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La légende hollywoodienne Charlie Chaplin est née

La légende hollywoodienne Charlie Chaplin est née

Le 16 avril 1889, la future légende hollywoodienne Charlie Chaplin naît Charles Spencer Chaplin à Londres, en Angleterre.

Chaplin, l'une des stars les plus prospères du début d'Hollywood, a été présenté à la scène à l'âge de cinq ans. Fils d'artistes de music-hall londoniens, le jeune Chaplin regardait un spectacle mettant en vedette sa mère lorsque sa voix s'est brisée. Il a été rapidement emmené sur scène pour terminer l'acte.

Le père de Chaplin est décédé lorsque Chaplin était un enfant en bas âge, et lorsque sa mère a fait une dépression nerveuse, Chaplin et son demi-frère aîné, Sydney, ont parcouru Londres, où ils ont dansé dans les rues et collecté des sous dans un chapeau. Ils sont finalement allés dans un orphelinat et ont rejoint les Eight Lancashire Lads, une troupe de danse pour enfants. Quand Chaplin avait 17 ans, il a développé ses talents de comédien avec l'aide de la compagnie de Fred Karno, pour laquelle son demi-frère était déjà devenu un comédien populaire. Bientôt, le chapeau melon de Chaplin, les pieds tournés vers l'extérieur, la moustache et la canne sont devenus sa marque de fabrique. Il rejoint la société Keystone et tourne Gagner sa vie, dans lequel il jouait un méchant moustachu qui portait un monocle. Il n'a pas fallu longtemps avant qu'il ne travaille également de l'autre côté de la caméra, aidant à réaliser son 12e film et réalisant son 13e, Pris sous la pluie, tout seul.

Chaplin a affiné ce qui allait bientôt devenir son héritage, le personnage de Charlie le clochard, et a signé avec la société Essanay en 1915 pour 1 250 $ par semaine, plus un bonus de 10 000 $, un bond par rapport aux 175 $ que Keystone lui a payés. L'année suivante, il a signé avec Mutual pour 10 000 $ par semaine, plus un bonus de 150 000 $ en vertu d'un contrat qui l'obligeait à faire 12 films par an mais lui accordait un contrôle créatif total sur les images. Et en 1918, il a signé un contrat avec First National pour 1 million de dollars pour huit films. Acteur de cinéma muet et pantomimiste magistral capable de susciter à la fois rires et larmes de son public, Chaplin a résisté à l'arrivée du son dans les films. En effet, dans son premier film comportant du son (Lumières de la ville en 1931), il n'utilisait que la musique. Son premier vrai film sonore date des années 40 Le Grand Dictateur, dans lequel il se moquait du fascisme.

Chaplin a fondé United Artists Corporation en 1919 avec Mary Pickford, Douglas Fairbanks et le réalisateur D.W. Griffith. Chaplin s'est marié deux fois de plus, les deux fois avec des adolescentes. Sa quatrième épouse, Oona O'Neill, qui avait 18 ans lorsqu'elle a épousé l'acteur de 54 ans, était la fille du dramaturge Eugene O'Neill. Bien qu'il ait vécu aux États-Unis pendant 42 ans, Chaplin n'est jamais devenu citoyen américain. Pacifiste vocal, Chaplin a été accusé de liens communistes, ce qu'il a nié. Néanmoins, en 1952, les agents de l'immigration ont empêché Chaplin et sa femme de rentrer aux États-Unis après une tournée à l'étranger. Le couple n'est pas retourné aux États-Unis pendant 20 ans; au lieu de cela, ils se sont installés en Suisse avec leurs huit enfants. Chaplin est retourné aux États-Unis en 1972 pour accepter un Oscar spécial pour «l'effet incalculable qu'il a eu pour faire du cinéma l'art de et de ce siècle». Il a été fait chevalier Sir Charles Spencer Chaplin en 1975. Il est décédé deux ans plus tard.


Ce sont les plus vieilles stars d'Hollywood en vie aujourd'hui

Maintenant que nous sommes dans les années 2020, il est triste de constater que de nombreuses stars de l'âge d'or d'Hollywood ne sont plus avec nous. Lorsque nous nous asseyons pour profiter d'un film classique un dimanche après-midi, nous avons tendance à supposer que la plupart des acteurs que nous regardons sont déjà à la grande soirée de clôture dans le ciel, mais ce n'est pas toujours le cas. Alors que l'histoire d'Hollywood est jonchée d'histoires tragiques d'acteurs qui nous ont quittés trop tôt, il y a un groupe de plus en plus réduit de vétérans qui étaient vivants à l'époque où les "talkies" étaient encore une nouveauté dans les théâtres. Certaines de ces stars profitent tranquillement de leur retraite après une vie bien remplie à Tinseltown, bien qu'un nombre étonnamment élevé d'entre elles restent actives dans l'industrie aujourd'hui.

Des anciennes sirènes d'écran qui ont toujours l'air glamour dans leurs années 90, à l'acteur avec une carrière de cent ans, nous avons rassemblé un aperçu des plus anciennes stars d'Hollywood vivantes.


Histoire d'Hollywood

Lorsque vous vous asseyez dans nos confortables cabines en cuir usé, parcourez notre menu classique centenaire ou installez-vous au bar en acajou, vous ne profitez pas seulement d'une cuisine raffinée et d'une bonne compagnie. Vous faites partie de l'histoire d'Hollywood.

C'est une histoire qui se lit comme un script hollywoodien. Des offres ont été conclues sur l'ancien téléphone public - le premier téléphone public à être installé à Hollywood. Les scripts ont été discutés autour d'un célèbre martini de Musso. Des contrats ont été signés sur des repas exquis de Rôti de Canard et Côtelettes d'Agneau. Les étoiles sont nées.

Depuis le début, Musso's a été un favori parmi les A-list d'Hollywood. Charlie Chaplin était un habitué des débuts. Souvent vu en train de déjeuner avec Mary Pickford, Rudolph Valentino et Douglas Fairbanks, Chaplin – selon la légende – défiait Douglas à une course de chevaux sur Hollywood Boulevard, et le gagnant devait payer la note chez Musso. Charlie gagnerait et se réjouirait d'une assiette de Roast Lamb Kidneys, son plat préféré de Musso.

Dans les années 20 et 30, il n'était pas rare de voir Greta Garbo et Gary Cooper prendre leur petit-déjeuner ensemble – des gâteaux de flanelle et du café frais, bien sûr. Ou croiser Humphrey Bogart en train de boire un verre au bar avec Dashielle Hammett ou Lauren Bacall.

Dans les années 50, des légendes hollywoodiennes comme Marilyn Monroe (accompagnée de Joe DiMaggio), Elizabeth Taylor et Steve McQueen savouraient des boissons et des apéritifs dans la célèbre Back Room de Musso. Jimmy Stewart, Rita Hayworth, Groucho Marx et John Barrymore ont également eu des rôles principaux chez Musso.

Aujourd'hui, Musso's reste un lieu de rencontre sophistiqué à Hollywood. Mais ne vous attendez pas à faire la queue pour des autographes. Les propriétaires et les patrons de Musso les traitent toujours de la même manière que le premier propriétaire John Mosso, avec respect et discrétion.


1. Mary Pickford (1892-1979)

Bien que cette véritable pionnière d'une actrice hollywoodienne ait reçu le titre honorifique de "America's Sweetheart", Mary Pickford attribue bon nombre de ses valeurs et de ses inspirations de caractère à ses racines irlandaises. Tout au long de sa carrière, elle se souvenait d'histoires et de souvenirs de l'éducation pauvre de sa mère dans le comté de Kerry, en Irlande, afin de nouer des liens avec ses rôles, qui étaient généralement ceux de jeunes immigrantes irlandaises honnêtes et sans le sou ou d'Irlandais-Américains (les titres incluent "The Foundling" (1915), "Little Annie Rooney" (1925) et "Amarilly of Clothes-line Alley" (1918)).

Avec une présence féminine rusée et confiante mélangée à une qualité innocente de «fille d'à côté», Pickford s'est frayé un chemin à travers l'industrie hollywoodienne dominée par les hommes, devenant la femme la mieux payée au monde à l'âge de 27 ans, avant même que les femmes ne soient autorisées. voter.

Ses subtilités dans le langage corporel et les gestes du visage sont connues pour avoir influencé Charlie Chaplin, avec qui elle entretenait une relation étroite, car ils étaient tous deux vénérés à l'ère du cinéma muet.

Dans une interview accordée à la télévision américaine en 1965, Pickford a noté qu'elle et d'autres acteurs irlandais du début de l'ère hollywoodienne restaient ensemble et maintenaient un lien fort. Parfois appelée de manière attachante «la fille aux boucles» pour ses boucles caractéristiques de cheveux roux, Pickford était admirée pour sa beauté, mais plus important encore pour son originalité, sa passion et son intelligence à revendiquer Hollywood.

2. Chauncey Olcott (1858-1932)

Bien qu'originaire de New York, l'artiste chancelier Olcott, plus officieusement connu sous le nom de Chauncey, a mené une carrière réussie et célébrée inspirée par ses origines irlandaises.

Débutant en 1880 en tant que chanteur de ballades dans des spectacles de ménestrels, Olcott est devenu célèbre à Broadway, après avoir joué le rôle de l'acteur principal de l'actrice acclamée Lillian Russell dans "Pepita or, The Girl with the Glass Eyes" (1886). Bien que Russell soit crédité d'avoir commencé la carrière d'Olcott, il a continué à se passionner pour les comédies musicales romantiques.

Plus particulièrement, il a joué dans « A Romance of Athlone » (1899) et « The Isle O'Dreams » (1912), pour lesquels il a respectivement écrit et composé les numéros « My Wild Irish Rose » et « When Irish Eyes are Smiling ». .

Sa mort malheureuse en 1932 a catalysé des reconnaissances posthumes : Warner Bros. a sorti un film intitulé « My Wild Irish Rose (1947) » sur sa vie (avec Dennis Morgan), et Olcott a ensuite été intronisé au Songwriters Hall of Fame en 1970.

Avec une voix puissante mais douce et délicate, Olcott a chanté et dansé son chemin vers la célébrité en utilisant ses racines irlandaises comme carburant, et a continué à maintenir une grande révérence après sa mort.

3. Charlie Chaplin (1889-1997)

Pour être honnête, l'icône du cinéma et maître du cinéma muet Charlie Chaplin n'est pas d'origine irlandaise. Cependant, chose intéressante, à partir de 1959, il a commencé à emmener sa famille en vacances annuelles dans le village de Waterville dans le comté de Kerry, en Irlande, devenant rapidement leur visiteur le plus aimé.

L'acteur/figure anglais est peut-être le plus connu pour son personnage à l'écran "The Tramp" dans toute sa gloire burlesque.

Entre diriger, jouer, écrire, produire, éditer et composer la partition de nombreuses œuvres célèbres sans rapport avec l'Irlande, Chaplin a toujours réussi à trouver du temps chaque année pour visiter la belle Waterville. Sa quatrième épouse, Oona O'Neill, fille du dramaturge américain d'origine irlandaise Eugene O'Neill, lauréat du prix Pulitzer, est d'origine irlandaise proche. Ainsi, même si Chaplin n'est peut-être pas irlandais, ses enfants avec Oona ont des racines dans l'île d'Émeraude.

Touchés par son engagement à y passer des vacances, les résidents de Waterville ont érigé une statue en bronze de Chaplin, avec une plaque le remerciant pour ses visites rituelles. Il se lit, en irlandais et en anglais, "Pour l'homme qui a fait parler les films dans le cœur de millions de personnes [,] Charlie a passé de nombreuses années parmi nous en tant qu'humble invité et ami de beaucoup." Dans la statue, il porte un costume comique mal boutonné et se tient avec une main bizarre sur la hanche et un sourire expressif typique.

4. Helen Kane (1904-1966)

Helen Kane, notre bien-aimée originale "Boop Boop a Doop Girl", probablement l'inspiration du dessin animé emblématique Betty Boop, est également venue d'une maison irlandaise. La mère de Kane, une immigrante irlandaise, a aidé sa fille à devenir une star mineure en achetant à contrecœur son premier costume pour le rôle de la reine dans une production scolaire - avec de l'argent serré, une robe de trois dollars semblait une épreuve.

Mais peut-être pouvons-nous remercier cette robe et jouer comme la raison pour laquelle Kane est tombée amoureuse du théâtre. the Future » (1922-24) avec sa jeune voix de bébé comme marque de fabrique.

Elle s'est fait un nom dans la musique - de toutes ses bandes originales, performances solo et chansons avec son trio "The Three X Sisters", Kane est principalement reconnue pour son morceau "I Wanna be Loved By You", qui a ensuite été interprété. de Marilyn Monroe dans "Certains l'aiment chaud".

Avec ses yeux de biche et ses lèvres boudeuses, Kane est devenue une extraordinaire qui s'ébattait, chantait, battait des ailes, jouait, dansait, parlait de bébé avec une grâce et un glamour adorables. Qui aurait deviné que l'inspiration de Betty Boop venait d'un foyer irlandais ?

5. Sara Allgood (1879-1950)

Née au cœur de Dublin, Sara Allgood, également connue sous le nom de Sally Allgood, a commencé à jouer au célèbre Abbey Theatre de Dublin. Allgood avait une apparence chaleureuse, réconfortante et peut-être matrone à cause de ces caractéristiques. Dans les films, elle était souvent présentée comme des mères irlandaises, des logeuses, des potins de quartier, etc.

Elle est surtout connue pour son rôle dans le film "How Green Was My Valley" dans le rôle de Mme Morgan, la mère d'une famille de mineurs gallois, pour laquelle elle a reçu une nomination aux Oscars.

Allgood garde une filmographie époustouflante à son actif, ayant joué dans une cinquantaine de films notables, dont "Cheaper by the Dozen" (1950), "Jane Eyre" (1943), "Dr. Jekyll and Mr. Hyde" (1941), "My Wild Irish Rose" (1947) à propos de Chauncey Olcott.

Elle a également joué dans quelques premiers films d'Hitchcock tels que "Sabotage" (1936), "Blackmail" (1929) et "Juno and the Paycock" (1930), dans lesquels sa sœur, l'actrice Maire O'Neill, a joué le rôle de bien.

Elle a été fortement impliquée dans l'ouverture de l'Irish National Theatre Society et était une amie proche du poète irlandais largement acclamé William Butler Yeats. La muse de Yeats, la révolutionnaire irlandaise et féministe Maud Gonne, était une enseignante très influente pour Allgood et sa sœur Maire.

6. Hélène Hayes (1900-1993)

Helen Hayes, l'une des douze personnes à remporter un EGOT (Emmy, Grammy, Oscar et Tony), avait des grands-parents maternels catholiques irlandais qui ont émigré d'Irlande pendant la Grande Famine.

Après avoir remporté l'Oscar de la meilleure actrice dans "Le péché de Madelon Claudet" (1931), elle est devenue célèbre avec des films tels que l'adaptation d'Hemingway "A Farewell to Arms" (1932), "What Every Woman Knows" (1934) , "The White Sister" (1933) face à Clark Gable, et bien d'autres.

Cependant, le cœur de Hayes était plus fort à Broadway et préférait la scène au grand écran. Lucille Ball lui a écrit une fois une lettre de fan, et avec une admiration mutuelle, Hayes a suggéré qu'ils travaillent ensemble un jour, ce qu'ils ont fait en 1971. Hayes est apparu dans un épisode de "Here's Lucy" intitulé "Lucy and the Little Old Woman" en tant que Irlandaise démunie à la recherche de travail.

Hayes était fière de ses racines irlandaises, elle était une grande danseuse irlandaise, et dans une interview dans un magazine, après avoir mentionné sa petite taille, elle s'est décrite de manière ludique comme "une petite biddy irlandaise".

En tant qu'actrice primée largement admirée et philanthrope de renom, Hayes est malheureusement décédée le jour de la Saint-Patrick de 1993.

7. Maureen O'Sullivan (1911-1988)

Vous la reconnaîtrez peut-être comme la curieuse Jane américaine de Tarzan, mais Maureen O'Sullivan est aussi irlandaise que possible. Née à Boyle, dans le comté de Roscommon, en Irlande, O'Sullivan a fréquenté l'école du couvent de Dublin en tant que fille.

O'Sullivan, mère de l'actrice Mia Farrow, a connu le succès dans le film de 1931 "A Connecticut Yankee", et après avoir joué pendant douze ans, elle a pris une pause pour élever sept enfants, mais a de nouveau montré son charmant sourire au monde en 1948. film "The Big Clock", réalisé par son mari de l'époque, John Farrow.

Bien qu'O'Sullivan ait fait ses débuts à Hollywood et conservera à jamais le titre d'actrice et de beauté classiques, elle est restée forte à Hollywood tout au long des années 80, dans des films reconnaissables tels que "Peggy Sue Got Married" aux côtés de Nicolas Cage et dans Woody Le film acclamé d'Allen "Hannah et ses sœurs", tous deux sortis en 1986.

8. Géraldine Fitzgerald (1913-2005)

Une autre starlette irlandaise charmante et talentueuse d'Hollywood est Geraldine Fitzgerald, née à Greystones, dans le comté de Wicklow, en Irlande. Avant de découvrir son véritable talent d'actrice, elle a étudié la peinture à la Dublin School of Art.

Elle a joué dans d'innombrables films, mais ses réalisations les plus notables ont été une nomination aux Oscars pour la meilleure actrice dans un second rôle pour son rôle d'Isabella Linton dans "Wuthering Heights" (1939) et son rôle principal dans le succès du box-office américain "Dark Victory" ( 1939).

Depuis "Dark Victory", elle s'est fait un nom dans le cinéma et la télévision américains, jouant dans une partie de la série de films d'horreur "Poltergeist" en 1986 et dans quelques comédies telles que "Arthur" (1981). Elle a également fait ses débuts dans l'une des sitcoms préférées des États-Unis, The Golden Girls.

L'actrice irlandaise a eu une course énergique à Broadway, et elle a également reçu une nomination aux Tony Awards pour sa mise en scène d'une pièce intitulée "Mass Appeal" sur un pasteur catholique romain et un jeune diacre.

9. Rex Ingram (1892-1950)

Rex Ingram, né à Dublin en 1882, est devenu l'un des réalisateurs les plus talentueux et acclamés de l'histoire d'Hollywood, remportant le titre de « Maître du silence » pour sa capacité à créer de nombreux succès à l'ère du cinéma muet.

Bien que de nombreux réalisateurs de films muets tels que Hitchcock aient continué à réaliser des films parlants, Ingram est resté fidèle à sa passion et est finalement tombé dans l'obscurité silencieuse. Cependant, pas une seconde, il n'a cessé d'influencer les réalisateurs d'aujourd'hui.

Il est respecté par pratiquement toutes les personnes du réalisateur hollywoodien Erich von Stroheim l'a déjà qualifié de plus grand réalisateur du monde. Son tube à succès de 1921 « Les quatre cavaliers de l'Apocalypse » a énormément inspiré Martin Scorsese, qui s'est rejoué le film à plusieurs reprises alors qu'il réinventait son propre film « Hugo » (2011), un hommage au cinéma muet.

Ingram était également un acteur bien connu dans plus d'une vingtaine de films tels que "Love in Morocco" (1933) dans lequel il incarnait le fringant André Duval, ou le court métrage "Camille" (1926) dans lequel il incarnait le leader politique irlandais Charles Stewart Parnell.

10. James Cagney (1899-1986)

Une autre star très célèbre d'origine irlandaise est James Cagney, acteur et danseur.

Bien qu'il soit en effet un danseur très impressionnant, l'essentiel de sa renommée vient de ses films, dans lesquels il était souvent catalogué comme le « dur à cuire » agressif ou violent qui finissait toujours par être un peu plus polyvalent que ce qu'il paraissait. .

Certains de ces rôles étaient dans des films tels que "Taxi!" ou le film culte de gangsters "Public Enemy" ou "Angels with Dirty Faces" aux côtés d'un autre acteur irlando-américain Pat O'Brien. Cagney et O'Brien ont joué ensemble dans le film de 1935 "The Irish in Us" dans le rôle des frères O'Hara de New York.

Légende infaillible d'Hollywood, Cagney a joué dans un nombre incroyable de films à succès, dont beaucoup appartenaient à Warner Bros. En 1974, Cagney a reçu le Life Achievement Award de l'American Film Institute, et est respecté et connu pour son éloquence, sa voix distinctive et sa capacité à tirer des lignes nettes ou une comédie impassible dans des films sérieux.

11. Pat O'Brien (1899-1983)

Notre dernier vieil acteur hollywoodien d'origine irlandaise a montré haut et fort ses racines irlandaises avec chaque os de son corps. Pat O'Brien était souvent appelé « l'Irlandais en résidence d'Hollywood » par la presse, car la plupart de ses rôles étaient ceux d'hommes irlandais ou irlando-américains.

Il portait l'insigne irlandais avec honneur à Hollywood et était souvent associé à l'acteur susmentionné James Cagney, car ils formaient un duo dynamique ("Angels with Dirty Faces" (1938), "The Irish in Us" (1935) et bien d'autres. ). Il était surtout connu dans les années 30 et 40 pour ses rôles de figures de proue tels que les chefs militaires, les flics et les prêtres, exigeant l'attention et le respect dans et hors du personnage. Les quatre grands-parents d'O'Brien sont originaires du comté de Cork, en Irlande. O'Brien, Cagney et d'autres acteurs irlando-américains tels que Frank McHugh et Spencer Tracy avaient souvent l'habitude de se rencontrer et de converser ensemble régulièrement, se faisant appeler « le Boys Club », mais le chroniqueur hollywoodien Sidney Skolsky les appelait, en plaisantant, « les Irlandais Mafia."


Se souvenir de Charlie Chaplin: Meilleures citations de la légende de la bande dessinée

Charlie Chaplin, acteur anglais, le génie de la bande dessinée est connu dans le monde comme le meilleur artiste du cinéma muet. Né le 16 avril 1889, Chaplin a consacré toute sa vie au cinéma et à faire rire. Il est considéré comme l'une des figures les plus importantes de l'histoire du cinéma.

Commencé dès l'âge de 10 ans, Chaplin a travaillé jusqu'au bout et nous a donné quelques-unes des meilleures œuvres que nous voyons aujourd'hui. "Le Grand Dictateur" est toujours considéré comme l'un des meilleurs films de tous les temps. Les lumières de la ville, Le gamin, Une femme de Paris, La ruée vers l'or et Les temps modernes ne sont que quelques noms parmi la liste des joyaux que cette étoile nous a laissés.

Acteur, réalisateur, scénariste, légende de la bande dessinée, compositeur et le plus grand interprète de tous les temps. En souvenir du jovial Charlie Chaplin le jour de son anniversaire, jetons un coup d'œil à quelques-unes des meilleures citations de la légende.

Citations de Charlie Chaplin :

"Un jour sans rire est un jour perdu."

"Rien n'est permanent dans ce monde méchant - pas même nos problèmes."

"La chose la plus triste que je puisse imaginer est de s'habituer au luxe."

"Nous pensons trop et ressentons trop peu."

"J'aime toujours marcher sous la pluie, donc personne ne peut me voir pleurer."

"La vie est une tragédie lorsqu'elle est vue en gros plan, mais une comédie en plan éloigné."

"La vie peut être merveilleuse si vous n'en avez pas peur. Il suffit de courage, d'imagination et d'un peu de fric."

"Vous ne trouverez jamais un arc-en-ciel si vous regardez en bas."

"L'amour parfait est la plus belle de toutes les frustrations car c'est plus que ce que l'on peut exprimer."

"L'imagination ne veut rien dire sans faire."

A quoi veux-tu un sens ? La vie est un désir, pas un sens."

"Le rire est le tonique, le soulagement, l'arrêt de la douleur."

« Je suis un citoyen du monde.

"J'espère que nous abolirons la guerre et réglerons tous les différends à la table de conférence."


Chaplin a joué des personnages antipathiques dans ses premiers films. Mais peu de temps après, il a endossé le rôle qui allait définir sa carrière – celui de l'opprimé, dominant face aux difficultés de la vie. Dans des chefs-d'œuvre ultérieurs tels que "Modern Times" (1936), Chaplin a également utilisé le cinéma pour critiquer la société. Ici, il était littéralement l'homme pris dans les rouages ​​de l'industrialisation.


Puis : La Maison Janes

La maison Janes est un vestige de 1903 des maisons victoriennes construites sur Hollywood Boulevard à partir des années 1880. Les sœurs Jane ont ouvert une école dans la maison en 1911 et ont enseigné aux enfants de célébrités telles que Cécile B. DeMille et Charlie Chaplin. À l'époque, The Janes House était entourée d'orangeraies au nord et au sud. « Ils réduiraient les bosquets pour construire », dit Wanamaker.

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Charlie Chaplin

Sir Charles Spencer "Charlie" Chaplin, KBE était un acteur comique et réalisateur anglais de l'ère du cinéma muet. Il est devenu l'une des stars de cinéma les plus connues au monde avant la fin de la Première Guerre mondiale. Chaplin a utilisé le mime, le burlesque et d'autres routines de comédie visuelle, et a continué jusqu'à l'ère du cinéma parlant, bien que la fréquence de ses films ait diminué à partir de la fin des années 1920. Son rôle le plus célèbre est celui de The Tramp, qu'il a joué pour la première fois dans la comédie Keystone Kid Auto Races à Venise en 1914. À partir de la bobine unique d'avril 1914 Vingt minutes d'amour à partir de là, il écrit et réalise la plupart de ses films, en 1916 il produit également et à partir de 1918, il compose la musique. Avec Mary Pickford, Douglas Fairbanks et D. W. Griffith, il co-fonde United Artists en 1919.

Chaplin était l'une des personnalités les plus créatives et les plus influentes de l'ère du cinéma muet. Il a été influencé par son prédécesseur, le comédien de cinéma muet français Max Linder, à qui il a dédié un de ses films. Sa vie professionnelle dans le divertissement a duré plus de 75 ans, de la scène victorienne et du Music Hall au Royaume-Uni en tant qu'enfant interprète, jusqu'à près de sa mort à l'âge de 88 ans. Sa vie publique et privée très médiatisée comprenait à la fois l'adulation et controverse. L'identification de Chaplin avec la gauche l'a finalement forcé à se réinstaller en Europe pendant l'ère McCarthy au début des années 1950.

En 1999, l'American Film Institute a classé Chaplin comme la 10e plus grande légende du cinéma masculin de tous les temps. En 2008, Martin Sieff, dans une critique du livre, écrivait : "Chaplin n'était pas seulement 'grand', il était gigantesque. En 1915, il a fait irruption dans un monde déchiré par la guerre, lui apportant le cadeau de la comédie, du rire et du soulagement alors qu'il se déchirait pendant la Première Guerre mondiale. Au cours des 25 années suivantes, à travers la Grande Dépression et la montée d'Adolf Hitler, il est resté au travail.


Contenu

Mary Pickford est née Gladys Marie Smith en 1892 (bien qu'elle ait déclaré plus tard 1893 ou 1894 comme année de naissance) au 211 University Avenue, à Toronto, en Ontario. [1] Son père, John Charles Smith était le fils d'immigrants méthodistes anglais et a travaillé une variété de petits boulots. Sa mère, Charlotte Hennessey, était d'origine irlandaise catholique et a travaillé pendant un certain temps comme couturière. Elle avait deux frères et sœurs plus jeunes, Charlotte, appelée « Lottie » (née en 1893), et John Charles, appelé « Jack » (né en 1896), qui sont également devenus acteurs. Pour plaire à la famille de son mari, la mère de Pickford a baptisé ses enfants méthodistes, la religion de leur père. John Charles Smith était un alcoolique, il a abandonné la famille et est décédé le 11 février 1898, d'un caillot de sang mortel causé par un accident de travail alors qu'il était commissaire de bord au Niagara Steamship. [1]

Lorsque Gladys avait quatre ans, sa maison était en quarantaine infectieuse par mesure de santé publique. Leur grand-mère maternelle fervente catholique (Catherine Faeley Hennessey) a demandé à un prêtre catholique en visite de baptiser les enfants. Pickford était à cette époque baptisée Gladys Marie Smith. [9] [10]

Après être devenue veuve en 1899, Charlotte Smith a commencé à accueillir des pensionnaires, dont M. Murphy, le régisseur de la Cummings Stock Company, qui a rapidement suggéré que Gladys, alors âgée de sept ans, et Lottie, alors âgée de six ans, reçoivent deux petits rôles théâtraux – Gladys a dépeint une fille et un garçon, tandis que Lottie a joué un rôle muet dans la production de la compagnie de Le roi d'argent au Princess Theatre de Toronto (détruit par un incendie en 1915, reconstruit, démoli en 1931), pendant que leur mère jouait de l'orgue. [11] [1] Pickford a joué par la suite dans de nombreux mélodrames avec la Valentine Stock Company de Toronto, jouant finalement le rôle d'enfant majeur dans sa version de Le roi d'argent. Elle a couronné sa courte carrière à Toronto avec le rôle principal de Little Eva dans la production Valentine de La Case de l'oncle Tom, adapté du roman de 1852. [1]

Les premières années Modifier

Au début des années 1900, le théâtre était devenu une entreprise familiale. Gladys, sa mère et ses deux frères et sœurs plus jeunes ont fait le tour des États-Unis en train, se produisant dans des compagnies et des pièces de théâtre de troisième ordre. Après six années de pauvreté, Pickford a accordé un été de plus pour décrocher un rôle principal à Broadway, prévoyant d'arrêter d'agir si elle échouait. En 1906, Gladys, Lottie et Jack Smith ont soutenu le chanteur Chauncey Olcott à Broadway en Edmond Burke. [12] Gladys a finalement décroché un rôle de soutien dans une pièce de Broadway en 1907, Les terriers de Virginie. La pièce a été écrite par William C. deMille, dont le frère, Cecil, est apparu dans la distribution. David Belasco, le producteur de la pièce, a insisté pour que Gladys Smith prenne le nom de scène Mary Pickford. [13] Après avoir terminé la course de Broadway et visité la pièce, cependant, Pickford était de nouveau sans travail.

Le 19 avril 1909, le réalisateur de la Biograph Company, D. W. Griffith, la teste au studio new-yorkais de la société pour un rôle dans le film Nickodeon. Passes Pippa. Le rôle est allé à quelqu'un d'autre mais Griffith a été immédiatement pris avec Pickford. Elle a rapidement compris que le jeu d'acteur était plus simple que le jeu de scène stylisé de l'époque. La plupart des acteurs de Biograph gagnaient 5 $ par jour mais, après la seule journée de Pickford en studio, Griffith a accepté de lui payer 10 $ par jour contre une garantie de 40 $ par semaine. [14]

Pickford, comme tous les acteurs de Biograph, a joué à la fois des rôles secondaires et des rôles principaux, notamment des mères, des ingénues, des femmes de ménage, des spitfires, des esclaves, des Amérindiens, des femmes méprisées et une prostituée. Comme Pickford l'a dit à propos de son succès chez Biograph :

J'ai joué les femmes de ménage, les secrétaires et les femmes de toutes nationalités. J'ai décidé que si je pouvais entrer dans autant d'images que possible, je serais connu et il y aurait une demande pour mon travail.

Elle est apparue dans 51 films en 1909 - près d'un par semaine - avec son premier rôle principal dans Le luthier de Crémone face au futur mari Owen Moore. [3] Pendant qu'elle était à Biograph, elle a suggéré à Florence La Badie d'"essayer des photos", l'a invitée au studio et l'a présentée plus tard à D. W. Griffith, qui a lancé la carrière de La Badie. [15]

En janvier 1910, Pickford voyagea avec une équipe de Biograph à Los Angeles. De nombreuses autres sociétés cinématographiques ont hiverné sur la côte ouest, fuyant la faible luminosité et les jours courts qui entravaient le tournage hivernal dans l'est. Pickford a ajouté à ses biographies de 1909 (Douce et vingt, Ils s'enfuiraient, et Pour sauver son âme, pour n'en citer que quelques-uns) avec des films réalisés en Californie.

Les acteurs ne figuraient pas dans le générique de la compagnie de Griffith. Le public a remarqué et identifié Pickford quelques semaines après sa première apparition dans un film. Les exposants, à leur tour, ont capitalisé sur sa popularité en annonçant sur des panneaux sandwich qu'un film mettant en vedette "La fille aux boucles d'or", "Blondilocks" ou "The Biograph Girl" était à l'intérieur. [16]

Pickford a quitté Biograph en décembre 1910. L'année suivante, elle a joué dans des films à l'Independent Moving Pictures Company (IMP) de Carl Laemmle. IMP a été absorbé par Universal Pictures en 1912, avec Majestic. Mécontent de leurs standards créatifs, Pickford retourna travailler avec Griffith en 1912. Certaines de ses meilleures performances étaient dans ses films, tels que Amis, Le réparateur de filets, Comme une femme, et La femelle de l'espèce. Cette année-là, Pickford a également présenté Dorothy et Lillian Gish – avec qui elle s'était liée d'amitié en tant que nouveaux voisins de l'Ohio [17] – à Griffith, [1] et chacune est devenue de grandes stars du cinéma muet, respectivement dans la comédie et la tragédie. Pickford a fait sa dernière photo biographique, Le chapeau new-yorkais, fin 1912.

Elle est retournée à Broadway dans la production de David Belasco de Un bon petit diable (1912). Ce fut un tournant majeur dans sa carrière. Pickford, qui avait toujours espéré conquérir la scène de Broadway, a découvert à quel point le cinéma lui manquait. En 1913, elle décide de travailler exclusivement au cinéma. L'année précédente, Adolph Zukor avait formé Famous Players in Famous Plays. Elle fut plus tard connue sous le nom de Famous Players-Lasky puis Paramount Pictures, l'une des premières sociétés de long métrage américaines.

Pickford a quitté la scène pour rejoindre la liste des stars de Zukor. Zukor croyait que le potentiel du film résidait dans l'enregistrement d'acteurs de théâtre dans des répliques de leurs rôles et productions scéniques les plus célèbres. Zukor a filmé Pickford pour la première fois dans une version muette de Un bon petit diable. Le film, produit en 1913, montrait les acteurs de Broadway de la pièce récitant chaque ligne de dialogue, ce qui a donné un film rigide que Pickford a appelé plus tard « l'un des pires [features] que j'ai jamais fait. c'était mortel ». [1] Zukor a convenu qu'il a retenu le film de la distribution depuis un an.

Le travail de Pickford dans le matériel écrit pour la caméra à cette époque avait attiré un large public. Comédies dramatiques, telles que Dans la calèche de l'évêque (1913), Caprice (1913), et surtout Cœurs à la dérive (1914), la rend irrésistible pour les cinéphiles. Cœurs à la dérive était si populaire que Pickford a demandé la première de ses nombreuses augmentations de salaire médiatisées en fonction des bénéfices et des critiques. [18] Le film a marqué la première fois que le nom de Pickford a été présenté au-dessus du titre sur les chapiteaux de film. [18] Tess du pays des tempêtes a été libéré cinq semaines plus tard. Le biographe Kevin Brownlow a observé que le film « a envoyé sa carrière en orbite et en a fait l'actrice la plus populaire en Amérique, sinon dans le monde ». [18]

Son appel fut résumé deux ans plus tard par le numéro de février 1916 de Jeu de photos comme "une tendresse lumineuse dans une bande d'acier de férocité de gouttière". [1] Seul Charlie Chaplin, qui a légèrement dépassé la popularité de Pickford en 1916, [19] a eu une attraction tout aussi envoûtante auprès des critiques et du public. Chacun jouissait d'un niveau de notoriété dépassant de loin celui des autres acteurs. Throughout the 1910s and 1920s, Pickford was believed to be the most famous woman in the world, or, as a silent-film journalist described her, "the best known woman who has ever lived, the woman who was known to more people and loved by more people than any other woman that has been in all history". [1]

Stardom Edit

Pickford starred in 52 features throughout her career. On June 24, 1916, Pickford signed a new contract with Zukor that granted her full authority over production of the films in which she starred, [20] and a record-breaking salary of $10,000 a week. [21] In addition, Pickford's compensation was half of a film's profits, with a guarantee of $1,040,000 (US$18,720,000 in 2021), [22] making her the first actress to sign a million dollar contract. [3] She also became vice-president of Pickford Film Corporation. [3]

Occasionally, she played a child, in films such as The Poor Little Rich Girl (1917), Rebecca de la ferme Sunnybrook (1917), Daddy-Long-Legs (1919) and Béat (1920). Pickford's fans were devoted to these "little girl" roles, but they were not typical of her career. [1] Due to her lack of a normal childhood, she enjoyed making these pictures. Given how small she was at under five feet, and her naturalistic acting abilities, she was very successful in these roles. Douglas Fairbanks Jr., when he first met her in person as a boy, assumed she was a new playmate for him, and asked her to come and play trains with him, which she obligingly did. [23]

In August 1918, Pickford's contract expired and, when refusing Zukor's terms for a renewal, she was offered $250,000 to leave the motion picture business. She declined, and went to First National Pictures, which agreed to her terms. [24] In 1919, Pickford, along with D. W. Griffith, Charlie Chaplin, and Douglas Fairbanks, formed the independent film production company United Artists. Through United Artists, Pickford continued to produce and perform in her own movies she could also distribute them as she chose. In 1920, Pickford's film Béat grossed around $1,100,000. [25] The following year, Pickford's film Little Lord Fauntleroy was also a success, and in 1923, Rosita grossed over $1,000,000 as well. [25] During this period, she also made Little Annie Rooney (1925), another film in which Pickford played a child, Sparrows (1926), which blended the Dickensian with newly minted German expressionist style, and My Best Girl (1927), a romantic comedy featuring her future husband Charles "Buddy" Rogers.

The arrival of sound was her undoing. Pickford underestimated the value of adding sound to movies, claiming that "adding sound to movies would be like putting lipstick on the Venus de Milo". [25]

She played a reckless socialite in Coquette (1929), her first talkie, [26] a role for which her famous ringlets were cut into a 1920s' bob. Pickford had already cut her hair in the wake of her mother's death in 1928. Fans were shocked at the transformation. [27] Pickford's hair had become a symbol of female virtue, and when she cut it, the act made front-page news in Le New York Times and other papers. Coquette was a success and won her an Academy Award for Best Actress, [28] although this was highly controversial. [29] The public failed to respond to her in the more sophisticated roles. Like most movie stars of the silent era, Pickford found her career fading as talkies became more popular among audiences. [28]

Her next film, The Taming of The Shrew, made with husband Douglas Fairbanks, was not well received at the box office. [30] Established Hollywood actors were panicked by the impending arrival of the talkies. On March 29, 1928, The Dodge Brothers Hour was broadcast from Pickford's bungalow, featuring Fairbanks, Chaplin, Norma Talmadge, Gloria Swanson, John Barrymore, D. W. Griffith, and Dolores del Río, among others. They spoke on the radio show to prove that they could meet the challenge of talking movies. [31]

A transition in the roles Pickford selected came when she was in her late 30s, no longer able to play the children, teenage spitfires, and feisty young women so adored by her fans, and was not suited for the glamorous and vampish heroines of early sound. In 1933, she underwent a Technicolor screen test for an animated/live action film version of Alice au pays des merveilles, but Walt Disney discarded the project when Paramount released its own version of the book. Only one Technicolor still of her screen test still exists.

She retired from film acting in 1933 following three costly failures with her last film appearance being Secrets. [3] [32] She appeared on stage in Chicago in 1934 in the play The Church Mouse and went on tour in 1935, starting in Seattle with the stage version of Coquette. [3] She also appeared in a season of radio plays for NBC in 1935 and CBS in 1936. [3] In 1936 she became vice-president of United Artists [32] and continued to produce films for others, including One Rainy Afternoon (1936), The Gay Desperado (1936), Sleep, My Love (1948 with Claudette Colbert) and Love Happy (1949), with the Marx Brothers. [1]

The film industry Edit

Pickford used her stature in the movie industry to promote a variety of causes. Although her image depicted fragility and innocence, she proved to be a strong businesswoman who took control of her career in a cutthroat industry. [33]

During World War I she promoted the sale of Liberty Bonds, making an intensive series of fund-raising speeches, beginning in Washington, D.C., where she sold bonds alongside Charlie Chaplin, Douglas Fairbanks, Theda Bara, and Marie Dressler. Five days later she spoke on Wall Street to an estimated 50,000 people. Though Canadian-born, she was a powerful symbol of Americana, kissing the American flag for cameras and auctioning one of her world-famous curls for $15,000. In a single speech in Chicago, she sold an estimated five million dollars' worth of bonds. She was christened the U.S. Navy's official "Little Sister" the Army named two cannons after her and made her an honorary colonel. [1]

In 1916, Pickford and Constance Adams DeMille, wife of director Cecil B. DeMille, helped found the Hollywood Studio Club, a dormitory for young women involved in the motion picture business. [3] At the end of World War I, Pickford conceived of the Motion Picture Relief Fund, an organization to help financially needy actors. Leftover funds from her work selling Liberty Bonds were put toward its creation, and in 1921, the Motion Picture Relief Fund (MPRF) was officially incorporated, with Joseph Schenck voted its first president and Pickford its vice president. In 1932, Pickford spearheaded the "Payroll Pledge Program", a payroll-deduction plan for studio workers who gave one half of one percent of their earnings to the MPRF. As a result, in 1940, the Fund was able to purchase land and build the Motion Picture Country House and Hospital, in Woodland Hills, California. [1]

An astute businesswoman, Pickford became her own producer within three years of her start in features. According to her Foundation, "she oversaw every aspect of the making of her films, from hiring talent and crew to overseeing the script, the shooting, the editing, to the final release and promotion of each project". She demanded (and received) these powers in 1916, when she was under contract to Zukor's Famous Players in Famous Plays (later Paramount). Zukor acquiesced to her refusal to participate in block-booking, the widespread practice of forcing an exhibitor to show a bad film of the studio's choosing to also be able to show a Pickford film. In 1916, Pickford's films were distributed, singly, through a special distribution unit called Artcraft. The Mary Pickford Corporation was briefly Pickford's motion-picture production company. [34]

In 1919, she increased her power by co-founding United Artists (UA) with Charlie Chaplin, D. W. Griffith, and her soon-to-be husband, Douglas Fairbanks. Before UA's creation, Hollywood studios were vertically integrated, not only producing films but forming chains of theaters. Distributors (also part of the studios) arranged for company productions to be shown in the company's movie venues. Filmmakers relied on the studios for bookings in return they put up with what many considered creative interference. [ citation requise ]

United Artists broke from this tradition. It was solely a distribution company, offering independent film producers access to its own screens as well as the rental of temporarily unbooked cinemas owned by other companies. Pickford and Fairbanks produced and shot their films after 1920 at the jointly owned Pickford-Fairbanks studio on Santa Monica Boulevard. The producers who signed with UA were true independents, producing, creating and controlling their work to an unprecedented degree. As a co-founder, as well as the producer and star of her own films, Pickford became the most powerful woman who has ever worked in Hollywood. By 1930, Pickford's acting career had largely faded. [28] After retiring three years later, however, she continued to produce films for United Artists. She and Chaplin remained partners in the company for decades. Chaplin left the company in 1955, and Pickford followed suit in 1956, selling her remaining shares for $3 million. [34]

She had bought the rights to many of her early silent films with the intention of burning them on her death, but in 1970 she agreed to donate 50 of her Biograph films to the American Film Institute. [26] In 1976, she received an Academy Honorary Award for her contribution to American film. [26]

Pickford was married three times. She married Owen Moore, an Irish-born silent film actor, on January 7, 1911. It is rumored she became pregnant by Moore in the early 1910s and had a miscarriage or an abortion. Some accounts suggest this resulted in her later inability to have children. [1] The couple's marriage was strained by Moore's alcoholism, insecurity about living in the shadow of Pickford's fame, and bouts of domestic violence. [ citation requise ] The couple lived together on-and-off for several years. [35]

Pickford became secretly involved in a relationship with Douglas Fairbanks. They toured the U.S. together in 1918 to promote Liberty Bond sales for the World War I effort. Around this time, Pickford also suffered from the flu during the 1918 flu pandemic. [36] Pickford divorced Moore on March 2, 1920, after she agreed to his $100,000 demand for a settlement. [37] She married Fairbanks just days later on March 28, 1920 in what was described as the "marriage of the century" and they were referred to as the King and Queen of Hollywood. [3] They went to Europe for their honeymoon fans in London and in Paris caused riots trying to get to the famous couple. The couple's triumphant return to Hollywood was witnessed by vast crowds who turned out to hail them at railway stations across the United States.

The Mark of Zorro (1920) and a series of other swashbucklers gave the popular Fairbanks a more romantic, heroic image. Pickford continued to epitomize the virtuous but fiery girl next door. Even at private parties, people instinctively stood up when Pickford entered a room she and her husband were often referred to as "Hollywood royalty". Their international reputations were broad. Foreign heads of state and dignitaries who visited the White House often asked if they could also visit Pickfair, the couple's mansion in Beverly Hills. [13]

Dinners at Pickfair became celebrity events. Charlie Chaplin, Fairbanks' best friend, was often present. Other guests included George Bernard Shaw, Albert Einstein, Elinor Glyn, Helen Keller, H. G. Wells, Lord Mountbatten, Fritz Kreisler, Amelia Earhart, F. Scott Fitzgerald, Noël Coward, Max Reinhardt, Baron Nishi, Vladimir Nemirovich-Danchenko, [38] Sir Arthur Conan Doyle, Austen Chamberlain, Sir Harry Lauder, and Meher Baba, among others. The public nature of Pickford's second marriage strained it to the breaking point. Both she and Fairbanks had little time off from producing and acting in their films. They were also constantly on display as America's unofficial ambassadors to the world, leading parades, cutting ribbons, and making speeches. When their film careers both began to flounder at the end of the silent era, Fairbanks' restless nature prompted him to overseas travel (something which Pickford did not enjoy). When Fairbanks' romance with Sylvia, Lady Ashley became public in the early 1930s, he and Pickford separated. They divorced January 10, 1936. Fairbanks' son by his first wife, Douglas Fairbanks Jr., claimed his father and Pickford long regretted their inability to reconcile. [1]

On June 24, 1937, Pickford married her third and last husband, actor and band leader Charles "Buddy" Rogers. They adopted two children: Roxanne (born 1944, adopted 1944) and Ronald Charles (born 1937, adopted 1943, a.k.a. Ronnie Pickford Rogers). A PBS Expérience américaine documentary described Pickford's relationship with her children as tense. She criticized their physical imperfections, including Ronnie's small stature and Roxanne's crooked teeth. Both children later said their mother was too self-absorbed to provide real maternal love. In 2003, Ronnie recalled that "Things didn't work out that much, you know. But I'll never forget her. I think that she was a good woman." [39]

Political views Edit

In 1926, while in Italy, she (together with Fairbanks) met fascist dictator Benito Mussolini.

Les dernières années et la mort Modifier

After retiring from the screen, Pickford became an alcoholic, as her father had been. Her mother Charlotte died of breast cancer in March 1928. Her siblings, Lottie and Jack, both died of alcohol-related causes in 1936 and 1933, respectively. These deaths, her divorce from Fairbanks, and the end of silent films left Pickford deeply depressed. Her relationship with her adopted children, Roxanne and Ronald, was turbulent at best. Pickford withdrew and gradually became a recluse, remaining almost entirely at Pickfair and allowing visits only from Lillian Gish, her stepson Douglas Fairbanks Jr., and few other people.

In 1955, she published her memoirs, Sunshine and Shadows. [26] She had previously published Why Not Try God in 1934, an essay on spirituality and personal growth, My Rendevouz of Life (1935), an essay on death and her belief in an afterlife and also a novel in 1935, The Demi-Widow. [32] [3] She appeared in court in 1959, in a matter pertaining to her co-ownership of North Carolina TV station WSJS-TV. The court date coincided with the date of her 67th birthday under oath, when asked to give her age, Pickford replied: "I'm 21, going on 20." [42]

In the mid-1960s, Pickford often received visitors only by telephone, speaking to them from her bedroom. Charles "Buddy" Rogers often gave guests tours of Pickfair, including views of a genuine western bar Pickford had bought for Douglas Fairbanks, and a portrait of Pickford in the drawing room. A print of this image now hangs in the Library of Congress. [34] When Pickford received an Academy Honorary Award in 1976, the Academy sent a TV crew to her house to record her short statement of thanks – offering the public a very rare glimpse into Pickfair Manor. [43] Charitable events continued to be held at Pickfair, including an annual Christmas party for blind war veterans, mostly from World War I. [3]

Pickford believed that she had ceased to be a British subject when she married an American citizen upon her marriage to Fairbanks in 1920. [44] Thus, she never acquired Canadian citizenship when it was first created in 1947. However, Pickford held and traveled under a British/Canadian passport which she renewed regularly at the British/Canadian consulates in Los Angeles, and she did not take out papers for American citizenship. She also owned a house in Toronto, Ontario, Canada. Toward the end of her life, Pickford made arrangements with the Canadian Department of Citizenship to officially acquire Canadian citizenship because she wished to "die as a Canadian". Canadian authorities were not sure that she had ever lost her Canadian citizenship, given her passport status, but her request was approved and she officially became a Canadian citizen. [45] [46]

On May 29, 1979, Pickford died at a Santa Monica, California, hospital of complications from a cerebral hemorrhage she had suffered the week before. [47] She was interred in the Garden of Memory of the Forest Lawn Memorial Park cemetery in Glendale, California.

  • Pickford was awarded a star in the category of motion pictures on the Hollywood Walk of Fame at 6280 Hollywood Blvd. [48]
  • Her handprints and footprints are displayed at Grauman's Chinese Theatre in Hollywood, California.
  • She is represented in Hergé's Tintin in America. [49]
  • The Pickford Center for Motion Picture Study at 1313 Vine Street in Hollywood, constructed by the Academy of Motion Picture Arts and Sciences, opened in 1948 as a radio and television studio facility.
  • The Mary Pickford Theater at the James Madison Memorial Building of the Library of Congress is named in her honor. [34]
  • The Mary Pickford Auditorium at Claremont McKenna College is named in her honor.
  • In 1948, Mary Pickford built a seven-bedroom, eight-bathroom, 6,050 square foot estate on 2.12 acres at the B Bar H Ranch, California where she lived and then later sold. [50]
  • A first-run movie theatre in Cathedral City, California is called The Mary Pickford Theatre, which was established on May 25, 2001. [51] The theater is a grand one with several screens and is built in the shape of a Spanish Cathedral, complete with bell tower and three-story lobby. The lobby contains a historic display with original artifacts belonging to Pickford and Buddy Rogers, her last husband. Among them are a rare and spectacular beaded gown she wore in the film Dorothy Vernon of Haddon Hall (1924) designed by Mitchell Leisen, her special Oscar, and a jewelry box. [citation requise]
  • The 1980 stage musical The Biograph Girl, about the silent film era, features the character of Pickford.
  • In 2007, the Academy of Motion Picture Arts and Sciences sued the estate of the deceased Buddy Rogers' second wife, Beverly Rogers, in order to stop the public sale of one of Pickford's Oscars. [52]
  • A bust and historical plaque marks her birthplace in Toronto, now the site of the Hospital for Sick Children. [53] The plaque was unveiled by her husband Buddy Rogers in 1973. The bust by artist Eino Gira was added ten years later. [54] Her date of birth is stated on the plaque as April 8, 1893. This can only be assumed to be because her date of birth was never registered throughout her life, beginning as a child, she led many people to believe that she was a year younger than her real age, so that she appeared to be more of an acting prodigy and continued to be cast in younger roles, which were more plentiful in the theatre. [55]
  • The family home had been demolished in 1943, and many of the bricks delivered to Pickford in California. Proceeds from the sale of the property were donated by Pickford to build a bungalow in East York, Ontario, which was then a Toronto suburb. The bungalow was the first prize in a lottery in Toronto to benefit war charities, and Pickford unveiled the home on May 26, 1943. [56]
  • In 1993, a Golden Palm Star on the Palm Springs Walk of Stars was dedicated to her. [57]
  • Pickford received a posthumous star on Canada's Walk of Fame in Toronto in 1999.
  • Pickford was featured on a Canadian postage stamp in 2006. [58]
  • From January 2011 until July 2011, the Toronto International Film Festival exhibited a collection of Mary Pickford memorabilia in the Canadian Film Gallery of the TIFF Bell LightBox building. [59]
  • In February 2011, the Spadina Museum, dedicated to the 1920s and 1930s era in Toronto, staged performances of Sweetheart: The Mary Pickford Story, a one-woman musical based on the life and career of Pickford. [60]
  • In 2013, a copy of an early Pickford film that was thought to be lost (Their First Misunderstanding) was found by Peter Massie, a carpenter tearing down an abandoned barn in New Hampshire. It was donated to Keene State College and is currently undergoing restoration by the Library of Congress for exhibition. The film is notable as being the first in which Pickford was credited by name. [61][62]
  • On August 29, 2014, while presenting Behind The Scenes (1914) at Cinecon, film historian Jeffrey Vance announced he is working with the Mary Pickford Foundation on what will be her official biography.
  • The Google Doodle of April 8, 2017 commemorated Mary Pickford's 125th birthday. [63]
  • The Girls in the Picture, a 2018 novel by Melanie Benjamin, is a historical fiction about the friendship of Mary Pickford and screenwriter Frances Marion. [64]
  • On August 20, 2019, the Toronto International Film Festival announced Mati Diop as the recipient of the first Mary Pickford Award.

Pickford's handprints and footprints at Grauman's Chinese Theatre in Hollywood, California


Jeunesse et carrière

Chaplin was named after his father, a British music-hall entertainer. He spent his early childhood with his mother, the singer Hannah Hall, after she and his father separated, and he made his own stage debut at age five, filling in for his mother. The mentally unstable Hall was later confined to an asylum. Charlie and his half brother Sydney were sent to a series of bleak workhouses and residential schools.

Using his mother’s show-business contacts, Charlie became a professional entertainer in 1897 when he joined the Eight Lancashire Lads, a clog-dancing act. His subsequent stage credits include a small role in William Gillette’s Sherlock Holmes (1899) and a stint with the vaudeville act Casey’s Court Circus. In 1908 he joined the Fred Karno pantomime troupe, quickly rising to star status as The Drunk in the ensemble sketch A Night in an English Music Hall.

While touring America with the Karno company in 1913, Chaplin was signed to appear in Mack Sennett’s Keystone comedy films. Though his first Keystone one-reeler, Making a Living (1914), was not the failure that historians have claimed, Chaplin’s initial screen character, a mercenary dandy, did not show him to best advantage. Ordered by Sennett to come up with a more-workable screen image, Chaplin improvised an outfit consisting of a too-small coat, too-large pants, floppy shoes, and a battered derby. As a finishing touch, he pasted on a postage-stamp mustache and adopted a cane as an all-purpose prop. It was in his second Keystone film, Kid Auto Races at Venice (1914), that Chaplin’s immortal screen alter ego, “the Little Tramp,” was born.

In truth, Chaplin did not always portray a tramp in many of his films his character was employed as a waiter, store clerk, stagehand, fireman, and the like. His character might be better described as the quintessential misfit—shunned by polite society, unlucky in love, jack-of-all-trades but master of none. He was also a survivor, forever leaving past sorrows behind, jauntily shuffling off to new adventures. The Tramp’s appeal was universal: audiences loved his cheekiness, his deflation of pomposity, his casual savagery, his unexpected gallantry, and his resilience in the face of adversity. Some historians have traced the Tramp’s origins to Chaplin’s Dickensian childhood, while others have suggested that the character had its roots in the motto of Chaplin’s mentor, Fred Karno: “Keep it wistful, gentlemen, keep it wistful.” Whatever the case, within months after his movie debut, Chaplin was the screen’s biggest star.

His 35 Keystone comedies can be regarded as the Tramp’s gestation period, during which a caricature became a character. The films improved steadily once Chaplin became his own director. In 1915 he left Sennett to accept a $1,250-weekly contract at Essanay Studios. It was there that he began to inject elements of pathos into his comedy, notably in such shorts as The Tramp (1915) and Burlesque on Carmen (1915). He moved on to an even more lucrative job ($670,000 per year) at the Mutual Company Film Corporation. There, during an 18-month period, he made the 12 two-reelers that many regard as his finest films, among them such gems as One A.M. (1916), The Rink (1916), The Vagabond (1916), and Easy Street (1917). It was then, in 1917, that Chaplin found himself attacked for the first (though hardly the last) time by the press. He was criticized for not enlisting to fight in World War I. To aid the war effort, Chaplin raised funds for the troops via bond drives.

In 1918 Chaplin jumped studios again, accepting a $1 million offer from the First National Film Corporation for eight shorts. That same year he married 16-year-old film extra Mildred Harris—the first in a procession of child brides. For his new studio he made shorts such as Shoulder Arms (1918) and The Pilgrim (1923) and his first starring feature, The Kid (1921), which starred the irresistible Jackie Coogan as the kid befriended and aided by the Little Tramp. Some have suggested that the increased dramatic content of those films is symptomatic of Chaplin’s efforts to justify the praise lavished upon him by the critical intelligentsia. A painstaking perfectionist, he began spending more and more time on the preparation and production of each film. In his personal life too, Chaplin was particular. Having divorced Mildred in 1921, Chaplin married in 1924 16-year-old Lillita MacMurray, who shortly would become known to the world as film star Lita Grey. (They would be noisily divorced in 1927.)


Famous people in profile: Charlie Chaplin

On the 125th anniversary of Charlie Chaplin’s birth, Peter Ackroyd has written a new biography exploring the life of the cinema legend. Here, in an interview with History Extra, Ackroyd reveals the man behind the moustache, and explains why he continues to fascinate…

Q: What was Chaplin’s early life like?

UNE: He was born in London, and spent most of his childhood in Kennington. He was consigned to the workhouse, the poor house, and even the orphanage, because his mother – who suffered bouts of madness – could not cope with him.

As he grew older he went around the streets of England, taking up ‘odd jobs’. He had very little education, and effectively because a vagrant.

Q: How did he rise to fame?

UNE: He was employed by a group of clog dancers, ‘the eight Lancashire lads’. He toured with them at the age of 10, and soon became proficient. That was the beginning of his interest in theatre.

He went on to become a child actor, which proved to be a great chance for him to display his skills as a mimic and an entertainer.

He was then taken on by the Fred Karno travelling company as a juvenile act, and he became their key performer. With Karno he went to America, and while on his second tour was spotted by studio manager Mack Sennett [of the Keystone Film Company].

Chaplin was asked to join Keystone, and from there he went on to invent ‘the Tramp’. It’s not quite clear how he managed to create the costume. Some say he modeled it on the English poor, but others say he copied acts he had seen in music halls in 19th-century London.

It was a character to which he stuck, and which proved to be very popular. But he later decided to become a more ‘serious’ actor, which only made him more popular.

Q: While researching your book, have you discovered anything surprising about Chaplin?

UNE: He had a very bad temper, and was domineering. He was not a very nice person to be around – he was a moody individual.

Q: What inspired you to write a biography of Chaplin?

UNE: I was inspired because he is from London, and I have always written about London. I found his story to be in many respects inspiring – his energy, enthusiasm, indomitable will and refusal to give up on anything.


Voir la vidéo: Charlie Chaplin: The Adventurer 1917 (Décembre 2021).