Podcasts sur l'histoire

Qui est l'artiste derrière ce tableau populaire ?

Qui est l'artiste derrière ce tableau populaire ?

Wikipedia dit qu'il s'agit d'une carte postale allemande datée de 1900. Mais ne dit rien sur l'artiste.

Est-ce que quelqu'un connaît l'artiste derrière ce travail ?


L'auteur ne sait pas si le wikimedia commons du fichier est quelque chose à faire, mais creuser un peu plus en utilisant la recherche d'images Google semble attribuer l'original à un peintre nommé Lindberg, à H Zabatari/Hans Zatzka, et peut-être à d'autres.

Méfiez-vous que les sources pourraient très bien refléter des ouï-dire sans vérifier ou, comme cette réponse, googler. Cela étant dit, H Zabatari/Hans Zatzka semble être un meilleur pari basé sur cette source légèrement plus crédible et mieux recherchée (une page d'enchères pour un original):

Le Gardien (vers 1918) a été peint par H. Zabateri sous forme de carte postale (Autriche ?). Des cartes postales originales avec le nom de l'artiste (crédit) peuvent être achetées auprès des collectionneurs. Plusieurs estampes de ce tableau ont été attribuées à "Lindberg". Lindberg a copié la peinture originale et utilisé des couleurs plus vives, des changements de détails et des figures plus simples.


L'histoire derrière Banksy

Lorsque Temps magazine a sélectionné l'artiste britannique Banksy, maître du graffiti, peintre, activiste, cinéaste et polyvalent provocateurPour sa liste des 100 personnes les plus influentes au monde en 2010, il s'est retrouvé en compagnie de Barack Obama, Steve Jobs et Lady Gaga. Il a fourni une photo de lui avec un sac en papier (recyclable, naturellement) sur la tête. La plupart de ses fans ne veulent pas vraiment savoir qui il est (et ont vivement protesté contre les tentatives de Fleet Street de le démasquer). Mais ils veulent suivre sa trajectoire ascendante depuis la pulvérisation hors-la-loi ou, comme le dit l'argot, le bombardement des murs à Bristol, en Angleterre, dans les années 1990, jusqu'à l'artiste dont le travail coûte des centaines de milliers de dollars. dans les maisons de vente aux enchères de Grande-Bretagne et d'Amérique. Aujourd'hui, il a bombardé des villes de Vienne à San Francisco, de Barcelone à Paris et Detroit. Et il est passé des graffitis sur les murs urbains sablonneux à la peinture sur toile, à la sculpture conceptuelle et même au film, avec le documentaire rusé Sortie à travers la boutique de cadeaux, qui a été nominé pour un Academy Award.

Livres liés

Banksy. : Vous êtes un niveau de menace acceptable

Banksy : L'homme derrière le mur

Contenu connexe

Pest Control, l'organisation au titre ironique créée par l'artiste pour authentifier la véritable œuvre d'art de Banksy, le protège également des indiscrets. Caché derrière un sac en papier ou, plus communément, un e-mail, Banksy contrôle sans relâche son propre récit. Son dernier entretien en face-à-face a eu lieu en 2003.

S'il peut s'abriter derrière une identité cachée, il prône un lien direct entre un artiste et son entourage. « Il y a un tout nouveau public là-bas, et il n'a jamais été aussi facile de vendre [un art], a soutenu Banksy. Vous n'avez pas besoin d'aller à l'université, de traîner un portfolio, d'envoyer des transparents à des galeries arrogantes ou de coucher avec quelqu'un de puissant, tout ce dont vous avez besoin maintenant, c'est de quelques idées et d'une connexion haut débit. C'est la première fois que le monde de l'art essentiellement bourgeois appartient au peuple. Nous devons le faire compter.”

Le quartier Barton Hill de Bristol dans les années 1980 était une partie effrayante de la ville. Des familles très blanches, probablement pas plus de trois familles noires, s'étaient en quelque sorte retrouvées dans la classe ouvrière, délabrée et peu accueillante pour les étrangers. Alors quand Banksy, qui venait d'un quartier beaucoup plus verdoyant de la ville, a décidé d'y faire sa première incursion, il était nerveux. « Mon père a été sévèrement battu là-bas quand il était enfant », a-t-il déclaré à un autre graffeur et auteur Felix Braun. Il essayait des noms à l'époque, se signant parfois Robin Banx, bien que cela se soit rapidement transformé en Banksy. Le surnom abrégé démontrait peut-être moins le cachet des gangsters « voler les banques », mais il était plus mémorable et plus facile à écrire sur un mur.

À cette époque, il a également opté pour son approche distinctive du graffiti au pochoir. Quand il avait 18 ans, a-t-il écrit un jour, il peignait un train avec une bande de copains lorsque la police britannique des transports est arrivée et tout le monde a couru. « Le reste de mes amis sont arrivés à la voiture », se souvient Banksy, « et ont disparu, alors j'ai passé plus d'une heure caché sous un camion à benne basculante avec de l'huile moteur qui coulait partout sur moi. Alors que j'étais allongé là à écouter les flics sur les rails, j'ai réalisé que je devais réduire de moitié mon temps de peinture ou l'abandonner complètement. Je regardais droit vers la plaque au pochoir au fond du réservoir de carburant quand j'ai réalisé que je pouvais simplement copier ce style et faire chaque lettre de trois pieds de haut. Mais il a également dit à son ami, l'auteur Tristan Manco : " dès que j'ai coupé mon premier pochoir, j'ai pu sentir le pouvoir là-bas. J'aime aussi le côté politique. Tous les graffitis sont de la dissidence de bas niveau, mais les pochoirs ont une histoire supplémentaire. Ils ont été utilisés pour déclencher des révolutions et arrêter des guerres.


Les chefs-d'œuvre oubliés sont rares

Tout d'abord, pour être tout à fait clair, trouver un chef-d'œuvre oublié est extrêmement rare. Vous entendrez des histoires sur une pièce de Salvador Dali, Vincent Van Gogh ou Alexander Calder trouvée dans une friperie. Si vous êtes un fan de « Antiques Roadshow » de PBS, vous savez que certains trésors familiaux oubliés peuvent valoir des sommes d’argent surprenantes. Ce ne sont pas la norme.

Cela ne veut pas dire que vous ne devriez pas garder un œil sur ce joyau caché. C'est vraiment amusant d'explorer les bonnes affaires et de voir si vous pouvez en trouver une, mais ne comptez pas sur la valeur de chaque peinture poussiéreuse.


Une fille avec une boucle d'oreille

Johannes Vermeer, “Fille avec une boucle d'oreille en perle,” ca. 1665 (Photo: Mauritshuits via Wiki Art Public Domain)

En 1665, l'artiste néerlandais Johannes Vermeer a créé son œuvre d'art la plus connue : une fille avec une boucle d'oreille. Plusieurs historiens de l'art ont mis en doute la véritable identité de la jeune femme représentée dans le tableau. L'une des théories les plus courantes est que la femme en question est Marie Vermeer, la fille aînée du peintre. Cependant, il y a encore plusieurs érudits qui en doutent, et bien que cette peinture à l'huile soit souvent considérée comme l'un des portraits les plus importants, ce n'est techniquement pas du tout un portrait.

une fille avec une boucle d'oreille est en fait un tronie&mdasha étude d'une personne non identifiée. Les tronies étaient particulièrement populaires pendant l'âge d'or néerlandais, lorsque des artistes comme Vermeer et Rembrandt ont commencé à adopter des sujets anonymes pour leurs "portraits". .

une fille avec une boucle d'oreille est un excellent exemple de cette tradition, car il représente une fille inconnue vêtue de vêtements somptueux. "Comme une vision émanant de l'obscurité, elle n'appartient à aucun moment ni à aucun lieu précis", déclarent les historiens de l'art Arthur K. Wheelock et Ben Broos dans un catalogue d'exposition. « Son turban exotique, enveloppant sa tête d'un bleu cristallin, est surmonté d'un tissu jaune frappant qui tombe dramatiquement derrière son épaule, conférant un air de mystère à l'image.

Tronies de Rembrandt au Metropolitan Museum of Art


D'autres peintres ont peint des portraits de personnes qu'ils ont aimées et perdues. Le peintre hollandais Rembrandt van Rijn (1606-1669) a subi beaucoup de pertes. Selon Ginger Levit dans "Rembrandt: Painter of Grief and Joy",

C'était la meilleure époque de la Hollande du XVIIe siècle, connue sous le nom d'âge d'or néerlandais. L'économie était florissante et de riches marchands construisaient des hôtels particuliers le long des canaux d'Amsterdam, installant des meubles et des peintures de luxe. Mais pour Rembrandt van Rijn (1606-1669), c'est devenu le pire des temps - sa belle et bien-aimée jeune épouse Saskia est décédée à l'âge de 30 ans, ainsi que leurs trois enfants. Seul son fils Titus, qui deviendra plus tard son marchand, a survécu.

Après cela, Rembrandt a continué à perdre des personnes qu'il aimait. La peste de 1663 a emporté sa maîtresse bien-aimée, puis Titus, lui aussi, a été emporté par une peste à l'âge de 27 ans en 1668. Rembrandt, lui-même, n'est décédé qu'un an plus tard. Pendant cette période sombre de sa vie, Rembrandt a continué à peindre ce qui lui était le plus personnel, non conforme aux attentes de l'époque, canalisant sa souffrance et son chagrin dans des peintures puissantes et évocatrices.

Selon Neil Strauss dans son article du New York Times « L'expression du deuil et le pouvoir de l'art »,

Dans l'art de Rembrandt, le deuil est une émotion profane et spirituelle. Dans les dizaines d'autoportraits qu'il a peints pendant près d'un demi-siècle, la tristesse se développe comme une douleur de larmes refoulées. Pour cet homme qui a perdu ceux qu'il aimait le plus, le deuil n'était pas un événement, c'était un état d'esprit, toujours là, qui avance, recule, grandit toujours, comme les ombres qui défilent sur le visage vieillissant de l'artiste.

Il poursuit en disant que pendant des siècles, l'art occidental a représenté l'émotion humaine de la douleur, allant des peintures sur vase de la Grèce classique aux peintures religieuses du christianisme, "qui a la tragédie en son cœur".


&aposGolden Rule,&apos 1961

"Golden Rule"," 1961. Huile sur toile, 44 ½" x 39 ½". Illustration de couverture pour "The Saturday Evening Post", le 1er avril 1961.&# xA0

Photo : Collections du musée Norman Rockwell. ©SEPS : Curtis Publishing, Indianapolis, IN

Dans les années 1960, l'ambiance en Amérique était en train de changer. Une fois interdit de montrer les minorités sur la couverture du Poster, Norman Rockwell&# x2019 peinture, 1961 règle d'or présentait un rassemblement d'hommes, de femmes et d'enfants de différentes races, religions et ethnies, avec la phrase simple mais universelle : 𠇍o aux autres comme vous voudriez qu'ils vous fassent.” En 1985, Rockwell&# x2019s iconique L'illustration a été repensée comme une mosaïque géante, et offerte à l'Organisation des Nations Unies au nom des États-Unis par la Première Dame Nancy Reagan&# x2014il est resté exposé, depuis ce temps, dans l'ONU&# x2019s siège de la ville de New York.&# xA0

Par coïncidence, règle d'or a commencé sa vie comme un dessin inspiré par la mission humanitaire de l'ONU. Conçu en 1952 et exécuté en 1953, l'illustration originale présentait 65 personnes représentant les nations du monde&# x2019s, entourant les membres clés du Conseil de sécurité des Nations Unies (URSS, Royaume-Uni et États-Unis). L'idée était d'exprimer de l'espoir dans la nouvelle organisation de maintien de la paix, et Rockwell a mené des recherches approfondies, y compris la photographie des diplomates et des modèles photographiés. Après avoir terminé le dessin, l'artiste a perdu la foi et a abandonné le projet, se sentant dépassé. Après avoir déménagé à Stockbridge, dans le Massachusetts, Rockwell a revisité l'idée une décennie plus tard, en supprimant les diplomates et en se concentrant sur l'idée d'humanité commune, pour créer l'un de ses portraits les plus durables.


Les graphismes de la télévision, du hip-hop et des jeux vidéo l'ont tous inspiré

Alors que sa réputation montait déjà en flèche, sa première exposition solo en Amérique, à la galerie Annina Nosei de New York le printemps suivant, s'est vendue à guichets fermés lors de sa soirée d'ouverture, rapportant 250 000 $ à Basquiat. Au cours de cette même année charnière de 1982, Basquiat a exécuté Dustheads, qui a été vendu aux enchères en 2013 pour un montant record de 48,8 millions de dollars.

Dustheads de Basquiat a établi un record lorsqu'il a été vendu aux enchères en 2013 pour 48,8 millions de dollars (Crédit : EPA/Alamy)

Dans les mois et les années qui ont suivi ses débuts aux États-Unis, Basquiat s'est révélé extraordinairement prolifique, construisant une œuvre d'environ 1 000 peintures ainsi que plus de 2 000 dessins - tous rendus dans son style inimitablement énergique, féroce mais enfantin. Les références à la culture populaire et à la rue abondent dans son travail. La télévision, le hip hop et les graphismes rudimentaires des premiers jeux vidéo d'arcade l'ont tous inspiré, et ses peintures contiennent des stickmen ainsi que divers symboles tels qu'une couronne omniprésente, qui fonctionne comme un tag de graffeur.


Quand le néo-impressionnisme a-t-il commencé ?

L'artiste français Georges Seurat a introduit le néo-impressionnisme. Son tableau de 1883 Baigneurs à Asnières présente le style. Seurat a étudié les publications sur la théorie des couleurs produites par Charles Blanc, Michel Eugène Chevreul et Ogden Rood. Il a également formulé une application précise de points peints qui se mélangeraient optiquement pour une brillance maximale. Il appela ce système le chromoluminarisme.

Le critique d'art belge Félix Fénéon a décrit l'application systématique de la peinture par Seurat dans sa critique de la huitième exposition impressionniste en La Vogue en juin 1886. Il a développé le contenu de cet article dans son livre Les Impressionnistes en 1886, et de ce petit livre sa parole néo-impressionnisme a décollé comme un nom pour Seurat et ses partisans.


L'histoire derrière la peinture - Washington traversant le Delaware

Au Metropolitan Museum of Art de New York, le tableau Washington traversant le Delaware est suspendu dans la galerie 760. Il s'agit d'une huile sur toile bien connue représentant la traversée de la rivière Delaware par George Washington la nuit de Noël en 1776 pour attaquer les Hessois à Trenton, dans le New Jersey, pendant la Révolution américaine. Non seulement il représente le futur premier président des États-Unis, mais il présente également le futur cinquième président, James Monroe.

L'un des tableaux les plus célèbres de la Révolution américaine, il a été peint à Düsseldorf en 1851 par Emanuel Gottlieb Leutze, un Allemand qui a grandi aux États-Unis mais est revenu en Allemagne à l'âge adulte. Né 40 ans après la bataille de Trenton, Leutze avait espéré que l'esprit de la Révolution motiverait les révolutionnaires libéraux européens en 1848. Il s'est cependant trompé sur quelques points.

Washington traversant le Delaware par Emanuel Leutze, au Metropolitan Museum of Art, New York, NY. Photo par Adamyd CC BY SA 3.0

Sur Purdue Today, David Parrish, professeur d'histoire de l'art, a déclaré que le drapeau détenu par Monroe n'existait pas jusqu'à environ un an après la bataille. Le bateau dans la peinture était d'un type incorrect, et Washington aurait dû être peint comme un homme plus jeune. De plus, alors qu'il a l'air particulièrement noble, Washington en savait assez pour ne pas se tenir debout dans une barque. Nous allons simplement laisser celui-ci à la licence poétique.

De nombreux historiens ne croient pas que Monroe a traversé le Delaware avec Washington, mais il a certainement combattu à Trenton et a reçu une balle dans l'épaule qui est restée pour le reste de sa vie.

Portrait de James Monroe à la Maison Blanche, 1819

Les autres occupants du bateau représentent les différents horizons des colons américains dont des trappeurs de fourrures canadiens-français, un Africain, un Écossais, des fermiers et une figure de l'ouest du pays. Certains pensent que la silhouette au manteau rouge et à l'écharpe noire peut représenter les femmes qui se sont battues et sont mortes pour la liberté.

Le site Web du Metropolitan Museum of Art nous apprend que Leutze a commencé la peinture en 1849 mais qu'elle a été endommagée par un incendie en 1850. L'artiste a réparé les dommages et la peinture a été acquise par Bremen Kunsthalle, un musée d'art de Brême, en Allemagne. Cette peinture a été détruite en 1942 lors d'un bombardement de la Seconde Guerre mondiale par les forces britanniques.

Washington traversant le Delaware (1849-1850), peinture originale d'Emanuel Leutze

Heureusement, Leutze avait créé une copie de la peinture peu de temps après la première, et David Parrish rapporte que la peinture a été expédiée à New York à l'automne 1851, où des milliers de personnes ont afflué pour être exposées dans une galerie de New York et à la rotonde du Capitole des États-Unis. à Washington DC. Le tableau est maintenant exposé en permanence au Metropolitan Museum of Art de New York.

D'autres copies autorisées sont affichées à l'Université Perdue, au parc historique de Washington Crossing et à la Maison Blanche. Le passage du Delaware a également été capturé dans d'autres peintures d'artistes dont George Caleb Bingham, un artiste frontalier américain qui a travaillé au milieu des années 1800 et était un ami de Leutze Thomas Sully, un artiste américain né en Angleterre qui a travaillé au début des années 1800, et Currier et Ives, qui ont fait une lithographie de la scène peinte par Leutze. La peinture de Leutze est également représentée dans le quartier de l'État du New Jersey.

Washington traversant le Delaware par Emanuel Leutze (rognée), MMA-NYC

Comme toujours, des parodies ont vu le jour. Une parodie montre la peinture de Leutze recréée, mais toutes les figures ont des têtes de poulet tandis qu'une autre a Washington et ses compagnons de bateau naviguant sur un hot-dog. Il y en a d'autres avec Homer Simpson prenant la place de George Washington et les Muppets prenant la place de tous les hommes.

Emanuel Leutze, peintre germano-américain.

Parodies à part, Washington traversant le Delaware est une peinture impressionnante vue par des milliers de personnes chaque année. La peinture a également été recréée pour une statue de calcaire à l'endroit où Washington a atterri dans le New Jersey, le parc historique de Washington Crossing de 500 acres. Frank Arena, un ouvrier du calcaire à la retraite, a sculpté la statue et les ouvriers ont placé chaque figure sculptée individuellement dans le bateau.

Selon Washington Crossing Historic Park, un travailleur a également placé un petit drapeau américain, un quartier de l'État du New Jersey et une note répertoriant les noms des travailleurs qui ont aidé à assembler la statue sous l'une des figures.


Regardez une peinture de Peeters et vous ne vous souvenez pas de la mortalité - vous vous souvenez que vous avez faim

Ignorant le haut idéalisme de Rubens, qui dominait la scène artistique anversoise, Peeters choisit plutôt de peindre dans le nouveau style réaliste qui gagnait progressivement en influence dans toute l'Europe. « Et si vous peignez en mode réaliste à Anvers, vous êtes vraiment très différent de tous ceux qui y travaillent », explique Vergara. Alors que la peinture de natures mortes précédente était en grande partie allégorique, le travail de Peeters se caractérise par une forme et une texture précises dans lesquelles les récipients et les aliments brillants contrastent élégamment avec des arrière-plans sombres sans fioritures. Regardez une peinture d'elle et cela ne vous rappelle pas la mortalité, cela vous rappelle que vous avez faim.

On pense que le sujet de cette Vanitas d'environ 1610 est Peeters elle-même, ce qui en fait un autoportrait (Crédit : Prado)

« Nous savons que les plus grands collectionneurs de l'époque possédaient des tableaux d'elle », dit Vergara. Mais au-delà, les détails de sa vie restent un mystère. Nous pouvons peut-être obtenir quelques indices sur sa personnalité dans les nombreux autoportraits miniatures reflétés dans les coupes et les gobelets dorés de ses peintures. C'était encore une autre innovation qu'aucun peintre de natures mortes n'avait pensé auparavant à se représenter de cette manière. Vergara y voit une proclamation discrète mais affirmée de sa dignité, non seulement d'être peintre, mais aussi femme peintre. « Comment ne pas lire là-dedans une certaine volonté d'être reconnu ? Peut-être que maintenant, elle le sera.

Portrait d'une dame

Contrairement à Peeters, la vie de Louise Elisabeth Vigée Le Brun est bien documentée. Elle était la portraitiste la plus réussie et la plus chère du XVIIIe siècle, mais lorsque la rétrospective de son travail s'est ouverte au Grand Palais à Paris en 2015, peu d'universités extérieures avaient entendu son nom.

Artiste surdouée connue pour son esprit et sa beauté, Le Brun avait créé un studio de portrait alors qu'elle était encore adolescente. À 23 ans, elle peint le premier de nombreux portraits de Marie-Antoinette, dont l'intervention directe lui permet enfin d'entrer à l'Académie Royale, dont elle avait été jusque-là exclue en raison de son mariage avec Charles Le Brun, marchand d'art. Réputée pour son traitement exquis de la couleur, du tissu et de la texture, elle pouvait également « capturer une ressemblance comme personne », explique le commissaire de l'exposition parisienne, Joseph Baillio.

Vigée Le Brun a peint son Autoportrait au chapeau de paille en 1782 après avoir rencontré l'œuvre de Rubens à Anvers lors d'une tournée en Flandre (Crédit : Wikipédia)

Un tel succès a inévitablement provoqué l'envie parmi ses pairs masculins. « Ça a dû être exaspérant de voir qu'une femme gagnait plus d'argent qu'eux », dit Baillio. Lorsqu'elle expose son spectaculaire portrait du comte de Calonne au salon de 1785, le bruit court qu'il doit avoir été peint par un homme. Ses relations royales l'ont forcée à fuir la France pendant la révolution et elle a passé les 12 années suivantes à peindre le grand et le bien de l'Europe, y compris un séjour de six ans à la cour de Catherine la Grande à Saint-Pétersbourg, avant de retourner en France pour vivre dans une splendeur extraordinaire jusqu'à l'âge de 86 ans.


Frida Kahlo&aposs Mariage avec Diego Rivera

En 1929, Kahlo et le célèbre muraliste mexicain Diego Rivera se marient. Kahlo et Rivera se sont rencontrés pour la première fois en 1922 lorsqu'il est allé travailler sur un projet dans son lycée. Kahlo a souvent regardé Rivera créer une peinture murale appelée La création dans la salle de conférence de l'école&# x2019s. Selon certains rapports, elle a dit à un ami qu'elle aurait un jour le bébé de Rivera.

Kahlo a renoué avec Rivera en 1928. Il a encouragé ses œuvres et les deux ont commencé une relation. Au cours de leurs premières années ensemble, Kahlo suivait souvent Rivera en fonction de l'endroit où se trouvaient les commissions reçues par Rivera. En 1930, ils vivaient à San Francisco, en Californie. Ils sont ensuite allés à New York pour Rivera&# x2019s show au Museum of Modern Art et plus tard déménagé à Detroit pour Rivera&# x2019s commission avec le Detroit Institute of Arts.

Kahlo et Rivera&# x2019s temps à New York en 1933 a été entouré par la controverse. Commandé par Nelson Rockefeller, Rivera a créé une peinture murale intitulée L'homme à la croisée des chemins dans le RCA Building au Rockefeller Center. Rockefeller a interrompu les travaux sur le projet après que Rivera a inclus un portrait du leader communiste Vladimir Lénine dans la peinture murale, qui a ensuite été repeinte. Des mois après cet incident, le couple est retourné au Mexique et est allé vivre à San Angel, au Mexique.

Jamais une union traditionnelle, Kahlo et Rivera sont restés séparés, mais des maisons et des studios adjacents à San Angel. Elle a été attristée par ses nombreuses infidélités, dont une liaison avec sa sœur Cristina. En réponse à cette trahison familiale, Kahlo a coupé la plupart de ses longs cheveux noirs. Désirant désespérément avoir un enfant, elle a de nouveau eu le cœur brisé lorsqu'elle a fait une fausse couche en 1934.

Kahlo et Rivera ont traversé des périodes de séparation, mais ils se sont réunis pour aider le communiste soviétique en exil Léon Trotsky et sa femme Natalia en 1937. Les Trotsky sont venus séjourner avec eux à la Maison Bleue (maison d'enfance de Kahlo&aposs) pendant un certain temps en 1937 sous le nom de Trotsky. avait obtenu l'asile au Mexique. Autrefois rival du dirigeant soviétique Joseph Staline, Trotsky craignait d'être assassiné par son vieil ennemi juré. Kahlo et Trotsky auraient eu une brève liaison pendant cette période.