujets s'ils lui déplaisent quand il le souhaite. [26] Dans la pièce, les personnages comme le Fou, Kent et Cordelia, dont les loyautés sont institutionnelles, voyant leur première loyauté envers le royaume, sont dépeints plus favorablement que ceux comme Regan et Goneril, qui insistent sur le fait qu'ils ne sont fidèles qu'au roi , considérant leur loyauté comme personnelle. [26] De même, James était connu pour son style de vie débauche et débauche et sa préférence pour les courtisans flagorneurs qui chantaient toujours ses louanges dans l'espoir d'avancement, des aspects de sa cour qui ressemblent beaucoup à la cour du roi Lear, qui débute en la pièce avec une cour débauche et débauche de courtisans flagorneurs. [27] Kent critique Oswald comme un homme indigne de fonction qui n'a été promu qu'à cause de sa flagornerie, disant à Lear qu'il devrait être loyal envers ceux qui sont prêts à lui dire la vérité, une déclaration que beaucoup en Angleterre souhaitaient que James conscient. [27]

De plus, Jacques VI d'Écosse a hérité du trône d'Angleterre à la mort d'Elizabeth I en 1603, unissant ainsi les royaumes de l'île de Grande-Bretagne en un seul, et un problème majeur de son règne était la tentative de forger une identité britannique commune. [28] James avait donné à ses fils Henry et Charles les titres de Duc de Cornwell et Duc d'Albany, les mêmes titres portés par les hommes mariés à Regan et Goneril. [29] La pièce commence avec Lear régnant sur toute la Grande-Bretagne et se termine avec la destruction de son royaume. Le critique Andrew Hadfield a soutenu que la division de la Grande-Bretagne par Lear était une inversion de l'unification de la Grande-Bretagne par James, qui croyait que sa politique entraînerait royaume unifié bien gouverné et prospère étant transmis à son héritier. [29] Hadfield a fait valoir que la pièce était censée être un avertissement à James car dans la pièce, un monarque perd tout en cédant à ses courtisans flagorneurs qui ne cherchent à l'utiliser qu'en négligeant ceux qui l'aimaient vraiment. [29] Hadfield a également soutenu que le monde de la cour de Lear est « enfantin », Lear se présentant comme le père de la nation et exigeant que tous ses sujets, pas seulement ses enfants, s'adressent à lui en termes paternels, ce qui infantilise la plupart des personnes autour de lui, qui fait clairement référence à la déclaration de James dans son livre de 1598 La loi de Trew des monarchies libres que le roi est le "père de la nation", pour qui tous ses sujets sont ses enfants. [30]

Interprétations psychanalytiques et psychosociales Modifier

Le Roi Lear fournit une base pour « la mise en acte primaire de la rupture psychique dans l'histoire littéraire anglaise ». [31] La pièce commence avec le « narcissisme proche d'un conte de fées » de Lear. [32]

Étant donné l'absence de mères légitimes dans Le Roi Lear, Coppélia Kahn [33] propose une interprétation psychanalytique du « sous-texte maternel » trouvé dans la pièce. Selon Kahn, la vieillesse de Lear l'oblige à régresser dans une disposition infantile, et il cherche maintenant un amour qui est traditionnellement satisfait par une femme maternelle, mais en l'absence d'une vraie mère, ses filles deviennent les figures maternelles. Le concours d'amour de Lear entre Goneril, Regan et Cordelia sert d'accord contraignant que ses filles obtiendront leur héritage à condition qu'elles prennent soin de lui, en particulier de Cordelia, dont il dépendra grandement de la "bonne pépinière".

Le refus de Cordelia de se consacrer à lui et de l'aimer plus qu'un père a été interprété par certains comme une résistance à l'inceste, mais Kahn insère également l'image d'une mère qui rejette. La situation est maintenant un renversement des rôles parent-enfant, dans lequel la folie de Lear est une rage enfantine due à sa privation de soins filiaux/maternels. Même lorsque Lear et Cordelia sont capturés ensemble, sa folie persiste alors que Lear envisage une pépinière en prison, où la seule existence de Cordelia est pour lui. Ce n'est qu'avec la mort de Cordélia que son fantasme de fille-mère s'amenuise finalement, car Le Roi Lear se termine avec seulement des personnages masculins vivants.

Sigmund Freud a affirmé que Cordelia symbolisait la mort. Par conséquent, lorsque la pièce commence avec Lear rejetant sa fille, cela peut être interprété comme lui rejetant la mort Lear ne veut pas faire face à la finitude de son être. La scène de fin poignante de la pièce, dans laquelle Lear porte le corps de sa bien-aimée Cordelia, était d'une grande importance pour Freud. Dans cette scène, Cordelia force la réalisation de sa finitude, ou comme Freud l'a dit, elle le fait " se lier d'amitié avec la nécessité de mourir ". [34] Shakespeare avait des intentions particulières avec la mort de Cordelia et était le seul écrivain à faire tuer Cordelia (dans la version de Nahum Tate, elle continue de vivre heureuse, et dans celle de Holinshed, elle restaure son père et lui succède).

Alternativement, une analyse basée sur la théorie adlérienne suggère que la lutte du roi entre ses filles dans l'acte I a plus à voir avec son contrôle sur Cordelia, célibataire. [35] Cette théorie indique que le « détrônement » du roi [36] l'a peut-être conduit à rechercher le contrôle qu'il a perdu après avoir divisé ses terres.

Dans son étude du portrait du personnage d'Edmund, Harold Bloom se réfère à lui comme « le personnage le plus original de Shakespeare ». [37]

"Comme Hazlitt l'a souligné", écrit Bloom, "Edmund ne partage pas l'hypocrisie de Goneril et Regan : son machiavélisme est absolument pur et manque d'un motif œdipien. La vision de Freud des romances familiales ne s'applique tout simplement pas à Edmund. Iago est libre se réinventer à chaque instant, pourtant Iago a des passions fortes, même négatives. Edmund n'a aucune passion, il n'a jamais aimé personne, et il ne le fera jamais. À cet égard, il est le personnage le plus original de Shakespeare. [37]

La tragédie du manque de compréhension de Lear des conséquences de ses demandes et de ses actions est souvent observée comme celle d'un enfant gâté, mais il a également été noté que son comportement est également susceptible d'être vu chez des parents qui ne se sont jamais adaptés à leur enfants ayant grandi. [38]

Christianisme Modifier

Les critiques sont divisées sur la question de savoir si Le Roi Lear représente une affirmation d'une doctrine chrétienne particulière. [39] Ceux qui le pensent avancent des arguments différents, qui incluent l'importance du désinvestissement de Lear. [40] Pour certains critiques, cela reflète les concepts chrétiens de la chute des puissants et de la perte inévitable des possessions matérielles. En 1569, des sermons prononcés à la cour comme ceux de Windsor déclaraient que « les hommes riches sont de la poussière riche, les hommes sages de la poussière sage. garbouillement, et ébouriffage, et hissage, et colère persistante, et peur de la mort et de la mort elle-même, et de la faim, et de nombreux fouets de Dieu. » [40] Certains voient cela dans Cordelia et ce qu'elle symbolisait - que le corps matériel n'est que de simples enveloppes qui seraient finalement jetées pour que le fruit puisse être atteint. [39]

Parmi ceux qui soutiennent que Lear est racheté au sens chrétien par la souffrance se trouvent A.C. Bradley [41] et John Reibetanz, qui a écrit : " par ses souffrances, Lear a gagné une âme illuminée ". [42] D'autres critiques qui ne trouvent aucune preuve de rédemption et soulignent les horreurs de l'acte final incluent John Holloway [43] [ page nécessaire ] et Marvin Rosenberg. [44] [ page nécessaire ] William R. Elton souligne le cadre pré-chrétien de la pièce, écrivant que « Lear remplit les critères d'un comportement païen dans la vie », tombant « dans le blasphème total au moment de sa perte irrémédiable ». [45] Ceci est lié à la façon dont certaines sources citent qu'à la fin du récit, le roi Lear a fait rage contre le ciel avant de finalement mourir de désespoir avec la mort de Cordelia. [46]

Le Roi Lear a été joué par des acteurs estimés depuis le 17ème siècle, lorsque les hommes ont joué tous les rôles. Depuis le 20ème siècle, un certain nombre de femmes ont joué des rôles masculins dans la pièce le plus souvent le Fou, qui a été joué (entre autres) par Judy Davis, Emma Thompson et Robyn Nevin. Lear lui-même a été joué par Marianne Hoppe en 1990, [47] par Janet Wright en 1995, [48] par Kathryn Hunter en 1996-97, [49] et par Glenda Jackson en 2016 et 2019. [50]

17ème siècle Modifier

Shakespeare a écrit le rôle de Lear pour le tragédien en chef de sa compagnie, Richard Burbage, pour qui Shakespeare écrivait des personnages de plus en plus âgés au fur et à mesure que leur carrière progressait. [51] Il a été supposé que le rôle du Fou a été écrit pour le clown de la compagnie Robert Armin, ou qu'il a été écrit pour être joué par l'un des garçons de la compagnie, doublant le rôle de Cordelia. [52] [53] Une seule représentation spécifique de la pièce du vivant de Shakespeare est connue : devant la cour du roi Jacques Ier à Whitehall le 26 décembre 1606. [54] [55] Ses représentations originales auraient eu lieu au Globe, où il n'y avait pas de décors au sens moderne du terme, et les personnages auraient signifié leurs rôles visuellement avec des accessoires et des costumes : le costume de Lear, par exemple, aurait changé au cours de la pièce au fur et à mesure que son statut diminuait : en commençant par la couronne et Chasseur déchaîné tête nue dans la scène de la tempête et enfin couronné de fleurs en parodie de son statut originel. [56]

Tous les théâtres ont été fermés par le gouvernement puritain le 6 septembre 1642. Lors de la restauration de la monarchie en 1660, deux sociétés de brevets (la King's Company et la Duke's Company) ont été créées et le répertoire théâtral existant divisé entre elles. [57] Et depuis la restauration jusqu'au milieu du XIXe siècle, l'histoire de la performance de Le Roi Lear n'est pas l'histoire de la version de Shakespeare, mais au lieu de L'histoire du roi Lear, une adaptation populaire de Nahum Tate. Ses écarts les plus importants par rapport à Shakespeare ont été d'omettre complètement le Fou, d'introduire une fin heureuse dans laquelle Lear et Cordelia survivent, et de développer une histoire d'amour entre Cordelia et Edgar (deux personnages qui n'interagissent jamais dans Shakespeare) qui se termine par leur mariage. [58] Comme la plupart des adaptateurs de Restauration de Shakespeare, Tate admirait le génie naturel de Shakespeare mais jugeait bon d'augmenter son travail avec les normes contemporaines de l'art (qui étaient largement guidées par les unités néoclassiques de temps, de lieu et d'action).[59] La lutte de Tate pour trouver un équilibre entre la nature brute et l'art raffiné est apparente dans sa description de la tragédie : a saisi un trésor." [60] [61] D'autres changements ont inclus le fait de donner à Cordelia un confidente nommé Arante, rapprochant la pièce des notions contemporaines de justice poétique et ajoutant du matériel titillant tel que des rencontres amoureuses entre Edmund et Regan et Goneril, une scène dans laquelle Edgar sauve Cordelia de la tentative d'enlèvement et de viol d'Edmund, [62] [63] et une scène dans laquelle Cordelia porte un pantalon pour homme qui révélerait les chevilles de l'actrice. [64] La pièce se termine par une célébration de « la bienheureuse Restauration du Roi », une référence évidente à Charles II. [b]

18ème siècle Modifier

Au début du XVIIIe siècle, certains écrivains ont commencé à exprimer des objections à cette (et à d'autres) adaptations de la Restauration de Shakespeare. Par exemple, dans Le spectateur le 16 avril 1711, Joseph Addison écrivit "Le Roi Lear est une tragédie admirable. comme Shakespeare l'a écrit, mais comme il est réformé selon la notion chymérique de justice poétique à mon humble avis, il a perdu la moitié de sa beauté. » Pourtant sur la scène, la version de Tate a prévalu. [c]

David Garrick a été le premier acteur-manager à commencer à réduire les éléments de l'adaptation de Tate en faveur de l'original de Shakespeare : il a conservé les principaux changements de Tate, y compris la fin heureuse, mais a supprimé de nombreuses lignes de Tate, y compris le discours de clôture d'Edgar. [66] Il a également réduit l'importance de l'histoire d'amour Edgar-Cordelia, afin de se concentrer davantage sur la relation entre Lear et ses filles. [67] Sa version a eu un impact émotionnel puissant : Lear conduit à la folie par ses filles était (selon les mots d'un spectateur, Arthur Murphy) « la plus belle détresse tragique jamais vue sur n'importe quelle scène » et, en revanche, la dévotion montrée à Lear de Cordelia (un mélange des contributions de Shakespeare, Tate et Garrick au rôle) a ému le public aux larmes. [ré]

Les premières représentations professionnelles de Le Roi Lear en Amérique du Nord sont susceptibles d'avoir été ceux de la Hallam Company (plus tard l'American Company) qui est arrivée en Virginie en 1752 et qui a compté la pièce parmi leur répertoire au moment de leur départ pour la Jamaïque en 1774. [68]

19ème siècle Modifier

Charles Lamb a établi l'attitude des romantiques envers Le Roi Lear dans son essai de 1811 « Sur les tragédies de Shakespeare, considérées en référence à leur aptitude à la représentation sur scène », où il dit que la pièce « est essentiellement impossible à représenter sur scène », préférant en faire l'expérience dans l'étude. Au théâtre, argumente-t-il, "voir Lear jouer, voir un vieil homme tituber sur scène avec une canne, renversé par ses filles par une nuit pluvieuse, n'a rien dedans que ce qui est douloureux et dégoûtant " pourtant " pendant que nous le lisons, nous ne voyons pas Lear mais nous sommes Lear, nous sommes dans son esprit, nous sommes soutenus par une grandeur qui déjoue la malice des filles et des tempêtes. " [69] [70]

Le Roi Lear était politiquement controversé pendant la période de folie de George III, et par conséquent n'a pas été joué du tout dans les deux théâtres professionnels de Londres de 1811 à 1820 : mais a ensuite fait l'objet de grandes productions dans les deux, dans les trois mois suivant sa mort. [71] Le 19ème siècle a vu la réintroduction progressive du texte de Shakespeare pour déplacer la version de Tate. Comme Garrick avant lui, John Philip Kemble avait introduit davantage le texte de Shakespeare, tout en conservant les trois éléments principaux de la version de Tate : l'histoire d'amour, l'omission du Fou et la fin heureuse. Edmund Kean a joué Le Roi Lear avec sa fin tragique en 1823, mais a échoué et est revenu au plaisir de la foule de Tate après seulement trois représentations. [72] [73] Enfin en 1838, William Macready à Covent Garden a exécuté la version de Shakespeare, libérée des adaptations de Tate. [72] Le personnage restauré du Fou a été joué par une actrice, Priscilla Horton, comme, selon les mots d'un spectateur, "un garçon fragile, agité, au beau visage, à moitié idiot." [74] Et la dernière apparition d'Helen Faucit en tant que Cordelia, morte dans les bras de son père, est devenue l'une des images victoriennes les plus emblématiques. [75] John Forster, écrivant dans le Examinateur le 14 février 1838, exprima l'espoir que « le succès de M. Macready a banni à jamais cette disgrâce [la version de Tate] de la scène ». [76] Mais même cette version n'était pas proche de celle de Shakespeare : les comédiens-managers du XIXe siècle ont fortement coupé les scripts de Shakespeare : scènes de fin sur de grands "effets rideaux" et réduction ou suppression des seconds rôles pour donner une plus grande importance à la star. [77] L'une des innovations de Macready - l'utilisation de structures de type Stonehenge sur scène pour indiquer un cadre ancien - s'est avérée durable sur scène jusqu'au 20ème siècle et peut être vue dans la version télévisée de 1983 avec Laurence Olivier. [78]

En 1843, l'Act for Regulating the Theatres est entré en vigueur, mettant fin aux monopoles des deux compagnies existantes et, ce faisant, a augmenté le nombre de théâtres à Londres. [74] En même temps, la mode au théâtre était « picturale » : valorisant le spectacle visuel au-dessus de l'intrigue ou de la caractérisation et exigeait souvent des changements de scène longs (et chronophages). [79] Par exemple, Henry Irving 1892 Le Roi Lear offert des spectacles tels que la mort de Lear sous une falaise à Douvres, son visage éclairé par la lueur rouge d'un soleil couchant au prix de la coupe de 46% du texte, y compris l'aveuglement de Gloucester. 80 en réponse au salut crié de ses gardes. Sa démarche, ses regards, ses gestes, tout révèle l'esprit noble et impérieux qui dégénère déjà en irritabilité sénile sous les chocs à venir du chagrin et de l'âge. [81]

L'importance du pictorialisme pour Irving, et pour d'autres professionnels du théâtre de l'époque victorienne, est illustrée par le fait qu'Irving avait utilisé la peinture de Ford Madox Brown La portion de Cordélia comme source d'inspiration pour l'apparence de sa production, et que l'artiste lui-même a été amené à fournir des croquis pour les décors d'autres scènes. [82] Une réaction contre le pictorialisme est venue avec la montée du mouvement reconstructeur, croyant en un style simple de mise en scène plus similaire à celui qui aurait concerné les théâtres de la Renaissance, dont le principal représentant était l'acteur-manager William Poel. Poel a été influencé par une performance de Le Roi Lear dirigé par Jocza Savits au Hoftheater de Munich en 1890, situé sur une scène de tablier avec un théâtre de reconstruction à trois niveaux semblable à un globe en toile de fond. Poel utilisera cette même configuration pour ses propres performances shakespeariennes en 1893. [83]

20e siècle Modifier

Au milieu du siècle, la tradition acteur-manager avait décliné, pour être remplacée par une structure où les grandes compagnies de théâtre employaient des metteurs en scène professionnels comme auteurs. Le dernier des grands acteurs-managers, Donald Wolfit, a joué Lear en 1944 sur un décor à la Stonehenge et a été salué par James Agate comme « la plus grande pièce de théâtre shakespearien depuis que j'ai eu le privilège d'écrire pour le Horaires du dimanche". [e] [85] Wolfit aurait bu huit bouteilles de Guinness au cours de chaque représentation. [f]

Le personnage de Lear au XIXe siècle était souvent celui d'un vieil homme frêle de la scène d'ouverture, mais Lears du XXe siècle commençait souvent la pièce en tant qu'hommes forts affichant une autorité royale, notamment John Gielgud, Donald Wolfit et Donald Sinden. [87] Cordelia, aussi, a évolué au 20ème siècle : plus tôt Cordelias avait souvent été félicité pour être doux, innocent et modeste, mais les Cordelias du 20ème siècle étaient souvent dépeints comme des chefs de guerre. Par exemple, Peggy Ashcroft, à la RST en 1950, jouait le rôle dans une cuirasse et portant une épée. [88] De même, le Fou a évolué au cours du siècle, avec des représentations dérivant souvent de la tradition du music-hall ou du cirque. [89]

À Stratford-upon-Avon en 1962, Peter Brook (qui tournera plus tard la pièce avec le même acteur, Paul Scofield, dans le rôle de Lear) place l'action simplement sur une immense scène blanche vide. L'effet de la scène où Lear et Gloucester se rencontrent, deux minuscules personnages en haillons au milieu de ce vide, a été dit (par l'érudit Roger Warren) pour saisir "à la fois le pathétique humain... et l'échelle universelle... de la scène". [90] Certaines des lignes de l'émission radio ont été utilisées par les Beatles pour s'ajouter au mix enregistré de la chanson "Je suis le morse". John Lennon est tombé sur la pièce du troisième programme de la BBC tout en jouant avec la radio tout en travaillant sur la chanson. Les voix des acteurs Mark Dignam, Philip Guard et John Bryning de la pièce sont toutes entendues dans la chanson. [91] [92]

Comme d'autres tragédies shakespeariennes, Le Roi Lear s'est avérée susceptible de conversion dans d'autres traditions théâtrales. En 1989, David McRuvie et Iyyamkode Sreedharan adaptent la pièce puis la traduisent en malayalam, pour une représentation au Kerala dans la tradition kathakali, elle-même développée vers 1600, contemporaine de l'écriture de Shakespeare. Le spectacle est ensuite parti en tournée et a joué en 2000 au Shakespeare's Globe, complétant, selon Anthony Dawson, "une sorte de cercle symbolique". [93] Peut-être encore plus radicale fut l'adaptation d'Ong Keng Sen en 1997 de Le Roi Lear, qui mettait en vedette six acteurs jouant chacun dans une tradition d'acteur asiatique distincte et dans leur propre langue. Un moment charnière s'est produit lorsque l'interprète de Jingju jouant Older Daughter (un amalgame de Goneril et Regan) a poignardé le Lear interprété par Noh dont la chute mortelle du "pin qui tombe", droit sur la scène, a étonné le public, dans ce que Yong Li Lan décrit comme un « triomphe grâce à la puissance motrice de non performance au moment même de la défaite de son personnage". [94] [95]

En 1974, Buzz Goodbody réalise Léar, un titre délibérément abrégé pour le texte de Shakespeare, en tant que production inaugurale du studio de théâtre de la RSC, The Other Place. La performance a été conçue comme une pièce de chambre, le petit espace intime et la proximité avec le public ont permis un jeu psychologique détaillé, qui a été exécuté avec des décors simples et dans des vêtements modernes. [96] Peter Holland a émis l'hypothèse que cette décision de l'entreprise/du directeur, à savoir choisir présenter Shakespeare dans une petite salle pour des raisons artistiques alors qu'une salle plus grande était disponible, peut-être à l'époque était sans précédent. [96]

La vision antérieure de Brook de la pièce s'est avérée influente, et les réalisateurs sont allés plus loin en présentant Lear comme (selon les mots de R.A. Foakes) « une personne âgée pathétique piégée dans un environnement violent et hostile ». Lorsque John Wood a pris le rôle en 1990, il a joué les scènes ultérieures dans des vêtements qui ressemblaient à des défroques, invitant à des parallèles délibérés avec les insouciants dans les sociétés occidentales modernes. [97] En effet, les productions modernes des pièces de Shakespeare reflètent souvent le monde dans lequel elles sont jouées autant que le monde pour lequel elles ont été écrites : et la scène théâtrale de Moscou en 1994 a fourni un exemple, lorsque deux productions très différentes de la pièce ( celles de Sergueï Zhonovach et d'Alexei Borodine), très différentes l'une de l'autre dans leur style et leur vision, étaient toutes deux des réflexions sur l'éclatement de l'Union soviétique. [98]

21e siècle Modifier

En 2002 et 2010, la Hudson Shakespeare Company du New Jersey a mis en scène des productions distinctes dans le cadre de leurs saisons Shakespeare in the Parks respectives. La version 2002 a été réalisée par Michael Collins et a transposé l'action dans un décor nautique des Antilles. Les acteurs ont été présentés dans des tenues représentatives de l'apparence de diverses îles des Caraïbes. La production de 2010 réalisée par Jon Ciccarelli a été façonnée d'après l'atmosphère du film Le Chevalier Noir avec une palette de rouges et de noirs et mettre l'action dans un cadre urbain. Lear (Tom Cox) est apparu en tant que chef d'un conglomérat multinational qui a divisé sa fortune entre sa fille mondaine Goneril (Brenda Scott), sa fille cadette Regan (Noelle Fair) et sa fille universitaire Cordelia (Emily Best). [99]

En 2012, le célèbre réalisateur canadien Peter Hinton a dirigé une production entièrement autochtone de Le Roi Lear au Centre national des Arts à Ottawa, en Ontario, dont le cadre a changé pour une nation algonquine au 17e siècle. [100] Le casting comprenait August Schellenberg comme Lear, Billy Merasty comme Gloucester, Tantoo Cardinal comme Regan, Kevin Loring comme Edmund, Jani Lauzon dans un double rôle comme Cordelia and the Fool et Craig Lauzon comme Kent. [100] Ce réglage sera reproduit plus tard dans le cadre du Manga Shakespeare série de romans graphiques publiée par Self-Made Hero, adaptée par Richard Appignanesi et présentant les illustrations d'Ilya.

En 2015, le Theatre Passe Muraille de Toronto a mis en scène une production se déroulant dans le Haut-Canada dans le contexte de la rébellion du Haut-Canada de 1837. Cette production mettait en vedette David Fox dans le rôle de Lear. [101]

À l'été 2015-2016, la Sydney Theatre Company a mis en scène Le Roi Lear, réalisé par Neil Armfield avec Geoffrey Rush dans le rôle principal et Robyn Nevin dans le fou. À propos de la folie au cœur de la pièce, Rush a déclaré que pour lui "il s'agit de trouver l'impact dramatique dans les moments de sa manie. Ce qui semble fonctionner le mieux, c'est de trouver une vulnérabilité ou un point d'empathie, où un public peut regarder Lear et pensez à quel point cela doit être choquant d'être si vieux et d'être banni de votre famille à l'air libre dans une tempête. C'est un niveau d'appauvrissement que vous ne voudriez jamais voir chez aucun autre être humain, jamais. " [102]

En 2016, la Talawa Theatre Company et Royal Exchange Manchester ont coproduit une production de Le Roi Lear avec Don Warrington dans le rôle titre. [103] La production, mettant en vedette une distribution en grande partie noire, a été décrite dans Le gardien comme étant « aussi près de définitif que possible ». [104] Le télégraphe quotidien a écrit que « King Lear de Don Warrington est un tour de force déchirant ». [105] Le Roi Lear a été mis en scène par la Royal Shakespeare Company, avec Antony Sher dans le rôle principal. La performance a été dirigée par Gregory Doran et a été décrite comme ayant « de la force et de la profondeur ». [106]

En 2017, le Guthrie Theatre a produit une production de Le Roi Lear avec Stephen Yoakam dans le rôle titre. Armin Shimerman est apparu comme l'imbécile, le décrivant avec « une grimace inhabituelle, mais ça marche », [107] dans une production qui a été saluée comme « une pièce de théâtre dévastatrice et une production qui lui rend justice ». [107]

Lear a été joué à Broadway par Christopher Plummer en 2004 et Glenda Jackson en 2019, Jackson reprenant son interprétation d'une production de 2016 à The Old Vic à Londres.

Film et vidéo Modifier

Le premier film de Le Roi Lear était une version allemande de cinq minutes réalisée vers 1905, qui n'a pas survécu. [108] La version existante la plus ancienne est une version en studio de dix minutes de 1909 par Vitagraph, qui, selon Luke McKernan, a pris la décision "mal avisée" d'essayer de s'entasser le plus possible dans l'intrigue. [109] Deux versions muettes, toutes deux intitulées Re Lear, ont été réalisés en Italie en 1910. Parmi ceux-ci, la version du réalisateur Gerolamo Lo Savio a été filmée sur place. Elle a abandonné la sous-intrigue d'Edgar et a utilisé des intertitres fréquents pour rendre l'intrigue plus facile à suivre que son prédécesseur Vitagraph. [g] Un décor contemporain a été utilisé pour l'adaptation française de Louis Feuillade en 1911 Le Roi Léar Au Village, et en 1914 en Amérique, Ernest Warde a étendu l'histoire à une heure, y compris des spectacles tels qu'une scène de bataille finale. [111]

Le Joseph Mankiewicz (1949) Maison des étrangers est souvent considéré comme un Léar adaptation, mais les parallèles sont plus frappants dans Lance brisée (1954) dans lequel un baron du bétail joué par Spencer Tracy tyrannise ses trois fils, et seul le plus jeune, Joe, joué par Robert Wagner, reste fidèle. [112]

La série télévisée d'anthologie Omnibus (1952-1961) a mis en scène une version de 73 minutes de Le Roi Lear le 18 octobre 1953. Il a été adapté par Peter Brook et mettait en vedette Orson Welles dans ses débuts à la télévision américaine. [113]

Deux versions d'écran de Le Roi Lear date du début des années 1970 : celle de Grigori Kozintsev Korol Lir, [h] et le film de Peter Brook Le Roi Lear, qui met en vedette Paul Scofield. [116] Le film de Brook a fortement divisé les critiques : Pauline Kael a dit "Je n'ai pas simplement détesté cette production, je l'ai détestée!" et a suggéré le titre alternatif Nuit des morts-vivants. [i] Pourtant, Robert Hatch dans La nation l'ont jugé comme "un excellent tournage de la pièce comme on peut s'y attendre" et Vincent Canby dans Le New York Times l'appelait « un exaltant Léar, plein d'une terreur exquise". [j] Le film s'inspire des idées de Jan Kott, en particulier de son observation selon laquelle Le Roi Lear était le précurseur du théâtre absurde, et qu'il a des parallèles avec Beckett Fin du jeu. [118] Les critiques qui n'aiment pas le film attirent particulièrement l'attention sur sa nature sombre dès son ouverture : se plaignant que le monde de la pièce ne se détériore pas avec la souffrance de Lear, mais commence sombre, incolore et hivernal, laissant, selon Douglas Brode, « Lear , la terre et nous sans nulle part où aller". [119] La cruauté imprègne le film, qui ne fait pas de distinction entre la violence des personnages ostensiblement bons et mauvais, présentant les deux sauvagement. [120] Paul Scofield, en tant que Lear, évite la sentimentalité : ce vieil homme exigeant avec une coterie de chevaliers indisciplinés provoque la sympathie du public pour les filles dans les premières scènes, et sa présentation rejette explicitement la tradition de jouer Lear en tant que « pauvre vieux aux cheveux blancs patriarche". [121]

Korol Lir a été salué par le critique Alexander Anikst pour l'approche "sérieuse, profondément réfléchie" voire "philosophique" du réalisateur Grigori Kozintsev et de l'écrivain Boris Pasternak. Faisant une critique à peine voilée de Brook dans le processus, Anikst a loué le fait qu'il n'y avait « aucune tentative de sensationnalisme, aucun effort pour « moderniser » Shakespeare en introduisant des thèmes freudiens, des idées existentialistes, l'érotisme ou la perversion sexuelle. [Kozintsev] . a. a simplement fait un film de la tragédie de Shakespeare." [k] Dmitri Chostakovitch a fourni une partition épique, ses motifs comprenant une fanfare de trompette (de plus en plus ironique) pour Lear, et un « Appel à la mort » de cinq mesures marquant la disparition de chaque personnage.[123] Kozintzev a décrit sa vision du film comme une pièce d'ensemble : avec Lear, joué par un Jüri Järvet dynamique, comme le premier parmi ses pairs dans une distribution de personnages pleinement développés. [124] Le film met en évidence le rôle de Lear en tant que roi en incluant son peuple tout au long du film à une échelle qu'aucune production scénique ne pourrait imiter, retraçant le déclin du personnage central de leur dieu à leur égal impuissant sa descente finale dans la folie marquée par sa prise de conscience qu'il a négligé les "pauvres misérables nus". [125] [126] Au fur et à mesure que le film progresse, des personnages impitoyables - Goneril, Regan, Edmund - apparaissent de plus en plus isolés dans les plans, contrairement à l'accent mis par le réalisateur, tout au long du film, sur des masses d'êtres humains. [127]

Jonathan Miller a dirigé à deux reprises Michael Hordern dans le rôle titre pour la télévision anglaise, le premier pour la BBC Jeu du mois en 1975 et le deuxième pour le BBC Télévision Shakespeare en 1982. Hordern a reçu des critiques mitigées et a été considéré comme un choix audacieux en raison de son histoire de prendre des rôles beaucoup plus légers. [128] Aussi pour la télévision anglaise, Laurence Olivier a pris le rôle dans une production télévisée de 1983 pour Granada Television. C'était sa dernière apparition à l'écran dans un rôle shakespearien. [129]

En 1985, une grande adaptation à l'écran de la pièce est apparue : Couru, réalisé par Akira Kurosawa. À l'époque, le film japonais le plus cher jamais réalisé, il raconte l'histoire d'Hidetora, un seigneur de guerre japonais fictif du XVIe siècle, dont la tentative de diviser son royaume entre ses trois fils conduit à une brouille avec le plus jeune, et finalement le plus fidèle, de eux, et finalement à la guerre civile. [130] Contrairement aux gris froids et ternes de Brook et Kozintsev, le film de Kurosawa est plein de couleurs vives : des scènes extérieures en jaune, bleu et vert, des intérieurs en marron et ambre, et les costumes à code couleur oscarisés d'Emi Wada pour chaque les soldats d'un membre de la famille. [131] [130] Hidetora a une histoire : une montée au pouvoir violente et impitoyable, et le film met en scène des victimes contrastées : les personnages vertueux Sue et Tsurumaru qui sont capables de pardonner, et le vengeur Kaede (Mieko Harada), le belle-fille et le méchant du film ressemblant à Lady Macbeth. [132] [133]

Une scène dans laquelle un personnage est menacé d'aveuglement à la manière de Gloucester forme le point culminant de l'horreur parodique de 1973 Théâtre de sang. [135] L'utilisation comique est faite de l'incapacité de Sir à porter physiquement une actrice dans le rôle de Cordelia face à son Lear dans le film de 1983 de la pièce de théâtre La commode. [136] Les années 1990 de John Boorman Où est le coeur met en scène un père qui déshérite ses trois enfants gâtés. [137] Francis Ford Coppola a délibérément incorporé des éléments de Léar dans sa suite de 1990 Le Parrain Partie III, y compris la tentative de Michael Corleone de se retirer du crime en jetant son domaine dans l'anarchie, et plus évidemment la mort de sa fille dans ses bras. Des parallèles ont également été établis entre le personnage d'Andy García, Vincent et Edgar et Edmund, et entre le personnage de Talia Shire, Connie et Kaede dans Couru. [138]

En 1997, Jocelyn Moorhouse a réalisé Mille acres, basé sur le roman lauréat du prix Pulitzer de Jane Smiley, qui se déroule dans l'Iowa des années 1990. [139] Le film est décrit, par l'érudit Tony Howard, comme la première adaptation pour affronter les dimensions sexuelles dérangeantes de la pièce. [138] L'histoire est racontée du point de vue des deux filles aînées, Ginny jouée par Jessica Lange et Rose jouée par Michelle Pfeiffer, qui ont été agressées sexuellement par leur père à l'adolescence. Leur sœur cadette Caroline, jouée par Jennifer Jason Leigh avait échappé à ce sort et est finalement la seule à rester fidèle. [140] [141]

La pièce a été adaptée au monde des gangsters dans Don Boyd's 2001 Mon royaume, une version qui diffère de toutes les autres en commençant par le personnage de Lear, Sandeman, joué par Richard Harris, dans une relation amoureuse avec sa femme. Mais sa mort violente marque le début d'une chaîne d'événements de plus en plus sombre et violente (influencée par le livre documentaire du co-scénariste Nick Davies Cœur sombre) qui, malgré le démenti du réalisateur selon lequel le film avait de « sérieux parallèles » avec la pièce de Shakespeare, reflètent en fait de près les aspects de son intrigue. [142] [143] Contrairement à Lear de Shakespeare, mais comme Hidetora et Sandeman, le personnage central de l'adaptation télévisée américaine d'Uli Edel en 2002 Roi du Texas, John Lear joué par Patrick Stewart, a une histoire centrée sur son ascension violente au pouvoir en tant que propriétaire terrien le plus riche (métaphoriquement un "roi") dans le Texas indépendant du général Sam Houston au début des années 1840. Daniel Rosenthal commente que le film a pu, du fait d'avoir été commandé par la chaîne câblée TNT, inclure une fin plus sombre et plus violente que ce qui aurait été possible sur les réseaux nationaux. [144] 2003 Channel 4 commandé en deux parties Deuxième génération mettre l'histoire dans le monde de la fabrication asiatique et de la musique en Angleterre. [145]

En 2008, une version de Le Roi Lear produit par la Royal Shakespeare Company a été créé avec Ian McKellen dans le rôle du roi Lear. [146]

Dans la comédie romantique de 2012 Si j'étais toi, il y a une référence à la pièce lorsque les personnages principaux sont interprétés dans une version féminine du roi Lear se déroulant dans les temps modernes, avec Marcia Gay Harden dans le rôle de Lear et Lenore Watling dans celui de "l'imbécile". Lear est une cadre dans un empire d'entreprise au lieu d'un empire littéral, étant progressivement supprimée de son poste. La pièce décalée (et sa distribution) est un élément majeur de l'intrigue du film. [ citation requise ] La série télévisée dramatique musicale américaine Empire est en partie inspirée du roi Lear. [147] [148] [149]

Carl Bessai a écrit et réalisé une adaptation moderne de Le Roi Lear titré Les Lears. Sorti en 2017, le film mettait en vedette Bruce Dern, Anthony Michael Hall et Sean Astin. [150]

Le 28 mai 2018, BBC Two a diffusé Le Roi Lear avec Anthony Hopkins dans le rôle titre et Emma Thompson dans le rôle de Goneril. Dirigée par Richard Eyre, la pièce présentait un décor du 21e siècle. Hopkins, à l'âge de 80 ans, a été jugé idéal pour le rôle et "à l'aise avec la peau de Lear" par le critique Sam Wollaston. [151]

Radio et audio Modifier

Le premier enregistrement de l'Argo Shakespeare pour Argo Records a été Le Roi Lear en 1957, réalisé et produit par George Rylands avec William Devlin dans le rôle titre, Jill Balcon dans Goneril et Prunella Scales dans Cordelia. [152]

La Shakespeare Recording Society a enregistré des productions audio intégrales sur LP en 1965 (SRS-M-232) dirigées par Howard Sackler, avec Paul Scofield comme Lear, Cyril Cusack comme Gloucester. Robert Stephens dans le rôle d'Edmund, Rachel Roberts, Pamela Brown et John Stride.

Le Roi Lear a été diffusé en direct sur le troisième programme de la BBC le 29 septembre 1967, avec John Gielgud, Barbara Jefford, Barbara Bolton et Virginia McKenna dans le rôle de Lear et de ses filles. [153] Aux studios Abbey Road, John Lennon a utilisé un microphone attaché à une radio pour superposer des fragments de la pièce (Acte IV, Scène 6) sur la chanson "Je suis le morse", que les Beatles enregistraient ce soir-là. Les voix enregistrées étaient celles de Mark Dignam (Gloucester), Philip Guard (Edgar) et John Bryning (Oswald). [91] [92]

Le 10 avril 1994, la Renaissance Theatre Company de Kenneth Branagh a interprété une adaptation radio réalisée par Glyn Dearman avec Gielgud dans Lear, avec Keith Michell dans Kent, Richard Briers dans Gloucester, Dame Judi Dench dans Goneril, Emma Thompson dans Cordelia, Eileen Atkins dans Regan, Kenneth Branagh comme Edmund, John Shrapnel comme Albany, Robert Stephens comme Cornwall, Denis Quilley comme Bourgogne, Sir Derek Jacobi comme France, Iain Glen comme Edgar et Michael Williams comme The Fool. [154]

Opéra Modifier

Opéra du compositeur allemand Aribert Reimann Léar créé le 9 juillet 1978. [ citation requise ]

Opéra du compositeur japonais Toshio Hosokawa Vision de Lear créé le 18 avril 1998 à la Biennale de Munich. [ citation requise ]

Opéra du compositeur finlandais Aulis Sallinen Kuningas Lear créée le 15 septembre 2000. [ citation requise ]

Romans Modifier

Le roman de 1991 de Jane Smiley Mille acres, lauréat du prix Pulitzer de la fiction, est basé sur Le Roi Lear, mais situé dans une ferme de l'Iowa en 1979 et raconté du point de vue de la fille aînée. [155]

Le 27 mars 2018, Tessa Gratton a publié une adaptation de haute fantaisie de Le Roi Lear titré Les reines d'Innis Lear avec Tor Livres. [156]

Remarques Modifier

  1. ^ Le quarto de 1619 fait partie du soi-disant False Folio de William Jaggard.
  2. ^ Jean I. Marsden cite Tate's Léar ligne 5.6.119. [63]
  3. ^ Cité par Jean I. Marsden. [65]
  4. ^ Jean I. Marsden cite Journal de l'auberge de Gray 12 janvier 1754. [67]
  5. ^ Cité par Stanley Wells. [84]
  6. ^ Selon Ronald Harwood, cité par Stanley Wells. [86]
  7. ^ Cette version apparaît sur la compilation vidéo du British Film Institute Shakespeare silencieux (1999). [110]
  8. ^ Le titre original de ce film en écriture cyrillique est ороль Лир et les sources l'anglicisent avec des orthographes différentes. Daniel Rosenthal le donne comme Korol Lir, [114] tandis que Douglas Brode le donne comme Karol Lear. [115]
  9. ^celle de Pauline Kael New yorkais critique est citée par Douglas Brode. [117]
  10. ^ Tous deux cités par Douglas Brode. [116]
  11. ^ Cité par Douglas Brode. [122]

Références Modifier

Toutes les références à Le Roi Lear, sauf indication contraire, sont tirés de la bibliothèque Folger Shakespeare Éditions numériques Folger textes édités par Barbara Mowat, Paul Werstine, Michael Poston et Rebecca Niles. Dans leur système de référencement, 1.1.246-248 signifie acte 1, scène 1, lignes 246 à 248.


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