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L'intervention des femmes sabines

L'intervention des femmes sabines


Blog de Barbra Dozier

La peinture est une forme d'art qui aide les artistes à exprimer leurs sentiments et émotions intérieurs. Les sections de cet article discuteront des arguments présentés par Grigsby sur la peinture de « l'intervention des femmes Sabines » qui a été créée par Jacques-Louis David.

En résumé de l'histoire de l'art, Jacques-Louis David était l'un des artistes les plus renommés de la société. Pendant son séjour en prison, il a pu mettre en place une peinture de son esprit imaginatif et créatif (Grigsby, 319). Le tableau connu sous le nom de « l'intervention des Sabines » présentait négativement les hommes dans la société. David a présenté les hommes dans sa peinture comme étant nus, ce qui n'était pas une chose acceptable dans la société. Malgré le halètement accroché dans divers musées de la société aujourd'hui, cela soulève des questions controversées qui méritent d'être étudiées. C'est la raison pour laquelle Gitsby était préoccupé par l'image dépeinte par la peinture. Tout d'abord, Gitsby est très préoccupé par les raisons pour lesquelles David a dépeint les hommes dans sa peinture comme étant nus alors que les femmes étaient bien couvertes. Gitsby s'inquiète du contenu du tableau car il est contraire aux attentes de la société (Grigsby, 320). À la lumière de cela, elle a qualifié la peinture d'incorrecte et historiquement inexacte. Son argumentation semble solide puisque la plupart des savants de la société n'étaient pas seulement préoccupés par la question de la présentation du genre masculin mais aussi par la question de l'intervention féminine. Cependant, les deux questions ont été examinées séparément par les chercheurs.

Gitsby montre beaucoup de liens qui se créent entre les artistes et les gens de la société. La plupart des œuvres artistiques présentées par les artistes à la société jouent un rôle dans le processus de bousculade des personnages individuels ou sociaux. Dans son argumentation, elle montre que les artistes ont tendance à influencer la mode de nombreuses personnes dans la société. Cela a été observé dans de nombreuses sociétés où les gens ont tendance à s'habiller en fonction de certains facteurs présentés par des artistes populaires (Grigsby, 326). Fondant son argumentation sur la peinture de David, Herosilian était une femme qui était comparée aux vraies femmes de la France post-révolutionnaire. Selon Gitsby, David en tant qu'artiste était responsable de l'effondrement de l'art populaire et de la mode classique. Herosilia telle que représentée par Gitsby était l'une des femmes qui s'habillait sur la base du protagoniste féminin des peintures pré-révolutionnaires de David (Grigsby, 329). Pour cette raison, la présentation de « l'intervention des femmes Sabines a influencé négativement la mode des gens dans la société.

De plus, il ressort clairement de l'argument de Gitsby que la plupart des œuvres d'art présentées par les artistes découlent de problèmes de société. Le mâle qui est présenté comme étant nu est vu comme le reflet de l'homme moderne dénudé, humilié devant la société en raison de ses pratiques culturelles vulgaires. Cette description donnée par Gitsby sur la façon dont les hommes sont dépeints à partir de leur immoralité est une preuve viable.

En faisant ses arguments en ce qui concerne la peinture de David, elle utilise des informations historiques qu'elle relie aux événements modernes. Elle fait une analyse des œuvres d'art qui ont été présentées dans le passé et comment elles ont joué un rôle en influençant la société. La plupart d'entre eux ont influencé positivement la société tandis que certains des arts ont conduit à l'effondrement de la moralité parmi d'autres facteurs de la société.

Dans la plupart de ses arguments, elle est sûre de soutenir les informations présentées avec un argument solide. Ce qui est sympathique chez elle, c'est le fait qu'elle a une opinion qu'elle soutient fermement. Tout au long de son argumentation, elle se concentre sur la critique de la peinture de David car elle ne crée pas d'impact positif dans la société. Par conséquent, elle est incroyablement ferme à soutenir son argument sur la peinture de «l'intervention des femmes Sabines».

En conclusion, l'art devrait être utilisé dans la société pour transmettre des informations importantes. En tant que moyen de communication avec la société, les artistes devraient considérer les éléments qu'ils utilisent pour présenter les informations qu'ils souhaitent atteindre à leur public cible. Il est évident qu'une œuvre d'art peut avoir un impact important sur la société, positivement ou négativement. Pour cette raison, tous les artistes doivent être prudents dans la conception et la présentation de leurs œuvres au public.


Critique : Agression sexuelle en tant que leçon d'histoire et satire

Un seul des personnages principaux de "Le viol des femmes sabines, de Grace B. Matthias" - une nouvelle pièce de Michael Yates Crowley - est un humain vivant. C'est Grace, une adolescente dans un Springfield générique où règne l'équipe de football et où les filles «bizarres» se font traiter de cochons en toute impunité.

Mais les anciennes Sabines ont la même facture. Mémorialisées dans le mythe et dans le tableau « L'intervention des Sabines » de Jacques-Louis David, elles sont là pour nous rappeler, à travers le récit de leur enlèvement par des guerriers romains et de leur pacification lors de la guerre qui s'ensuivit, de la longue et presque rôle fondamental du viol à travers l'histoire.

Si M. Crowley a entrepris d'écrire rien de moins qu'un traité sur la culture du viol, maintenant et pour toujours, il veut que sa pièce, qui a débuté dimanche dans une production Playwrights Realm au Duke on 42nd Street, soit bien plus. Un effort sérieux pour dramatiser un viol et ses répercussions, il ose également être une satire, une comédie de lycée et une histoire de passage à l'âge adulte dans laquelle la victimisation est transformée en force par la perspicacité.

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C'est beaucoup pour un jeu, et le mélange n'est pas toujours confortable. Une partie de l'inconfort est délibérée : M. Crowley démontre que l'histoire du viol traverse toutes les autres sortes d'histoires que nous racontons. Pourtant, il est le plus sûr de lui s'en tenir à cette histoire particulière, dans laquelle Grace, une fille de 15 ans intelligente mais maladroite qui plane aux marges éloignées de la foule populaire, est violée par Jeff, un garçon qu'elle aime sur L'équipe de football.

Ni l'acte ni sa réponse émotionnelle ne sont simplistes. Jeff n'est pas le Néandertal évident de l'équipe – naturellement appelé les Romains – mais plutôt l'acolyte sensible de Néandertal, et Grace maintient des idées romantiques à son sujet même après le crime. Elle aimerait lui pardonner, car elle pense que les femmes Sabines ont pardonné à leurs violeurs romains en les épousant.

Mais elle est dépouillée de ces illusions par les réponses de tous ceux qui l'entourent. Monica, son amie pom-pom girl, l'oblige à se taire, et les médias locaux – personnifiés par un compositeur bouffon appelé The News – se concentrent sur les dommages potentiels à la saison des Romains. Ses voisins s'en prennent aussi à elle, invoquant les canards classiques, quoique contradictoires, « elle l'a demandé » : elle était ivre quand c'est arrivé. Elle n'aurait pas dû être seule avec le garçon en premier lieu. Elle n'a pas dit non, donc cela doit avoir un consentement implicite.

Ces détails et d'autres rappellent de vrais viols, en particulier le cas de 2012 d'une jeune fille de 16 ans à Steubenville, Ohio, qui a été agressée sexuellement par des membres de l'équipe de football du lycée alors qu'elle était inconsciente après avoir bu. Les deux adolescents dans cette affaire ont été reconnus coupables, mais les accusations d'agression sexuelle contre un joueur dans une autre affaire liée au football la même année, à Maryville, dans le Missouri, ont été abandonnées. (Il a ensuite plaidé coupable à un délit et a été condamné à deux ans de probation.) M. Crowley s'appuie sur des éléments des deux affaires pour créer une situation dramatique dans laquelle Grace ne peut trouver aucun moyen de l'emporter - ni légalement, ni spirituellement - contre un système bien établi de revictimisation après un viol.

Cependant, des filtres et des cadres trop baroques pour le bien de la pièce font abstraction de cette situation. Sa superstructure thématique surdéveloppée comprend non seulement les Sabines, dont le chef, Hersilia, fait des apparitions spectrales occasionnelles, mais aussi les obsessions de Grace pour les mines abandonnées, les incendies perpétuels et les gros pompiers. D'autres éléments sont sous-développés : le père de Grace a quitté la famille, disparaissant au-delà même de la portée du courrier électronique, et sa mère, qui travaille de nuit, est réduite à une voix hors scène rarement entendue.

Le fait que Grace émerge néanmoins comme un personnage bien équilibré est en partie le résultat de la conviction touchante dont Susannah Perkins l'imprègne. Comme elle l'a fait en jouant une adolescente intelligente et obsédée par les atrocités dans "Les loups" de Sarah DeLappe, Mme Perkins gère la tâche délicate de suggérer les incohérences d'un personnage en cours de formation et de déformation à la fois. Regardez comment elle utilise son pull ample comme couverture de sécurité et armure.

Mais si Mme Perkins parvient à assumer le bagage symbolique dont M. Crowley a chargé Grace, la plupart des autres personnages sombrent sous sa satire. Le coéquipier de Néandertal (Alex Breaux) est un cas de placard ridiculement surcompensant, et Monica (Jeena Yi) est une ennemie par les chiffres. Jeff, joué avec une sympathie audacieuse par Doug Harris, est moins monochrome mais reste largement creux pour des raisons qui semblent plus politiques que dramatiques. Et les conseillers, avocats et « hommes experts en viol » aux incompétences diverses, vénales et cyniques sont des hommes de paille évidents.

Au moment où M. Crowley commence à pointer ses flèches sur des fruits aussi bas que Wikipédia, vous aurez peut-être l'impression, comme moi, que le projet d'examiner la culture du viol est passé au second plan par rapport au projet de rendre cet examen moins sombre. Malheureusement, le matériel destiné à être drôle est trop peu sophistiqué à la fois pour le sujet et le public. Parce que nous connaissons déjà assez bien ce territoire, la satire semble évidente. Et le matériel de Sabine, intégré à un cours d'histoire de l'art, ressemble pour la plupart de la pièce à des notes de bas de page.

C'est dommage car d'autres éléments, plus proches de l'histoire principale, restent frais et stimulants. À plusieurs reprises, le réalisateur Tyne Rafaeli ouvre les rideaux bleus de l'auditorium du lycée d'Arnulfo Maldonado pour révéler des scènes mystérieuses comme celle dans laquelle Grace et Jeff nagent ensemble dans un lac la nuit. Dans leur complexité et leur danger, ces scènes laissent un réel inconfort dans une discussion qui semble autrement trop désireuse de dire la bonne chose.

Non pas que dire la bonne chose soit toujours faux. Un objectif valable du théâtre peut être de nous montrer comment les gens survivent aux désastres tristement courants de l'être humain. « Une bonne histoire, bien racontée, peut étendre l'espace dans lequel nous sommes libres », écrit le dramaturge dans une note de programme. En ce sens, le lien de Grace avec les femmes Sabines et la leçon équivoque qu'elle en tire finalement sont utiles – et donnent à la pièce une finition étonnamment forte. Didactique c'est peut-être, mais dans une crise, comme dans un incendie, on est reconnaissant pour des signes même peu subtils marquant le chemin de l'évasion.


Briser le sens caché dans la vidéo 'APESH * T' de Beyoncé et JAY-Z

Pour accompagner la sortie surprise de leur album collaboratif tant attendu, Tout est amour, Beyoncé et JAY-Z (ou, The Carters) ont déchaîné un visuel puissant pour l'un des morceaux produits par Pharrell, "Apeshit", qui a été tourné au Louvre à Paris.

Même sans référence visuelle, les paroles de "Apeshit" lues comme un témoignage de l'excellence noire en tant qu'artistes, Bey et JAY ont fait que les foules "apeshit" dans le monde entier, à la fois via leurs sorties et lors de leurs concerts. La longévité de leur succès en tant qu'artistes les a rendus incroyablement riches, ce qui les a amenés à évoluer dans des cercles différents et plus raffinés, des cercles qui incluent d'autres artistes comme Swizz Beatz, qui peuvent laisser tomber un couple sur une œuvre d'art. , par exemple. Enfer, dans "The Story of O.J." de 2017, Hov a expliqué comment l'œuvre d'art qu'il a achetée a augmenté en valeur au cours des dernières années, dividendes qu'il prévoit de transmettre à ses enfants.

J'ai acheté des œuvres d'art pour un million
Deux ans plus tard, cette merde vaut deux millions
Quelques années plus tard, cette merde vaut huit millions
J'ai hâte de donner cette merde à mes enfants

Hov a même transformé son Magna Carta. Saint Graal single "Picasso Baby", une chanson sur son amour croissant pour l'art, dans une œuvre d'art de performance aux côtés de l'artiste de performance serbe Marina Abramović.

L'appréciation de JAY et Bey pour l'art, comme en témoigne le fait que le couple a perdu 4,5 millions de dollars pour une œuvre de Basquiat (Mecque, 1982) en 2013 – a même déteint sur leur fille, Blue Ivy, qui a acheté une pièce de Tiffanie Anderson pour près de 20 000 $.

Mais comment la vidéo « Apeshit » a-t-elle fini par être tournée au Louvre ? Un porte-parole du Louvre a déclaré Vautour que The Carters a présenté un concept qui "montrait un réel attachement au musée et à ses œuvres d'art bien-aimées" en mai 2018.

Même si vous n'êtes pas historien de l'art, vous avez probablement entendu parler du Louvre. C'est le plus grand musée d'art au monde, attirant plus de 8,1 millions de visiteurs rien qu'en 2017. Le musée abrite certaines des œuvres d'art les plus célèbres au monde, dont la La Joconde et Vierge à l'Enfant avec sainte Anne. À vue, filmer une vidéo dans un lieu aussi célèbre est le flex ultime. Lequel de vos favoris qui ne s'appelle pas JAY-Z ou Beyoncé pourrait réussir cela ?

Lorsque vous approfondissez la façon dont Bey et JAY ont incorporé la célèbre œuvre du Louvre dans "Apeshit", il y a beaucoup de symbolisme puissant à déballer. Rassurez-vous, rien de ce que font les Carters n'est par accident.

NOTRE COMMUNAUTÉ

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Quoi de neuf les gars Frazier ici pour Complex News. Pour accompagner la sortie surprise de leur album collaboratif tant attendu, Beyoncé et JAY-Z ont lancé ce qui pourrait être un nouveau candidat à la vidéo de l'année pour le produit Pharrell, 𠇊peshit.” Vous reconnaîtrez peut-être le visuel& Paramètre #x2019s. dans et autour de plusieurs œuvres d'art emblématiques du musée le plus célèbre du monde, le Louvre.

Aussi choquant que cela soit, c'est aussi la conclusion logique de l'amour de longue date de Bey et Jay pour cette merde d'art. Les noms de Jay Basquiats et Rothkos remontent à plusieurs albums, et à mesure que leur valeur nette augmente, leur collection privée augmente également. N'oublions pas Picasso Baby, une chanson thème de Christies qui présentait même un camée de Marina Abramovi&# x107 dans la vidéo.

JAY et Bey&# x2019s l'appréciation de l'art&# x2014est attestée par la paire laissant tomber 4,5 millions de dollars sur une pièce Basquiat (La Mecque, 1982) en 2013&# x2014 a même déteint sur leur fille, Blue Ivy, qui a acheté une pièce de Tiffanie Anderson pendant près de 20 000 $.

Mais comment la vidéo de 𠇊peshit” a-t-elle été tournée au Louvre ? Un porte-parole du Louvre a déclaré à Vulture que The Carters avait présenté un concept qui "montrait un réel attachement au musée et à ses œuvres d'art bien-aimées" en mai 2018.

Vous n'avez pas besoin d'un diplôme en histoire de l'art pour savoir que le Louvre est le plus grand musée d'art au monde, attirant plus de 8,1 millions de visiteurs rien qu'en 2017. Le musée abrite certaines des œuvres d'art les plus célèbres au monde, notamment la Joconde et la Vierge à l'Enfant avec Sainte Anne. À vue, filmer une vidéo dans un lieu aussi célèbre est le flex ultime. Lequel de vos favoris qui ne s'appelle pas JAY-Z ou Beyoncé pourrait réussir cela ?

Lorsque vous approfondissez la façon dont Bey et JAY ont incorporé le célèbre travail du Louvre dans &# x201CApeshit, il y a beaucoup de symbolisme puissant à déballer. Rassurez-vous, rien de ce que font les Carters n'est par accident.

Les pièces néoclassiques présentées dans les visuels de 𠇊peshit” apparaissent dans un but puissant. Beyonc&# xE9&# x2019s d'ascendance créole (sur sa mère&# x2019s) donner ses liens avec la traite des esclaves et Napoléon III, qui a colonisé l'Europe, l'Afrique du Nord, et d'autres régions au cours de son règne de 1852 à 1870. Dans la vidéo, Beyoncé&# xE9 apparaît avec ses danseurs devant Jacques Louis David&# x2019s Le couronnement de Napoléon&# x2014qui dispose de Napoléon couronnant Joséphine&# x2014tout en chantant à propos de ses tissus &# x201Cexpensive&# x201D. L'utilisateur de Twitter Queen Curly Fry souligne la profondeur de ce moment&# x2019s importance : Napoléon&# x2019s épouse Joséphine a été couronné impératrice tout en balançant des vêtements coûteux pendant le couronnement. Bey louant le Louvre pour une vidéo et faisant des acrobaties de la tête aux pieds à Burberry devant de nombreuses œuvres d'art célèbres, on pourrait voir Bey enfiler sa Joséphine.

Encore une fois, à première vue, il pourrait s'agir d'une simple référence destinée aux nerds de l'histoire de l'art. Mais compte tenu de l'ascendance de Bey&# x2019s, cela ressemble à une déclaration plus profonde sur la façon dont Beyoncé&# xE9 a renversé la douleur du colonialisme, debout, défiant.

L'une des œuvres les plus évocatrices à apparaître dans le visuel &# x201CApeshit&# x201D est la peinture de Jacque-Louis David&# x2019s 1799, L'intervention des Sabines, qui est montré un certain nombre de fois tout au long de la vidéo. Cette pièce particulière illustre une histoire romaine d'une femme, Hersilia, intervenant lors d'une bataille entre son mari et son père. Son intervention oblige son mari, Romulus, à réfléchir à deux fois avant de frapper son père avec une lance et a marqué une "reconnaissance du pouvoir des femmes en tant qu'artisanes de la paix".

Ces images sont juxtaposées à des images de danseurs Bey&# x2019s, des femmes noires de toutes les nuances, que ce soit dans un escalier du Louvre ou aux côtés de Bey devant le couronnement de Napoléon susmentionné. Venant d'un artiste dominant comme Bey dont la carrière reflète un effort constant pour mettre en valeur les femmes noires féroces dans son art, c'est une affirmation du pouvoir et de la beauté des Noirs, et des femmes noires en particulier.

Pour un album que beaucoup considèrent comme la troisième installation et la conclusion musicale de la saga relationnelle de JAY et Bey après Lemonade et 4:44, il existe un certain nombre de cas où l'art présenté semble parler directement de ce que les Carters ont vécu ensemble.

Dans un certain nombre de plans, JAY est vu debout devant le Radeau de Méduse, qui capture le spectacle horrible du M&# xE9duse, un naufrage qui n'a fait que 15 personnes sur les 147 à la dérive. C'est un article qui met en évidence le chaos et la lutte que les passagers survivants ont endurés, ce qui pourrait être lu comme une métaphore de la façon dont JAY a évité de justesse de ruiner son mariage avec Beyoncé&# xE9 lorsqu'il est sorti à plusieurs reprises sur elle.

D'un autre côté, Bey lance ses vers en se tenant devant la Victoire ailée de Samothrace tout en balançant un costume qui reflète ce que Victory porte dans la statue. On pourrait dire que cela symbolise Bey sortant victorieuse de la bataille, elle a traversé une période difficile dans son mariage et est toujours arrivée en tête. C'est peut-être pour cela que JAY et Bey sont finalement vus debout devant Vénus de Milo (alias Aphrodite, la déesse de l'amour) ensemble.

Mis à part Portrait d'une femme noire, les seules images de Noirs que nous voyons dans le musée les représentent comme des animaux ou sont autrement problématiques. Cette idée reflète la traite négrière française (encore une fois, rappelant l'héritage créole de Beyoncé), où les Noirs étaient effectivement considérés comme des "stocks à vendre". Des comparaisons peuvent également être établies avec la brutalité policière et la violence insensée qui ont conduit à tuer régulièrement des Noirs non armés, prouvant que les Noirs sont toujours considérés par certains comme des sous-humains.

Les images d'hommes noirs agenouillés pendant que JAY tire sur la NFL et explique pourquoi il a refusé de participer au Super Bowl rappellent les manifestations de l'hymne national, qui sont toujours un sujet de débat houleux dans la NFL. Il a été dit en septembre 2017 que JAY avait spécifiquement refusé l'offre de performance du Super Bowl de la NFL en signe de solidarité avec Colin Kaepernick, qui a été le premier de la NFL à protester contre l'hymne national, affirmant qu'il n'allait tout simplement pas se lever pour montrer la fierté d'avoir un drapeau pour un pays qui opprime les Noirs et les gens de couleur.

Avec seulement quelques images, Bey et JAY ont lié des siècles d'oppression contre les Noirs, rendant la lutte pertinente pour le public d'aujourd'hui. En fin de compte, vous pouvez voir cette vidéo comme la suite ultra chère de Watch the Thone's “Niggas in Paris,”, mais présentant un flex beaucoup plus gros et beaucoup plus important. Pour quelques personnes qui étaient autrefois considérées comme des « gorilles » par les personnes mises en évidence dans les images du Louvre, Bey et JAY récupèrent agressivement l'espace, profitant de l'occasion pour créer une déclaration visuelle puissante qui prend le passé à tâche tout en mettant en lumière la persécution continue à laquelle leur peuple est confronté aujourd'hui. Le résultat est un hip-hop high concept qui est bien plus qu'un simple flex.

Pour plus d'histoires sur le déballage du nouvel album de The Carters, gardez-le verrouillé ici sur Complex News sur YouTube ainsi que complexe dot com. Pour Complex, je suis Frazier.


Une ruine : celle de Jacques-Louis David femmes sabines

L'Exposition des Sabines (1799-1805) est une œuvre perdue de Jacques-Louis David, qui appartient à un genre que nous appelons aujourd'hui « installation » : un dispositif artistique, formé par la relation de plusieurs objets disposés dans un espace tridimensionnel. Cette œuvre a été largement délaissée par les historiens, qui n'y ont souvent vu qu'une manifestation secondaire de l'activité du peintre : cette exposition indépendante, payante, ne serait qu'un élément accessoire, contribuant au contexte de réception car ce qui constituait l'œuvre d'art proprement définie, la peinture de la Sabines. Néanmoins, il reste possible d'envisager, en tenant compte des sources contemporaines, l'organisation matérielle de l'exposition comme la création d'un environnement artistique (fictif) agencé en trois dimensions, résultant des relations qui s'établissent entre le tableau, un miroir (dont l'identification en tant que « psyché » reste indécise) et la présence des téléspectateurs. Cette création a produit à la fois des effets formels (esthétiques) et des significations symboliques, qui nous autorisent à parler en termes d'« œuvre ». L'une des caractéristiques les plus fondamentales de cet objet atypique est le fait qu'il n'a pas été conservé. Son existence temporelle limite son apparition à une représentation théâtrale ou, en termes contemporains, à une performance ou à un autre type d'intervention temporaire : installation, oeuvre in situ, se passe, etc.


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Dans "Apeshit", qui se déroule au musée du Louvre à Paris et regorge d'images séculaires de conquête, les Carter se présentent comme une sorte de famille royale moderne - une famille qui n'est pas dirigée par un patriarche, mais par deux partenaires égaux. Les autres hommes et femmes qui peuplent la vidéo adoptent également une approche plus mutualiste et fluide du genre et du pouvoir. Les hommes sont présentés comme gracieux et vaillants, les femmes à la fois matrones et agressives, bien que ce soient ces dernières qui soient représentées dans "Apeshit" comme l'épine dorsale du monde des Carters.

Tout au long de la vidéo, Beyoncé et Jay-Z s'inspirent de la force et de la grâce des femmes. Dans le premier aperçu désormais emblématique du couple, la caméra glisse vers eux alors qu'ils se tiennent devant le La Joconde, chacun portant des costumes de couleur pastel sans chemise en dessous. La photo de tout le corps attire l'attention sur le pantalon de Beyoncé et la tenue élégante de Jay-Z alors que le duo recrée le regard de la femme dans la peinture. L'autre œuvre principale qui oriente "Apeshit" est une statue d'une déesse, la Victoire ailée de Samothrace, qui semble symboliser leur réussite, en tant qu'individus et en tant que couple. À un autre moment de la vidéo, des danseuses allongées dans les escaliers sous le duo ressemblent à une fondation, soulevant «l'empire» des Carters avec des mouvements semblables à des impulsions. Parfois, la formation des danseurs fait penser à une colonne vertébrale.

Dans "Apeshit", l'art classique aide à définir la vision des Carters sur la façon dont les hommes et les femmes se rapportent les uns aux autres. La vidéo contraste subtilement les peintures de la souffrance dans les sociétés contrôlées par les hommes, comme la Rome antique, avec des scènes paisibles et actuelles de couples qui sont vraisemblablement égaux. L'œuvre la plus frappante montrant le bilan de la violence masculine est peut-être L'intervention des femmes sabines par Jacques-Louis David. Il dépeint un groupe de femmes - qui ont été kidnappées et violées par des soldats romains au VIIIe siècle avant notre ère - se jetant entre leurs ravisseurs et les hommes de leur ville natale dans le but d'arrêter la guerre. Le tableau, une déclaration politique à part entière, met en évidence la rupture de l'ordre qui peut se produire lorsque les femmes ne sont pas respectées. Plus tard dans « Apeshit », une peinture d'une femme en pleurs accrochée par le bas à un homme angoissé (les deux pris au piège dans « l'enfer » pour adultère) est suivie d'une scène contemporaine d'un homme noir appuyant paisiblement sa tête sur la poitrine d'un femme comme elle le tient. Lorsque les deux s'embrassent et se caressent, ils sont à la hauteur des yeux et le plus dominant non plus.

Des moments similaires de tendresse mutuelle apparaissent tout au long du travail de Carters, suggérant une résonance personnelle pour le duo. Tout est amour est parsemé de paroles qui se délectent de douceur, notamment sur la chanson "Summer" lorsque Jay-Z dit: "Nous nous sommes embrassés, avons fait l'amour, sur les sièges … Nous avons regardé le ciel devenir pêche … Elle a le goût de Corona Light—douce." Beyoncé ajoute qu'ils devraient "faire des plans pour être dans les bras l'un de l'autre". Ces scènes marquent un changement radical par rapport à la dynamique sexuelle plus agressive des clips musicaux antérieurs comme "Déjà Vu" de Beyoncé. B'Day en 2006, ou "Partition" de son album éponyme de 2013. À ce stade de leur relation, il est difficile d'imaginer le couple réduisant la sexualité de Beyoncé à un accessoire ornemental comme ils l'ont fait par le passé. Dans « Annonce de service public » de 2003 de Jay-Z, par exemple, il énumère ses nombreuses réalisations, notamment « J'ai eu la nana la plus chaude du jeu en portant ma chaîne ». Et le Jay-Z d'aujourd'hui semble avoir trouvé un moyen de se vanter de ses compétences dans les domaines généralement associés aux femmes. Sur "Black Effect", il dit: "J'aime la pluie violette et violette … Ces gens essaient de me faire sortir la peinture parce que je cuisine mieux le chou vert et l'igname que ta tante."

Malgré l'accent mis par l'album sur une masculinité plus douce, une grande partie de Tout est amour est également motivé par le fait que Beyoncé met de côté les stéréotypes féminins. Elle repousse les attentes d'un comportement féminin tout au long du disque, parlant plus que d'habitude de fumer et répétant les paroles classiques du hip-hop de Notorious B.I.G., "Si tu ne sais pas, maintenant tu sais, négro." Dans la vidéo "Apeshit", Beyoncé est assise par terre dans une robe chère exigeant "Mettez un peu de respect sur mon chèque" plus tard, posant comme pour un portrait royal, elle rappe "Get off my dick", endossant un rôle affirmé parce que -comme elle le dit sur la chanson "Boss" - il n'y a "rien à faire". Ce style n'est pas totalement nouveau, mais Jay-Z avait été visiblement absent de certains de ses moments de prise de pouvoir les plus mémorables, comme sa ligne préférée des fans sur Red Lobster sur "Formation" ou l'un des morceaux les plus en colère sur Limonade. Dans le clip de la chanson « Upgrade U » de Beyoncé en 2006, elle se déguise en Jay-Z, synchronisant les lèvres de certaines parties de son couplet (pendant qu'il est hors caméra) avec un fanfaron exaltant. Mais quand il arrive enfin à l'écran, elle équilibre sa bravade et revient à une apparence féminine classique, vêtue d'une robe blanche sensuelle.

Beyoncé tient la main de danseurs devant le tableau de Jacques-Louis David représentant le couronnement de Napoléon dans la vidéo "Apeshit". (Youtube)

Ce qui est différent dans "Apeshit", alors, ce n'est pas que Bey exprime son indépendance, c'est qu'elle le fait souvent avec Jay-Z dans le cadre. Ce changement ajoute une couche de sens à la danse qu'elle exécute avant la peinture de David du couronnement de Napoléon Bonaparte. L'œuvre montre Napoléon couronnant son épouse Joséphine Bonaparte impératrice de France lors de son propre couronnement en 1804 alors qu'elle s'agenouille devant lui. (Plus tôt dans la cérémonie, il s'était couronné empereur.) Napoléon choisir de faire capturer ce moment par son peintre officiel était, à l'époque, une façon d'honorer sa femme.

Dans le monde actuel des Carter, bien sûr, les femmes n'ont pas besoin des hommes pour leur accorder un statut. Au lieu de cela, Beyoncé utilise la peinture pour, d'une part, s'aligner sur l'impératrice, proclamant dans son vers (qu'elle prononce en partie à côté de Jay-Z) qu'elle aussi a des « tissus coûteux » et des « habitudes coûteuses ». " Mais elle sape également la dynamique de puissance de la cérémonie de la peinture, en disant: "Il veut venir avec moi … Il veut être avec moi" quelques secondes plus tard, elle dit: "Je lui ai acheté un jet / Arrête Colette." (Colette était un magasin de détail français de haute couture.) D'une certaine manière, le clip est la propre cérémonie de couronnement des Carters, uniquement dans leur version, personne n'est à genoux.

En plus de centrer les femmes, "Apeshit" reconnaît les expériences sociales et les luttes particulières aux hommes. Les vers de Jay-Z et les scènes de jeunes hommes noirs agenouillés reconnaissent l'insulte que la controverse de la protestation de l'hymne de la NFL représente pour eux, en particulier. « J'ai dit non au Super Bowl. Tu as besoin de moi. Je n'ai pas besoin de toi », rappe Jay-Z, comme s'il comprenait qu'il était dans une position unique pour défendre les jeunes hommes et lui-même. Ce commentaire politique ajoute de la gravité à un plan solo connexe dans la vidéo, lorsque Jay-Z sourit à côté d'un tableau, celui de Theodore Gericault Le Radeau de la Méduse, qui montre un radeau détruit dans des eaux agitées avec un homme noir le guidant courageusement. Les exemples d'affirmation masculine dans le monde des Carters sont résolument pleins d'espoir plutôt que violents. Il y a un coup rapide des lances levées de L'intervention qui coupe à une rangée de jeunes hommes noirs pointant vers le ciel, seulement leur geste n'est pas destructeur : ils ressemblent à des leaders, pas à des conquérants.

Alors, comment l'un des couples les plus visibles du monde de la musique - qui a déjà tourné ensemble et diffusé des décennies de vidéos sur leur amour, leur sexe et leur succès mutuel - a-t-il créé quelque chose qui semble le moins frais ? Le spectacle de créer un nouvel art en utilisant certains des arts occidentaux les plus célèbres au monde a certainement aidé. Mais bien que le duo se soit débattu avec leurs conceptions évolutives du genre dans leurs propres projets, "Apeshit" et Tout est amour représentent la première véritable tentative des Carters pour assembler ces idées en un tout cohérent. Jusque-là, la plupart de leurs collaborations les avaient crédités de leurs noms respectifs : comme « Jay-Z feat. Beyoncé » ou vice versa. Mais leur nouvel alias commun, "les Carters", signale un mélange de leur talent artistique.

Le dernier projet du duo est, bien sûr, loin d'un examen révolutionnaire de l'amour et de l'affection hétérosexuels. Comme ma collègue Hannah Giorgis l'a souligné, il peut être frustrant de penser que Beyoncé travaille pour aider Jay-Z à découvrir une masculinité plus saine en partie parce que son ancienne image de lui-même l'a peut-être amené à la tromper. And they don’t go so far as to reverse gender roles I’m sure many fans would’ve liked to see an album cover where a man was instead shown tending to a woman’s hair, for instance. More broadly, “Apeshit” will likely continue to spur debate about its other prominent themes, like the pursuit of wealth or the takeover of elite white spaces. Still, the couple’s effort to portray equality is refreshing in light of their past collaborations—a welcome change from their video-girl-meets-powerful-businessman playbook of yesteryear. At least when it comes to their ongoing interrogation of their marriage, the Carters seem to be following the stream of history.


The Intervention of the Sabine Women - History

Creative Time presents the U.S. premiere of Eve Sussman & The Rufus Corporation&rsquos acclaimed video-musical, The Rape of the Sabine Women, with an original score by Jonathan Bepler, as a free public screening for one week during the Armory Show, February 22- 27, 2007. Developed through improvisation, The Rape of the Sabine Women is a re-interpretation of the Roman myth, updated and set in the idealistic 1960&rsquos. Filmed with a cast of hundreds, and shot on location in Athens and Hydra, Greece, and in Berlin, Germany, this eighty-minute video was directed by Eve Sussman with an original Score by Jonathan Bepler, choreography by Claudie De Serpa Soares, and costumes by Karen Young.

The Rape Of The Sabine Women was conceived as allegory based loosely on the ancient myth that follows Romulus&rsquo founding of Rome and inspired by Jacques-Louis David&rsquos 1799 painting, Intervention of the Sabine Women. Re-envisioning the myth as a 1960&rsquos period piece with the Romans cast as G-men, the Sabines as butchers&rsquo daughters, and the heyday of Rome allegorically implied in an affluent international style summer house, this version is a riff on the original story of abduction and intervention, in which Romulus devises a plan to ensure the future of the empire. While the Roman myth traces the birth of a society, this telling suggests the destruction of a utopia. The intervention of the women is fraught, and the chaos that ensues transforms the designed perfection into nothingness.

With this improvised dramatization, Sussman follows her lauded video 89 seconds at Alcazar&mdashunveiled at the 2004 Whitney Biennial and based on Diego Velasquez&rsquos Las Meninas&mdashin bringing yet another iconic painting to life. Forgoing the compromise of the original, this unique re-imagining pits mid-twentieth century ideals against the eternal themes of power, longing, and desire. The modern process piece&mdasha product of 140 hours of video footage and 6000 photographs&mdashfeatures distinct pieces of music composed by Jonathan Bepler, recorded live on site and incorporating a bouzouki ensemble, a Pergamon coughing choir, and a chorus of 800 voices.

The video-musical, choreographed by Claudia de Serpa Soares, is conceived in an operatic five act structure. The Rape of the Sabine Women opens in Hydra&rsquos Pergamon Museum, moving to Berlin&rsquos S-Bahn and Tempelhof Airport, Athens&rsquo Agora meat market, a classic modern 60&rsquos dream house overlooking the Aegean, and finally, Athens&rsquo Herodion Theatre.

Act II
A Mirage
A Convention
Men with Taps
Bouzoukis


The History of The Rape of the Sabine Women
This ancient account of the abduction of the Sabine women comes from the Roman historian Livy who wrote around the turn of the 1st Century during the Augustan Era. A short translation is available as a PDF. Cliquez ici.

World Premiere Tour Dates
Greece: Thessaloniki International Film Festival, Nov 19, 2006
Allemagne: Berlin, Hamburger Bahnhof Museum für Gegenwart,
Jan 25 - Mar 4, 2007
U.S.: IFC Center, New York City, Feb 21 &ndash 27, 2007
UK: Project Space 176, London, Sep 2007
University of Chicago: The Smart Museum of Art, Jan - May 2008

The NYC premiere is supported by the Richard J. Massey Foundation for Arts and Sciences, Roebling Hall, the Zabludowicz Collection - Project Space 176, and Dreamhire Audio.

SPECIAL SCREENING ON THE 59TH MINUTE IN TIMES SQUARE
A one-minute segment of The Rape of the Sabine Women will air on the last minute of every hour on Creative Time&rsquos 59th Minute: Video Art on the Astrovision Screen by Panasonic from February 21 &ndash April 30, 2007.
Visit The 59th Minute site for more information.


What About the Art in “Apesh*t”?

Beyoncé and Jay-Z’s new music video was filmed entirely at the Louvre museum. What messages hide in the histories of the featured artworks?

Over Father’s Day weekend, Beyoncé and Jay-Z released a music video for their new track “Apeshit” from their collaborative album Everything is Love. It includes five densely-packed minutes of art, fashion, and performance filmed on an epic scale at the Louvre.

It could be said that they are using their elite status and wealth to buy out the physical vestibule that holds the paragons of Western (and white) art. Over the course of the video, they re-populate this space with black and brown bodies. It could also be said that they are critiquing the museum as a colonial vault, highlighting the imperial roots of such museums as the Louvre. Much like the World’s Fairs, these exhibition spaces were founded upon Europe’s exploitation of colonies—asserting political dominance through a cultural looting and visual display of ownership. Some have noted that Beyoncé and Jay-Z are commenting on the history of visual oppression in Western art, art that has been made to affirm and assert whiteness as the norm while erasing black culture.

The art they chose to highlight has particular significance, as explored through some of the biggest artworks, which serve as characters in the Carters’ video.

Dans Winged Victory of Samothrace (190 B.C.E.), the now-iconic headless, armless female body is perched atop a low pedestal, as if about to take flight. At the heart of one of the most heated restitution debates between Greece and France, Victoire ailée now serves as a symbolic stand-in for the ongoing debates about art repatriation. In “The Parthenon Marbles Custody Case,” scholar Shareen Blair Brysac discusses some of demands for restitution, while also introducing many curators’ hesitation against it: “The possibility of their return causes sleepless nights for curators the world over. If the marbles were returned to Greece, runs the argument, the halls of western museums would be virtually emptied of their treasure.” Recently, similar conversations about provenance were alluded to in Panthère noire.

Winged Victory of Samothrace (via Wikimedia Commons)

By including the Winged Victory of Samothrace, the Carters force us to wonder: Where does this art come from? How was it acquired? What violence led to the art’s ending up in a museum like the Louvre (or the Getty or the Met)? And how does that change the viewer’s experience of the art in this space? Beyoncé also physically inserts her body, and her dancers’ bodies, into this conversation. They stand in a layered line down the stairs from Victoire ailée, offering the goddess herself a plethora of moving arms in place of her missing limbs—transforming a white, static space into one of diverse movement and agency.

In a recurring shot of Jay-Z, he stands before Théodore Géricault’s Raft of the Medusa, 1818-1819. The history of this work cannot be overlooked. Raft depicts the tragic loss of life after the ship capsized off the coast of Senegal in 1816. The Medusa was part of a fleet of ships trying to reclaim Senegal from Great Britain as a French colony. There were not enough lifeboats when the Medusa capsized, so the carpenter on board engineered a raft for 147 of the lowest-class soldiers and settlers. At first one of the lifeboats towed the raft, but eventually the now-infamous captain abandoned it in order to save the boat. Anthony Brandt writes that “[w]hat transpired on the raft is a horror story of mutiny, starvation, and despair.” Only fifteen people survived (five of whom died soon after), and these survivors told harrowing tales of death, cannibalism, and a fight for survival.

Géricault became obsessed. In his studio, he recreated a life-sized replica of the raft, based on a survivor’s drawing. He interviewed survivors, visited the morgue, drew from amputated body parts, and studied classical compositions of the body. His work was a visual recollection of the horrors that come from slavery, colonialism, corruption, and elitism: an early example of art for social justice. Brandt describes how the shipwreck impacted French culture and politics, while the painting “remains one of the great witnesses to human indifference to the suffering of others.”

The Raft of the Medusa by Théodore Géricault (via Wikimedia Commons)

As Jay-Z stands before this work, the underlying message of Géricault’s original painting is magnified, particularly as many of Jay-Z’s lines in “Apeshit” are also inherently political. (In one scene, he says “I said no to the Super Bowl/You need me, I don’t need you” while rows of young black men kneel in formation, a clear nod to Colin Kaepernick’s peaceful protest of kneeling during the national anthem.)

Neoclassical history painter Jacques-Louis David gets a lot of screen time as well, with paintings such as Oath of the Horatii (1784), Intervention of the Sabine Women (1799), and The Consecration of the Emperor Napoleon and the Coronation of Empress Joséphine (1805-7) serving as a backdrop throughout. In one of the most epic scenes of “Apeshit,” Beyoncé stands, flanked by four black women on both sides, all wearing nearly-transparent tops and leggings to match their skin tones in every shade of brown. (Beyoncé stands in the middle wearing a Burberry-esque plaid of pale yellow, picking up on the gold in the painting behind them.) They stand in front of David’s The Consecration of the Emperor Napoleon…, a monumental painting depicting Napoleon and Joséphine during their opulent coronation ceremony. They grab hands and begin dancing in front of the work, again inserting moving black bodies into a traditionally static white space.


Analysis of The Abduction of the Sabine Women

Nicolas Poussin himself produced two versions of this legend: an earlier version (1634-5) now in the Metropolitan Museum, New York and a later version (1637-8) which now hangs in the Louvre, Paris. Both works exemplify the vigorous and assertive style that the artist adopted in many of his scenes from classical history. Indeed, his interpretations of Greek and Roman mythology had a significant impact on the Neoclassical painting of artists like Jacques-Louis David (1748-1825) - see, for instance, his Intervention of the Sabine Women (1799, Louvre) - and J.A.D. Ingres (1780-1867).

Although both versions of The Abduction of the Sabine Women are broadly similar - in both for example, Romulus (left) gives the pre-arranged signal, and chaos fills the canvas - there are differences in composition and colour. The painting in the Met is more controlled, more static, but more colourful while the Louvre picture is more dynamic and has more depth.

Metropolitan Museum of Art Version (1634-5)

Commissioned in 1633 by the French diplomat Marshal de Crequi, this portrayal of 'subdued mayhem' is built around powerful opposing diagonals, and accentuated with vivid blues, reds, pinks and oranges. Poussin has arranged the struggling figures in several layers of action that run in parallel to the foreground, while the flat architectural facade of the building to the right prevents the eye from wandering into the distance. As a result, the composition is much more tightly controlled than its sister in the Louvre. But the vivid colour in the painting imparts greater individualization to the figures in the foreground, which adds to the drama of the scene.

In this version of The Abduction of the Sabine Women - commissioned by Cardinal Luigi Omodei (1607-85), Commissioner-General of the Papal States under Pope Innocent X - Poussin focuses on the panic and confrontation between the men and women, against an architectural backdrop that draws our eye into the distance with diagonals created by the buildings on the right. Notice how the vertical pillars contrast with the horizontal movements of the crowd. The linear perspective created gives the work its vanishing point. Note how the artist organizes the figures along two opposing diagonal lines that commence at the edge of the painting and meet where there is a gap in the landscape. Note also how he creates groups of figures here and there that introduce random elements into the centre of the picture, bringing variety to the tightly structured scene.

Interpretation of Other Baroque Paintings

• The Entombment of Christ (Deposizione) (1601-3) by Caravaggio.
Pinacoteca Vaticana, Rome.

• Judith Beheading Holofernes (1620) by Artemisia Gentileschi.
Uffizi Gallery, Florence.

• Allegory of Divine Providence (1633-39) by Pietro da Cortona.
Palazzo Barberini, Rome.

• Las Meninas (1656) by Velazquez.
Prado Museum, Madrid.

• Apotheosis of St Ignatius (1688-94) by Andrea Pozzo.
Jesuit Church of Sant'Ignazio, Rome.

• For more classical mythological paintings by artists like Poussin, see: Homepage.


The Intervention of the Sabine Women - History


Jacques Louis David. (1748-1825). The Intervention of the Sabine Women. (1799).

This scene of the removal of Sabines was the object of many artistic representations. Sabins are people of central Italy, they live in a mountainous country in the East of the Tiber. The legend reports that Romulus, wanting to get women with his companions, had the idea to organize plays in the great circus. During the spectacle, the Romans removed Sabines An army was raised in response, but Sabines interposed between the combatants with their new-born babies and the two camps were reconciled. It is this angle which David chooses. The artist shows in the foreground 2 combatants the weapons with the hand, ready with fighting, and between them, to separate them, of the women and young children who interposes.

The point of view is at the foreground on the level of the 2 warriors. In front of this multitude the eye has evil to be fixed but very quickly the 2 warriors and the woman the isolated arms assert themselves. Then the glance goes down and the witness notices the children.

The Roman warrior is one the low tension field and the right tension field,
between 2 natural points of interest. The Sabine the isolated arms is cuts one the
lower tension field, closed to has natural not of interest, like cuts the warrior sabin.

One the third of higher pictorial space is reserved for the sky and the fortress.
Below Sabin and the Sabine occupy the left third the Roman warriors the right third.

The large rising diagonal passes on the Sabine and separates the warriors sabin
from the Roman.

This mother holds up her child in front of the spades of Sabins.

There are very young children on the ground and even a baby.

It is indeed a Roman shield. One recognizes the she-wolf nourishing Remus and Romulus.


Voir la vidéo: FEMMES AVEUGLES Extraits de La Flûte Enchantée de Mozart Théâtre de La Monnaie (Novembre 2021).