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Linteau maya classique - Vue 3D

Linteau maya classique - Vue 3D

Image 3D

Scanné au British Museum. La plaque indique :

« Sur le deuxième linteau de la structure 23 à Yaxchilan, l'offrande sacrificielle de sang évoque une manifestation visionnaire de Yat-Balam, ancêtre fondateur de la dynastie de Yaxchilan. Sous l'apparence d'un guerrier tenant une lance et un bouclier, cet esprit ancestral émerge des mâchoires avant béantes d'un énorme serpent à deux têtes se dressant au-dessus de Dame Xoc. Elle regarde vers le haut l'apparition qu'elle a engendrée. Dans sa main gauche, elle porte un bol d'effusion de sang contenant des instruments de sacrifice, une épine de raie et une lancette d'obsidienne.

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Linteau maya classique - Vue 3D - Histoire

Les Mayas sont un peuple vraiment ancien. Bien qu'il puisse être difficile de déterminer exactement quand une culture a commencé et s'est terminée sans preuve écrite absolue, la plupart des historiens pensent que les colonies mayas remontent à la période d'environ 1800 avant notre ère, atteignant son apogée, appelée la "période classique" vers 250-900. CE. Un vaste réseau de villes, reliées par des routes, dont beaucoup sont encore visibles aujourd'hui, témoigne de la complexité de la culture et de sa structure sociale et politique. En plus de certaines des compétences que l'homme moderne célèbre comme leurs prouesses mathématiques et leurs calendriers, la culture et l'art sont préservés en reconnaissant sa beauté distinctive.


Animation dans la ville antique de Yaxchila

Le ou les artistes qui ont sculpté les deux linteaux de Yaxchilan illustrés ci-dessus ont intégré le concept d'animation dans leur œuvre. L'astuce consiste à comparer les deux linteaux pour voir ce qui est différent dans leur imagerie. Dans le processus, il devient évident que ce qui manque est important pour comprendre leur contenu visuel. Les artistes mayas ont très probablement utilisé des modèles qu'ils ont pu modifier pour créer les animations.

Dans cette image, Lady Chak Chami est montrée en train de soulever un plat bas, rempli d'attirail de saignée, en étendant sa paume vers son mari ou consort Bird Jaguar IV, tandis que les deux déplacent les lames de saignée qu'ils tiennent respectivement dans leurs mains droite et gauche. De plus, une tête ancestrale ou peut-être leur futur fils, Shield Jaguar IV, émerge des gueules grandes ouvertes d'un serpent squelettique / bête mille-pattes, conjurée par le rite de la saignée, lève ses mains en coupe vers Lady Chak Chami.

La clé pour comprendre l'animation Maya est de comparer les détails. L'animation a été extraite et adaptée de Chinchilla Mazariegos. (Jenny et Alex John / Les dieux mayas du temps )


Entrée principale, façade ouest

L'entrée principale du bâtiment de la Cour suprême se trouve à l'ouest, face au bâtiment du Capitole des États-Unis. Seize colonnes corinthiennes en marbre soutiennent le fronton. Le long de l'architrave (la moulure juste au-dessus des colonnes) sont gravés les mots « Equal Justice Under Law ». John Donnelly, Jr. a coulé les portes d'entrée en bronze.

La sculpture fait partie de la conception globale. De chaque côté des marches principales du bâtiment de la Cour suprême sont assises des personnages en marbre. Ces grandes statues sont l'œuvre du sculpteur James Earle Fraser. Le fronton classique est aussi l'occasion d'une statuaire symbolique.


Questions d'actualité

Au fil des siècles, le Taj Mahal a été négligé et délabré. Une importante restauration est réalisée au début du XXe siècle sous la direction de Lord Curzon, alors vice-roi britannique des Indes. Plus récemment, la pollution de l'air causée par les émissions des fonderies et autres usines voisines et les gaz d'échappement des véhicules à moteur a endommagé le mausolée, notamment sa façade en marbre. Un certain nombre de mesures ont été prises pour réduire la menace pesant sur le monument, parmi lesquelles la fermeture de certaines fonderies et l'installation d'équipements de contrôle de la pollution dans d'autres, la création d'une zone tampon de parc autour du complexe et l'interdiction des véhicules à proximité circulation. Un programme de restauration et de recherche pour le Taj Mahal a été lancé en 1998. Cependant, les progrès dans l'amélioration des conditions environnementales autour du monument ont été lents.

De temps en temps, le Taj Mahal a été soumis à la dynamique politique de l'Inde. L'observation nocturne y a été interdite entre 1984 et 2004 car on craignait que le monument ne soit la cible de militants sikhs. En outre, il est de plus en plus considéré comme un symbole culturel indien. Certains groupes nationalistes hindous ont tenté de diminuer l'importance de l'influence musulmane dans l'explication des origines et de la conception du Taj Mahal.

Les rédacteurs de l'Encyclopaedia Britannica Cet article a été récemment révisé et mis à jour par Adam Augustyn, rédacteur en chef, Reference Content.


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    Une belle et superbe paire de dagues mayas en pierre. Taille bi-faciale avec des poignées minces avec des lames tranchantes striées. Chacun de chert de couleur différente. Les lames sont très symétriques et dans un état de choix. Région du Belize 200 avant JC - 500 après JC. Mesure 9"/22,86 cm et 7"/17,78 cm. Chacun sur support personnalisé.

    Ces disques proviennent des offrandes trouvées à El Castillo à Chichen Itza sur le Yucatan.

    Une céramique de tortue anthropomorphe de la période postclassique tardive maya

    Un pichet en céramique de la période postclassique tardive maya

    Têtes en stuc de la crypte funéraire. De Pakal la Grande Crypte Mortuaire.

    Têtes en stuc de la crypte funéraire. De Pakal la Grande Crypte Mortuaire.

    Musée national d'archéologie et d'ethnologie de la ville de Guatemala.

    J'ai été dans cette salle plusieurs fois, mais il semble qu'un peu de rafraîchissement ait été fait. De plus, ce nouvel appareil photo semble capturer beaucoup mieux les couleurs et les détails.

    J'ai visité le Museo Nacional de Antropología à Mexico. Chac-Mool signifie Griffe Rouge et est un artefact maya provenant des ruines de Chichen Itza dans le Yucatan. Chac-Mool est un messager entre l'homme et les dieux. Il était chargé d'apporter des offrandes aux dieux qui étaient placées dans sa cavité abdominale.

    Il y avait une exposition aztèque au LACMA, mais apparemment c'était juste pour une courte période. Néanmoins, il y avait quelques similitudes entre les Aztèques et les Mayas. Leurs bijoux, leurs artefacts, leurs vases, leur codex et même leur penchant pour le sacrifice humain étaient similaires. Les Mayas sont restés dans la péninsule du Yucatan, près du golfe du Mexique, tandis que les Aztèques sont restés au centre, leur ancienne ville devenant finalement la ville de Mexico moderne.

    Cet artefact représente le rituel maya du perçage des joues, où trois personnes se font percer les joues et une petite tige est placée à travers. La description ne disait pas s'il s'agissait de prisonniers (qui sont généralement sacrifiés de toute façon) ou d'une coutume religieuse.

    Ma traduction du signe se lit comme suit :

    "Cette magnifique pièce montre une personne âgée émergeant d'une fleur Jaina au frais les chiffres de base représentent des personnes réelles et non des divinités, dans ce cas existe en parallèle avec l'emplacement dans le mythe qui raconte que les dieux sont nés des fleurs."

    Je suis sûr que le signe dit très clairement "fleurs" et je suis assez certain que c'est le signe qui va avec cette photo. mais ça m'a l'air d'être une conque, pas une fleur.

    Masque en os en forme de cœur avec une excellente patine de surface avant et arrière. La surface avant a des lignes de sgraffite coupées en une surface grise. Coiffe design damier. Bandeau et nez noirs avec fentes rectangulaires pour les yeux. Fente en bas de la bouche, deux marques de chevron au menton. Percé pour suspension. Os provenant probablement du crâne.

    Remonté à partir de quatre pièces sans restauration. Riche patine sombre. Estimé il y a 35 ans (1982) par le regretté Lowell Collins (The Lowell Collins Gallery, Houston, Texas). 300 av. -300 après JC Mexique. Mesure 2,75"/6,98 cm.

    Ma traduction approximative du signe se lit comme suit :

    "Ceci est décoré d'une scène symbolique avec deux personnages d'aspect fantastique. La figure principale et de plus grande taille représente une figure squelette. dont la colonne vertébrale est sculptée de façon exagérée. A l'exception de la tête, des pieds et des mains, tout le reste du corps est représenté sans chair. La tête porte un masque de jaguar partiel. À l'intérieur du thorax se trouve une bande épaisse s'étendant verticalement vers l'autre personne. La plus petite figure est soumise à l'extrême de la bande en haut à gauche du monument et donne l'impression de flottement ou d'élévation. La scène a été décrite comme "une figure ascendante du cordon ombilical du dieu squelette de la mort."

    Ma traduction du signe se lit comme suit :

    "Cette magnifique pièce montre une personne âgée émergeant d'une fleur Jaina au frais les chiffres de base représentent des personnes réelles et non des divinités, dans ce cas existe en parallèle avec l'emplacement dans le mythe qui raconte que les dieux sont nés des fleurs."

    Je suis sûr que le signe dit très clairement "fleurs" et je suis assez certain que c'est le signe qui va avec cette photo. mais ça m'a l'air d'être une conque, pas une fleur.

    Ma traduction approximative de ce signe se lit comme suit :

    "Dans ce disque apparaît la figure d'un joueur de balle, en train de marquer un point avec la balle dans le grand terrain."

    Le rituel Deer Dance symbolisait la relation importante entre les humains et l'équilibre de la nature. Cette représentation représente un prêtre ou un guérisseur (culandero) préparant un participant (un illuminador) à la danse coutumière. Le sculpteur de Jaina capture de beaux détails dans ce duo. La petite taille de ce noble a un attrait immédiat pour son extrémité supérieure détaillée. Les caractéristiques et les détails des yeux obliques, du nez crochu et de la racine des cheveux fuyante avec son crâne intentionnellement déformé donnaient l'impression que le front se rejoignait et suivait la même ligne que son nez (déformation tabulaire oblique). Cheveux tirés en arrière et transformés en une coiffure torsadée traditionnelle avec des embouts en tête de serpent des deux côtés. Porte les ornements habituels d'oreille, de col et d'épaule. Le visage aux joues du danseur avec les yeux baissés est équipé d'un costume élaboré chère tête comme coiffe. Des traces de pigment bleu Maya sont encore visibles. Il porte également un somptueux collier et des oreilles plus larges. Quelques éclats et morceaux recollés. Sinon en excellent état.

    Le rituel Deer Dance symbolisait la relation importante entre les humains et l'équilibre de la nature. Cette représentation représente un prêtre ou un guérisseur (culandero) préparant un participant (un illuminador) à la danse coutumière. Le sculpteur de Jaina capture de beaux détails dans ce duo. La petite taille de ce noble a un attrait immédiat pour son extrémité supérieure détaillée. Les caractéristiques et les détails des yeux obliques, du nez crochu et de la racine des cheveux en recul avec son crâne intentionnellement déformé donnaient l'impression que le front se rejoignait et suivait la même ligne que son nez (déformation tabulaire oblique). Cheveux tirés en arrière et transformés en une coiffure torsadée traditionnelle avec des embouts en tête de serpent des deux côtés. Porte les ornements habituels d'oreille, de col et d'épaule. Le visage aux joues du danseur avec les yeux baissés est équipé d'un costume élaboré chère tête comme coiffe. Des traces de pigment bleu Maya sont encore visibles. Il porte également un somptueux collier et des oreilles plus larges. Quelques éclats et morceaux recollés. Sinon en excellent état.

    "Bien que l'on sache peu de choses sur le concept maya de la forme de la Terre, il semble qu'ils ont déchiqueté avec les Aztèques la croyance qu'il s'agissait du dos d'un reptile géant ressemblant à un crocodile et que c'était un objet de culte."


    Architecture de la Renaissance à Rome

    Rome, deuxième capitale de la Renaissance après Florence, était l'un des centres architecturaux et culturels les plus importants de cette période.

    Objectifs d'apprentissage

    Identifier les caractéristiques et les exemples les plus importants de l'architecture de la Renaissance romaine

    Points clés à retenir

    Points clés

    • Les architectes de la Renaissance romaine ont tiré leurs principales conceptions et inspirations des modèles classiques romains et grecs.
    • Donato Bramante (1444-1514) était une figure clé de l'architecture romaine pendant la Haute Renaissance.
    • Le Palais Farnèse, l'un des plus importants palais de la Haute Renaissance à Rome, est un exemple principal de l'architecture romaine de la Renaissance.

    Mots clés

    • Rome: Une ville, capitale de la province du Latium et siège du Saint-Siège à la Renaissance.

    Rome est largement considérée par les érudits comme la deuxième capitale de la Renaissance en Italie, après Florence, et fut l'un des centres architecturaux et culturels les plus importants de cette période. Les architectes de la Renaissance romaine ont tiré leurs principales conceptions et inspirations des modèles classiques. Le style de l'architecture de la Renaissance romaine ne diffère pas beaucoup de ce que l'on peut observer dans l'architecture de la Renaissance à Florence. Cependant, les mécènes à Rome avaient tendance à être d'importants fonctionnaires de l'Église catholique, et les bâtiments ont généralement une fonction religieuse ou palatiale.

    Donato Bramante (1444-1514) était une figure clé de l'architecture romaine pendant la Haute Renaissance. Bramante est né à Urbino et s'est d'abord fait connaître en tant qu'architecte à Milan avant de se rendre à Rome. À Rome, Bramante a été chargé par Ferdinand et Isabelle de concevoir le Tempietto, un temple qui marque ce que l'on croyait être l'endroit exact où saint Pierre a été martyrisé. Le temple est circulaire, semblable aux premiers martyriums chrétiens, et une grande partie de la conception est inspirée des vestiges de l'ancien temple Vesta. Le Tempietto est considéré par de nombreux érudits comme le premier exemple d'architecture de la Haute Renaissance. Avec ses proportions parfaites, l'harmonie des pièces et ses références directes à l'architecture antique, le Tempietto incarne la Renaissance. Cette structure a été décrite comme la "carte de visite" de Bramante pour le pape Jules II, l'important mécène des arts de la Renaissance qui emploierait ensuite Bramante dans la conception historique de la nouvelle basilique Saint-Pierre.

    Le Tempietto, v. 1502, Rome, Italie. : Conçu par Donato Bramante, le Tempietto est considéré comme le premier exemple d'architecture de la Haute Renaissance.

    Un autre exemple principal de l'architecture romaine de la Renaissance comprend le Palazzo Farnese, l'un des palais de la Haute Renaissance les plus importants de Rome. Conçu pour la première fois en 1517 pour la famille Farnèse, le bâtiment s'est agrandi et a été conçu à partir des plans d'Antonio da Sangallo le Jeune lorsqu'Alessandro Farnèse est devenu le pape Paul III en 1534. Son histoire de construction a impliqué certains des architectes italiens les plus éminents du XVIe siècle, dont Michel-Ange, Jacopo Barozzi da Vignola et Giacomo della Porta. Les principales caractéristiques architecturales de la Renaissance de la façade principale comprennent les frontons triangulaires et segmentaires alternés qui coiffent les fenêtres du piano nobile, le portail central rustique et la corniche en saillie de Michel-Ange, qui projette une ombre profonde sur le dessus de la façade. Michel-Ange a révisé la fenêtre centrale en 1541, ajoutant une architrave pour donner un accent central à la façade, au-dessus de laquelle se trouve le plus grand stemma papal, ou blason avec diadème papal, que Rome ait jamais vu.

    Palais Farnèse: Le Palazzo Farnese à Rome démontre l'utilisation particulière de la fenêtre Renaissance des linteaux carrés et des frontons triangulaires et segmentaires utilisés alternativement.

    La cour du palais Farnèse, initialement à arcades ouvertes, est entourée de colonnes d'inspiration classique (caractéristiques de l'architecture de la Renaissance italienne), en ordre croissant (dorique, corinthien et ionique). L'entablement du piano nobile a reçu une frise de guirlandes, ajoutée par Michel-Ange. Côté jardin du palais, qui faisait face au Tibre, Michel-Ange proposa la conception innovante d'un pont qui, s'il était achevé, aurait relié le palais aux jardins de la Vigna Farnese. Alors que les aspects pratiques de la réalisation de ce pont restaient douteux, l'idée était audacieuse et expansive. Au XVIe siècle, deux grands bassins de granit des Thermes de Caracalla ont été adaptés en fontaines sur la Piazza Farnese, la face urbaine du palais. Le palais a été achevé pour le deuxième cardinal Alessandro Farnese par Giacomo della Porta's façade à portiques vers le Tibre (achevé en 1589). Après la mort du cardinal Odoardo Farnese en 1626, le palais est resté pratiquement inhabité pendant 20 ans.


    Velázquez – Las Meninas (vers 1656)

    Las Meninas de Vélasquez. Photographie : The Gallery Collection/Corbis

    Le roi et la reine se tiennent là où vous vous trouvez, devant un rassemblement de courtisans. Velazquez regarde du portrait qu'il peint du couple royal. Les infante et sa suite de servantes (meninas) et d'amuseurs nains sont rassemblés devant le monarque. Au loin, un ministre ou un messager est à la porte. Dans un miroir lumineux, le reflet royal brille. Cette peinture est un modèle à plusieurs niveaux de l'étrangeté du monde.
    Prado, Madrid


    Jean-Antoine Houdon, George Washington

    Après la conclusion réussie de la guerre d'indépendance des États-Unis, de nombreux gouvernements d'État se sont tournés vers l'art public pour commémorer l'occasion. Compte tenu de son rôle essentiel à la fois pour la Virginie et la cause coloniale, il n'est pas surprenant que l'Assemblée générale de Virginie ait souhaité une statue de George Washington à exposer dans un espace public.

    Et ainsi, en 1784, le gouverneur de Virginie a demandé à Thomas Jefferson (un autre Virginien qui était alors à Paris en tant que ministre américain en France) de sélectionner un artiste approprié pour sculpter Washington. Chercher un sculpteur européen - et pour Jefferson, dont les sympathies francophiles étaient claires, de préférence français - était une décision logique étant donné le manque de talent artistique alors disponible aux États-Unis. Par nécessité de base, ce portrait d'un héros américain devait être réalisé par un étranger.

    Jefferson connaissait justement l'artiste pour cette tâche : Jean-Antoine Houdon. Formé à l'Académie Royale de Peinture et de Sculpture et lauréat du prestigieux Prix de Rome en 1761 alors qu'il n'avait que vingt ans, Houdon était, au milieu des années 1780, le sculpteur néoclassique le plus célèbre et le plus accompli de France.

    Jefferson a chargé Houdon de terminer une statue monumentale de Washington. Compte tenu de l'habileté et de l'ambition de Houdon, le sculpteur espérait probablement mouler une statue en bronze plus grande que nature du général Washington à cheval, un format approprié pour un commandant de campagne victorieux. Cependant, le produit final, livré plus d'une décennie plus tard, était un marbre debout relativement simple.

    Les preuves suggèrent que Houdon était censé rester à Paris et sculpter Washington à partir d'un dessin de Charles Willson Peale. Mal à l'aise de sculpter en trois dimensions ce que Peale avait rendu en seulement deux, Houdon avait prévu de se rendre à Washington en personne. Houdon partit pour les États-Unis en juillet 1785 et fut rejoint par Benjamin Franklin—qu'il avait sculpté en 1778—et deux assistants. Le groupe a navigué à Philadelphie environ sept semaines plus tard et Houdon et ses assistants sont arrivés à Mount Vernon (domicile de Washington en Virginie) début octobre. Là, ils ont pris des mesures détaillées du corps de Washington et sculpté un masque de vie du visage du futur président.

    Vêtements contemporains (et non une toge)

    Pendant son séjour en Virginie, Houdon a créé un portrait en buste légèrement idéalisé et classique du futur premier président. Mais Washington n'aimait pas cette esthétique classique et insistait pour être montré vêtu d'une tenue contemporaine plutôt que des vêtements d'un héros de la Grèce antique ou de Rome. Avec des instructions claires du modèle pour être représenté en tenue contemporaine, Houdon retourna à Paris en décembre 1785 et se mit au travail sur une statue debout sculptée dans du marbre de Carrare. Bien que Houdon ait daté la statue de 1788, il ne l'a achevée qu'environ quatre ans plus tard. La statue a été livrée à l'État de Virginie en mai 1796, lorsque la rotonde du Capitole de l'État de Virginie a finalement été achevée.

    “Rien en bronze ou en pierre ne pourrait être une image plus parfaite…”

    Avec le temps, cette statue de George Washington est devenue l'une des images les plus reconnues et copiées du premier président des États-Unis. Houdon n'a pas seulement parfaitement capturé la ressemblance de Washington (John Marshal, le deuxième juge en chef de la Cour suprême a écrit plus tard : « Rien en bronze ou en pierre ne pourrait être une image plus parfaite que cette statue du Washington vivant »). Houdon a également capturé la dualité essentielle de Washington : le citoyen privé et le soldat public.

    Washington regardant à sa gauche dans son uniforme militaire (détail), Jean-Antoine Houdon, George Washington, 1788-1792, marbre, hauteur 6′ 2″, State Capitol, Richmond, Virginie, (photo : Holley St. Germain, CC BY-NC-SA 2.0)

    Washington se lève et regarde légèrement à sa gauche, son expression faciale pourrait être décrite comme paternelle. Il ne porte pas une toge ou autre vêtement d'inspiration classique, mais son uniforme militaire. Sa position imite celle du contrapposto vu dans la sculpture classique de Polykleitos de Doryphore. La jambe gauche de Washington est légèrement pliée et positionnée d'un demi-pas en avant, tandis que sa jambe droite porte du poids. Son bras droit pend à ses côtés et repose sur une canne de gentleman.

    Son bras gauche, plié au coude, repose sur un faisceaux: un faisceau de treize tiges qui symbolisent non seulement le pouvoir d'un souverain, mais aussi la force trouvée à travers l'unité. Cela représente visuellement le concept de E Pluribus Unum—”Out of Many, One”—une devise approuvée par le Congrès des États-Unis de 1782 à 1956.

    L'épée d'officier de Washington, symbole de puissance et d'autorité militaires, pend avec bienveillance à l'extérieur des faisceaux, juste au-delà de sa portée immédiate. Cette reddition de puissance militaire est encore renforcée par la présence de la charrue derrière lui. Cela fait référence à l'histoire de Cincinnatus, un dictateur romain qui a démissionné de son pouvoir absolu lorsque son leadership n'était plus nécessaire pour qu'il puisse retourner dans sa ferme. Comme ce Romain, Washington a démissionné de son pouvoir et est retourné dans sa ferme pour vivre une vie civile paisible.

    Washington en tant que soldat et simple citoyen

    La statue, toujours visible dans la rotonde du Capitole de l'État de Virginie, est une représentation presque parfaite du premier président des États-Unis d'Amérique. Dans ce document, Houdon a capturé non seulement à quoi ressemblait George Washington, mais plus important encore, qui était Washington, à la fois en tant que soldat et en tant que simple citoyen.

    Le très talentueux Houdon a sagement accepté les conseils de Washington. En effet, Washington savait qu'il valait mieux être subtilement comparé à Cincinnatus que d'être ouvertement lié à César, un autre Romain qui, contrairement à Cincinnatus, n'a pas abandonné son pouvoir.

    Horatio Greenough, George Washington, 1840, marbre, 136 x 102 pouces, National Museum of American History (photo : Steve Fernie, CC BY-NC 2.0)

    Comparer la statue de Houdon à la statue de Washington d'Horatio Greenough en 1840 ne fait que clarifier ce point saillant. Sous l'impulsion de la gardienne, Houdon a opté pour la subtilité, tandis que Greenough a décidé deux générations plus tard d'embrasser pleinement une esthétique néoclassique. En conséquence, la statue de Houdon célèbre Washington l'homme, tandis que Greenough a divinisé Washington comme un dieu.


    30 des ruines antiques les plus impressionnantes du monde

    Alors que les structures modernes peuvent être plus qu'impressionnantes en elles-mêmes en ce qui concerne l'architecture, les progrès technologiques et la beauté, il y a quelque chose à dire sur les structures du passé.

    Les ruines du monde entier ont résisté à l'épreuve du temps et restent debout pour que les voyageurs s'émerveillent. (Eh bien, ils n'ont pas complètement résisté à l'épreuve du temps, sinon on ne les appellerait pas des ruines.) La plupart des méthodes utilisées pour créer ces anciennes villes, temples et monuments restent plutôt mystérieuses, comme leur construction de nos jours et l'âge serait toujours considéré comme un exploit impressionnant.

    Découvrez ces 30 ruines antiques impressionnantes à travers le monde et voyez par vous-même, et lisez sur la nouvelle 7 merveilles du monde ici.


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