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Edward Hopper

Edward Hopper

Edward Hopper, un peintre réaliste américain dont les œuvres très individualistes sont une référence du réalisme américain, incarne une conscience artistique qui dépeint étrangement la vie américaine contemporaine caractérisée par l'isolement, la mélancolie et la solitude.Naissance et enfanceEdward est né le 22 juillet 1882 à Nyack, dans l'État de New York, dans la petite ville de l'Hudson River. Hopper savait qu'il voulait être un artiste dès 1899, l'année de son 17e anniversaire. Il a d'abord fréquenté une école d'art commercial et d'illustration à New York, New York, en 1899. L'instructeur en chef était William Merritt Chase ( 1849-1916), un peintre qui a imité le style de John Singer Sargent. Lui et ses camarades ont été invités à développer un style réaliste, illustrant la culture urbaine.Début de carrièreComme beaucoup de jeunes artistes, Hopper voulait étudier en France. En octobre 1906, son vœu est exaucé lorsqu'avec l'aide de ses parents, il part pour le continent. Cependant, après ces voyages, il n'a plus jamais séjourné en Europe. Hopper a été très ému par les œuvres de Diego Velazquez, Francisco de Goya, Honoré Daumier et Edouard Manet. Ses premières peintures présentaient certaines des caractéristiques de base du réalisme qu'il porterait tout au long de sa carrière, un style combinatoire équilibré basé sur des formes analytiques simples et larges; de larges zones de couleur et l'utilisation de principes architecturaux fondamentaux dans ses scènes. Pendant de nombreuses années, les souvenirs de jours à l'étranger ont dominé le style de peinture de Hopper. À la suite de cette tentative, Hopper a renouvelé ses efforts en utilisant des sujets américains locaux, pour lesquels on se souvient le plus de lui. Edward Hopper a fait sa première vente en 1913, lors d'une exposition à New York. Pendant plusieurs années après avoir eu 37 ans, Hopper a gagné sa vie en tant qu'illustrateur commercial.MariageEn 1923, Joséphine Nivison, qu'il avait connue alors qu'ils étaient étudiants de Chase et Henri, rentre dans sa vie. La même année de leur mariage, le vent de la fortune a changé pour Hopper.Carrière plus tardL'année record d'Edward Hopper était 1924. La carrière de Hopper a décollé et serait remarquablement épargnée par la Grande Dépression des années trente. Edward Hopper avait laissé sa marque dans le monde. Le Musée d'Art Moderne (MOMA) a organisé une exposition en 1929, Peintures de dix-neuf Américains vivants, qui comprenait le travail de Hopper. Bien que son travail se situe en dehors du courant dominant de l'abstraction du milieu du XXe siècle, son style schématique simplifié a été l'une des influences sur le renouveau de la représentation plus tard et sur le pop art.Derniers joursHopper a travaillé jusqu'à un âge avancé, partageant son temps entre New York et Truro, dans le Massachusetts. La renommée d'Edward Hopper n'a pas duré tant que sa muse s'est tarie. Sa femme, décédée 10 mois plus tard, a légué son travail au Whitney Museum of American Art. Galerie d'art moderne Tate à Londres. L'exposition Hopper est devenue la deuxième plus populaire de l'histoire de cette dernière galerie, avec plus de 400 000 visiteurs au cours des trois mois d'ouverture.


Voir aussi Andrew Wyeth et Jackson Pollock.


Edward Hopper et le parfum de la solitude

Je me souviens avoir regardé la pièce d'Edward Hopper pour la première fois. Bien sûr, c'était son célèbre Engoulevents – vous connaissez ce tableau – il est tard dans la nuit, les gens sont assis dans un restaurant bon marché, un couple attend leur commande. Si vous avez déjà été vous-même un faucon de nuit, vous connaissez cette sensation de fatigue, cette odeur de cigarette et d'alcool digéré. Lassitude et illusions perdues.

Edward Hopper, Nighthawks, 1942, Art Institute of Chicago

Hopper était un maître de la solitude. Seulement, il a peint la mélancolie de telle manière que lorsque vous regardez ces personnes, vous pouvez percevoir leurs secrets. Parce que parfois vos secrets sont assez similaires aux leurs.

Dans Automate 1927, une femme assise seule boit une tasse de café. Il fait tard et il fait froid dehors. La pièce semble grande, bien éclairée et vide. La femme a l'air gênée et légèrement effrayée, peu habituée à être seule dans un lieu public. Quelque chose semble avoir mal tourné.

Edward Hopper, Automate, 1927, Centre d'art des Moines

Dans Une femme au soleil une femme se tient nue dans un rayon de lumière provenant d'une fenêtre voisine avec une cigarette à la main. Elle a oublié de l'allumer. Elle semble s'être oubliée. Elle oublie même d'allumer une cigarette. Détachée du monde extérieur, elle attend que les choses se passent.

Edward Hopper, Une femme au soleil, 1961, Whitney Museum of Art

Je ne peux penser à aucun autre artiste qui était si parfait pour attraper la solitude, la résignation et le désespoir des gens modernes.


Le Christ incomparable

Il y a plus de 1900 ans, un Homme est né contrairement aux lois de la nature. Cet homme a vécu dans la pauvreté et a été élevé dans l'obscurité. Il n'a pas beaucoup voyagé. Une seule fois, il a traversé la frontière du pays dans lequel il a vécu, c'était pendant son enfance lorsqu'il était en exil en Egypte.

Il ne possédait ni richesse ni influence, ses parents étaient discrets et n'avaient ni formation ni éducation formelle.

Dans l'enfance Il a surpris un roi dans l'enfance Il a intrigué les médecins dans l'âge adulte Il a régné sur le cours de la nature Il a marché sur les flots comme des trottoirs, et a fait taire la mer pour dormir.

Il a guéri les multitudes sans médicament et n'a fait aucun frais pour ses services.

Il n'a jamais écrit un livre, et pourtant toutes les bibliothèques du monde ne pouvaient pas contenir les livres qui ont été écrits à son sujet.

Il n'a jamais écrit de chanson et pourtant Il a fourni le thème de plus de chansons que tous les auteurs-compositeurs réunis.

Il n'a jamais fondé de collège, mais toutes les écoles réunies ne peuvent se vanter d'avoir autant d'élèves.

Il n'a jamais rassemblé d'armée, ni enrôlé de soldat, ni tiré avec une arme à feu et pourtant aucun chef n'a eu plus de volontaires qui ont sous ses ordres, ont obligé plus de rebelles à empiler les armes et à se rendre sans qu'un coup de feu ne soit tiré.

Il n'a jamais pratiqué la psychiatrie, et pourtant Il a guéri plus de cœurs brisés que tous les médecins de loin et de près.

Une fois par semaine, les roues du commerce cessent de tourner et des multitudes se dirigent vers des assemblées d'adoration pour lui rendre hommage et respect.

Les noms des fiers hommes d'État de la Grèce et de Rome sont passés. Les noms des scientifiques, philosophes et théologiens du passé sont passés, mais le nom de cet Homme abonde de plus en plus.

Bien que le temps se soit écoulé plus de 1900 ans entre les gens de sa génération et la scène de sa crucifixion, il vit pourtant. Hérode ne pouvait pas le détruire, et la tombe ne pouvait pas le retenir.

Il se dresse sur le plus haut sommet de la gloire céleste, proclamé de Dieu, reconnu par les anges, adoré par les saints et craint par les démons comme le Christ ressuscité et personnel, notre Seigneur et Sauveur.

En cette saison, Le Christ Incomparable se tient toujours à la porte de bien des cœurs, cherchant à être admis. Ses paroles disent : « Voici, je me tiens à la porte et je frappe si quelqu'un entend ma voix et ouvre la porte, j'entrerai chez lui et je souperai avec lui et lui avec moi » (Apocalypse 3:20).

De plus, « il n'y a aucun autre nom sous le ciel donné parmi les hommes, par lequel nous devons être sauvés ».

Le Seigneur Jésus-Christ est le plus grand cadeau jamais fait au monde. Il peut être le vôtre. EST-IL?

« Crois au Seigneur Jésus-Christ, et tu seras sauvé » (Actes 16 :31).


Carrière

Son début de carrière a été marqué par la lutte. Il a loué un studio et s'est lancé dans le voyage. Le médium qu'il a d'abord utilisé était la peinture à l'huile. Il a peint sa première peinture à l'huile en 1895 d'une barque à Rocky Cove.

Après avoir été forcé d'utiliser ses compétences pour gagner de l'argent, il a accepté le travail d'illustrateur. Cependant, ce n'était pas ce qu'il désirait, et comme une évasion, il partit pour un voyage en Europe. Le voyage, centré à Paris, allait s'avérer un jalon important dans la vie de Hopper. Avec Picasso peignant déjà des chefs-d'œuvre, le décor était planté pour l'art moderne. Bien que Hopper n'ait pas rencontré Picasso, il a appris l'art moderne et s'est orienté vers le type d'art impressionniste. Ainsi, il reprend la palette plus claire, particulièrement inspirée par Monet et Van Gogh, abandonnant les illustrations sombres.

Hopper revient de l'expédition européenne en 1910. Malheureusement, il doit lutter pour être reconnu. Ses créations ont reçu peu d'appréciation. Le peu de reconnaissance qu'il a reçu était pour la peinture à l'huile et la gravure à l'eau-forte. Il a réalisé sa première percée majeure à l'âge de 31 ans lorsqu'il a vendu sa peinture à l'huile. Il avait espéré que cela conduirait à d'autres succès, mais il avait encore beaucoup de lutte à mener.

En 1912, il se rend à Gloucester, dans le Massachusetts, et réalise sa première peinture en plein air à l'aide de peinture à l'huile. Cela s'appelait le Squam Light . Cela a précédé ses nombreuses peintures de phares à venir.

En 1913, il gagne 250$ en vendant son premier autoportrait intitulé Voile . Il a continué à travailler pendant cette période et a été occasionnellement invité à diriger des expositions dans de petits lieux. Tout au long de cette période, il continue de créer des affiches pour le cinéma et le théâtre, pour lesquelles il ressent un profond attachement. Il a créé des affiches de guerre et les a reconnues.

À contrecœur, il s'est tourné vers les illustrations et a travaillé comme pigiste pour gagner sa vie. Hopper a eu du mal à définir son propre style, passant souvent d'une forme d'art à une autre. Il revient à l'eau-forte, dans laquelle il a reçu de grands éloges. Au cours des années 1920, il a travaillé dans ce médium, et la plupart de ses œuvres sont dans ce style d'art. Ceux-ci inclus Nuit dans le train El , Vent du soir, et Catboat .

Au cours de cette période, il a également peint quelques-uns de ses tableaux célèbres et a obtenu quelques éloges. Il a été invité à conduire une exposition individuelle pour montrer ses œuvres. Ces expositions étaient plus fréquentes et il s'aperçut qu'il était mieux apprécié.

Le Musée d'Art Moderne a acquis l'un de ses célèbres tableaux, Maison près du chemin de fer, en 1925. Ses tableaux célèbres sont l'œuvre d'impressions. Les jeux de lumière et de couleur et les bords bien définis étaient une caractéristique saillante. Il avait enfin commencé à recevoir les éloges qu'il méritait !


Edward Hopper

Né à Nyack, New York, Edward Hopper (1882-1967) est reconnu comme l'un des plus grands artistes américains du XXe siècle. Ses rendus sobres et finement calculés de scènes urbaines et rurales reflétaient sa vision personnelle de la vie américaine moderne.

Encouragé à étudier l'illustration par ses parents, Hopper suit des cours à la Correspondence School of Illustrating et à la New York School of Art. Illustrateur/peintre de renom Arthur Ignace Keller, Frank Vincent DuMond, Kenneth Hayes Miller, et Robert-Henri faisaient partie de ses professeurs. John Sloan, qui a travaillé régulièrement comme artiste commercial avant 1916, a également été une des premières influences.

En 1906, Hopper a décroché un emploi à temps partiel dans une agence de publicité et a continué à créer des images pour des magazines populaires tels que Scribner&rsquos Magazine, Magazine de tout le monde, et Country Gentleman, et pour des revues spécialisées comme Gestion de l'hôtel, Le cadran morse, et Messager Wells Fargo. Personne très privée, il n'a laissé aucune réflexion écrite sur ses deux décennies de carrière d'illustrateur, même s'il croyait qu'une maturité d'artiste était liée au travail de ses années de formation.

Entre 1906 et 1910, l'artiste effectue trois voyages à Paris. Contrairement aux autres artistes américains de l'époque, Hopper a ignoré les innovations des artistes les plus avant-gardistes de la ville, favorisant une génération antérieure de peintres européens, dont Rembrandt, Degas et les impressionnistes, dont le travail a été salué par son ancien professeur Robert Henri.

Attiré par l'art réaliste, Hopper a commencé à produire des eaux-fortes et à peindre des scènes urbaines et architecturales dans une palette sombre. Sa première exposition personnelle a lieu en janvier 1920 au Whitney Studio Club, fondé cinq ans plus tôt par Gertrude Vanderbilt Whitney. En juillet 1924, Hopper épousa Joséphine Verstille Nivison, une collègue peintre qu'il avait rencontrée à l'école des beaux-arts.

Hopper a été très productif au cours des quatre décennies suivantes, produisant des œuvres aussi importantes que Automate (1927), Hacher Suey (1929), Film new-yorkais (1939), Spectacle de filles (1941), Engoulevents (1942), Hall de l'hôtel (1943), Matin dans une ville (1944), et Hôtel près d'un chemin de fer (1952). L'influence de son style distinctif se fait sentir à ce jour, s'étendant au-delà de la peinture à la photographie, au cinéma et à la culture populaire.

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Illustrations d'Edward Hopper

Ressources additionnelles

Bibliographie

Goodrich, Lloyd. Edward Hopper. New York : Harry N. Abrams, 1970.

Kranzfelder, Ivo. Edward Hopper, 1882-1967 : Vision de la réalité. New York : Taschen, 1988.

Levin, Gail. Edward Hopper : une biographie intime. New York : Knopf, 1995.

Schmied, Wieland. Edward Hopper : Portraits d'Amérique. New York : Prestel, 1995.

Souter, Gerry. Edward Hopper : clair et sombre. New York : Parkstone Press International, 2007.

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      Hopper : Le Réaliste Suprême Américain du 20ème Siècle

      La peinture n'est pas venue facilement à Edward Hopper. Chaque toile représentait une longue et morose gestation passée dans une pensée solitaire. Il n'y avait pas de coups de pinceau d'une main fiévreuse, pas d'eurêkas électrisants. Il a examiné, rejeté et réduit des idées pendant des mois avant de presser ne serait-ce qu'une goutte de peinture sur sa palette. Au début des années 1960, l'artiste Raphael Soyer a rendu visite à Hopper et à sa femme, Joséphine, dans leur maison d'été sur une falaise au-dessus de la mer à Cape Cod. Soyer trouva Hopper assis devant, regardant les collines et Jo, comme tout le monde l'appelait, derrière, regardant dans la direction opposée. — C'est ce que nous faisons, dit-elle à Soyer. "Il est assis à sa place et regarde les collines toute la journée, et je regarde l'océan, et quand nous nous rencontrons, il y a controverse, controverse, controverse." Exprimée avec le flash caractéristique de Jo (une artiste elle-même et une fois une actrice en herbe, elle savait comment livrer une ligne), la vignette résume à la fois le processus créatif de Hopper et la relation agitée mais durable du couple. De même, un ami proche de Hopper, le peintre et critique américain Guy Pénée du Bois, a écrit un jour que Hopper "m'a dit. qu'il lui avait fallu des années pour se lancer dans la peinture d'un nuage dans le ciel".

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      « Le peintre, observait souvent Edward Hopper, peint pour se révéler à travers ce qu'il voit dans son sujet. Chop Suey date de 1929. (Collection de Barney A. Ebsworth / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) /> Hopper, la quarantaine, dans un autoportrait de 1925-30. (Whitney Museum of American Art, legs Josephine N. Hopper / Photographie de Robert E. Mates / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Les aquarelles créées par Hopper dans le Massachusetts dans les années 1920 lui valent une première reconnaissance professionnelle (House and Harbor, 1924). (Collection privée / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Dans New York Corner, 1913, Hopper a introduit un motif de bâtiments en briques rouges et un motif de fenêtres ouvertes et fermées. (Collection privée, Courtesy Fraenkel Gallery et Martha Parrish & James Reinish, Inc. / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Hopper a utilisé son motif de fenêtre rythmique en briques rouges In Early Sunday Morning (1930) pour créer un sentiment de familiarité et de silence étrange. (Whitney Museum of American Art / Photographie de Steven Sloman / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) L'intrigante Night Windows (1928) est à la fois voyeuriste et mystérieuse, on ne peut que deviner ce que mijote la femme. (Museum of Modern Art, NY. Don de John Hay Whitney / SCALA / Art Resource/ Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Hopper "offre des tranches d'une vie insoluble, des moments d'un récit qui ne peut avoir de fin", écrit le critique d'art Robert Hughes. Hopper a peint Cape Cod Morning, qui, selon lui, était plus proche de ce qu'il ressentait que certaines autres œuvres, en 1950. (Smithsonian American Art Museum / Art Resource) Nighthawks (1942) (The Art Institute of Chicago / Friends of American Art Collection / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Automat (1927) (Des Moines Art Center, Iowa / Michael Tropea, Chicago / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) The Mansard Roof (1923) (The Brooklyn Museum, New York, Museum Collection Fund / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Captain Upton's House (1927) (Collection de Steve Martin / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Hills, South Truro (1930) (The Cleveland Museum of Art, Hinman B. Hurlbut Collection / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Night Shadows (1921) (Musée des Beaux-Arts, Boston / Don de William Emerson)

      Pour toutes ses délibérations prudentes, Hopper a créé plus de 800 peintures, aquarelles et gravures connues, ainsi que de nombreux dessins et illustrations. Les meilleurs d'entre eux sont des distillations étranges des villes de la Nouvelle-Angleterre et de l'architecture de la ville de New York, avec l'heure et le lieu exacts de l'arrestation. Ses interprétations austères mais intimes de la vie américaine, plongée dans l'ombre ou au soleil, sont des drames minimaux imprégnés d'une puissance maximale. Hopper avait une capacité remarquable à investir la scène la plus ordinaire - que ce soit dans une pompe à essence en bord de route, un restaurant quelconque ou une chambre d'hôtel lugubre - avec un mystère intense, créant des récits qu'aucun spectateur ne pourra jamais tout à fait démêler. Ses figures figées et isolées semblent souvent maladroitement dessinées et posées, mais il évitait de les faire paraître trop gracieuses ou voyantes, ce qui, selon lui, serait faux pour l'ambiance qu'il cherchait à établir. La fidélité de Hopper à sa propre vision, qui s'attardait sur les imperfections des êtres humains et leurs préoccupations, a fait de son travail un synonyme d'honnêteté et de profondeur émotionnelle. Le critique Clement Greenberg, le principal représentant de l'expressionnisme abstrait, a vu le paradoxe. Hopper, écrit-il en 1946, « n'est pas un peintre au sens plein, ses moyens sont de seconde main, minables et impersonnels ». Pourtant, Greenberg était assez perspicace pour ajouter : « Il se trouve que Hopper est simplement un mauvais peintre. Mais s'il était un meilleur peintre, il ne serait probablement pas un artiste aussi supérieur.

      Hopper était aussi pensif que les gens qu'il mettait sur la toile. En effet, la qualité énigmatique des peintures a été renforcée par la personnalité publique de l'artiste. Grand et solidement construit avec une tête chauve massive, il rappelait aux observateurs un morceau de granit et était à peu près aussi proche. Il n'a pas aidé les journalistes à la recherche de détails ou d'anecdotes. « Toute la réponse est là sur la toile », répondait-il obstinément. Mais il a aussi dit : « L'homme est le travail. Quelque chose ne sort pas de rien. L'historien de l'art Lloyd Goodrich, qui a défendu Hopper dans les années 1920, pensait que l'artiste et son travail s'unissaient. "Hopper n'a pas eu de petites discussions", a écrit Goodrich. « Il était célèbre pour ses silences monumentaux mais comme les espaces de ses tableaux, ils n'étaient pas vides. Quand il parlait, ses paroles étaient le produit d'une longue méditation. disons, exprimé laconiquement mais avec poids et exactitude, et prononcé d'une voix lente et monotone."

      Quant à la polémique, il en reste peu. L'étoile de Hopper a longtemps brillé de mille feux. Il est sans doute le réaliste américain suprême du 20e siècle, encapsulant les aspects de notre expérience de manière si authentique que nous pouvons à peine voir une maison en ruine près d'une route déserte ou une ombre se faufiler sur une façade en pierre brune, sauf à travers ses yeux. Compte tenu du statut d'icône de Hopper, il est surprenant d'apprendre qu'aucune étude complète de son travail n'a été vue dans les musées américains en dehors de New York depuis plus de 25 ans. Cette sécheresse a été corrigée par "Edward Hopper", une rétrospective actuellement au Musée des beaux-arts de Boston jusqu'au 19 août et se poursuit à la National Gallery of Art de Washington, DC (16 septembre 2007-21 janvier 2008 ) et l'Art Institute of Chicago (16 février-11 mai 2008). Composée de plus de 100 peintures, aquarelles et estampes, dont la plupart datent d'environ 1925 à 1950, la période de la plus grande réussite de l'artiste, l'exposition met en lumière les compositions les plus fascinantes de Hopper.

      « L'accent est mis sur le connaisseur, un terme démodé, mais nous avons fait une sélection rigoureuse », explique Carol Troyen, conservatrice de la peinture américaine au Museum of Fine Arts de Boston et l'une des organisatrices avec Judith Barter et de l'Art Institute. Franklin Kelly de la National Gallery de l'exposition. « Hopper est reconnu comme un brillant créateur d'images, mais nous voulions également le présenter comme un artiste dédié à l'art de la peinture dont le travail doit être vu en personne. Son art est bien plus subtil que ne le révèle n'importe quelle reproduction.

      Edward Hopper est né le 22 juillet 1882 à Nyack, New York, à 40 kilomètres au nord de New York, dans une famille d'ascendance anglaise, néerlandaise, française et galloise. Son grand-père maternel a construit la maison, conservée aujourd'hui en tant que centre d'art communautaire et historique, où lui et sa sœur Marion, qui avait deux ans de plus, ont grandi. Le père de Hopper, Garrett Henry Hopper, était un marchand de marchandises sèches. Sa mère, Elizabeth Griffiths Smith Hopper, aimait dessiner, et ses deux parents ont encouragé les penchants artistiques de leur fils et ont conservé ses premiers croquis de lui-même, de sa famille et de la campagne locale. Agité et effacé, Edward, qui mesurait plus de six pieds à l'âge de 12 ans, a été taquiné par ses camarades de classe. Sa différence a probablement renforcé les activités solitaires – il gravitait autour du fleuve, du dessin, de la voile et de la peinture. Même enfant, se souvient Hopper, il a remarqué "que la lumière sur la partie supérieure d'une maison était différente de celle sur la partie inférieure. Il y a une sorte d'exaltation à propos de la lumière du soleil sur la partie supérieure d'une maison."

      Bien que les parents de Hopper aient reconnu les dons de leur fils et l'aient laissé étudier l'art, ils ont été assez prudents pour exiger qu'il se spécialise dans l'illustration afin de gagner sa vie. Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires en 1899, Hopper s'est inscrit dans une école d'art commercial à New York et y est resté environ un an, après quoi il a été transféré à la New York School of Art, fondée en 1896 par l'impressionniste américain William Merritt Chase. Hopper a continué à étudier l'illustration mais a également appris à peindre auprès des professeurs les plus influents de l'époque, notamment Chase, Robert Henri et Kenneth Hayes Miller. Chase et Henri avaient tous deux été influencés par Frans Hals, Veló225zquez et l'impressionnisme français, en particulier comme illustré par Édouard Manet. Henri a encouragé ses étudiants à s'émanciper des formules académiques fatiguées, épousant un réalisme qui plongeait dans les aspects les plus sordides des villes américaines pour son sujet. En tant qu'artiste à succès avec le recul, Hopper avait des réserves sur Henri en tant que peintre, mais il a toujours admis que son professeur était un ardent défenseur d'une manière de voir éclairée. Inspiré par la force motrice d'Henri, le jeune Hopper est resté à l'école pendant six ans, dessinant d'après nature et peignant des portraits et des scènes de genre. Pour subvenir à ses besoins, il y a enseigné l'art et a également travaillé comme artiste commercial. Hopper et son ami Rockwell Kent étaient tous les deux dans la classe de Miller, et certains de leurs premiers débats ont porté sur des problèmes de peinture qui restaient d'une fascination primordiale pour Hopper. "J'ai toujours été intrigué par une pièce vide", se souvient-il. "Quand nous étions à l'école. [nous] avons débattu de ce à quoi ressemblait une pièce quand il n'y avait personne pour la voir, personne ne regardait à l'intérieur, même." Dans une pièce vide, l'absence pouvait suggérer la présence. Cette idée a préoccupé Hopper toute sa vie, de la vingtaine à ses dernières années, comme en témoigne Chambres en bord de mer et Soleil dans une pièce vide, deux tableaux majestueux des années 50 et 60.

      Une autre partie essentielle de l'éducation d'un artiste en herbe était de partir à l'étranger. En économisant de l'argent sur ses missions commerciales, Hopper a pu faire trois voyages en Europe entre 1906 et 1910. Il a vécu principalement à Paris, et dans des lettres à la maison, il se réjouissait de la beauté de la ville et de l'appréciation de ses citoyens pour l'art.

      Malgré la jouissance de Hopper de la capitale française, il a enregistré peu de l'innovation ou du ferment qui a engagé d'autres artistes américains résidents. Lors de la première visite de Hopper à Paris, les fauves et les expressionnistes avaient déjà fait leurs débuts, et Picasso s'orientait vers le cubisme. Hopper vit des rétrospectives mémorables de Courbet, qu'il admirait, et de Cézanne, dont il se plaignait. "Beaucoup de Cézannes sont très minces", a-t-il déclaré plus tard à l'écrivain et artiste Brian O'Doherty. "Ils n'ont pas de poids." En tout cas, les propres tableaux parisiens de Hopper donnaient des indices sur le peintre qu'il allait devenir. C'est là qu'il a mis de côté les études de portrait et la palette sombre des années Henri pour se concentrer sur l'architecture, représentant des ponts et des bâtiments brillants dans la douce lumière française.

      Après son retour aux États-Unis en 1910, Hopper n'a plus jamais visité l'Europe. Il était déterminé à trouver sa voie en tant qu'Américain, et une transition vers un style plus individuel peut être détectée dans Le coin de New York, peint en 1913. Dans cette toile, il introduit le motif des bâtiments en briques rouges et la fugue rythmique des fenêtres ouvertes et fermées qu'il portera à une hauteur sensationnelle à la fin des années 1920 avec La ville, du pont de Williamsburg et Tôt le dimanche matin. Mais New York Corner est transitoire, le temps est brumeux plutôt que ensoleillé, et une foule inhabituelle se rassemble devant un perron. Lorsqu'on lui a demandé des années plus tard ce qu'il pensait d'une exposition de 1964 sur le travail de l'artiste Reginald Marsh, le maître des espaces vides et enceintes a répondu: "Il a plus de gens dans une image que j'en ai dans toutes mes peintures."

      En décembre 1913, Hopper a déménagé de Midtown à Greenwich Village, où il a loué un appartement haut de plafond au dernier étage du 3 Washington Square North, une maison de ville en brique donnant sur la place à étages. The combined living and work space was heated by a potbellied stove, the bathroom was in the hall, and Hopper had to climb four flights of stairs to fetch coal for the stove or pick up the paper. But it suited him perfectly.

      Hopper sold one painting in 1913 but didn't make another major sale for a decade. To support himself, he continued to illustrate business and trade journals, assignments he mostly detested. In 1915 he took up printmaking as a way to remain engaged as an artist. His etchings and drypoints found greater acceptance than his paintings and at $10 to $20 each, they occasionally sold. Along with the bridges, buildings, trains and elevated railroads that already were familiar elements in his work, the prints feature a bold development: Hopper began portraying women as part of the passing scene and as the focus of male longing. The etching Night on the El Train is a snapshot of a pair of lovers oblivious to everyone else. Dans Evening Wind, a curvaceous nude climbs onto a bed on whose other side the artist seems to be sitting as he scratches a lovely chiaroscuro moment into a metal plate. In these etchings, New York is a nexus of romantic possibilities, overflowing with fantasies tantalizingly on the brink of fulfillment.

      Between 1923 and 1928, Hopper often spent time during the summer in Gloucester, Massachusetts, a fishing village and art colony on Cape Ann. There he devoted himself to watercolor, a less cumbersome medium that allowed him to work outdoors, painting humble shacks as well as the grand mansions built by merchants and sea captains. The watercolors marked the beginning of Hopper's real professional recognition. He entered six of them in a show at the Brooklyn Museum in November 1923. The museum bought one, The Mansard Roof, a view of an 1873 house that showcases not only the structure's solidity, but the light, air and breeze playing over the building. A year later, Hopper sent a fresh batch of Gloucester watercolors to New York dealer Frank Rehn, whose Fifth Avenue gallery was devoted to prominent American painters. After Rehn mounted a Hopper watercolor show in October 1924 that was a critical and financial smash, the artist quit all commercial work and lived by his art for the rest of his life.

      Hopper's career as a watercolorist had been jump-started by the encouragement of Josephine Verstille Nivison, an artist whom Hopper had first courted in 1923 in Gloucester. The two wed in July 1924. As both were over 40, with established living habits, adjusting to each other took some effort. Their marriage was close—Josephine moved into her husband's Washington Square quarters and did not have a separate work space for many years—and turbulent, for they were physical and temperamental opposites. Towering over her, he was stiff-necked and slow-moving she was small, snappy and birdlike, quick to act and quicker to speak, which some said was constantly. Accounts of Jo Hopper's chattering are legion, but her vivacity and conversational ease must have charmed her future husband, at least initially, for these were traits he lacked. "Sometimes talking with Eddie is just like dropping a stone in a well," Jo quipped, "except that it doesn't thump when it hits bottom." As time passed, he tended to disregard her she resented him. But Hopper probably could not have tolerated a more conventional wife. "Marriage is difficult," Jo told a friend. "But the thing has to be gone through." To which Hopper retorted, "Living with one woman is like living with two or three tigers." Jo kept her husband's art ledgers, guarded against too many guests, put up with his creative dry spells and put her own life on hold when he roused himself into working. She posed for nearly every female figure in his canvases, both for his convenience and her peace of mind. They formed a bond that only Edward's death, at age 84, in 1967 would break. Jo survived him by just ten months, dying 12 days before her 85th birthday.

      Jo Hopper's availability as a model likely spurred her husband toward some of the more contemporary scenes of women and couples that became prominent in his oils of the mid- and late 1920s and gave several of them a Jazz Age edge. Dans Automat et Hacher Suey, smartly clothed independent women, symbols of the flapper era, animate a heady cosmopolitan milieu. Hacher Suey had an especially personal meaning for the Hoppers—the scene and the place derive from a Columbus Circle Chinese restaurant where they often ate during their courtship.

      Hopper ignored much of the city's hurly-burly he avoided its tourist attractions and landmarks, including the skyscraper, in favor of the homely chimney pots rising on the roofs of commonplace houses and industrial lofts. He painted a number of New York's bridges, though not the most famous, the Brooklyn Bridge. He reserved his greatest affection for unexceptional 19th- and early 20th-century structures. Echoing his Gloucester watercolors (and decades ahead of the historic preservation movement), he treasured vernacular buildings, drawing satisfaction from things that stayed as they were.

      By the late 1920s, Hopper was in full command of a powerful urban vision. He had completed several extraordinary paintings that seemed almost carved out of the materials they were depicting, brick by brick and rivet by rivet. Manhattan Bridge Loop (1928) and Early Sunday Morning (1930) match the monumental scale of New York itself, whereas Night Windows (1928) acknowledges in an almost cinematic way the strange nonchalance that results from lives lived in such close proximity: even when you think you are alone, you are observed—and accept the fact. The unsettling nature of Night Windows derives from the position of the viewer—directly across from a half-dressed woman's derrière. The painting suggests that Hopper may have affected movies as much as they affected him. When German director Wim Wenders, a Hopper fan, was asked why the artist appeals to so many filmmakers, he said: "You can always tell where the camera is."

      With the creation of such distinctive paintings, Hopper's reputation soared. Two on the Aisle sold in 1927 for $1,500, and Manhattan Bridge Loop brought $2,500 in 1928. That same year, Frank Rehn took in more than $8,000 for Hopper's oils and watercolors, which yielded the artist about $5,300 (more than $64,000 today). In January 1930, House by the Railroad became the first painting by any artist to enter the permanent collection of New York's newly established Museum of Modern Art. Later that year, the Whitney Museum of American Art bought Early Sunday Morning for $2,000 it would become a cornerstone of that new institution's permanent collection. The august Metropolitan Museum of Art purchased Tables for Ladies for $4,500 in 1931, and in November 1933, the Museum of Modern Art gave Hopper a retrospective exhibition, an honor rarely bestowed on living American artists. He was 51.

      Since 1930, the Hoppers had spent summer vacations in South Truro, Massachusetts, near the tip of Cape Cod. A small town situated between Wellfleet and Provincetown, Truro had kept its local character. In 1933 Jo received an inheritance, which the couple used to build a house there it was completed the next year. The Hoppers would spend nearly every summer and early autumn in Truro for the remainder of their lives.

      By the end of the 1930s, Hopper had changed his working methods. More and more, instead of painting outside, he stayed in his studio and relied on synthesizing remembered images. He pieced together Cape Cod Evening (1939) from sketches and recollected impressions of the Truro vicinity—a nearby grove of locust trees, the doorway of a house miles away, figures done from imagination, dry grass growing outside his studio. In the painting, a man and woman seem separated by their own introspection. Hopper's "equivocal human figures engaged in uncertain relationships mark his paintings as modern" as strongly as his gas pumps and telephone poles, writes art historian Ellen E. Roberts in the current show's catalog.

      The notions of disconnection and inaccessiblity are most fully realized in Nighthawks (1942), Hopper's most famous painting. Like the La Joconde ou Whistler's Mother ou American Gothic, it has taken on a life of its own in popular culture, with its film-noir sensibility sparking scores of parodies. The figures, customers at a late-night eatery, flooded by an eerie greenish light, look like specimens preserved in a jar. Hopper has banished every superfluous detail: the huge plate-glass window is seamless, and there is no visible entrance to the restaurant. Like characters in a crime movie or existential novel, the figures seem trapped in a world that offers no escape.

      As Hopper aged, he found it increasingly difficult to work, and as his output decreased in the late 1940s, some critics labeled him as passé. But younger artists knew better. Richard Diebenkorn, Ed Ruscha, George Segal, Roy Lichtenstein and Eric Fischl appropriated Hopper's world and made it their own. Eight decades after his most evocative canvases were painted, those silent spaces and uneasy encounters still touch us where we are most vulnerable. Edward Hopper, matchless at capturing the play of light, continues to cast a very long shadow.

      Avis Berman is the author of Edward Hopper's New York and the editor of My Love Affair with Modern Art: Behind the Scenes with a Legendary Curator by Katharine Kuh (2006).


      Moonlight Etchings of the Forgotten Artist who Taught Edward Hopper

      Martin Lewis died in obscurity in 1962 a retired art teacher who had found some success in his early career, but was largely forgotten after the Great Depression took away the demand for his craft, leaving Lewis to spend his last three decades teaching other people how to etch. History chose Edward Hopper, but Martin Lewis was his mentor.

      “After I took up my etching, my painting seemed to crystallise,” Hopper is quoted in his biography. It was Martin Lewis, an Australian emigré who had moved to New York in 1909, that helped Edward learn the basics of etching. The two became good friends on the artists circuit where eachothers’ work was presented to the public at various art clubs and small exhibitions.

      Lewis had taken up printmaking by 1915 and was using the etching press to produce prints which became widely admired and collected by the East coast elite. While making a name for themselves in New York City, Hopper asked his friend if he could study alongside him to learn his techniques, making Lewis his mentor for a brief while. As his student, Hopper learned the finer points of etching and both artists used the great American metropolis at night as their muse.

      Years later, when Hopper was preparing for a one-man show in Pittsburgh at the height of his career, he rejected the notion that Lewis’s work had influenced his own or that he had studied “under Lewis” as implied by the exhibit’s biographical essay. “Lewis is an old friend of mine,” he countered. “When I decided to etch, he, who had already done some, was glad to give me some tips, on the purely mechanical processes, grounding the plates, printing etc”. By this time, the two artists were no longer friends however. According to Edward’s wife Josephine, Lewis and his wife Lucille had given the Hoppers up, “quite understandably. It had been too much of a blow to have E.H so successful.”

      Nearly 50 years after his death, Lewis’s print, Shadow Dance (pictured above), sold for $50,400 at an auction in New York, setting a record price for the artist at auction. He had found a renewed, posthumous appreciation in the new millennium, whereas decades earlier, auction houses couldn’t sell off his prints at all and entire lots failed to reach their reserve price.

      Much of his work may yet to be discovered. In 1920s, he was supported and collected by numerous etching societies and museums, but so many works are now held privately, out of public view. We would love to see more, wouldn’t you?

      Prints for sale can be found on The Old Print Shop.


      Edward Hopper - History

      In comparison with the contemporary Dutch American painters, De Kooning and Mondrian, Hopper’s paintings are realistic, and immediately evoke a sense of identification, at least for many of us. Hopper’s work was initially focused on cityscapes, but later he ventured out in the countryside and produced a number of interesting pictures based on small town life.

      Hopper’s best and best-known painting is entitled, “Nighthawks”. The painting shows a few people sitting on counter stools at the counter of a diner style restaurant. It is obviously well after midnight based on the eerily dark and quiet street. The diner is brightly lit and stands apart from the quiet but dark street, from where the artist viewed the people in the diner. Although, to this author, some of his other paintings are also outstanding, the “Nighthawks” painting is viewed as Hopper’s best and best known.

      Edward Hopper was raised in early Dutch Hudson River country. He was born in the small Hudson River town of Nyack, New York. It is reported that his ancestors were of English, Dutch and Welsh backgrounds. Hopper showed an aptitude for art early in his life, and told his parents that he wanted to become an artist, and wanted to attend an art institute. His parents being practical, and probably realistic, urged him to learn illustration, so that he at least would be able to support himself and his family, after he grew up. Following high school, he enrolled at the Corresponding School of Illustrating in New York City. Although it was apparently a correspondence school, Hopper attended the school in person, commuting daily from Nyack to the school in New York City by train.

      After spending one year at the Illustration School, he switched to the New York School of Art, also referred to as the Chase School, because the school was founded by William Merritt Chase [1849-1916], a reasonably well known American artist. While at the school, Hopper worked with Robert Henri [1869-1929], and it was Henri who gave direction to Hopper’s development as an artist. Hopper’s contemporaries at the School were such later luminaries as George Bellows and Rockwell Kent. Hopper remained at the School for several years, supporting himself with teaching, and working as an illustrator. While at the school he also learned much from his teachers and contemporaries. Along the way he even managed to travel to Europe several times to view the artistic developments, then going on in Europe, and notably in Paris. Although he admired what the impressionists were doing, he was not sufficiently impressed to follow their style of painting. He started out as a realist, and remained a realist, as an artist, for the remainder of his life.

      It was not until 1913, when he was 31 years old, that Hopper exhibited at the Armory Show, and sold his first painting. Even after that first success, Hopper’s work did not gain acceptance by the critics and art buyers until 10 years later. In 1923, at age 41, Hopper sold his second painting, a watercolor, painted with a medium that he had switched to then. The title of that work was “The Mansard Roof”. In the following year Hopper exhibited a group of watercolors at a New York City gallery, and every painting he exhibited was sold. A subsequent gallery exhibit, this time a solo exhibit at the Rehn Gallery in New York City, also sold out. This was the time Hopper clearly had arrived as a painter, and as an artist.

      In 1924, with his reputation as a painter solidly established, he settled in Greenwich Village, where he remained for the rest of his life, as a full time and well-established painter. In 1925, he renewed his friendship with a former student from the Art Institute. Her name was Jo Nevison. They got married the same year, in 1925, when Nevison was 40 and Hopper was 42 years old.

      In 1925, Hopper painted what is also considered one of his major pictures, entitled, “The House by the Railroad”. In 1929, Hopper was included in a major exhibition at the Museum of Modern Art in New York City. The exhibition was named, “Paintings by Nineteen Living Americans”. The following year, in 1930, Hopper’s, “The House by the Railroad” entered the permanent collection of the Museum of Modern Art. Also in 1930, the Whitney Museum of American Art purchased Hopper’s painting entitled, “Early Sunday Morning”. In 1933, Hopper was given a retrospective exhibition at the Museum of Modern Art, and it 1950, the Whitney Museum of American Art gave Hopper a more extensive retrospective exhibition.

      Based on the above, Hopper clearly had become one of the major American graphic artists of the twentieth century. His life can best be described by the following quote from Lloyd Goodrich, shown in the paragraph below.

      “No artist has painted a more revealing portrait of twentieth century America. But he was not merely an objective realist. His art was charged with strong personal emotion, with a deep attachment to our familiar everyday world, in all its ugliness, banality, and beauty”.

      Edward Hopper was born in Nyack, New York, on July 22, 1882. He married Jo Nevison in 1925. So far as is known the couple had no children. Hopper passed away in New York City on May 15, 1967, at the age of 84 years. He bequeathed his art remaining in his possession to the Whitney Museum of American Art, in New York City, upon his death.

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      Edward Hopper

      Realist painter who studied with Robert Henri and Kenneth Hayes Miller at the New York School of Art. One of the country’s most honored artists, Hopper was internationally acclaimed in his lifetime and was elected to both the National Institute of Arts and Letters ( 1945 ) and the American Academy of Arts and Letters ( 1955 ). He poetically painted the isolation and detachment of modern life Nighthawks ( 1942 ) is arguably his best-known composition.

      Joan Stahl American Artists in Photographic Portraits from the Peter A. Juley & Son Collection (Washington, D.C. and Mineola, New York: National Museum of American Art and Dover Publications, Inc., 1995 )

      A quintessential American realist, Hopper painted a repertoire of subjects ranging from the lighthouses and Victorian manses of the New England coast to the movie houses, offices, cafeterias, and highways of New York City. Hopper was associated with the Ash Can artists early in his career he studied with Robert Henri at the New York School of Art from 1900 to 1906 and greatly admired John Sloan’s etchings of New York City. In the 1920 s he achieved recognition with his architectural paintings in which light is used dramatically to characterize his subjects. Whether depicting daylight scenes or nocturnal environments, his paintings have an introspective, contemplative aura that is enhanced by his frequent use of solitary figures set against blank walls. Mood was as important to Hopper as subject, as the statement he wrote for the catalogue of his 1933 retrospective at the Museum of Modern Art makes clear: ​ “ My aim in painting has always been the most exact transcription possible of my most intimate impressions of nature.”

      Virginia M. Mecklenburg Modern American Realism: The Sara Roby Foundation Collection (Washington, D.C.: Smithsonian Institution Press for the National Museum of American Art, 1987 )

      Edward Hopper started his career as an illustrator, but soon switched to painting and studied with the artist Robert Henri at the New York School of Art. He made three trips to Paris between 1906 and 1910 , where he stayed with a French family and painted scenes of the city. Back in the United States , he resumed his commercial work, creating engravings and illustrations of everyday American life. These proved such a success that he was encouraged to return to easel painting, and by 1927 he had established himself with an exhibition in New York City . Hopper painted characteristic American subjects, from movie theaters and restaurants to New England lighthouses. His images capture dramatic areas of light and shadow and often evoke a strong sense of isolation and loneliness, even when there is more than one figure portrayed.

      Edward Hopper: The Watercolors

      In the 1920s, inspired perhaps by the particular light and quality of Gloucester, Massachusetts, Edward Hopper began painting watercolors. He has been celebrated since then as one of the most eloquent of America’s realists.

      Crosscurrents: Modern Art from the Sam Rose and Julie Walters Collection

      In eighty-eight striking paintings and sculptures, Crosscurrents captures modernism as it moved from early abstractions by O’Keeffe, to Picasso and Pollock in midcentury, to pop riffs on contemporary culture by Roy Lichtenstein, Wayne Thiebaud, and Tom Wesselmann—all illustrating the com

      Graphic Masters: Highlights from the Smithsonian American Art Museum

      Graphic Masters celebrates the extraordinary variety and accomplishment of American artists’ works on paper.


      About the Author Amanda Hadley

      Amanda graduated from the University of Kansas, where she studied English literature and got a masters degree in library sciences. She enjoys reading, cooking and playing with her nephews. Her best friend is her little dog Brady.

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      Edward Hopper - Biography and Legacy

      Edward Hopper was born into a comfortable, middle-class family in Nyack, New York, in 1882. His parents introduced Edward, and his older sister Marion, to the arts early in life they attended the theatre, concerts and other cultural events, and visited museums. His father owned a dry goods store where Hopper sometimes worked as a teen. Hopper described him as "an incipient intellectual. less at home with his books of accounts than with Montaigne's essays." Both his parents were supportive of his artistic inclinations.

      As a boy, Hopper was quiet and reserved. He was over six feet tall by his early teens, had few friends, and spent much of his time alone with his books and art. His home in Nyack stood on a hill overlooking the Hudson River, just north of New York City. At the time Nyack was a vibrant hub of transit and industry. There was an active train station, three shipbuilding companies, a port for steamboats, and the cross-Hudson ferry. Young Edward spent his days by the river, sketchpad in hand, observing and drawing the rigging and building of boats. This early period is documented in numerous drawings of boats and ships as well as several handmade wooden model boats. As a teen he built a full-sized catboat and briefly considered pursuing a career in naval architecture. The seriousness with which the artist approached his artistic ambitions had already revealed itself by age 10 when he began to sign and date his drawings.

      Période au début

      After graduating high school in 1899, Hopper's parents encouraged him to study commercial illustration instead of fine art. Accordingly, he spent a year at the New York School of Illustration in Manhattan before transferring to the more serious New York School of Art to realize his dream. His teachers there included the American Impressionist William Merritt Chase (who founded the school) and Robert Henri, a leading figure of the Ashcan school, whose proponents advocated depicting the grittier side of urban life. Hopper's classmates at the school included George Bellows, Guy Pene du Bois, and Rockwell Kent.

      In 1905, Hopper began working as an illustrator for a New York City advertising agency but never really liked illustrating and longed for the freedom to paint from his imagination. Unfortunately, success was slow in coming and he was forced to earn his living as an illustrator for nearly 20 more years until his painting career took off.

      Hopper travelled to Europe three times between 1906 and 1910, enjoying two extended stays in Paris. The influence of the Impressionists led him to the streets to draw and paint en plein air, or, as Hopper described it, "from the fact." Years later he would call his work from this period, a form of "modified impressionism." He was especially attracted to Édouard Manet and Edgar Degas's unusual compositional arrangements in their depictions of modern urban life. During a visit to Amsterdam, Hopper also admired Rembrandt's Nightwatch, which called "the most wonderful thing of his I have seen, it's past belief in its reality - it almost amounts to deception."

      After returning from his final trip abroad in 1910, Hopper moved permanently to New York City and, in 1913, settled at 3 Washington Square North. This would be his home and studio for the rest of his life. That same year he sold his first painting, Sailing (1911), for $250 at the Armory show in New York. Though he never stopped painting, it would be 11 years before he sold another painting. During that time he continued to earn his living illustrating and, in 1915, he took up printmaking, producing some 70 etchings and dry points over the next decade. Like the paintings for which he would later become renowned, Hopper's etchings embody a sense alienation and melancholy. One of his better known etchings, Night Shadows (1921) features the birds'-eye viewpoint, the dramatic use of light and shadow, and the air of mystery which would serve as inspiration for many film noir movies of the 1940s. Hopper continued to receive great acclaim for his etchings over the years and considered them an essential part of his artistic development. As he wrote, "After I took up etching, my painting seemed to crystallize."

      Période de maturité

      In 1923, Hopper visited Gloucester, Massachusetts. There he became reacquainted with Josephine (Jo) Nivison, whom he had met years earlier as an art student of Robert Henri. He worked in watercolor that summer and it was Jo who encouraged him later that year to join her in participating in a show at the Brooklyn Museum. He exhibited six watercolors there, including The Mansard Roof (1923), which the museum purchased for $100.

      In 1924, Hopper married Jo. From that time on she became his primary model and most ardent supporter. In that same year he had a solo exhibition of watercolors at the Frank K. M. Rehn Gallery in New York. The show sold out and the Rehn Gallery continued to represent him for the rest of his life. This success enabled Hopper to finally give up illustrating.

      Over the next several years, Hopper's painting style matured and his signature iconography emerged--from isolated figures in public or private interiors, to sun-soaked architecture, silent streets, and coastal scenes with lighthouses. In 1930, House by the Railroad (1925) became the first painting accessioned to the permanent collection of the newly founded Museum of Modern Art. The early 1930s were, indeed, a period of great success for Hopper, with sales to major museums and in 1933, a retrospective at the Museum of Modern Art.

      Despite his commercial success, Hopper and Jo lived a frugal lifestyle, only allowing themselves the indulgence of attending theatre and films. Hopper particularly loved going to movies. His first documented visit to one was in Paris in 1909. As he explained, "When I don't feel in the mood for painting, I go to the movies for a week or more. I go on a regular movie binge."

      Early in their marriage the Hoppers spent summers painting in New England, mostly Gloucester and coastal Maine. They also travelled across the country and to Mexico, where they painted watercolors side by side. From 1934, they began spending summers at the house and studio Hopper designed for them in South Truro, Cape Cod in Massachusetts.

      Late Period

      Hopper continued to be productive during the war years and remained unperturbed by the potential threats following the attack on Pearl Harbor. It was precisely during this period that he worked on his most well known painting, Nighthawks (1942). Through the 1950s and early 1960s, Hopper continued to see acclaim and success, despite the arrival of Abstract Expressionism, Pop, and Minimalism to the New York art scene. The universal appeal of his subjects continued to find an avid audience.

      Hopper was not a prolific painter. He often found it hard to settle on a subject to paint and then spent a great deal of time working out the details of the composition through numerous studies. By the end of his life he averaged just two oils a year. Hopper died on May 15, 1967 and Jo Hopper died just 10 months later, bequeathing their artistic estate to the Whitney Museum of American Art. Hopper is buried, along with Jo, his sister and his parents, in Nyack's Oak Hill Cemetery.

      The Legacy of Edward Hopper

      Hopper has inspired countless painters, photographers, filmmakers, set designers, dancers, writers, and musicians and the term "Hopperesque" is now widely used to connote images reminiscent of Hopper's moods and subjects. In the visual arts, Hopper's influence has touched artists in a range of media including Mark Rothko, George Segal, Banksy, Ed Ruscha, and Tony Oursler . The painter Eric Fischl remarked, "You can tell how great an artist is by how long it takes you to get through his territory. I'm still in the territory that he opened up." Richard Diebenkorn recalled the importance of Hopper's influence on his work when he was a student stating, "I embraced Hopper completely . It was his use of light and shade and the atmosphere . kind of drenched, saturated with mood, and its kind of austerity . It was the kind of work that just seemed made for me. I looked at it and it was mine." In the exhibition and catalogue, Edward Hopper & Company: Hopper's Influence on Photography (2009), Jeffrey Fraenkel examines how Edward Hopper inspired a whole school of photographers including Robert Adams, Diane Arbus, Harry Callahan, William Eggleston, Walker Evans, Robert Frank, Lee Friedlander, and Stephen Shore. Fraenkel writes, "More than almost any American artist, Hopper has had a pervasive impact on the way we see the world--so pervasive as to be almost invisible."

      Hopper has had no less of an impact on cinema. Generations of filmmakers have drawn inspiration from Hopper's dramatic viewpoints, lighting, and overall moods, among them, Sam Mendes, David Lynch, Robert Siodmak, Orson Welles, Wim Wenders, and Billy Wilder. Sa peinture, House by the Railroad (1925) inspired Alfred Hitchcock's house in Psycho (1960) as well as that in Terrence Malick's Days of Heaven (1978).

      Hopper's open-ended narratives have also appealed to writers and musicians. Tom Waits titled an album Nighthawks at the Diner and Madonna named a concert tour after the painting Girlie Show (1941). Joyce Carol Oates refers directly to Hopper in her poem, Edward Hopper's Nighthawks 1942. Many others have created whole collections of stories or poems using Hopper paintings as starting points. Hopper's Nighthawks has been appropriated and used hundreds of times in all forms of media within popular culture. An image of the painting or a facsimile of it can be found in an episode of the Simpsons, as the backdrop for a Peeps marshmallows ad, or featuring Marilyn Monroe and James Dean (in Gottfried Helnwein's Boulevard of Broken Dreams (1984)), morphed into a Starbucks, a space station, and in a variety of cartoons in Le new yorker.

      The artist and writer Victor Burgin properly summed up Hopper's pervasive impact when he said, "We need not look for Hopper in order to find him. We may encounter him by chance at random places where his world intersects our own. We might ask whether or not this photograph by the American documentary photographer Larry Sultan was taken with Edward Hopper's paintings consciously in mind. But the question is irrelevant. To know Hopper's work is to be predisposed to see the world in his terms, consciously or not."


      Voir la vidéo: Nighthawks by Edward Hopper: Great Art Explained (Décembre 2021).